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17世纪威尼斯歌剧的特征： 蒙特威尔第等人在歌剧创作上的发展和创新，使歌剧从简单的叙述形式改变为戏剧性形式，题材也逐渐从以田园生活为故事背景，改变为悲喜剧相间，加入了更多的日常生活情景。他们推动着歌剧大大向前跨进了一步。 17世纪中叶，意大利歌剧在威尼斯基本上定了型，威尼斯歌剧艺术风格具有这样一些特征：历史题材的剧目成为最成功的歌剧；独唱成为歌剧的主要歌唱形式；咏叹调与宣叙调实现了分离，而咏叹调日益受到作者的重视及观众的欢迎；新的美声唱法在歌剧演唱中占据了绝对主导地位。剧情的发展趋向复杂；剧本的结构逐步严谨，舞台的布景装置基本实现了机械化，可以模拟海战、暴风雨、诸神、行进中的大象狮子，还可升降活动。威尼斯舞台美术的一些优秀成果，一直到19世纪仍被沿用。

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奥斯卡获奖：* 1977年：最佳女主角奖 《安妮·霍尔》（Annie Hall）提名：* 1981年：最佳女主角奖 《赤色分子》（Reds）* 1996年：最佳女主角奖 《马文的房间》（Marvin"s Room）* 2003年：最佳女主角奖 《爱是妥协》（Something"s Gotta Give）英国电影学院奖获奖：* 1977年：最佳女主角奖《安妮·霍尔》（Annie Hall）提名：* 1979年：最佳女主角奖 《曼哈顿》（Manhattan）* 1981年：最佳女主角奖 《赤色分子》（Reds）艾美奖提名：* 1995年：连续短剧/电视电影最佳女主角 《最后的飞行》（Amelia Earhart: The Final Flight）金球奖获奖：* 1978年：最佳女主角奖-喜剧与音乐剧类 《安妮·霍尔》（Annie Hall）* 2004年：最佳女主角奖-喜剧与音乐剧类 《爱是妥协》（Something"s Gotta Give）提名：* 1978年：最佳女主角奖-剧情类 《寻找顾巴先生》(Looking for Mr. Goodbar）* 1982年：最佳女主角奖-剧情类 《赤色分子》（Reds）* 1983年：最佳女主角奖-剧情类 《月落妇人心》（Shoot the Moon）* 1985年：最佳女主角奖-剧情类 《铁窗外的春天》（Mrs. Soffe）* 1988年：最佳女主角奖-喜剧与音乐剧类 《婴儿炸弹》（Baby Boom）* 1994年：最佳女主角奖-喜剧与音乐剧类 《曼哈顿神秘谋杀案》（Manhattan Murder Mystery）* 1995年：最佳女主角奖-连续短剧与电视电影 《最后的飞行》 （Amelia Earhart: The Final Flight）

SOFFE

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17世纪威尼斯歌剧的特征： 蒙特威尔第等人在歌剧创作上的发展和创新，使歌剧从简单的叙述形式改变为戏剧性形式，题材也逐渐从以田园生活为故事背景，改变为悲喜剧相间，加入了更多的日常生活情景。他们推动着歌剧大大向前跨进了一步。 17世纪中叶，意大利歌剧在威尼斯基本上定了型，威尼斯歌剧艺术风格具有这样一些特征：历史题材的剧目成为最成功的歌剧；独唱成为歌剧的主要歌唱形式；咏叹调与宣叙调实现了分离，而咏叹调日益受到作者的重视及观众的欢迎；新的美声唱法在歌剧演唱中占据了绝对主导地位。剧情的发展趋向复杂；剧本的结构逐步严谨，舞台的布景装置基本实现了机械化，可以模拟海战、暴风雨、诸神、行进中的大象狮子，还可升降活动。威尼斯舞台美术的一些优秀成果，一直到19世纪仍被沿用。

【歌剧的起源】一般认为欧洲歌剧产生于16世纪末。西方公认的第一部歌剧，是在人文主义影响下，企图恢复古希腊戏剧精神而产生的《达佛涅》（另译《达芙妮》），编剧o.里努奇尼，作曲j.佩里与j.科尔西，1597年（一说完成于1594年）于佛罗伦萨g.巴尔迪伯爵的宫廷内演出，由于此剧原稿失传等原因，也有人把1600年为庆祝亨利四世婚仪而写的《优丽狄茜》做为最早的一部西洋歌剧。由于公众对歌剧的欢迎，1637年威尼斯创设了世界上第一座歌剧院。【歌剧的发展】 17世纪末，在罗马影响最大的是以亚61斯卡拉蒂为代表的那不勒斯歌剧乐派。该乐派在剧中不用合唱及芭蕾场面，而高度发展了被后世称为“美声”的独唱技术。当这种“唯唱工为重”的作风走向极端时，歌剧原有的戏剧性表现力和思想内涵几乎丧失殆尽。于是到18世纪20年代，遂有取材于日常生活、剧情诙谐、音乐质朴的喜歌剧体裁的兴起。意大利喜歌剧的第一部典范之作是帕戈莱西的《女佣作主妇》（1733年首演），该剧原是一部正歌剧的幕间剧，1752年在巴黎上演时，曾遭到保守派的诋毁，因而掀起了歌剧史上著名的“喜歌剧论战”。出于卢梭手笔的法国第一部喜歌剧《乡村占卜师》就是在这场论战和这部歌剧的启示下诞生的。意大利歌剧在法国最先得到改造，而与法兰西的民族文化结合起来。吕利是法国歌剧（“抒情悲剧”）的奠基人，他除了创造出与法语紧密结合的独唱旋律外，还率先将芭蕾场面运用在歌剧中。在英国，普赛尔在本国假面剧传统的基础上，创造出英国第一部民族歌剧《狄东与伊尼阿斯》。在德、奥，则由海顿、狄特尔斯多夫、莫扎特等人将民间歌唱剧发展成德奥民族歌剧，代表作有莫扎特的《魔笛》等。至18世纪，格鲁克针对当时那不勒斯歌剧的平庸、浮浅，力主歌剧必须有深刻的内容，音乐与戏剧必须统一，表现应纯朴、自然。他的主张和《奥菲欧与优丽狄茜》、《伊菲姬尼在奥利德》等作品对后世歌剧的发展有着很大的影响。 19世纪以后，意大利的g.罗西尼、g.威尔迪、g.普契尼，德国的r.瓦格纳、法国的g.比才、俄罗斯的m.i.格林卡、m.p.穆索尔斯基、p.n.柴科夫斯基等歌剧大师为歌剧的发展作出了重要贡献。成型于18世纪的“轻歌剧”（operettta，意为：小歌剧）已演进、发展成为一种独立的体裁。它的特点是：结构短小、音乐通俗，除独唱、重唱、合唱、舞蹈外，还用说白。奥国作曲家索贝、原籍德国的法国作曲家奥芬巴赫是这一体裁的确立者。 20世纪的歌剧作曲家中，初期的代表人物是受瓦格纳影响的理查?施特劳斯（《莎乐美》、《玫瑰骑士》）；第一次世界大战后是将无调性原则运用于歌剧创作中的贝尔格（《沃采克》）；40年代迄今则有：斯特拉文斯基、普罗科菲耶夫、米约、曼诺蒂、巴比尔、奥尔夫、贾纳斯岱拉、亨策、莫尔以及英国著名的作曲家勃里顿等。 【声乐】歌剧中的声乐部分包括独唱、重唱与合唱，歌词就是剧中人物的台词（根据样式不同，也可有说白）；器乐部分通常在全剧开幕时有序曲或前奏曲，早期歌剧还间有献词性质的序幕（包括声乐在内）。在每一幕中，器乐除作为歌唱的伴奏外，还起联接的作用。幕与幕之间常用间奏曲连接，或每幕有自己的前奏曲。在戏剧进展中，还可以插入舞蹈。歌剧的音乐结构可以由相对独立的音乐片断连接而成，也可以是连续不断发展的统一结构。 歌剧中重要的声乐样式有朗诵调、咏叹调、小咏叹调、咏叙调、重唱、合唱等；其体裁样式有正歌剧、喜歌剧、大歌剧、小歌剧、轻歌剧、音乐喜剧、室内歌剧、配乐剧等。 咏叹调咏叹调是歌剧中主角们抒发感情的主要唱段，它们的音乐很好听，结构较完整，能表现歌唱家的声乐技巧，因而我们经常也会在音乐会上听到它们，如《蝴蝶夫人》的咏叹调“晴朗的一天”，《茶花女》的咏叹调“为什么我的心这么激动”、和罗西娜的咏叹调“我的心里有一个声音”等等。宣叙调宣叙调是开展剧情的段落，故事往往就在宣叙调里进行，这时角色有较多对话，这种段落不适宜歌唱性太强，就用了半说半唱的方式，叫做宣叙调，它很像京剧里的韵白。京剧中，青衣、小生或老生都有一种带有夸张语音音调的念白，它虽不是很旋律化，但可使道白便于与前后的歌唱衔接，其功能与西方歌剧里的宣叙调很近似。欧洲歌剧早期的宣叙调非常不歌唱化，叫做“干宣叙调”，往往是用古钢琴弹奏一个和弦给一个调，歌者就在这个调里用许多同音反复的道白来叙述，这种同音反复译成中文非常难听，因为中国语言是有四声的抑扬顿挫的，我们中国人不能用平平的音调唱：你今天吃饭了没有？听起来肯定好笑。所以我们在遇到这种“干宣叙调”时，干脆就拿掉了说唱，改成对白了。但到19世纪，随着歌剧宣叙调的逐渐旋律化，如我们在演唱《茶花女》和《卡门》等歌剧时，就把宣叙调也译配成中文了，有一点旋律性，就可以随着旋律的高低，找到四声合适的中文。重唱重唱就是几个不同的角色按照角色各自特定的情绪和戏剧情节同时歌唱，两个人同时唱的，叫二重唱，有时会把持赞成和反对意见的角色，组织在一个作品里；就可能是三重唱、四重唱、五重唱，在罗西尼的《塞维尼亚理发师》里有六重唱，在莫扎特的《费加罗的婚姻》里甚至有七重唱，十几个人一起唱，有时还分组，一组三、五个人，各有自己的主张，有同情费加罗的，有同情伯爵的，还有看笑话的，作曲家卓越的功力就表现在能把那么多不同的戏剧音乐形象同时组织在一个音响协调、富有表情的音乐段落里面，这就与我们的戏曲很不相同了。还有一个形式就是群众场面的合唱，前面已经说过了，它可以根据剧情要求是男声的、女声的、男女混声的，或者童声的。歌剧有故事情节，歌唱有歌词，它的歌词与音乐和戏剧发展有着密不可分的关系。因而在中国介绍西方歌剧，是用翻译的方式好呢，还是唱原文保持它的“原汁原味”呢？历来就有各有千秋的两种主张。建国后，中国的歌剧工作者在介绍西洋歌剧时，在翻译方面做了很大的努力，这里，有一个重要的问题，就是文学语言不仅要翻译得好，在配到音乐里时，还要符合音乐的规律，听众才会觉得舒服，才能让人接受，这是一门学问，是一个非常艰巨的工作，必须要有音乐修养很高的翻译家，或者翻译家和音乐家的合作才能做好。我个人的观点是：既然观众是来剧院看戏，人们就要求能看得懂。在中国介绍西方歌剧，就最好翻译成中文，才能让人们较为便捷地随时懂得剧情和歌剧音乐的戏剧性，欣赏到亦歌亦演的表演，它至少可以让我们中国听众觉得我们的音乐工作者是很希望他们懂得西方歌剧的魅力的。而这几年的社会时尚是用原文加中文字幕的演唱，它虽然可以表现我们的演员演唱原文的水平，而且有了可能被外国的经纪人看中，被邀请到国外去演出的机会，但据我了解，对听众来讲，对西洋歌剧的接受程度就更远了，观众面更狭窄了，大家会觉得算了，反正你们也不希望我们听懂，何况一些演员的原文水平也不高，其实谁也听不懂，这样对推动西洋歌剧在中国的传播并不有利。一种戏剧形式。由配有音乐的戏剧文本(歌词)组成，演唱时通常用音乐伴奏。除了独唱演员、重唱演员、合唱和乐团团员外，从其一开始，歌剧演出还常常包括舞蹈演员。这种复杂的、开支庞大的音乐戏剧娱乐形式，5个世纪以来一直受到听众喜爱。它与其他戏剧形式的明显区分在于其台词用歌唱而不用语言表达；与音乐戏剧式的戏剧，如轻歌剧和音乐喜剧等的区分，则在于其作品的庄重、结构的严密和伴随音响的严肃。 古代已有诗剧和音乐相结合的作品。古希腊剧作家埃斯库罗斯(Aeschylus)、索福克勒斯(Sophocles)和欧里庇得斯(Euripides)在其剧作中就已采用合唱歌队。中世纪以《圣经》为题材的宗教剧，如神迹剧和奇迹剧，一般也有某种音乐伴奏。这些以及其他音乐戏剧形式可视为歌剧的先声。歌剧产生于16世纪末意大利的佛罗伦斯。第一部歌剧是文艺复兴时期田园诗人利努奇尼(Ottavio Rinuccini)和作曲家佩里(Jacopo Peri)合写的《达夫尼》(Dafne)，现已失传；现存最早的歌剧剧本《尤丽狄西》(Euridice)也是他们的作品。然而，这两位歌剧之父的作品在体裁和结构上均属探索性质。此后约10年，蒙特威尔第(Claudio Monteverdi)的歌剧杰作《奥菲欧》(La favola d"Orfeo)问世。其中，器乐伴奏成为一种戏剧因素；其时歌剧题材多为希腊与罗马神话、传说和虚构的历史故事。 歌剧院世界上第一座歌剧院——圣卡西亚诺剧院(Teatro di San Cassiano)于1637年在威尼斯揭幕，向一般观众开放，从而结束了歌剧由皇室和贵族垄断的时代，大大推动了歌剧的发展。蒙特威尔第的学生卡发利(Francesco Cavalli)是这一时代最著名的歌剧作曲家，他从1639～1669年为威尼斯这座歌剧院创作了共约40部歌剧，其中最有名的为《伊阿宋》(Giasone)。与卡发利同时的意大利歌剧作家蔡斯悌(Pietro Antonio Cesti)，也写有歌剧多部，其最著名之作为《金苹果》(Il pomo d"oro)。17世纪中期后，威尼斯歌剧体裁开始衰退，虽然这时仍出现了几个有才华的作曲家，如常被人称为“喜歌剧之父”的加卢皮(Baldassare Galuppi)。 意大利的其他城市，如罗马，很快发展起其本地风格的歌剧。罗马的歌剧与威尼斯不同，它不太强调舞台的富丽堂皇，而喜用风趣的插曲来减轻全剧的悲剧气氛，注重乐器的序曲和序曲式幕间乐章。罗马也有不少有名的歌剧作家，如创作了第一部完整喜歌剧《受难者即希望所在者》(Chi soffe speri)的马佐契(Virgilio Mazzocchi)和马拉佐利(Marco Marrazzoli)。 18世纪，意大利歌剧中心移至那不勒斯，各种歌剧体裁相继出现，从而影响了意大利以及许多外国歌剧活动中心。其重点是使音乐服从歌词，使人听懂。歌词作者泽诺(Apostolo Zeno)和梅塔斯塔齐奥(Pietro Metastasio)为此作出了贡献。歌剧的咏叹调，特别是三段体咏叹调，占主导地位。那不勒斯歌剧和声纯朴，更为旋律化和轻快，并带有洛可可风格壮丽的音调。代表作家有史卡拉第(Alessandro Scarlatti)、波尔波拉(Nicola Antonio Porpora)、文奇(Leonardo Vinci)和莱奥(Leonardo Leo)。 1720年威尼斯人马尔切罗(Benedetto Marcello)写了《时兴的戏剧，又名创作和演出意大利歌剧万无一失的方法》(Il teatro alla moda,o sia metodo sicuro e facile per ben comporre ed eseguire opere italiane in musica)，讽刺正歌剧中日益增长的、使戏剧性淡薄的陈规陋习，从而引起了歌剧改革的试验，但收效甚微。 17世纪发展出了形式独立的讽刺性喜歌剧。开始时，它往往穿插在正歌剧的幕间。在成熟过程中，它又恢复了一些正歌剧感情严肃的特色，进而使许多喜歌剧带有混合性质。《塞尔维亚的理发师》、《费加洛婚礼》和《秘密结婚》(Il matrimonio segreto)等是此时期的代表作。 1650年前歌剧传入法国，第一部法国歌剧《波蒙纳》(Pomone)于1671年在皇家音乐学院(即今巴黎歌剧院)揭幕式上首演。但歌剧到卢利(Jean-Baptiste Lully)生活的时代才成为真正的法国艺术。意大利人卢利前往巴黎，借用法国话剧与芭蕾舞的特色，创作法国式歌剧。他不喜欢意大利式的咏叹调，主张改用短而活泼的歌曲。他按照法兰西喜剧团的朗诵方式改革了宣叙调，并发展起了法国式的序曲。卢利的风格在拉摩(Jean-phlippe Rameau)的歌剧里达到顶峰，其主要作品有《希波利德和阿利茜》(Hippolyte et Aricie)等。 1627年歌剧传入德国和奥地利后，产生了“民谣歌剧”，涌现了一批歌剧作家，如莫札特、韩德尔、贝多芬等，主要作品有《魔笛》、《奥兰多》、《费加洛婚礼》、《唐璜》、《费德里奥》(Fidelio)、《月球上的世界》(Il mondo della luna)等。1769年，卡尔札比吉(Ranieri de"Calzabigi)和葛路克发表关于歌剧革新的重要文献∶歌剧《阿尔西斯特》(Alceste)的前言献词。他认为多余而花俏的三段体咏叹调应予废除，代之以朴素的表达和真实的感情。音乐的职责是“为诗服务”。葛路克的代表作有《伊菲姬尼在奥利德》(Iphigenie en Aulide)和《伊菲姬尼在图利德》(Iphigenie en Tauride)等。他的改革主张曾产生重大影响。 歌剧传入英国后，经过很长时间才在英国扎根。英国的第一部歌剧是菩赛尔(Henry Purcell)的《狄多和伊尼阿斯》(Dido and Aeneas)；它打破了宣叙调和歌曲之间的界限。《乞丐歌剧》的上演，使英国观众终于习惯于听一种用本国语演唱的舞台剧。 18世纪末至19世纪初，法国的喜歌剧得到了很大发展。1752年卢骚的独幕喜歌剧《乡村卜者》(Guerre des Bouffons)上演，他用混合曲的方式写成总谱，把反映十分通俗的浪漫爱情和歌舞杂耍表演的曲调组合在一起，很有法国风格。尔后这种新的杂烩式喜歌剧便统治了巴黎和其他地区的歌剧舞台。著名剧作家有蒙西尼(Pierre-Alexandre Monsigny)、格雷特里(Andre Gretry)、梅于尔(Etienne-Nicolas Mehul)和布瓦埃尔迪厄(Francois-Adrien Boieldieu)。法国喜歌剧自布瓦埃尔迪厄后，变得更意大利化，反映出罗西尼的影响。在此时期，意大利歌剧一度衰落，后因迈尔(Johann Simon Mayr)、罗西尼、董尼才第(Gaetano Donizetti)和贝利尼(Vincenzo Bellini)等有才华的歌剧作曲家创作了一批有世界声誉的歌剧作品，如《塞尔维亚的理发师》、《安娜．波莲》(Anna Bolena)、《海盗》(Il pirata)、《清教徒》(I puritani)等而重新受人喜爱。 “大歌剧”产生于19世纪的巴黎，这是一种具有国际风格的大型歌剧，采用历史的或虚构的历史故事为题材，舞台上充满了奇景艳服、芭蕾舞和各种跑龙套的方阵队列。它几乎摒弃了美声唱法的精巧细微，极大地扩充了乐团本身和它在戏剧中的作用。第一出公认的大歌剧是梅耶贝尔(Giacomo Meyerbeer)的《魔鬼罗伯特》(Robert le Diable)。梅耶贝尔和阿勒威(Fromental Halevy)之后，大歌剧开始反映出新的音乐趋向，发展成多种多样的混合形式。这时期的法国歌剧作家还有白辽士和奥芬巴赫，二人主要作品有《天堂与地狱》(Orphee aux enfers)、《特洛伊人》、《霍夫曼的故事》(Les Contes d"Hoffmann)等。 德国浪漫主义的歌剧是《魔弹射手》(Der Freischutz)等作品，它们是德国浪漫主义音乐的先导，这时期兴起的还有轻歌剧，约翰．史特劳斯的名作《蝙蝠》使之发展到颠峰。 19世纪后著名歌剧作曲家有∶意大利的威尔第、普契尼、布索尼等；德国和奥地利的华格纳、理查．史特劳斯、费慈纳(Hans Pfitzner)、荀白克、贝尔格等；法国的古诺、比才、托马、马斯奈(Jules Massenet)、德布西、拉威尔。 歌剧传入俄国后，最初多搬演外国作品，尔后才产生了俄国歌剧之父葛令卡(Mikhail Ivanovich Glinka)等一批优秀歌剧作曲家，如林姆斯基-高沙可夫、鲍罗定、穆梭斯基(Modest Mussorgsky)、柴可夫斯基、史特拉汶斯基和普罗高菲夫等。 至20世纪中叶歌剧几乎变成一种博物馆艺术，多是重演旧作而极少新作。歌剧的未来出路有些作家认为在于类似歌剧的、使观众感到惊奇和意外的舞台剧和其他混合的歌剧形式之中，其他人则认为在于为工厂和学校上演而创作的种种小型歌剧之中。

歌剧中的声乐部分包括独唱、重唱与合唱，歌词就是剧中人物的台词（根据样式不同，也可有说白）；器乐部分通常在全剧开幕时有序曲或前奏曲，早期歌剧还间有献词性质的序幕（包括声乐在内）。在每一幕中，器乐除作为歌唱的伴奏外，还起联接的作用。幕与幕之间常用间奏曲连接，或每幕有自己的前奏曲。在戏剧进展中，还可以插入舞蹈。歌剧的音乐结构可以由相对独立的音乐片断连接而成，也可以是连续不断发展的统一结构。歌剧中重要的声乐样式有朗诵调、咏叹调、小咏叹调、宣叙调、重唱、合唱等；其体裁样式有正歌剧、喜歌剧、大歌剧、小歌剧、轻歌剧、音乐喜剧、室内歌剧、配乐剧等。 重唱就是几个不同的角色按照角色各自特定的情绪和戏剧情节同时歌唱，两个人同时唱的，叫二重唱，有时会把持赞成和反对意见的角色，组织在一个作品里；就可能是三重唱、四重唱、五重唱，在罗西尼的《塞维尼亚理发师》里有六重唱，在莫扎特的《费加罗的婚礼》里甚至有七重唱，十几个人一起唱，有时还分组，一组三、五个人，各有自己的主张，有同情费加罗的，有同情伯爵的，还有看笑话的，作曲家卓越的功力就表现在能把那么多不同的戏剧音乐形象同时组织在一个音响协调、富有表情的音乐段落里面，这就与我们的戏曲很不相同了。还有一个形式就是群众场面的合唱，前面已经说过了，它可以根据剧情要求是男声的、女声的、男女混声的，或者童声的。歌剧有故事情节，歌唱有歌词，它的歌词与音乐和戏剧发展有着密不可分的关系。因而在中国介绍西方歌剧，是用翻译的方式好呢，还是唱原文保持它的“原汁原味”呢？历来就有各有千秋的两种主张。建国后，中国的歌剧工作者在介绍西洋歌剧时，在翻译方面做了很大的努力，这里，有一个重要的问题，就是文学语言不仅要翻译得好，在配到音乐里时，还要符合音乐的规律，听众才会觉得舒服，才能让人接受，这是一门学问，是一个非常艰巨的工作，必须要有音乐修养很高的翻译家，或者翻译家和音乐家的合作才能做好。我个人的观点是：既然观众是来剧院看戏，人们就要求能看得懂。在中国介绍西方歌剧，就最好翻译成中文，才能让人们较为便捷地随时懂得剧情和歌剧音乐的戏剧性，欣赏到亦歌亦演的表演，它至少可以让我们中国听众觉得我们的音乐工作者是很希望他们懂得西方歌剧的魅力的。而这几年的社会时尚是用原文加中文字幕的演唱，它虽然可以表现我们的演员演唱原文的水平，而且有了可能被外国的经纪人看中，被邀请到国外去演出的机会，但据我了解，对听众来讲，对西洋歌剧的接受程度就更远了，观众面更狭窄了，大家会觉得算了，反正你们也不希望我们听懂，何况一些演员的原文水平也不高，其实谁也听不懂，这样对推动西洋歌剧在中国的传播并不有利。一种戏剧形式。由配有音乐的戏剧文本(歌词)组成，演唱时通常用音乐伴奏。除了独唱演员、重唱演员、合唱和乐团团员外，从其一开始，歌剧演出还常常包括舞蹈演员。这种复杂的、开支庞大的音乐戏剧娱乐形式，5个世纪以来一直受到听众喜爱。它与其他戏剧形式的明显区分在于其台词用歌唱而不用语言表达；与音乐戏剧式的戏剧，如轻歌剧和音乐喜剧等的区分，则在于其作品的庄重、结构的严密和伴随音响的严肃。古代已有诗剧和音乐相结合的作品。古希腊剧作家埃斯库罗斯(Aeschylus)、索福克勒斯(Sophocles)和欧里庇得斯(Euripides)在其剧作中就已采用合唱歌队。中世纪以《圣经》为题材的宗教剧，如神迹剧和奇迹剧，一般也有某种音乐伴奏。这些以及其他音乐戏剧形式可视为歌剧的先声。歌剧产生于16世纪末意大利的佛罗伦斯。第一部歌剧是文艺复兴时期田园诗人利努奇尼(Ottavio Rinuccini)和作曲家佩里(Jacopo Peri)合写的《达夫尼》(Dafne)，现已失传；现存最早的歌剧剧本《尤丽狄西》(Euridice)也是他们的作品。然而，这两位歌剧之父的作品在体裁和结构上均属探索性质。此后约10年，蒙特威尔第(Claudio Monteverdi)的歌剧杰作《奥菲欧》(La favola d"Orfeo)问世。其中，器乐伴奏成为一种戏剧因素；其时歌剧题材多为希腊与罗马神话、传说和虚构的历史故事。 世界上第一座歌剧院——圣卡西亚诺剧院(Teatro di San Cassiano)于1637年在威尼斯揭幕，向一般观众开放，从而结束了歌剧由皇室和贵族垄断的时代，大大推动了歌剧的发展。蒙特威尔第的学生卡发利(Francesco Cavalli)是这一时代最著名的歌剧作曲家，他从1639～1669年为威尼斯这座歌剧院创作了共约40部歌剧，其中最有名的为《伊阿宋》(Giasone)。与卡发利同时的意大利歌剧作家蔡斯悌(Pietro Antonio Cesti)，也写有歌剧多部，其最著名之作为《金苹果》(Il pomo d"oro)。17世纪中期后，威尼斯歌剧体裁开始衰退，虽然这时仍出现了几个有才华的作曲家，如常被人称为“喜歌剧之父”的加卢皮(Baldassare Galuppi)。意大利的其他城市，如罗马，很快发展起其本地风格的歌剧。罗马的歌剧与威尼斯不同，它不太强调舞台的富丽堂皇，而喜用风趣的插曲来减轻全剧的悲剧气氛，注重乐器的序曲和序曲式幕间乐章。罗马也有不少有名的歌剧作家，如创作了第一部完整喜歌剧《受难者即希望所在者》(Chi soffe speri)的马佐契(Virgilio Mazzocchi)和马拉佐利(Marco Marrazzoli)。18世纪，意大利歌剧中心移至那不勒斯，各种歌剧体裁相继出现，从而影响了意大利以及许多外国歌剧活动中心。其重点是使音乐服从歌词，使人听懂。歌词作者泽诺(Apostolo Zeno)和梅塔斯塔齐奥(Pietro Metastasio)为此作出了贡献。歌剧的咏叹调，特别是三段体咏叹调，占主导地位。那不勒斯歌剧和声纯朴，更为旋律化和轻快，并带有洛可可风格壮丽的音调。代表作家有史卡拉第(Alessandro Scarlatti)、波尔波拉(Nicola Antonio Porpora)、文奇(Leonardo Vinci)和莱奥(Leonardo Leo)。1720年威尼斯人马尔切罗(Benedetto Marcello)写了《时兴的戏剧，又名创作和演出意大利歌剧万无一失的方法》(Il teatro alla moda,o sia metodo sicuro e facile per ben comporre ed eseguire opere italiane in musica)，讽刺正歌剧中日益增长的、使戏剧性淡薄的陈规陋习，从而引起了歌剧改革的试验，但收效甚微。17世纪发展出了形式独立的讽刺性喜歌剧。开始时，它往往穿插在正歌剧的幕间。在成熟过程中，它又恢复了一些正歌剧感情严肃的特色，进而使许多喜歌剧带有混合性质。《塞尔维亚的理发师》、《费加罗的婚礼》和《秘密结婚》(Il matrimonio segreto)等是此时期的代表作。1650年前歌剧传入法国，第一部法国歌剧《波蒙纳》(Pomone)于1671年在皇家音乐学院(即今巴黎歌剧院)揭幕式上首演。但歌剧到卢利(Jean-Baptiste Lully)生活的时代才成为真正的法国艺术。意大利人卢利前往巴黎，借用法国话剧与芭蕾舞的特色，创作法国式歌剧。他不喜欢意大利式的咏叹调，主张改用短而活泼的歌曲。他按照法兰西喜剧团的朗诵方式改革了宣叙调，并发展起了法国式的序曲。卢利的风格在拉摩(Jean-phlippe Rameau)的歌剧里达到顶峰，其主要作品有《希波利德和阿利茜》(Hippolyte et Aricie)等。1627年歌剧传入德国和奥地利后，产生了“民谣歌剧”，涌现了一批歌剧作家，如莫扎特、韩德尔、贝多芬等，主要作品有《魔笛》、《奥兰多》、《费加罗的婚礼》、《唐·璜》、《费德里奥》(Fidelio)、《月球上的世界》(Il mondo della luna)等。1769年，卡尔札比吉(Ranieri de"Calzabigi)和葛路克发表关于歌剧革新的重要文献∶歌剧《阿尔西斯特》(Alceste)的前言献词。他认为多余而花俏的三段体咏叹调应予废除，代之以朴素的表达和真实的感情。音乐的职责是“为诗服务”。葛路克的代表作有《伊菲姬尼在奥利德》(Iphigenie en Aulide)和《伊菲姬尼在图利德》(Iphigenie en Tauride)等。他的改革主张曾产生重大影响。歌剧传入英国后，经过很长时间才在英国扎根。英国的第一部歌剧是普赛尔(Henry Purcell)的《狄多和伊尼阿斯》(Dido and Aeneas)；它打破了宣叙调和歌曲之间的界限。《乞丐歌剧》的上演，使英国观众终于习惯于听一种用本国语演唱的舞台剧。18世纪末至19世纪初，法国的喜歌剧得到了很大发展。1752年卢骚的独幕喜歌剧《乡村卜者》(Guerre des Bouffons)上演，他用混合曲的方式写成总谱，把反映十分通俗的浪漫爱情和歌舞杂耍表演的曲调组合在一起，很有法国风格。尔后这种新的杂烩式喜歌剧便统治了巴黎和其他地区的歌剧舞台。著名剧作家有蒙西尼(Pierre-Alexandre Monsigny)、格雷特里(Andre Gretry)、梅于尔(Etienne-Nicolas Mehul)和布瓦埃尔迪厄(Francois-Adrien Boieldieu)。法国喜歌剧自布瓦埃尔迪厄后，变得更意大利化，反映出罗西尼的影响。在此时期，意大利歌剧一度衰落，后因迈尔(Johann Simon Mayr)、罗西尼、多尼采蒂(Gaetano Donizetti)和贝利尼(Vincenzo Bellini)等有才华的歌剧作曲家创作了一批有世界声誉的歌剧作品，如《塞尔维亚的理发师》、《安娜·波莲》(Anna Bolena)、《海盗》(Il pirata)、《清教徒》(I puritani)等而重新受人喜爱。“大歌剧”产生于19世纪的巴黎，这是一种具有国际风格的大型歌剧，采用历史的或虚构的历史故事为题材，舞台上充满了奇景艳服、芭蕾舞和各种跑龙套的方阵队列。它几乎摒弃了美声唱法的精巧细微，极大地扩充了乐团本身和它在戏剧中的作用。第一出公认的大歌剧是梅耶贝尔(Giacomo Meyerbeer)的《魔鬼罗伯特》(Robert le Diable)。梅耶贝尔和阿勒威(Fromental Halevy)之后，大歌剧开始反映出新的音乐趋向，发展成多种多样的混合形式。这时期的法国歌剧作家还有白辽士和奥芬·巴赫，二人主要作品有《天堂与地狱》(Orphee aux enfers)、《特洛伊人》、《霍夫曼的故事》(Les Contes d"Hoffmann)等。德国浪漫主义的歌剧是《自由射手》(Der Freischutz)等作品，它们是德国浪漫主义音乐的先导，这时期兴起的还有轻歌剧，约翰．史特劳斯的名作《蝙蝠》使之发展到颠峰。19世纪后著名歌剧作曲家有∶意大利的威尔第、普契尼、布索尼等；德国和奥地利的瓦格纳、理查·施特劳斯、费慈纳(Hans Pfitzner)、荀白克、贝尔格等；法国的古诺、比才、托马、马斯奈(Jules Massenet)、德布西、拉威尔。歌剧传入俄国后，最初多搬演外国作品，尔后才产生了俄国歌剧之父格林卡(Mikhail Ivanovich Glinka)等一批优秀歌剧作曲家，如李姆斯基·柯萨阔夫、鲍罗丁、穆梭斯基(Modest Mussorgsky)、柴可夫斯基、史特拉文斯基和普罗高菲夫等。至20世纪中叶，歌剧几乎变成一种博物馆艺术，多是重演旧作而极少新作。歌剧的未来出路有些作家认为在于类似歌剧的、使观众感到惊奇和意外的舞台剧和其他混合的歌剧形式之中，其他人则认为在于为工厂和学校上演而创作的种种小型歌剧之中。　若用标准的叙事学术语加以区分，歌剧叙事在表面上往往是“展示”而非“讲述”。但因为这种展示是多媒介的，所以学者认为它具有与讲述相同的功能。与小说叙事不同的是，歌剧叙事存在于两种不同的形式中：一个是基尔·伊兰（Kier Elam）所谓“戏剧性”文本（即歌剧的音乐总谱和文字/戏剧脚本），一个是“演出”文本——各个不同的演出都是在一段长度相同的时间内对戏剧文本进行阐释，使其直观化，并赋予其气韵生动的有形生命(Elam 1980: 3) 。质言之，舞台上的歌剧作品是两种戏剧文本的调和，其符号的复杂程度与小说中的叙述者所提供的较为相同。许多不同的人——从最初的脚本作者和作曲家到整个演出群体——都参与塑造故事，这是将由观众体验的故事。导演、指挥、演奏员、歌唱演员、（灯光、服饰、舞台等的）设计人员以及其他的个人和群体同心协力，通过各种不同的媒介，以多种手段在舞台上讲述歌剧叙事。

　　音乐剧中的歌曲很多并非独唱曲；音乐剧中的歌曲更短，更简单，易于传唱，人们可以在散步或洗澡的时候唱起这些歌曲。歌剧则靠独唱的咏叹调引领全局。一般来说，咏叹调会伴随着每一次戏剧性的转折将整部戏推向高潮。尽管音乐剧中的歌曲更容易从整部剧中独立出来，也更加适于在酒吧等其他的娱乐场所单独吟唱，但这些歌曲本身不一定适合剧情发展的需要，这就需要演员通过舞蹈或其他的表演来烘托气氛，带动剧情进入高潮。　　音乐剧的独唱与歌剧的咏叹调在听众的情感中占据了不同的位置。同样是表现浪漫爱情的独唱，在音乐剧中，它的曲调可以是感伤的，但在歌剧中，它一定是热情洋溢的；在歌词方面，音乐剧趋于表现饱经忧患的经历，例如“爱——无论你鞭打我，还是伤害我；欺骗我，还是遗弃我，我都将永远是你的！”，歌剧则永远是表现欢欣和喜悦的诗一般的语言。　　与音乐剧不同，在歌剧里，主人公总保持着优雅而高贵的举止来生活、相爱和逝去。在每次踏上旅途时，他们会祈祷，“主啊，我上路了！”仿佛这不仅是一次地理意义上的旅行，更是精神上的旅程。但在音乐剧中，主人公与爱人告别的场景可以是杂乱的集市，甚至是垃圾场，他们也一定是疲惫不堪和心神憔悴。　　起源于巴洛克时期（约17世纪至18世纪中叶）的歌剧，即使是在20世纪现代主义影响下的低潮期，也一直渴望成为一项伟大的艺术。它想表现人类的共性，提取情感的精华，蔑视日常生活中的小智慧。剧中的反面角色被刻画成十恶不赦的彻彻底底的坏人，英雄们则勇敢无畏。音乐剧中的男女主角更加人性化，他们也会犯错误，也可以失去工作、穷困潦倒、无家可归，但是他们在经历坎坷之后总能得到真爱、财富和幸福。　　音乐剧并不追求卓越与出众，也没有野心，因此，它们被认为是平庸的创作。它们宁愿逃避，也不抗争；宁愿犯一些小小的过错，也不愿只为理想而生活。音乐剧赞扬民主，它赞扬那些在平凡生活中追求浪漫和幸福的普通人，而对那些自命不凡的富人，尤其是贵族们，则充满了鄙视和嘲弄。　　歌剧　　歌剧（opera）是将音乐（声乐与器乐）、戏剧（剧本与表演）、文学（诗歌）、舞蹈（民间舞与芭蕾）、舞台美术等融为一体的综合性艺术，通常由咏叹调、宣叙调、重唱、合唱、序曲、间奏曲、舞蹈场面等组成（有时也用说白和朗诵)。早在古希腊的戏剧中，就有合唱队的伴唱，有些朗诵甚至也以歌唱的形式出现；中世纪以宗教故事为题材，宣扬宗教观点的神迹剧等亦香火缭绕，持续不断。但真正称得上“音乐的戏剧”的近代西洋歌剧，却是16世纪末、17世纪初，随着文艺复兴时期音乐文化的世俗化而应运产生的。　　【歌剧的起源】　　一般认为欧洲歌剧产生于16世纪末。西方公认的第一部歌剧，是在人文主义影响下，企图恢复古希腊戏剧精神而产生的《达佛涅》（另译《达芙妮》），编剧o.里努奇尼，作曲j.佩里与j.科尔西，1597年（一说完成于1594年）于佛罗伦萨g.巴尔迪伯爵的宫廷内演出，由于此剧原稿失传等原因，也有人把1600年为庆祝亨利四世婚仪而写的《优丽狄茜》做为最早的一部西洋歌剧。由于公众对歌剧的欢迎，1637年威尼斯创设了世界上第一座歌剧院。　　【歌剧的发展】　　17世纪末，在罗马影响最大的是以亚•斯卡拉蒂为代表的那不勒斯歌剧乐派。该乐派在剧中不用合唱及芭蕾场面，而高度发展了被后世称为“美声”的独唱技术。当这种“唯唱工为重”的作风走向极端时，歌剧原有的戏剧性表现力和思想内涵几乎丧失殆尽。于是到18世纪20年代，遂有取材于日常生活、剧情诙谐、音乐质朴的喜歌剧体裁的兴起。意大利喜歌剧的第一部典范之作是帕戈莱西的《女佣作主妇》（1733年首演），该剧原是一部正歌剧的幕间剧，1752年在巴黎上演时，曾遭到保守派的诋毁，因而掀起了歌剧史上著名的“喜歌剧论战”。出于卢梭手笔的法国第一部喜歌剧《乡村占卜师》就是在这场论战和这部歌剧的启示下诞生的。　　意大利歌剧在法国最先得到改造，而与法兰西的民族文化结合起来。吕利是法国歌剧（“抒情悲剧”）的奠基人，他除了创造出与法语紧密结合的独唱旋律外，还率先将芭蕾场面运用在歌剧中。在英国，普赛尔在本国假面剧传统的基础上，创造出英国第一部民族歌剧《狄东与伊尼阿斯》。在德、奥，则由海顿、狄特尔斯多夫、莫扎特等人将民间歌唱剧发展成德奥民族歌剧，代表作有莫扎特的《魔笛》等。至18世纪，格鲁克针对当时那不勒斯歌剧的平庸、浮浅，力主歌剧必须有深刻的内容，音乐与戏剧必须统一，表现应纯朴、自然。他的主张和《奥菲欧与优丽狄茜》、《伊菲姬尼在奥利德》等作品对后世歌剧的发展有着很大的影响。　　19世纪以后，意大利的g.罗西尼、g.威尔迪、g.普契尼，德国的r.瓦格纳、法国的g.比才、俄罗斯的m.i.格林卡、m.p.穆索尔斯基、p.n.柴科夫斯基等歌剧大师为歌剧的发展作出了重要贡献。成型于18世纪的“轻歌剧”（operettta，意为：小歌剧）已演进、发展成为一种独立的体裁。它的特点是：结构短小、音乐通俗，除独唱、重唱、合唱、舞蹈外，还用说白。奥国作曲家索贝、原籍德国的法国作曲家奥芬巴赫是这一体裁的确立者。　　20世纪的歌剧作曲家中，初期的代表人物是受瓦格纳影响的理查?施特劳斯（《莎乐美》、《玫瑰骑士》）；第一次世界大战后是将无调性原则运用于歌剧创作中的贝尔格（《沃采克》）；40年代迄今则有：斯特拉文斯基、普罗科菲耶夫、米约、曼诺蒂、巴比尔、奥尔夫、贾纳斯岱拉、亨策、莫尔以及英国著名的作曲家勃里顿等。　　【声乐】　　歌剧中的声乐部分包括独唱、重唱与合唱，歌词就是剧中人物的台词（根据样式不同，也可有说白）；器乐部分通常在全剧开幕时有序曲或前奏曲，早期歌剧还间有献词性质的序幕（包括声乐在内）。在每一幕中，器乐除作为歌唱的伴奏外，还起联接的作用。幕与幕之间常用间奏曲连接，或每幕有自己的前奏曲。在戏剧进展中，还可以插入舞蹈。歌剧的音乐结构可以由相对独立的音乐片断连接而成，也可以是连续不断发展的统一结构。　　歌剧中重要的声乐样式有朗诵调、咏叹调、小咏叹调、咏叙调、重唱、合唱等；其体裁样式有正歌剧、喜歌剧、大歌剧、小歌剧、轻歌剧、音乐喜剧、室内歌剧、配乐剧等。　　咏叹调　　咏叹调是歌剧中主角们抒发感情的主要唱段，它们的音乐很好听，结构较完整，能表现歌唱家的声乐技巧，因而我们经常也会在音乐会上听到它们，如《蝴蝶夫人》的咏叹调“晴朗的一天”，《茶花女》的咏叹调“为什么我的心这么激动”、和罗西娜的咏叹调“我的心里有一个声音”等等。　　宣叙调　　宣叙调是开展剧情的段落，故事往往就在宣叙调里进行，这时角色有较多对话，这种段落不适宜歌唱性太强，就用了半说半唱的方式，叫做宣叙调，它很像京剧里的韵白。京剧中，青衣、小生或老生都有一种带有夸张语音音调的念白，它虽不是很旋律化，但可使道白便于与前后的歌唱衔接，其功能与西方歌剧里的宣叙调很近似。欧洲歌剧早期的宣叙调非常不歌唱化，叫做“干宣叙调”，往往是用古钢琴弹奏一个和弦给一个调，歌者就在这个调里用许多同音反复的道白来叙述，这种同音反复译成中文非常难听，因为中国语言是有四声的抑扬顿挫的，我们中国人不能用平平的音调唱：你今天吃饭了没有？听起来肯定好笑。所以我们在遇到这种“干宣叙调”时，干脆就拿掉了说唱，改成对白了。但到19世纪，随着歌剧宣叙调的逐渐旋律化，如我们在演唱《茶花女》和《卡门》等歌剧时，就把宣叙调也译配成中文了，有一点旋律性，就可以随着旋律的高低，找到四声合适的中文。　　重唱　　重唱就是几个不同的角色按照角色各自特定的情绪和戏剧情节同时歌唱，两个人同时唱的，叫二重唱，有时会把持赞成和反对意见的角色，组织在一个作品里；就可能是三重唱、四重唱、五重唱，在罗西尼的《塞维尼亚理发师》里有六重唱，在莫扎特的《费加罗的婚姻》里甚至有七重唱，十几个人一起唱，有时还分组，一组三、五个人，各有自己的主张，有同情费加罗的，有同情伯爵的，还有看笑话的，作曲家卓越的功力就表现在能把那么多不同的戏剧音乐形象同时组织在一个音响协调、富有表情的音乐段落里面，这就与我们的戏曲很不相同了。　　还有一个形式就是群众场面的合唱，前面已经说过了，它可以根据剧情要求是男声的、女声的、男女混声的，或者童声的。　　歌剧有故事情节，歌唱有歌词，它的歌词与音乐和戏剧发展有着密不可分的关系。因而在中国介绍西方歌剧，是用翻译的方式好呢，还是唱原文保持它的“原汁原味”呢？历来就有各有千秋的两种主张。建国后，中国的歌剧工作者在介绍西洋歌剧时，在翻译方面做了很大的努力，这里，有一个重要的问题，就是文学语言不仅要翻译得好，在配到音乐里时，还要符合音乐的规律，听众才会觉得舒服，才能让人接受，这是一门学问，是一个非常艰巨的工作，必须要有音乐修养很高的翻译家，或者翻译家和音乐家的合作才能做好。我个人的观点是：既然观众是来剧院看戏，人们就要求能看得懂。在中国介绍西方歌剧，就最好翻译成中文，才能让人们较为便捷地随时懂得剧情和歌剧音乐的戏剧性，欣赏到亦歌亦演的表演，它至少可以让我们中国听众觉得我们的音乐工作者是很希望他们懂得西方歌剧的魅力的。而这几年的社会时尚是用原文加中文字幕的演唱，它虽然可以表现我们的演员演唱原文的水平，而且有了可能被外国的经纪人看中，被邀请到国外去演出的机会，但据我了解，对听众来讲，对西洋歌剧的接受程度就更远了，观众面更狭窄了，大家会觉得算了，反正你们也不希望我们听懂，何况一些演员的原文水平也不高，其实谁也听不懂，这样对推动西洋歌剧在中国的传播并不有利。　　一种戏剧形式。由配有音乐的戏剧文本(歌词)组成，演唱时通常用音乐伴奏。除了独唱演员、重唱演员、合唱和乐团团员外，从其一开始，歌剧演出还常常包括舞蹈演员。这种复杂的、开支庞大的音乐戏剧娱乐形式，5个世纪以来一直受到听众喜爱。它与其他戏剧形式的明显区分在于其台词用歌唱而不用语言表达；与音乐戏剧式的戏剧，如轻歌剧和音乐喜剧等的区分，则在于其作品的庄重、结构的严密和伴随音响的严肃。　　古代已有诗剧和音乐相结合的作品。古希腊剧作家埃斯库罗斯(Aeschylus)、索福克勒斯(Sophocles)和欧里庇得斯(Euripides)在其剧作中就已采用合唱歌队。中世纪以《圣经》为题材的宗教剧，如神迹剧和奇迹剧，一般也有某种音乐伴奏。这些以及其他音乐戏剧形式可视为歌剧的先声。歌剧产生于16世纪末意大利的佛罗伦斯。第一部歌剧是文艺复兴时期田园诗人利努奇尼(Ottavio Rinuccini)和作曲家佩里(Jacopo Peri)合写的《达夫尼》(Dafne)，现已失传；现存最早的歌剧剧本《尤丽狄西》(Euridice)也是他们的作品。然而，这两位歌剧之父的作品在体裁和结构上均属探索性质。此后约10年，蒙特威尔第(Claudio Monteverdi)的歌剧杰作《奥菲欧》(La favola d"Orfeo)问世。其中，器乐伴奏成为一种戏剧因素；其时歌剧题材多为希腊与罗马神话、传说和虚构的历史故事。　　歌剧院　　世界上第一座歌剧院——圣卡西亚诺剧院(Teatro di San Cassiano)于1637年在威尼斯揭幕，向一般观众开放，从而结束了歌剧由皇室和贵族垄断的时代，大大推动了歌剧的发展。蒙特威尔第的学生卡发利(Francesco Cavalli)是这一时代最著名的歌剧作曲家，他从1639～1669年为威尼斯这座歌剧院创作了共约40部歌剧，其中最有名的为《伊阿宋》(Giasone)。与卡发利同时的意大利歌剧作家蔡斯悌(Pietro Antonio Cesti)，也写有歌剧多部，其最著名之作为《金苹果》(Il pomo d"oro)。17世纪中期后，威尼斯歌剧体裁开始衰退，虽然这时仍出现了几个有才华的作曲家，如常被人称为“喜歌剧之父”的加卢皮(Baldassare Galuppi)。　　意大利的其他城市，如罗马，很快发展起其本地风格的歌剧。罗马的歌剧与威尼斯不同，它不太强调舞台的富丽堂皇，而喜用风趣的插曲来减轻全剧的悲剧气氛，注重乐器的序曲和序曲式幕间乐章。罗马也有不少有名的歌剧作家，如创作了第一部完整喜歌剧《受难者即希望所在者》(Chi soffe speri)的马佐契(Virgilio Mazzocchi)和马拉佐利(Marco Marrazzoli)。　　18世纪，意大利歌剧中心移至那不勒斯，各种歌剧体裁相继出现，从而影响了意大利以及许多外国歌剧活动中心。其重点是使音乐服从歌词，使人听懂。歌词作者泽诺(Apostolo Zeno)和梅塔斯塔齐奥(Pietro Metastasio)为此作出了贡献。歌剧的咏叹调，特别是三段体咏叹调，占主导地位。那不勒斯歌剧和声纯朴，更为旋律化和轻快，并带有洛可可风格壮丽的音调。代表作家有史卡拉第(Alessandro Scarlatti)、波尔波拉(Nicola Antonio Porpora)、文奇(Leonardo Vinci)和莱奥(Leonardo Leo)。　　1720年威尼斯人马尔切罗(Benedetto Marcello)写了《时兴的戏剧，又名创作和演出意大利歌剧万无一失的方法》(Il teatro alla moda,o sia metodo sicuro e facile per ben comporre ed eseguire opere italiane in musica)，讽刺正歌剧中日益增长的、使戏剧性淡薄的陈规陋习，从而引起了歌剧改革的试验，但收效甚微。　　17世纪发展出了形式独立的讽刺性喜歌剧。开始时，它往往穿插在正歌剧的幕间。在成熟过程中，它又恢复了一些正歌剧感情严肃的特色，进而使许多喜歌剧带有混合性质。《塞尔维亚的理发师》、《费加洛婚礼》和《秘密结婚》(Il matrimonio segreto)等是此时期的代表作。　　1650年前歌剧传入法国，第一部法国歌剧《波蒙纳》(Pomone)于1671年在皇家音乐学院(即今巴黎歌剧院)揭幕式上首演。但歌剧到卢利(Jean-Baptiste Lully)生活的时代才成为真正的法国艺术。意大利人卢利前往巴黎，借用法国话剧与芭蕾舞的特色，创作法国式歌剧。他不喜欢意大利式的咏叹调，主张改用短而活泼的歌曲。他按照法兰西喜剧团的朗诵方式改革了宣叙调，并发展起了法国式的序曲。卢利的风格在拉摩(Jean-phlippe Rameau)的歌剧里达到顶峰，其主要作品有《希波利德和阿利茜》(Hippolyte et Aricie)等。　　1627年歌剧传入德国和奥地利后，产生了“民谣歌剧”，涌现了一批歌剧作家，如莫札特、韩德尔、贝多芬等，主要作品有《魔笛》、《奥兰多》、《费加洛婚礼》、《唐璜》、《费德里奥》(Fidelio)、《月球上的世界》(Il mondo della luna)等。1769年，卡尔札比吉(Ranieri de"Calzabigi)和葛路克发表关于歌剧革新的重要文献∶歌剧《阿尔西斯特》(Alceste)的前言献词。他认为多余而花俏的三段体咏叹调应予废除，代之以朴素的表达和真实的感情。音乐的职责是“为诗服务”。葛路克的代表作有《伊菲姬尼在奥利德》(Iphigenie en Aulide)和《伊菲姬尼在图利德》(Iphigenie en Tauride)等。他的改革主张曾产生重大影响。　　歌剧传入英国后，经过很长时间才在英国扎根。英国的第一部歌剧是菩赛尔(Henry Purcell)的《狄多和伊尼阿斯》(Dido and Aeneas)；它打破了宣叙调和歌曲之间的界限。《乞丐歌剧》的上演，使英国观众终于习惯于听一种用本国语演唱的舞台剧。　　18世纪末至19世纪初，法国的喜歌剧得到了很大发展。1752年卢骚的独幕喜歌剧《乡村卜者》(Guerre des Bouffons)上演，他用混合曲的方式写成总谱，把反映十分通俗的浪漫爱情和歌舞杂耍表演的曲调组合在一起，很有法国风格。尔后这种新的杂烩式喜歌剧便统治了巴黎和其他地区的歌剧舞台。著名剧作家有蒙西尼(Pierre-Alexandre Monsigny)、格雷特里(Andre Gretry)、梅于尔(Etienne-Nicolas Mehul)和布瓦埃尔迪厄(Francois-Adrien Boieldieu)。法国喜歌剧自布瓦埃尔迪厄后，变得更意大利化，反映出罗西尼的影响。在此时期，意大利歌剧一度衰落，后因迈尔(Johann Simon Mayr)、罗西尼、董尼才第(Gaetano Donizetti)和贝利尼(Vincenzo Bellini)等有才华的歌剧作曲家创作了一批有世界声誉的歌剧作品，如《塞尔维亚的理发师》、《安娜．波莲》(Anna Bolena)、《海盗》(Il pirata)、《清教徒》(I puritani)等而重新受人喜爱。　　“大歌剧”产生于19世纪的巴黎，这是一种具有国际风格的大型歌剧，采用历史的或虚构的历史故事为题材，舞台上充满了奇景艳服、芭蕾舞和各种跑龙套的方阵队列。它几乎摒弃了美声唱法的精巧细微，极大地扩充了乐团本身和它在戏剧中的作用。第一出公认的大歌剧是梅耶贝尔(Giacomo Meyerbeer)的《魔鬼罗伯特》(Robert le Diable)。梅耶贝尔和阿勒威(Fromental Halevy)之后，大歌剧开始反映出新的音乐趋向，发展成多种多样的混合形式。这时期的法国歌剧作家还有白辽士和奥芬巴赫，二人主要作品有《天堂与地狱》(Orphee aux enfers)、《特洛伊人》、《霍夫曼的故事》(Les Contes d"Hoffmann)等。　　德国浪漫主义的歌剧是《魔弹射手》(Der Freischutz)等作品，它们是德国浪漫主义音乐的先导，这时期兴起的还有轻歌剧，约翰．史特劳斯的名作《蝙蝠》使之发展到颠峰。　　19世纪后著名歌剧作曲家有∶意大利的威尔第、普契尼、布索尼等；德国和奥地利的华格纳、理查．史特劳斯、费慈纳(Hans Pfitzner)、荀白克、贝尔格等；法国的古诺、比才、托马、马斯奈(Jules Massenet)、德布西、拉威尔。　　歌剧传入俄国后，最初多搬演外国作品，尔后才产生了俄国歌剧之父葛令卡(Mikhail Ivanovich Glinka)等一批优秀歌剧作曲家，如林姆斯基-高沙可夫、鲍罗定、穆梭斯基(Modest Mussorgsky)、柴可夫斯基、史特拉汶斯基和普罗高菲夫等。　　至20世纪中叶歌剧几乎变成一种博物馆艺术，多是重演旧作而极少新作。歌剧的未来出路有些作家认为在于类似歌剧的、使观众感到惊奇和意外的舞台剧和其他混合的歌剧形式之中，其他人则认为在于为工厂和学校上演而创作的种种小型歌剧之中。　　评剧：　　评剧，外来剧种，19世纪末传入营口。开始是以对口莲花落的形式出现的。清光绪三十二年（1906年），营口出现专演莲花落的李子祥共和班。20年代，该班的女旦崛起后，营口评剧舞台上的女旦逐步取代男旦。营口成为评剧演唱四大基地之一。中华人民共和国成立后，营口市、县相继建立了评剧专业演团体，演出活动呈一时之盛。70年代末以后，各剧团相继恢复，受到欢迎和好评。辽宁省营口市盼盼评剧团始建于1952年，已有五十年的历史。《狸猫换太子》、《李三娘》为代表的9台剧目，近两年与广州唱金影视有限公司合作录制影碟后在全国发行。现代评剧《烽火少年》在省内外演出共300余场，更受到各级领导和各界观众的普遍赞誉。2002年9月，营口市评剧团的新编传统评剧《奇冤义胆》，在第三届中国评剧艺术节中，荣获优秀演出奖。这是建国以来我市专业团体获得的最高奖项。

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分类: 娱乐休闲 >> 明星 解析: 歌剧（opera）是将音乐（声乐与器乐）、戏剧（剧本与表演）、文学（诗歌）、舞蹈（民间舞与芭蕾）、舞台美术等融为一体的综合性艺术，通常由咏叹调、宣叙调、重唱、合唱、序曲、间奏曲、舞蹈场面等组成（有时也用说白和朗诵)。早在古希腊的戏剧中，就有合唱队的伴唱，有些朗诵甚至也以歌唱的形式出现；中世纪以宗教故事为题材，宣扬宗教观点的神迹剧等亦香火缭绕，持续不断。但真正称得上“音乐的戏剧”的近代西洋歌剧，却是16世纪末、17世纪初，随着文艺复兴时期音乐文化的世俗化而应运产生的。 【歌剧的起源】 一般认为欧洲歌剧产生于16世纪末。西方公认的第一部歌剧，是在人文主义影响下，企图恢复古希腊戏剧精神而产生的《达佛涅》（另译《达芙妮》），编剧o.里努奇尼，作曲j.佩里与j.科尔西，1597年（一说完成于1594年）于佛罗伦萨g.巴尔迪伯爵的宫廷内演出，由于此剧原稿失传等原因，也有人把1600年为庆祝亨利四世婚仪而写的《优丽狄茜》做为最早的一部西洋歌剧。由于公众对歌剧的欢迎，1637年威尼斯创设了世界上第一座歌剧院。 【歌剧的发展】 17世纪末，在罗马影响最大的是以亚u2022斯卡拉蒂为代表的那不勒斯歌剧乐派。该乐派在剧中不用合唱及芭蕾场面，而高度发展了被后世称为“美声”的独唱技术。当这种“唯唱工为重”的作风走向极端时，歌剧原有的戏剧性表现力和思想内涵几乎丧失殆尽。于是到18世纪20年代，遂有取材于日常生活、剧情诙谐、音乐质朴的喜歌剧体裁的兴起。意大利喜歌剧的第一部典范之作是帕戈莱西的《女佣作主妇》（1733年首演），该剧原是一部正歌剧的幕间剧，1752年在巴黎上演时，曾遭到保守派的诋毁，因而掀起了歌剧史上著名的“喜歌剧论战”。出于卢梭手笔的法国第一部喜歌剧《乡村占卜师》就是在这场论战和这部歌剧的启示下诞生的。 意大利歌剧在法国最先得到改造，而与法兰西的民族文化结合起来。吕利是法国歌剧（“抒情悲剧”）的奠基人，他除了创造出与法语紧密结合的独唱旋律外，还率先将芭蕾场面运用在歌剧中。在英国，普赛尔在本国假面剧传统的基础上，创造出英国第一部民族歌剧《狄东与伊尼阿斯》。在德、奥，则由海顿、狄特尔斯多夫、莫扎特等人将民间歌唱剧发展成德奥民族歌剧，代表作有莫扎特的《魔笛》等。至18世纪，格鲁克针对当时那不勒斯歌剧的平庸、浮浅，力主歌剧必须有深刻的内容，音乐与戏剧必须统一，表现应纯朴、自然。他的主张和《奥菲欧与优丽狄茜》、《伊菲姬尼在奥利德》等作品对后世歌剧的发展有着很大的影响。 19世纪以后，意大利的g.罗西尼、g.威尔迪、g.普契尼，德国的r.瓦格纳、法国的g.比才、俄罗斯的m.i.格林卡、m.p.穆索尔斯基、p.n.柴科夫斯基等歌剧大师为歌剧的发展作出了重要贡献。成型于18世纪的“轻歌剧”（operettta，意为：小歌剧）已演进、发展成为一种独立的体裁。它的特点是：结构短小、音乐通俗，除独唱、重唱、合唱、舞蹈外，还用说白。奥国作曲家索贝、原籍德国的法国作曲家奥芬巴赫是这一体裁的确立者。 20世纪的歌剧作曲家中，初期的代表人物是受瓦格纳影响的理查?施特劳斯（《莎乐美》、《玫瑰骑士》）；第一次世界大战后是将无调性原则运用于歌剧创作中的贝尔格（《沃采克》）；40年代迄今则有：斯特拉文斯基、普罗科菲耶夫、米约、曼诺蒂、巴比尔、奥尔夫、贾纳斯岱拉、亨策、莫尔以及英国著名的作曲家勃里顿等。 【声乐】 歌剧中的声乐部分包括独唱、重唱与合唱，歌词就是剧中人物的台词（根据样式不同，也可有说白）；器乐部分通常在全剧开幕时有序曲或前奏曲，早期歌剧还间有献词性质的序幕（包括声乐在内）。在每一幕中，器乐除作为歌唱的伴奏外，还起联接的作用。幕与幕之间常用间奏曲连接，或每幕有自己的前奏曲。在戏剧进展中，还可以插入舞蹈。歌剧的音乐结构可以由相对独立的音乐片断连接而成，也可以是连续不断发展的统一结构。 歌剧中重要的声乐样式有朗诵调、咏叹调、小咏叹调、咏叙调、重唱、合唱等；其体裁样式有正歌剧、喜歌剧、大歌剧、小歌剧、轻歌剧、音乐喜剧、室内歌剧、配乐剧等。 咏叹调 咏叹调是歌剧中主角们抒发感情的主要唱段，它们的音乐很好听，结构较完整，能表现歌唱家的声乐技巧，因而我们经常也会在音乐会上听到它们，如《蝴蝶夫人》的咏叹调“晴朗的一天”，《茶花女》的咏叹调“为什么我的心这么激动”、和罗西娜的咏叹调“我的心里有一个声音”等等。 宣叙调 宣叙调是开展剧情的段落，故事往往就在宣叙调里进行，这时角色有较多对话，这种段落不适宜歌唱性太强，就用了半说半唱的方式，叫做宣叙调，它很像京剧里的韵白。京剧中，青衣、小生或老生都有一种带有夸张语音音调的念白，它虽不是很旋律化，但可使道白便于与前后的歌唱衔接，其功能与西方歌剧里的宣叙调很近似。欧洲歌剧早期的宣叙调非常不歌唱化，叫做“干宣叙调”，往往是用古钢琴弹奏一个 *** 给一个调，歌者就在这个调里用许多同音反复的道白来叙述，这种同音反复译成中文非常难听，因为中国语言是有四声的抑扬顿挫的，我们中国人不能用平平的音调唱：你今天吃饭了没有？听起来肯定好笑。所以我们在遇到这种“干宣叙调”时，干脆就拿掉了说唱，改成对白了。但到19世纪，随着歌剧宣叙调的逐渐旋律化，如我们在演唱《茶花女》和《卡门》等歌剧时，就把宣叙调也译配成中文了，有一点旋律性，就可以随着旋律的高低，找到四声合适的中文。 重唱 重唱就是几个不同的角色按照角色各自特定的情绪和戏剧情节同时歌唱，两个人同时唱的，叫二重唱，有时会把持赞成和反对意见的角色，组织在一个作品里；就可能是三重唱、四重唱、五重唱，在罗西尼的《塞维尼亚理发师》里有六重唱，在莫扎特的《费加罗的婚姻》里甚至有七重唱，十几个人一起唱，有时还分组，一组三、五个人，各有自己的主张，有同情费加罗的，有同情伯爵的，还有看笑话的，作曲家卓越的功力就表现在能把那么多不同的戏剧音乐形象同时组织在一个音响协调、富有表情的音乐段落里面，这就与我们的戏曲很不相同了。 还有一个形式就是群众场面的合唱，前面已经说过了，它可以根据剧情要求是男声的、女声的、男女混声的，或者童声的。 歌剧有故事情节，歌唱有歌词，它的歌词与音乐和戏剧发展有着密不可分的关系。因而在中国介绍西方歌剧，是用翻译的方式好呢，还是唱原文保持它的“原汁原味”呢？历来就有各有千秋的两种主张。建国后，中国的歌剧工作者在介绍西洋歌剧时，在翻译方面做了很大的努力，这里，有一个重要的问题，就是文学语言不仅要翻译得好，在配到音乐里时，还要符合音乐的规律，听众才会觉得舒服，才能让人接受，这是一门学问，是一个非常艰巨的工作，必须要有音乐修养很高的翻译家，或者翻译家和音乐家的合作才能做好。我个人的观点是：既然观众是来剧院看戏，人们就要求能看得懂。在中国介绍西方歌剧，就最好翻译成中文，才能让人们较为便捷地随时懂得剧情和歌剧音乐的戏剧性，欣赏到亦歌亦演的表演，它至少可以让我们中国听众觉得我们的音乐工作者是很希望他们懂得西方歌剧的魅力的。而这几年的社会时尚是用原文加中文字幕的演唱，它虽然可以表现我们的演员演唱原文的水平，而且有了可能被外国的经纪人看中，被邀请到国外去演出的机会，但据我了解，对听众来讲，对西洋歌剧的接受程度就更远了，观众面更狭窄了，大家会觉得算了，反正你们也不希望我们听懂，何况一些演员的原文水平也不高，其实谁也听不懂，这样对推动西洋歌剧在中国的传播并不有利。 一种戏剧形式。由配有音乐的戏剧文本(歌词)组成，演唱时通常用音乐伴奏。除了独唱演员、重唱演员、合唱和乐团团员外，从其一开始，歌剧演出还常常包括舞蹈演员。这种复杂的、开支庞大的音乐戏剧娱乐形式，5个世纪以来一直受到听众喜爱。它与其他戏剧形式的明显区分在于其台词用歌唱而不用语言表达；与音乐戏剧式的戏剧，如轻歌剧和音乐喜剧等的区分，则在于其作品的庄重、结构的严密和伴随音响的严肃。 古代已有诗剧和音乐相结合的作品。古希腊剧作家埃斯库罗斯(Aeschylus)、索福克勒斯(Sophocles)和欧里庇得斯(Euripides)在其剧作中就已采用合唱歌队。中世纪以《圣经》为题材的宗教剧，如神迹剧和奇迹剧，一般也有某种音乐伴奏。这些以及其他音乐戏剧形式可视为歌剧的先声。歌剧产生于16世纪末意大利的佛罗伦斯。第一部歌剧是文艺复兴时期田园诗人利努奇尼(Ottavio Rinuccini)和作曲家佩里(Jacopo Peri)合写的《达夫尼》(Dafne)，现已失传；现存最早的歌剧剧本《尤丽狄西》(Euridice)也是他们的作品。然而，这两位歌剧之父的作品在体裁和结构上均属探索性质。此后约10年，蒙特威尔第(Claudio Monteverdi)的歌剧杰作《奥菲欧》(La favola d"Orfeo)问世。其中，器乐伴奏成为一种戏剧因素；其时歌剧题材多为希腊与罗马神话、传说和虚构的历史故事。 歌剧院 世界上第一座歌剧院——圣卡西亚诺剧院(Teatro di San Cassiano)于1637年在威尼斯揭幕，向一般观众开放，从而结束了歌剧由皇室和贵族垄断的时代，大大推动了歌剧的发展。蒙特威尔第的学生卡发利(Francesco Cavalli)是这一时代最著名的歌剧作曲家，他从1639～1669年为威尼斯这座歌剧院创作了共约40部歌剧，其中最有名的为《伊阿宋》(Giasone)。与卡发利同时的意大利歌剧作家蔡斯悌(Pietro Antonio Cesti)，也写有歌剧多部，其最著名之作为《金苹果》(Il pomo d"oro)。17世纪中期后，威尼斯歌剧体裁开始衰退，虽然这时仍出现了几个有才华的作曲家，如常被人称为“喜歌剧之父”的加卢皮(Baldassare Galuppi)。 意大利的其他城市，如罗马，很快发展起其本地风格的歌剧。罗马的歌剧与威尼斯不同，它不太强调舞台的富丽堂皇，而喜用风趣的插曲来减轻全剧的悲剧气氛，注重乐器的序曲和序曲式幕间乐章。罗马也有不少有名的歌剧作家，如创作了第一部完整喜歌剧《受难者即希望所在者》(Chi soffe speri)的马佐契(Virgilio Mazzocchi)和马拉佐利(Marco Marrazzoli)。 18世纪，意大利歌剧中心移至那不勒斯，各种歌剧体裁相继出现，从而影响了意大利以及许多外国歌剧活动中心。其重点是使音乐服从歌词，使人听懂。歌词作者泽诺(Apostolo Zeno)和梅塔斯塔齐奥(Pietro Metastasio)为此作出了贡献。歌剧的咏叹调，特别是三段体咏叹调，占主导地位。那不勒斯歌剧和声纯朴，更为旋律化和轻快，并带有洛可可风格壮丽的音调。代表作家有史卡拉第(Alessandro Scarlatti)、波尔波拉(Nicola Antonio Porpora)、文奇(Leonardo Vinci)和莱奥(Leonardo Leo)。 1720年威尼斯人马尔切罗(Benedetto Marcello)写了《时兴的戏剧，又名创作和演出意大利歌剧万无一失的方法》(Il teatro alla moda,o sia metodo sicuro e facile per ben porre ed eseguire opere italiane in musica)，讽刺正歌剧中日益增长的、使戏剧性淡薄的陈规陋习，从而引起了歌剧改革的试验，但收效甚微。 17世纪发展出了形式独立的讽刺性喜歌剧。开始时，它往往穿插在正歌剧的幕间。在成熟过程中，它又恢复了一些正歌剧感情严肃的特色，进而使许多喜歌剧带有混合性质。《塞尔维亚的理发师》、《费加洛婚礼》和《秘密结婚》(Il matrimonio segreto)等是此时期的代表作。 1650年前歌剧传入法国，第一部法国歌剧《波蒙纳》(Pomone)于1671年在皇家音乐学院(即今巴黎歌剧院)揭幕式上首演。但歌剧到卢利(Jean-Baptiste Lully)生活的时代才成为真正的法国艺术。意大利人卢利前往巴黎，借用法国话剧与芭蕾舞的特色，创作法国式歌剧。他不喜欢意大利式的咏叹调，主张改用短而活泼的歌曲。他按照法兰西喜剧团的朗诵方式改革了宣叙调，并发展起了法国式的序曲。卢利的风格在拉摩(Jean-phlippe Rameau)的歌剧里达到顶峰，其主要作品有《希波利德和阿利茜》(Hippolyte et Aricie)等。 1627年歌剧传入德国和奥地利后，产生了“民谣歌剧”，涌现了一批歌剧作家，如莫札特、韩德尔、贝多芬等，主要作品有《魔笛》、《奥兰多》、《费加洛婚礼》、《唐璜》、《费德里奥》(Fidelio)、《月球上的世界》(Il mondo della luna)等。1769年，卡尔札比吉(Ranieri de"Calzabigi)和葛路克发表关于歌剧革新的重要文献∶歌剧《阿尔西斯特》(Alceste)的前言献词。他认为多余而花俏的三段体咏叹调应予废除，代之以朴素的表达和真实的感情。音乐的职责是“为诗服务”。葛路克的代表作有《伊菲姬尼在奥利德》(Iphigenie en Aulide)和《伊菲姬尼在图利德》(Iphigenie en Tauride)等。他的改革主张曾产生重大影响。 歌剧传入英国后，经过很长时间才在英国扎根。英国的第一部歌剧是菩赛尔(Henry Purcell)的《狄多和伊尼阿斯》(Dido and Aeneas)；它打破了宣叙调和歌曲之间的界限。《乞丐歌剧》的上演，使英国观众终于习惯于听一种用本国语演唱的舞台剧。 18世纪末至19世纪初，法国的喜歌剧得到了很大发展。1752年卢骚的独幕喜歌剧《乡村卜者》(Guerre des Bouffons)上演，他用混合曲的方式写成总谱，把反映十分通俗的浪漫爱情和歌舞杂耍表演的曲调组合在一起，很有法国风格。尔后这种新的杂烩式喜歌剧便统治了巴黎和其他地区的歌剧舞台。著名剧作家有蒙西尼(Pierre-Alexandre Monsigny)、格雷特里(Andre Gretry)、梅于尔(Etienne-Nicolas Mehul)和布瓦埃尔迪厄(Francois-Adrien Boieldieu)。法国喜歌剧自布瓦埃尔迪厄后，变得更意大利化，反映出罗西尼的影响。在此时期，意大利歌剧一度衰落，后因迈尔(Johann Simon Mayr)、罗西尼、董尼才第(Gaetano Donizetti)和贝利尼(Vincenzo Bellini)等有才华的歌剧作曲家创作了一批有世界声誉的歌剧作品，如《塞尔维亚的理发师》、《安娜．波莲》(Anna Bolena)、《海盗》(Il pirata)、《清教徒》(I puritani)等而重新受人喜爱。 “大歌剧”产生于19世纪的巴黎，这是一种具有国际风格的大型歌剧，采用历史的或虚构的历史故事为题材，舞台上充满了奇景艳服、芭蕾舞和各种跑龙套的方阵队列。它几乎摒弃了美声唱法的精巧细微，极大地扩充了乐团本身和它在戏剧中的作用。第一出公认的大歌剧是梅耶贝尔(Giao Meyerbeer)的《魔鬼罗伯特》(Robert le Diable)。梅耶贝尔和阿勒威(Fromental Halevy)之后，大歌剧开始反映出新的音乐趋向，发展成多种多样的混合形式。这时期的法国歌剧作家还有白辽士和奥芬巴赫，二人主要作品有《天堂与地狱》(Orphee aux enfers)、《特洛伊人》、《霍夫曼的故事》(Les Contes d"Hoffmann)等。 德国浪漫主义的歌剧是《魔弹射手》(Der Freischutz)等作品，它们是德国浪漫主义音乐的先导，这时期兴起的还有轻歌剧，约翰．史特劳斯的名作《蝙蝠》使之发展到颠峰。 19世纪后著名歌剧作曲家有∶意大利的威尔第、普契尼、布索尼等；德国和奥地利的华格纳、理查．史特劳斯、费慈纳(Hans Pfitzner)、荀白克、贝尔格等；法国的古诺、比才、托马、马斯奈(Jules Masse)、德布西、拉威尔。 歌剧传入俄国后，最初多搬演外国作品，尔后才产生了俄国歌剧之父葛令卡(Mikhail Ivanovich Glinka)等一批优秀歌剧作曲家，如林姆斯基-高沙可夫、鲍罗定、穆梭斯基(Modest Musssky)、柴可夫斯基、史特拉汶斯基和普罗高菲夫等。 至20世纪中叶歌剧几乎变成一种博物馆艺术，多是重演旧作而极少新作。歌剧的未来出路有些作家认为在于类似歌剧的、使观众感到惊奇和意外的舞台剧和其他混合的歌剧形式之中，其他人则认为在于为工厂和学校上演而创作的种种小型歌剧之中。

自己认为歌剧基本上是以意大利美声唱法为主的舞台剧话剧那就是很一般的以表演形式为主的舞台剧舞剧是以舞蹈为主的清唱剧不知道.....

歌剧（opera）是将音乐（声乐与器乐）、戏剧（剧本与表演）、文学（诗歌）、舞蹈（民间舞与芭蕾）、舞台美术等融为一体的综合性艺术，通常由咏叹调、宣叙调、重唱、合唱、序曲、间奏曲、舞蹈场面等组成（有时也用说白和朗诵)。早在古希腊的戏剧中，就有合唱队的伴唱，有些朗诵甚至也以歌唱的形式出现；中世纪以宗教故事为题材，宣扬宗教观点的神迹剧等亦香火缭绕，持续不断。但真正称得上“音乐的戏剧”的近代西洋歌剧，却是16世纪末、17世纪初，随着文艺复兴时期音乐文化的世俗化而应运产生的。【歌剧的起源】一般认为欧洲歌剧产生于16世纪末。西方公认的第一部歌剧，是在人文主义影响下，企图恢复古希腊戏剧精神而产生的《达佛涅》（另译《达芙妮》），编剧o.里努奇尼，作曲j.佩里与j.科尔西，1597年（一说完成于1594年）于佛罗伦萨g.巴尔迪伯爵的宫廷内演出，由于此剧原稿失传等原因，也有人把1600年为庆祝亨利四世婚仪而写的《优丽狄茜》做为最早的一部西洋歌剧。由于公众对歌剧的欢迎，1637年威尼斯创设了世界上第一座歌剧院。【歌剧的发展】17世纪末，在罗马影响最大的是以亚u2022斯卡拉蒂为代表的那不勒斯歌剧乐派。该乐派在剧中不用合唱及芭蕾场面，而高度发展了被后世称为“美声”的独唱技术。当这种“唯唱工为重”的作风走向极端时，歌剧原有的戏剧性表现力和思想内涵几乎丧失殆尽。于是到18世纪20年代，遂有取材于日常生活、剧情诙谐、音乐质朴的喜歌剧体裁的兴起。意大利喜歌剧的第一部典范之作是帕戈莱西的《女佣作主妇》（1733年首演），该剧原是一部正歌剧的幕间剧，1752年在巴黎上演时，曾遭到保守派的诋毁，因而掀起了歌剧史上著名的“喜歌剧论战”。出于卢梭手笔的法国第一部喜歌剧《乡村占卜师》就是在这场论战和这部歌剧的启示下诞生的。意大利歌剧在法国最先得到改造，而与法兰西的民族文化结合起来。吕利是法国歌剧（“抒情悲剧”）的奠基人，他除了创造出与法语紧密结合的独唱旋律外，还率先将芭蕾场面运用在歌剧中。在英国，普赛尔在本国假面剧传统的基础上，创造出英国第一部民族歌剧《狄东与伊尼阿斯》。在德、奥，则由海顿、狄特尔斯多夫、莫扎特等人将民间歌唱剧发展成德奥民族歌剧，代表作有莫扎特的《魔笛》等。至18世纪，格鲁克针对当时那不勒斯歌剧的平庸、浮浅，力主歌剧必须有深刻的内容，音乐与戏剧必须统一，表现应纯朴、自然。他的主张和《奥菲欧与优丽狄茜》、《伊菲姬尼在奥利德》等作品对后世歌剧的发展有着很大的影响。 19世纪以后，意大利的g.罗西尼、g.威尔迪、g.普契尼，德国的r.瓦格纳、法国的g.比才、俄罗斯的m.i.格林卡、m.p.穆索尔斯基、p.n.柴科夫斯基等歌剧大师为歌剧的发展作出了重要贡献。成型于18世纪的“轻歌剧”（operettta，意为：小歌剧）已演进、发展成为一种独立的体裁。它的特点是：结构短小、音乐通俗，除独唱、重唱、合唱、舞蹈外，还用说白。奥国作曲家索贝、原籍德国的法国作曲家奥芬·巴赫是这一体裁的确立者。 20世纪的歌剧作曲家中，初期的代表人物是受瓦格纳影响的理查·施特劳斯（《莎乐美》、《玫瑰骑士》）；第一次世界大战后是将无调性原则运用于歌剧创作中的贝尔格（《沃采克》）；40年代迄今则有：斯特拉文斯基、普罗科菲耶夫、米约、曼诺蒂、巴比尔、奥尔夫、贾纳斯岱拉、亨策、莫尔以及英国著名的作曲家勃里顿等。 【声乐】歌剧中的声乐部分包括独唱、重唱与合唱，歌词就是剧中人物的台词（根据样式不同，也可有说白）；器乐部分通常在全剧开幕时有序曲或前奏曲，早期歌剧还间有献词性质的序幕（包括声乐在内）。在每一幕中，器乐除作为歌唱的伴奏外，还起联接的作用。幕与幕之间常用间奏曲连接，或每幕有自己的前奏曲。在戏剧进展中，还可以插入舞蹈。歌剧的音乐结构可以由相对独立的音乐片断连接而成，也可以是连续不断发展的统一结构。 歌剧中重要的声乐样式有朗诵调、咏叹调、小咏叹调、宣叙调、重唱、合唱等；其体裁样式有正歌剧、喜歌剧、大歌剧、小歌剧、轻歌剧、音乐喜剧、室内歌剧、配乐剧等。 咏叹调咏叹调是歌剧中主角们抒发感情的主要唱段，它们的音乐很好听，结构较完整，能表现歌唱家的声乐技巧，因而我们经常也会在音乐会上听到它们，如《蝴蝶夫人》的咏叹调“晴朗的一天”，《茶花女》的咏叹调“为什么我的心这么激动”、和罗西娜的咏叹调“我的心里有一个声音”等等。宣叙调宣叙调是开展剧情的段落，故事往往就在宣叙调里进行，这时角色有较多对话，这种段落不适宜歌唱性太强，就用了半说半唱的方式，叫做宣叙调，它很像京剧里的韵白。京剧中，青衣、小生或老生都有一种带有夸张语音音调的念白，它虽不是很旋律化，但可使道白便于与前后的歌唱衔接，其功能与西方歌剧里的宣叙调很近似。欧洲歌剧早期的宣叙调非常不歌唱化，叫做“干宣叙调”，往往是用古钢琴弹奏一个和弦给一个调，歌者就在这个调里用许多同音反复的道白来叙述，这种同音反复译成中文非常难听，因为中国语言是有四声的抑扬顿挫的，我们中国人不能用平平的音调唱：你今天吃饭了没有？听起来肯定好笑。所以我们在遇到这种“干宣叙调”时，干脆就拿掉了说唱，改成对白了。但到19世纪，随着歌剧宣叙调的逐渐旋律化，如我们在演唱《茶花女》和《卡门》等歌剧时，就把宣叙调也译配成中文了，有一点旋律性，就可以随着旋律的高低，找到四声合适的中文。重唱重唱就是几个不同的角色按照角色各自特定的情绪和戏剧情节同时歌唱，两个人同时唱的，叫二重唱，有时会把持赞成和反对意见的角色，组织在一个作品里；就可能是三重唱、四重唱、五重唱，在罗西尼的《塞维尼亚理发师》里有六重唱，在莫扎特的《费加罗的婚礼》里甚至有七重唱，十几个人一起唱，有时还分组，一组三、五个人，各有自己的主张，有同情费加罗的，有同情伯爵的，还有看笑话的，作曲家卓越的功力就表现在能把那么多不同的戏剧音乐形象同时组织在一个音响协调、富有表情的音乐段落里面，这就与我们的戏曲很不相同了。还有一个形式就是群众场面的合唱，前面已经说过了，它可以根据剧情要求是男声的、女声的、男女混声的，或者童声的。歌剧有故事情节，歌唱有歌词，它的歌词与音乐和戏剧发展有着密不可分的关系。因而在中国介绍西方歌剧，是用翻译的方式好呢，还是唱原文保持它的“原汁原味”呢？历来就有各有千秋的两种主张。建国后，中国的歌剧工作者在介绍西洋歌剧时，在翻译方面做了很大的努力，这里，有一个重要的问题，就是文学语言不仅要翻译得好，在配到音乐里时，还要符合音乐的规律，听众才会觉得舒服，才能让人接受，这是一门学问，是一个非常艰巨的工作，必须要有音乐修养很高的翻译家，或者翻译家和音乐家的合作才能做好。我个人的观点是：既然观众是来剧院看戏，人们就要求能看得懂。在中国介绍西方歌剧，就最好翻译成中文，才能让人们较为便捷地随时懂得剧情和歌剧音乐的戏剧性，欣赏到亦歌亦演的表演，它至少可以让我们中国听众觉得我们的音乐工作者是很希望他们懂得西方歌剧的魅力的。而这几年的社会时尚是用原文加中文字幕的演唱，它虽然可以表现我们的演员演唱原文的水平，而且有了可能被外国的经纪人看中，被邀请到国外去演出的机会，但据我了解，对听众来讲，对西洋歌剧的接受程度就更远了，观众面更狭窄了，大家会觉得算了，反正你们也不希望我们听懂，何况一些演员的原文水平也不高，其实谁也听不懂，这样对推动西洋歌剧在中国的传播并不有利。一种戏剧形式。由配有音乐的戏剧文本(歌词)组成，演唱时通常用音乐伴奏。除了独唱演员、重唱演员、合唱和乐团团员外，从其一开始，歌剧演出还常常包括舞蹈演员。这种复杂的、开支庞大的音乐戏剧娱乐形式，5个世纪以来一直受到听众喜爱。它与其他戏剧形式的明显区分在于其台词用歌唱而不用语言表达；与音乐戏剧式的戏剧，如轻歌剧和音乐喜剧等的区分，则在于其作品的庄重、结构的严密和伴随音响的严肃。 古代已有诗剧和音乐相结合的作品。古希腊剧作家埃斯库罗斯(Aeschylus)、索福克勒斯(Sophocles)和欧里庇得斯(Euripides)在其剧作中就已采用合唱歌队。中世纪以《圣经》为题材的宗教剧，如神迹剧和奇迹剧，一般也有某种音乐伴奏。这些以及其他音乐戏剧形式可视为歌剧的先声。歌剧产生于16世纪末意大利的佛罗伦斯。第一部歌剧是文艺复兴时期田园诗人利努奇尼(Ottavio Rinuccini)和作曲家佩里(Jacopo Peri)合写的《达夫尼》(Dafne)，现已失传；现存最早的歌剧剧本《尤丽狄西》(Euridice)也是他们的作品。然而，这两位歌剧之父的作品在体裁和结构上均属探索性质。此后约10年，蒙特威尔第(Claudio Monteverdi)的歌剧杰作《奥菲欧》(La favola d"Orfeo)问世。其中，器乐伴奏成为一种戏剧因素；其时歌剧题材多为希腊与罗马神话、传说和虚构的历史故事。 歌剧院世界上第一座歌剧院——圣卡西亚诺剧院(Teatro di San Cassiano)于1637年在威尼斯揭幕，向一般观众开放，从而结束了歌剧由皇室和贵族垄断的时代，大大推动了歌剧的发展。蒙特威尔第的学生卡发利(Francesco Cavalli)是这一时代最著名的歌剧作曲家，他从1639～1669年为威尼斯这座歌剧院创作了共约40部歌剧，其中最有名的为《伊阿宋》(Giasone)。与卡发利同时的意大利歌剧作家蔡斯悌(Pietro Antonio Cesti)，也写有歌剧多部，其最著名之作为《金苹果》(Il pomo d"oro)。17世纪中期后，威尼斯歌剧体裁开始衰退，虽然这时仍出现了几个有才华的作曲家，如常被人称为“喜歌剧之父”的加卢皮(Baldassare Galuppi)。 意大利的其他城市，如罗马，很快发展起其本地风格的歌剧。罗马的歌剧与威尼斯不同，它不太强调舞台的富丽堂皇，而喜用风趣的插曲来减轻全剧的悲剧气氛，注重乐器的序曲和序曲式幕间乐章。罗马也有不少有名的歌剧作家，如创作了第一部完整喜歌剧《受难者即希望所在者》(Chi soffe speri)的马佐契(Virgilio Mazzocchi)和马拉佐利(Marco Marrazzoli)。 18世纪，意大利歌剧中心移至那不勒斯，各种歌剧体裁相继出现，从而影响了意大利以及许多外国歌剧活动中心。其重点是使音乐服从歌词，使人听懂。歌词作者泽诺(Apostolo Zeno)和梅塔斯塔齐奥(Pietro Metastasio)为此作出了贡献。歌剧的咏叹调，特别是三段体咏叹调，占主导地位。那不勒斯歌剧和声纯朴，更为旋律化和轻快，并带有洛可可风格壮丽的音调。代表作家有史卡拉第(Alessandro Scarlatti)、波尔波拉(Nicola Antonio Porpora)、文奇(Leonardo Vinci)和莱奥(Leonardo Leo)。 1720年威尼斯人马尔切罗(Benedetto Marcello)写了《时兴的戏剧，又名创作和演出意大利歌剧万无一失的方法》(Il teatro alla moda,o sia metodo sicuro e facile per ben comporre ed eseguire opere italiane in musica)，讽刺正歌剧中日益增长的、使戏剧性淡薄的陈规陋习，从而引起了歌剧改革的试验，但收效甚微。 17世纪发展出了形式独立的讽刺性喜歌剧。开始时，它往往穿插在正歌剧的幕间。在成熟过程中，它又恢复了一些正歌剧感情严肃的特色，进而使许多喜歌剧带有混合性质。《塞尔维亚的理发师》、《费加罗的婚礼》和《秘密结婚》(Il matrimonio segreto)等是此时期的代表作。 1650年前歌剧传入法国，第一部法国歌剧《波蒙纳》(Pomone)于1671年在皇家音乐学院(即今巴黎歌剧院)揭幕式上首演。但歌剧到卢利(Jean-Baptiste Lully)生活的时代才成为真正的法国艺术。意大利人卢利前往巴黎，借用法国话剧与芭蕾舞的特色，创作法国式歌剧。他不喜欢意大利式的咏叹调，主张改用短而活泼的歌曲。他按照法兰西喜剧团的朗诵方式改革了宣叙调，并发展起了法国式的序曲。卢利的风格在拉摩(Jean-phlippe Rameau)的歌剧里达到顶峰，其主要作品有《希波利德和阿利茜》(Hippolyte et Aricie)等。 1627年歌剧传入德国和奥地利后，产生了“民谣歌剧”，涌现了一批歌剧作家，如莫扎特、韩德尔、贝多芬等，主要作品有《魔笛》、《奥兰多》、《费加罗的婚礼》、《唐·璜》、《费德里奥》(Fidelio)、《月球上的世界》(Il mondo della luna)等。1769年，卡尔札比吉(Ranieri de"Calzabigi)和葛路克发表关于歌剧革新的重要文献∶歌剧《阿尔西斯特》(Alceste)的前言献词。他认为多余而花俏的三段体咏叹调应予废除，代之以朴素的表达和真实的感情。音乐的职责是“为诗服务”。葛路克的代表作有《伊菲姬尼在奥利德》(Iphigenie en Aulide)和《伊菲姬尼在图利德》(Iphigenie en Tauride)等。他的改革主张曾产生重大影响。 歌剧传入英国后，经过很长时间才在英国扎根。英国的第一部歌剧是普赛尔(Henry Purcell)的《狄多和伊尼阿斯》(Dido and Aeneas)；它打破了宣叙调和歌曲之间的界限。《乞丐歌剧》的上演，使英国观众终于习惯于听一种用本国语演唱的舞台剧。 18世纪末至19世纪初，法国的喜歌剧得到了很大发展。1752年卢骚的独幕喜歌剧《乡村卜者》(Guerre des Bouffons)上演，他用混合曲的方式写成总谱，把反映十分通俗的浪漫爱情和歌舞杂耍表演的曲调组合在一起，很有法国风格。尔后这种新的杂烩式喜歌剧便统治了巴黎和其他地区的歌剧舞台。著名剧作家有蒙西尼(Pierre-Alexandre Monsigny)、格雷特里(Andre Gretry)、梅于尔(Etienne-Nicolas Mehul)和布瓦埃尔迪厄(Francois-Adrien Boieldieu)。法国喜歌剧自布瓦埃尔迪厄后，变得更意大利化，反映出罗西尼的影响。在此时期，意大利歌剧一度衰落，后因迈尔(Johann Simon Mayr)、罗西尼、董尼才第(Gaetano Donizetti)和贝利尼(Vincenzo Bellini)等有才华的歌剧作曲家创作了一批有世界声誉的歌剧作品，如《塞尔维亚的理发师》、《安娜·波莲》(Anna Bolena)、《海盗》(Il pirata)、《清教徒》(I puritani)等而重新受人喜爱。 “大歌剧”产生于19世纪的巴黎，这是一种具有国际风格的大型歌剧，采用历史的或虚构的历史故事为题材，舞台上充满了奇景艳服、芭蕾舞和各种跑龙套的方阵队列。它几乎摒弃了美声唱法的精巧细微，极大地扩充了乐团本身和它在戏剧中的作用。第一出公认的大歌剧是梅耶贝尔(Giacomo Meyerbeer)的《魔鬼罗伯特》(Robert le Diable)。梅耶贝尔和阿勒威(Fromental Halevy)之后，大歌剧开始反映出新的音乐趋向，发展成多种多样的混合形式。这时期的法国歌剧作家还有白辽士和奥芬·巴赫，二人主要作品有《天堂与地狱》(Orphee aux enfers)、《特洛伊人》、《霍夫曼的故事》(Les Contes d"Hoffmann)等。 德国浪漫主义的歌剧是《自由射手》(Der Freischutz)等作品，它们是德国浪漫主义音乐的先导，这时期兴起的还有轻歌剧，约翰．史特劳斯的名作《蝙蝠》使之发展到颠峰。 19世纪后著名歌剧作曲家有∶意大利的威尔第、普契尼、布索尼等；德国和奥地利的瓦格纳、理查·施特劳斯、费慈纳(Hans Pfitzner)、荀白克、贝尔格等；法国的古诺、比才、托马、马斯奈(Jules Massenet)、德布西、拉威尔。 歌剧传入俄国后，最初多搬演外国作品，尔后才产生了俄国歌剧之父格林卡(Mikhail Ivanovich Glinka)等一批优秀歌剧作曲家，如李姆斯基·柯萨阔夫、鲍罗丁、穆梭斯基(Modest Mussorgsky)、柴可夫斯基、史特拉文斯基和普罗高菲夫等。 至20世纪中叶歌剧几乎变成一种博物馆艺术，多是重演旧作而极少新作。歌剧的未来出路有些作家认为在于类似歌剧的、使观众感到惊奇和意外的舞台剧和其他混合的歌剧形式之中，其他人则认为在于为工厂和学校上演而创作的种种小型歌剧之中。

歌剧,声乐等等.......

是歌剧么 我觉得还有一种软件 还有就是王栎新的歌

<!DOCTYPE HTML PUBLIC "-//W3C//DTD HTML 4.0 Transitional//EN"><HTML><head><meta http-equiv="Content-Type" content="text/html; charset=gb2312" /><title>无标题文档</title><style type="text/css"><!--body { margin-left: 0px; margin-top: 0px; margin-right: 0px; margin-bottom: 0px;}--></style></head> <BODY onMouseMove="showMouseXY()"><div><input id="haha" type="button" value="此时鼠标坐标横坐标："><br><input id="hahahaha" type="button" value="图片左边的坐标："><br><input id="hahahahaha" type="button" value="此时鼠标离图片左边坐标："><br></div><image id="img_1" src="lovely.jpg" onClick="showBigImage(this)" style="position:absolute;background-color:red;left:200px;top:200px;zIndex:8"></image> </BODY></HTML><script>function showMouseXY(){ document.getElementById("haha").value="此时鼠标坐标横坐标："+ event.screenX; document.getElementById("hahahahaha").value="此时鼠标离图片左边坐标："+( parseInt(event.screenX) - parseInt(document.getElementById("img_1").style.left)); document.getElementById("hahahaha").value="图片左边的坐标："+ document.getElementById("img_1").style.left;}</script> 这个方法也很牵强，希望能解决你的问题~

　　很多人还是不知道，insanity max 30 和insanity有很大区别　　1 自我挑战模式： max 30里面， 当你累到不行而想自己喘口气的时候， 拿个本子，写下你休息时候的时间，比如你跳到5分35秒就想休息了，写下来，当下一次你再跳这一个教程的时候，最好挑战自我，让你不得不休息的时间更长，你的目标，就是全程不要自我休息。　　2 modifier动作， 你会发现每个视频都有相同名字的两份，其中一份有modifier 标识，就是低标准调整动作，　　这不是叫你另作的， 在原版dvd里面，说明要求你用画中画功能，把modifier动作在小画面播放，你的目标，就是不要自我休息，在累的时候随时自己切换到低标准动作，当然，最终目标，是你全程跟随标准动作完成　　3特别训练日： max 30 在一周的训练周期里面，把周五和周六安排为特别训练日，这两天的内容很特别，会让你的训练效果加倍！　　4休息时间: 相对insanity，max 30 更少热身和更少的休息频率，你得更卖力了　　5 tabatas 模式训练： 所谓tabatas是一种新的训练模式，其实也是hiit的一种变形，特点是运动强度波形控制，　　简单说，max 30在头一个月，你的运动强度波形是，20秒高峰，然后10秒低谷，然后再循环；第二个月是45秒的高峰然后15秒低谷。

RichardDivizioRichardDivizio是一名电影演员，代表作品有《黑暗骑士》、《忍者神龟2》等。外文名：RichardDivizio职业：演员代表作品：《黑暗骑士》合作人物：迈克尔·加·怀特

你是指设定鼠标指针速度高还是移动得快?如果是第一种可以用api函数得到鼠标移动的速度在事件里判断是否过高则不执行事件里的处理.第二种...也许有但我没办法.

因为这类健身操对体能要求很好，本身是针对外国人设计的，中国人体能相对要差，很难完成一整套训练，而且超过身体负荷的训练反而对身体有害。

Antares Universe (VIZIO)这个插件就可以让unity有类似蓝图的功能。unity没有官方中文版。也不建议你用中文版，中文版虽然可以便利一时，但从长远角度来说英文版更好，因为IT行业还是懂英语的更吃香。

鼠标移动，系统会向与鼠标有重叠的窗口发送，鼠标移动消息，进程有一个消息队列，就是用来接收各种消息。。。进程的入口程序叫做winmain，他会有一个消息处理循环，就是读各种消息，然后根据消息所属窗口，发送给窗口过程函数（所有窗口都有一个用于消息处理的回调函数，有dispathmessage（）这个函数回调，这是windows系统的一个API函数）。。。。窗口过程函数接到消息，就会处理消息，你的操作可以再消息处理中进行，但通常编程软件不这么做，窗口过程只做一件事就是，置位事件（一个WINDOWS内核对象，需要向windows申请创建，可以理解为一个开关）。。。。 窗口处理函数处理后返回，winmain就会调用事件处理函数，这个函数里存有各种类似OnMouseMove,这样的函数的函数指针，每当他发现某事件置位，他就会调用相关的回调函数。。 具体过程，鼠标移动->鼠标向系统发送消息->系统根据鼠标位置向拥有改窗口的进程发送消息->进程中消息循环得到消息并调用dispathmessage（）->dispathmessage（）分析后根据消息所属窗口调用窗口处理函数->窗口处理函数置位对应事件信号退出处理->winmain调用事件处理函数->事件处理函数调用OnMouseMove。。。。。就是这么个过程，不过在窗口处理函数之前的步骤是必须的，是windows系统的处理机制，之后的是软件为了提高程序效率加的。。。。 现在的编程软件都非常智能，你只需要向OnMouseMove内些内容，其他代码都是自动生成。。。。

四种科学减肥法让效果翻倍　　大家都知道减脂需要做到消耗的能量大于摄入的能量。而成年人能量需求取决于三个因素：基础代谢率，饮食生热作用和身体活动。今天我们就来说说基础代谢率。　　基础代谢是指人体在清醒、静卧、空腹和摄氏20度的环境条件下的能量代谢，基础代谢率是单位时间内维持最基本的生命活动所消耗的最低限度的能量，这种能量消耗是相当恒定的。　　Tips1：基础代谢是人体在基础状态下的能量代谢。而单位时间内的基础代谢，称为基础代谢率(BMR)。　　基础代谢率占了总能量消耗的最大比例，大约为每日能量消耗的60%~75%。它是维持身体正常功能，例如呼吸、心脏功能和体温调节所需要的能量值。增加基础代谢率的因素包括净组织的增加、年轻、体温异常、月经周期和甲亢腺技能亢进。降低基础代谢率的因素包括低热量的摄取、净组织的流失与甲状腺机能的不足。除此之外，代谢功能在遗传方面的差异可达到10%~20%(这也是为什么有的人吃不胖的原因之一)。　　Tips2：基础代谢率占总能量消耗的最大比例。　　下面列举一些影响能量代谢的因素：　　1、肌肉运动　　肌肉运动对能量代谢的影响非常显著。肌肉活动的程度称之为肌肉工作的强度，也就是通常所说的劳动强度或体力活动。劳动强度与耗氧量成正比，因此能量代谢值可作为评价劳动强度的指标。　　2、精神活动　　机体的精神活动处于紧张状态时，如烦恼、恐惧或强烈的情绪激动等均能引起无意识的骨骼肌的紧张性增强和促进代谢的内分泌激素如肾上腺素释放增多，从而使能量代谢显著增高。　　3、食物的特殊动力作用　　食物特殊动力作用即指因为摄食过程引起的热能消耗。实验证明摄食可使热能代谢增高。各种营养物质的食物特殊动力作用有所不同，摄入糖时耗热量相当于糖本身所产热量的5%～6%，脂肪为4%～5%，蛋白质为30%左右。我国一般膳食的食物特殊动力作用的热能消耗，为膳食热量的10%左右。　　4、环境温度　　人体安静时能量代谢在20～30℃的环境中最为稳定。当环境温度低于20 时，代谢率即开始增加，当环境降为10℃以下，能量代谢便显著增加，主要是由于寒冷刺激反射引起肌肉紧张度增加、寒战所致。当环境温度为30～45℃时，能量代谢也会增加，这是由于体内酶的活性增加，化学反应速度加快，发汗机能旺盛及循环、呼吸机能增强的缘故。　　Tips3：肌肉运动，精神活动，食物特殊动力作用以及环境温度都会对能量代谢产生影响。　　下面列举一些影响基础代谢率的因素　　1、体型　　一般来说，体重相近的普通人中，瘦高的人与矮胖的人相比，前者的基础代谢率高于后者，这跟人体中瘦体质所占比例有关，较多的脂肪组织在代谢中相对耗热量低于瘦体质。　　2、年龄　　在人的一生中，婴幼儿阶段是整个代谢最活跃的阶段，其中包括基础代谢率，初生婴幼儿生长发育快，基础代谢率高，随着年龄的增长基础代谢率逐渐下降。成年以后基础代谢率每隔10 年约降低2%。一般成人比儿童明显低，老年人又低于成年人。　　3、性别　　实际测定表明，在同一年龄、同一体表面积的情况下，女性基础代谢率低于男性。通常情况下，女性比男性基础代谢率约低5%～10%，甚至在相同身高体重的情况下也是如此。因为女性的瘦体质所占比例低于男性，妇女孕期基础代谢率明显增加，其增加率可达28%左右，与胎盘、子宫、胎儿发育、呼吸、心跳耗热增加有关。　　4、激素　　激素对细胞的代谢及调节都有很大影响。许多腺体分泌的激素对细胞代谢起调节作用，如甲状腺、肾上腺等。当甲状腺功能亢进可使基础代谢率明显升高；相反，患粘液水肿时，基础代谢率低于正常水平。当肾上腺皮质和脑垂体的机能低下时，基础代谢率降低。也就是说，内分泌异常时可以影响基础代谢率。　　5、气温　　炎热地带居民基础代谢率一般较低，一般热带居民比温带同类居民基础代谢率约低10%。反之，严寒地区基础代谢率比温带高10%。通常情况下，寒冷的冬季明显高于炎热的夏季，在季节上，存在明显的差异性。　　6、体表面积　　基础代谢率的高低与体重并不成比例关系，而与体表面积基本成正比。因此，生理学上，通常用平方米体表面积为标准来衡量能量代谢率，这是比较合适的。　　Tips4：体型，年龄，性别，激素，气温以及体表面积都会对基础代谢率产生影响。　　正是因为基础代谢的问题，你们才更需要通过科学的方式进行减脂，保证以一个健康的身体迎接理想的体型。为了夏天能够展示完美身材陆陆续续进入了减脂期，对于任何一位减脂的女性而言，除了训练和饮食外，还有很多你需要注意的地方。对于减脂要有一个更全面的认识，合理的安排饮食和训练，使你事半功倍。

不建议升级。加入的新功能对自己的使用没有太多的帮助，但是，性能确有些许下降，系统可能不如以前的稳定，这都是苹果系统升级的通病。

打开模拟器，选项-手柄设置-玩家1-重新定义按键-比如要把手柄A按键设为电脑上的b按键，就点击一下A，然后在按一下电脑上的B，选择OK确定，这样就生效了！

onncmousemove()中的nc是nonclient，即非客户区，所以是鼠标移到非客户区时触发的事件

Different people have different honnies,（不同的人有不同爱好）.formerly,i like reading and drawing ,Understand many interesting things in the book.my favourite hobbiy is tour.I received from travel great fun.Let"s share the hobby.

1.mousewheel鼠标滚轮事件 **获取当前滚轮的值 ** 如果 值 小于 0 滚轮 往下滑 如果 值 大于0 滚轮 往上滑 1. onclick 单击事件 2.ondblclick 双击事件 当给 同一个格子 同时绑定双击和点击事件时 会触发 双击事件 必定会触发两次单击事件 ondblclick = function (){ 3.oncontextmenu 鼠标右键 鼠标右键 是一个有默认功能的事件 它可以打开右键菜单 4.鼠标释放事件 onmouseup 鼠标按下不会触发 松开的时候 才会触发 5.鼠标按下事件 onmousedown 1.鼠标移入事件 一共有两种 第一种就是obmouseover 和 onmouseout （1）鼠标移入 onmouseover （2）鼠标移出 onmouseout 给父级绑定了事件 子级没有绑定事件 但是 当鼠标移入子级的时候 会触发 父级的事件 这种情况叫做事件冒泡 第二种 鼠标移出事件 onmouseenter 和 onmouseleave 1.鼠标移入 onmouseenter 2.鼠标移出 onmouseleave 鼠标移入移出 有两种写法 共同点： 就是鼠标移入移出的方法、、 不同的： 第一种 onmouseover 和 onmouseout 会触发事件冒泡 第二种 onmouseenter 和 onmouseleave 不会触发事件冒泡 3.鼠标移动事件 onmousemove box.onmousemove = function (){ consoloe.log("鼠标移动事件") } 鼠标的坐标 在 鼠标事件的 事件对象中保存 所以我们要获取 鼠标坐标 一般都是通过事件对象 event 获取 所有的鼠标事件 都可以 通过 事件对象来获取 鼠标坐标 但是 通常 我们都是在 鼠标移动事件中获取 和 使用 鼠标坐标

爱好英文是：hobby音标：["hDbi]

你确定你没有打错，表示只看见过vivo索尼的

兴趣 爱好

在Visual Basic中，可以利用鼠标事件来使应用程序对鼠标的位置和状态作出响应，如单击、双击、移动、松开鼠标键和按下鼠标键等。一、onMouseOver的用法。松开鼠标键就是onMouseOver，发生在松开鼠标的时候。可以利用松开鼠标键的事件来代替单击事件。这样做的好处是可以在检测鼠标键的同时，检测你所按下的键盘上的功能键，如控制键。二、onMouseMove的用法。鼠标移动事件即onMouseMove，发生在鼠标滑动的时候。鼠标在对象上移动的时候，这个事件将一直发生。但是，不是对鼠标经过的每个像素，Visual Basic都会生成鼠标移动事件。操作环境一秒生成有限的鼠标消息。并且，鼠标指针移动得越快，在任意两点之间所能识别的鼠标移动事件就越少。应用程序能在极短的事件内识别大量鼠标移动的事件。因此，一个鼠标移动事件过程不应去做那些需要大量计算时间的工作。否则可能会引发意想不到的结果，或者使程序的运行变得非常缓慢。

movado摩凡陀手表是表盘设计的非常简洁，让人一眼就能记住，特别好看，戴在手上也非常百搭，喜欢简约风的朋友千万不要错过这个品牌。下面我给大家讲讲movado摩凡陀是什么牌子？movado手表是什么档次？ movado是什么牌子 Movado摩凡陀—瑞士著名钟表品牌，亦是全球顶级制表厂之一，以其标志性的Museum博物馆表盘和极富现代感的设计而闻名于世。自1881年创建以来，摩凡陀以其腕表设计的艺术性和创新性获得了100多项专利和200多项国际奖项。独特的美感，永恒的设计，使摩凡陀时计享誉全球。摩凡陀一如既往地完美传承历史、孜孜不倦地开拓并引领当代腕表设计风尚，以艺术为灵感，秉承高级瑞士制表工艺，展现其独有的华而不奢的气韵，彰显其独一无二的品牌风格。摩凡陀这一名字标志着表坛史上多款经典杰作。1912年的Polyplan腕表，极富革命性的、设计在三个平面上的机芯构造，弧形的表壳配合手腕的自然弯曲… 为第一次世界大战推出的军人腕表，突破性的网格状表面设计能保护表镜… 1927年的Ermeto口袋表，通过表壳开合的滑行动作为表自动上发条... 20世纪50年代的由自动盘驱动的Kingmatic系列和1970年的Datron，是一款自动上链的计时码表… 由杰出艺术家们设计的摩凡陀艺术家系列… 建筑美学风格的Vizio系列… 极具创新的Elliptica系列… 当然还包括拥有传奇性表盘的摩凡陀博物馆腕表，1947诞生，至今仍然被认为是现代主义设计的典范。movado手表什么档次 摩凡陀(Movado)是瑞士的牌子。这款博物馆经典腕表，特征就是12点位置上的圆点，套用官网上的原话就是“至今被奉为钟表史上前所未有的简约设计”。男女款都有，因为喜欢大表盘，所以毫不犹豫的选择了男款，表盘直径40mm左右，佩戴效果见第二张图，女款略小，表盘直径28mm左右。心水了很久，终于在一次去香港的时候入了，折合人民币3000块。作为手表的功能实在可以忽略，是的，我经常看错时间，哈哈。 Movado整个风格都是那种干净利落的。看着它的第一眼就喜欢上了。果断拿下。对于喜欢简单没有那么多点缀的人来说确实是个不错的选择。 Movado摩凡陀博物馆经典系列对表，价格不太记得了，大概200刀一块，是今年的结婚纪念日礼物。日常生活防水30米，表盘设计非常经典，独特的小太阳，黑色面象征着茫茫宇宙，佩戴起来简洁大方。 MOVADO的博物馆系列是恋爱700天男票送的礼物，其实他在我们认识的第222天就送给我啦。有一次我说了一句这款表好看，他就暗暗记下找了个机会送给我，据说表带是蜥蜴皮的，很有质感哦!手表佩戴注意事项 表壳与表带：手表的表壳表带的的材质为很多种，如钨钛合金、高科技陶瓷、不锈钢、软纤维、普通钢质等，佩带时尽量避免与超过或相同硬度的特体摩擦、碰击。定期清洗表壳表带也十分必要，另外海水、盐水浴、香水、洗发精、指甲油、洗甲水和一些含化学物质的化妆品等对手表的镀金层及金属面有一定腐蚀，应避免接触。 表镜：手表的表镜基本可分为合成水晶胶、矿物玻璃、蓝宝石水晶玻璃。合成水晶胶的耐磨性稍差易出划痕、但耐撞击力较强;蓝宝石水晶玻璃搞磨损程度，但材质较脆怕猛烈的撞击;矿特质玻璃介于两者之间。即使抗磨损的蓝宝石水晶玻璃也应物别注意钻石、磨石、砂纸、指甲锉、花网石面、混凝土墙面等中所含的杂质，以免刮伤其表面。 手表表面刮花怎么办?手表表面刮花处理方法?相信大家已经了解。此外，我们平时在不戴手表，打算把手表取下时，如果不小心摔地上，或者平时佩戴过程中不慎磕碰把手表镜面玻璃弄残损。只是轻微的磕碰倒是没事，但是边角崩碎和完全破损的就必须更换手表的玻璃了。

一、鼠标事件onmousedown事件，当鼠标左键按下时触发。 如：当鼠标元素boxq1上按下时，改变它的背景颜色。varbox1 = document.getElementById("box1"); 　　box1.onmousedown=function(){ 　　box1.style.backgroundColor= "green"; };　　2. onmouseup事件，当鼠标左键抬起时触发。如：鼠标按下之前元素box1背景颜色为红色，当按下之后变为绿色，放开之后又变为红色。varbox1 = document.getElementById("box1"); box1.onmousedown=function(){ 　　box1.style.backgroundColor= "green"; }; box1.onmouseup=function(){ box1.style.backgroundColor= "red"; };　　3. onmousemove事件，当鼠标在元素上移动时触发。如：鼠标在元素box1上移动时，控制台输出鼠标的位置。box1.onmousemove =function(e){varx =e.pageX;vary =e.pageY; console.log("鼠标横坐标为："+x+"******鼠标纵坐标为："+y); };　　4. onmouseenter事件，当鼠标进入元素的瞬间触发，仅在鼠标进入元素时触发。如：鼠标在进入元素box1时，元素背景颜色改为绿色。　　　　它与onmousedown事件区别在于：后者是再按下的瞬间触发，而前者是在进入元素瞬间才触发，也就是说鼠标在元素边界上才触发。varbox1 = document.getElementById("box1"); box1.onmouseenter=function(){ box1.style.backgroundColor= "green"; };　　5. onmouseleave事件，当鼠标移出元素的瞬间触发，仅在鼠标移出元素时触发，发生在元素边界。如：鼠标在进入元素box1时，背景颜色改为绿色，移出元素后又变为红色。　　varbox1 = document.getElementById("box1"); box1.onmouseenter=function(){ box1.style.backgroundColor= "green"; }; box1.onmouseleave=function(){ box1.style.backgroundColor= "red"; };　　6. onmouseover事件，当鼠标在元素之上的时候触发，只要鼠标留在元素之上就会触发，仅触发一次，不管鼠标是否移动，这是它和onmousemove的区别。如：鼠标在元素box1上时一直在控制台输入数字一。box1.onmouseover =function(){ console.log(newDate()); };　　7. onmouseout事件，当鼠标离开目标元素是触发，效果和原理与mouseleave没有什么区别，只是在Firefox下没有onmouseenter和onmouseleave，只能使用onmouseover和onmouseout；而在IE中便可使用onmouseennter和onmouseleave来代替前两个。二、手机触摸事件　　1. ontouchstart事件，触摸开始事件，当手机屏幕被触摸的瞬间触发。如：当触摸手机的瞬间输出当前触摸的位置坐标。varbox1 = document.getElementById("box1"); box1.ontouchstart=function(e){vartouch = e.touches[0];varx =Number(touch.clientX);vary =Number(touch.clientY); console.log("当前触摸点的横坐标"+x+"*****当前触摸点的纵坐标"+y); };　　2. ontouchmove事件，触摸的整个过程触发，当手指在屏幕上移动的时候触发。如：当手指在屏幕上移动的时候获取当前触摸位置。varbox1 = document.getElementById("box1"); box1.ontouchmove=function(e){vartouch = e.touches[0];varx =Number(touch.clientX);vary =Number(touch.clientY); console.log("当前触摸点的横坐标"+x+"*****当前触摸点的纵坐标"+y); };　　3. ontouchend事件，触摸结束的瞬间触发，即当手指离开屏幕时触发。如：当手指离开屏幕时，改变元素的背景颜色。varbox1 = document.getElementById("box1"); box1.ontouchstart=function(e){vartouch = e.touches[0]; box1.style.backgroundColor= "green"; };　　4. ontouchcancel事件，触摸过程被系统取消时触发，当一些更高级别的事件发生的时候（如电话接入或者弹出信息）会取消当前的touch操作，即触发ontouchcancel。一般会在ontouchcancel时暂停游戏、存档等操作。

这是一场特别的「 科技 春晚」。 今天凌晨，Apple Park 的观众席上空无一人，无数开发者以 Memoji 的形象出现在屏幕上，蒂姆u30fb库克拉开了苹果全球开发者大会（WWDC）的序幕。 这是苹果全 WWDC 大会 31 年来首次在线上举办，虽然开发者不能到场派对了，可正因为没有了物理的边界，所有开发者都可以免费在线上参加。 这 也 让这场发布会，成为有史以来规模的最大一场的 WWDC 大会。 尽管我们对苹果发布会的期待总是新硬件的发布，但软件依然是这届 WWDC 大会的主角。在 核心的 iPhone 销量进入瓶颈期后，软件和服务成为了苹果生态里最重要的增长引擎。 就在上周，苹果宣布 App Store 在全球促成的交易额达到 5190 亿美元。创造这个成绩的，是苹果生态上的开发者，和无数使用苹果产品的普通用户。 那么今年的 WWDC，苹果给用户和开发者带来了什么新的功能和体验，来承载苹果这个高速增长的软件服务生态呢？ 期盼已久的 iOS 14 无疑是这场大会上最亮眼的焦点，与前几个版本相比， 这可能是自 iOS 7 以来变动最大的一次更新。 7 年前时任苹果工业设计资深副总裁 Jony Ive 带来的 iOS 7 ，放弃了拟物的 UI，开启了扁平化的 iOS 时代。而这次的 iOS 14 再次对系统的主屏幕进行了让人一眼就能察觉的大改动。 此外苹果还带来了多项 iOS 14 更新。除了新的主屏幕视图，还有桌面小组件、类似小程序这样不用下载应用即可使用 app 部分功能 Clips，消息通知、地图等原生应用也进行了更新。 iOS 14 拥有了一个新的主屏幕页面，通过应用图书馆（App Library）重组了应用的排列方式，来解决因为应用数量太多导致用户需要面临频繁翻页的痛点。 系统上所有应用以滚动的列表展示，效果有点像 Apple Watch 的列表视图，用户可以根据应用类型、使用频率、Siri 提供的建议等方式来给应用排序，比如自动将 游戏 类应用排列在一起。 传言中桌面小组件果然出现在了 iOS 14 中，这些小部件有不同的尺寸和显示方式，可以像应用图标一样拖拽移动，你可以直接在桌面小组件查看信息和进行操作，不一定要打开 app。 用户还可以通过一个叫做智能叠放的小工具在屏幕上一个区域内叠放多个小组件，根据使用场景随意切换，可以直接通过悬浮小组件看视频，类似画中画一样呈现。 其实早在 iOS 5 苹果就加入了天气和股票小部件，而 iOS 14 的小组件件难免让人联想到 Android 的桌面小部件 Widget，这一度是 Android 开放生态和相对封闭的 iOS 生态最大的差异化之一。 不过 Android 桌面小部件一直没有广泛普及，爱范儿在此前一篇文章曾分析，这是因为这些小部件缺乏一致性，造成桌面风格不统一，而且只适合天气、时钟和待办事项等部门工具型应用，不知道 iOS 14 的小组件能否解决这些问题。 苹果还重新设计了 Siri 体验，比如可以直接在屏幕上方显示信息，曾经被调侃为「人工智障」的 Siri 也变得更加聪明，现在可以回答更复杂的问题了， 比如「混合 汽车 的原理是什么？」这样的问题。 目前 Siri 每个月会响应 250 亿次需求，速度比 3 年前快了 20 倍，同时支持基于神级网络的智能翻译 ，可智能识别多种语言。 iOS 14 对信息功能也进行了调整，向左滑动就可以置顶联系人。在群组对话中可以直接输入联系人进行对话。 用户还可以用 Memoji 来定制自己在 iMessage 对话的形象，据称有一万亿种方式来定制用户的外形特征，苹果还应景地新增了口罩的形象。 这是车主们的一个好消息，iPhone 可以当车钥匙用了。不过有一个前提，你首先得拥有一辆 2021 款的宝马 5 系。 苹果的数字车钥匙，只要 在 iPhone 上轻点即可解锁 汽车 ，不再需要物理钥匙，通过 iMessage 共享位置，系统可以智能记录用户行为习惯，还可以通过 iMessage 分享车钥匙给别人。 目前第一款支持这一功能的 汽车 品牌只有宝马，但苹果表示这也功能未来可用于全球超过 80% 新出售的 汽车 。 为了保障启动解锁的安全性，如果手机丢失用户可以通过 iCloud 远程关闭钥匙，并通过设置限制青少年的驾驶权限。 这是一个无需下载应用，就能使用 app 的功能，说的不是微信小程序，而是 iOS 14 的新功能 App Clips 。Clips（剪辑），顾名思义就是将 app 的部分功能剪到系统上。 它的使用体验和小程序类似，比如你收到外卖 app 的二维码，而你又没有安装这个 app 时，扫码后会跳转到一个浮动卡片上直接观看，无需跳转网页或下载 app，通过 Safari、短信、地图 app 和二维码、NFC 都能启用，每个 Clips 占据的空间不到 10MB。 虽然 Clips API 的形态和体验很像小程序，但它的实现原理其实更接近 Google 曾推出的 Instant App 和 Slices，都是在原生应用的框架上增加接口。 过去 iPhone 来电的时候，通知会占据整个页面，如果你刚好在打一局王者荣耀，接个电话就等于把队友坑了，iOS 14 的来电弹窗会在 游戏 、视频观看等场景时在屏幕上方弹出一个卡片，让用户在使用一些 app 时不会因为突然的来电而中止，iPadOS14 也支持这一功能。 类似的功能在很多 Android 手机已经实现，苹果虽然来的有点迟，但也终于解决很多 iPhone 和 iPad 的体验。 ▲ iOS 14 支持设备 iPadOS 这个去年才推出的操作系统，新系统不叫 iPadOS 2，而是直接命名为 iPadOS 14。 目前 73% 的 iPad 用户升级到了 iPadOS，在过去 4 年发售的 iPad 中，iPadOS 装机率达到 93%，目前已经有 100 万个专门为 iPad 打造的 App。 新的 iPadOS 14 有了更强大的生产力，以及更好看的设计。用户可以通过全新的侧边栏来来浏览和整理照片，并拖拽到不同的相册上。 同时苹果将下拉菜单 app 的所有功能键带到了顶部的工具栏，在播放音乐时，可以看到专辑的封面、歌词和控制键。 iPad 的搜索功能也进行了优化，过去的搜索界面需要切换到全屏，现在可以从主屏幕或通过任何应用启动搜索，用苹果的话来说，要用一站式搜索满足你的一切搜索需求。 另一个和生产力直接相关的更新则在 Apple Pencil 上 ，系统更好地支持手写文本的识别，用户可以通过「涂文字」在任何页面的任一文本框手写文字，Apple Pencil 会自动转换为键入文字，而在画图形时也能自动识别调整你所画的图形。 同时「涂文字」也可以在一行手写输入内容中识别出不同的语言，比如中英文混夹的文字。 苹果的网红单品 AirPods Pro 系列的软件也迎来了升级，其中最令人兴奋的就是新的空间音频功能 Spatial Audio，它让只有左右耳两个声道的 AirPods Pro，得以实现电影院般全景声的体验。 当你戴上 AirPods Pro 开会或观影时，你能感觉到声音从你的左边、右边、后边，甚至是头顶上方传来。 要在一对 AirPods Pro 上呈现环绕音响的体验并不容易，比如 AirPods Pro 是通过内置的陀螺仪来感应头部的移动，来实时跟踪和同步各个方向的声场，同时空间音频功能支持 5.1 / 7.1 音源和杜比音效。 每年 watchOS 的更新相对于 iOS 或者 iPadOS 来说，可能关心的人比较少一些。watchOS 在早期专注运动领域，最近几年开始专注于个人 健康 ，推出了像 ECG 等先进的 健康 监测功能，但是因为各国政策不同，ECG 一直没能对国行开放。 去年的 watchOS 6 带来了独立应用商店，让 Apple Watch 从此更加独立，至今已经有超过两万个应用可以下载。 今年 watchOS 7 则更进一步，能够实现将多个复杂功能制作成功能更丰富的表盘，另外也增加了数个全新的复杂表盘设计。 对于越来越多的个性表盘，watchOS 7 还增加了表盘分享的功能，在 Apple Watch 上只需要长按表盘选择分享就可以将其分享给家人和朋友。 新版苹果地图增加的骑行功能现在在 Apple Watch 上也获得了更新，除了显示海拔等多种信息，还会提供各种各样的路线建议。 watchOS 7 这次还新增加了舞蹈训练，支持 Hip-Hop，拉丁舞甚至是宝莱坞风格的舞蹈，现在手表能够自动识别舞蹈的种类，以及计算运动所消耗的卡路里。 而在支持了越来越多的运动类型之后，原先的应用名现在正式变身为 Fitness 健身应用。 今年的 watchOS 7 同样继续专注在个人 健康 领域，之前一直遮遮掩掩的睡眠监测功能终于在 watchOS 7 中正式到来了。 像其它手环一样，watchOS 7 能够监测用户总睡眠时长，如果用户的睡眠质量不高，watchOS 7 还会很人性化的对用户的睡眠情况提出改善建议。 比如在你晚上睡觉之前，手机锁屏会显示一些帮助你酝酿睡意的信息，也可以打开一些帮助睡眠比如冥想之类的应用，最后手机屏幕会变暗，手表进入睡眠模式。根据这些功能，用户能够创建私人的个性化睡眠习惯。 第二天一早手表还会轻柔地叫你起床，问候你一声早安，并显示今日的一系列信息。 watchOS 7 还首次新增了洗手的提醒，现在 Apple Watch 能够监测你何时洗手，并且记录你洗手的时间，以及提醒你应该要洗多久，可以说是为今年疫情环境下专门打造的人性关怀功能了。 作为开发者大会，新版本 macOS 11.0 Big Sur 也如约而至。Big Sur 大瑟尔是美国加州一号公路，也是美国西海岸一道非常美丽的风景线。 Big Sur 对整个交互界面进行了重新设计，有用更丰富和平滑的动效设计，更统一的设计风格，更现代的呈现方式。 如你所见，现在 Dock 栏的图标几乎都变成了我们熟悉的圆角矩形（除了最右边的最近文件和废纸篓）。Big Sur 还带来了全新统一的识别符号，在需要的时候会自动显现，这一切是不是都让你想起了 iPadOS？ 苹果还在 Big Sur 引入了新的控制中心，非常类似 iPadOS，用户可以在这里控制亮度，选择 Wi-Fi，就像使用 iPhone 或者 iPad 一样。而通知功能也被进一步加强，小工具变得更好看，更丰富。 要说最近两年 macOS 最大的变革，可能就是苹果一直在致力于让 iOS 的应用和 macOS 融合化，比如前年为 macOS 带来了股票、新闻和语音备忘录，去年则将音乐、播客、电视、屏幕时间和捷径等数个原本只能在 iOS 端上使用的应用搬了上了来。 去年苹果还宣布了 Project Catalyst 计划，意图将 iOS 和 iPadOS 上应用能够轻松移植到 macOS 上，也算是在为转向 ARM 铺平道路。目前在 App Store 已经有了一批基于此技术开发移植的应用。 全新版本的地图应用也得到了增强，同样也基于 Project Catalyst 技术。 Safari 浏览器也变得更快，隐私保护更好，苹果表示要比 Google 的 Chrome 快上 50%，能效比也要强上 50%，还支持了更多的 WebExtensions API 扩展功能。 现在 Safari 浏览器支持了更多的自定义设置，比如更换起始页的壁纸，现在你可以把它变得花里胡哨的。 从目前来看，iOS 包括 iPadOS 正在和 macOS 逐渐融合，桌面端原有的操作习惯和逻辑已经慢慢化为养料哺育了 iPadOS，比如今天 iPadOS 14 中看到的侧边工具栏，类似 Spotlight 的搜索框。而移动端更现代的设计也反过来改造了 macOS 的整体设计。 一向是 WWDC 大会尿点的 tvOS 并没有太多更新，主要是加入了对 Xbox Elite 2 手柄和 Xbox Adaptive 控制器的支持，让用户更好地在 Apple TV 上玩 游戏 。 Apple TV+ 目前已经被安装在 10 亿台设备上，明年还将出现索尼和 Vizio 智能电视等更多设备上。 由于在发布会之前，苹果桌面产品将由英特尔转向 ARM 的消息已经甚嚣尘上，所以无论是开发者还是普通用户都很期待能在 WWDC 上看到进一步的确切消息，因为这可能会对苹果未来的多款硬件与软件生态造成巨大的影响。 其实平台转换这事苹果并不是第一次干，早在十五年前苹果就经历过一次从 IBM 的 PowerPC 平台转换到英特尔平台。 但今天和十五年前不一样，当年苹果的平台转换需求是十分迫切的，因为 IBM 本身设计问题，PowerPC G5 的功耗和发热都很高，根本不适合笔记本电脑这样的移动平台。 至于为什么今天转换平台，现在 iPhone、iPad、乃至 Apple Watch 这些产品的生态与核心硬件已经被苹果攥在了手里，几乎就唯独笔记本和桌面系列还要看英特尔的脸色，像英特尔过去几年那种「挤牙膏」以及打磨 14nm 的行为，对于 MacBook 系列来说其实是挺大的一个掣肘。 所以，苹果在 WWDC 2020 上正式宣布了平台转换，公开表示未来的产品将会逐渐使用苹果自己的芯片。看来英特尔芯片的散热和能耗依然是困扰 Mac 的地方。 根据苹果的演示，在 Big Sur 上 这些原生 App 都能够在 A12Z 加持下流畅运行，包括 Final Cut Pro 和 Logic Pro 这样的大型软件。 既然要转换到自家芯片，苹果自然也带来了新版的 Xcode 开发工具，苹果表示新的开发工具重新编译目前的应用会十分方便，苹果还提到适配苹果自家芯片的微软 Office 三件套和 Adobe 的 Photoshop 与 Lightroom 软件均已经能流畅运行。 至于那些还没有适配更新的应用，苹果表示新工具 Rosetta 2 能够自动转译现在的 Mac app 变成适配 Apple 芯片的版本，甚至可以通过虚拟机运行部分大型 3D 游戏 ，比如展示了以 1080p 分辨率运行《古墓丽影》。 至于 iOS 和 iPad 上那些海量的，同样基于 ARM 架构开发的应用？像《纪念碑谷》这样的 游戏 甚至可以不修改就在 Apple 芯片的 Mac 上运行。 这是 Mac 用户有史以来第一次享受到整个移动生态的应用。 当然，整个生态的转换不是一蹴而就，苹果准备花费两年的时间将平台逐渐由英特尔转向自研芯片平台。 最后苹果还为开发者准备了一个新硬件，Mac mini 的外观，但内置了 Apple A12Z 处理器、16GB 内存和 512GB SSD，预装 macOS Big Sur 开发者预览版系统和 Xcode 开发套件。 至于第一款使用苹果 Apple 芯片的 Mac，库克表示 在今年底我们就会见到它了 。 毫无疑问，WWDC 上公布的数款系统更新会让苹果的硬件们变得更为易用，尤其是 iPhone，许多曾经呼声甚高的功能得以加入，使得 iOS 14 成为一代必须升级的版本。 在此，我们也在思考这一代 iOS 诸多功能背后的深意。 在爱范儿看来，无论是画中画功能、还是 Siri 和来电界面不再强制全屏，或是形态各异的插件等等，都是信息展示层级的优化，我们在 iOS 14 设备上的使用体验将会更具有沉浸感，场景切换成本大大降低，设备的交互使用效率也随之提升。 这也是智能手机多年以来的顽疾：缺乏真正好用的多任务系统。 但是，智能手机的硬件特性决定了它并不适合做成桌面系统体验，这也是 iOS 和 iPadOS 分道扬镳的原因，在思考完 iPadOS 何去何从之后，苹果终于在 iOS 14 上正儿八经考虑「一屏二用」这件事了，而不是直接分屏完事儿。从这一点来看，iOS 14 确实是这几代 iOS 中改变最为深刻的一代。 另外，地图和 CarPlay 的诸多功能也反映了 iPhone 借助 iOS 14 的崭新使命：成为连接人和现实世界的枢纽。放在数年前，手机发送车钥匙更像是电影场景，但是现在它成为了现实，这里也印证了那句话：能用软件解决的，就不要非用硬件，即如无必要，勿增实体。 最能展现「如无必要，勿增实体」的，当然还是苹果版小程序 App Clips，无需下载用完即走意味着比特在取代各种实体物件的时候，比特本身也需要更简洁。 当然，若说本次 WWDC 上苹果更新最大的，其实还是苹果自研 ARM 芯片的 Mac 电脑，虽然此前 ARM 芯片侵入桌面端已有端倪，但是没有哪一次像苹果这样准备充分来势汹汹，X86 统治桌面的 历史 开始动摇，毫无疑问，昨夜今晨就是这 历史 转折的时刻。 自始至终，苹果的思考都是直觉、简洁和优雅至上的，这一次的 WWDC 诸多更新，亦能体现这种思考。 本文作者：刘学文、李晨、李超凡

onMouseover当鼠标经过的时候，触发 = 后面的脚本函数onMouseout 当鼠标离开 。。onMouseUP 当鼠标 按下又抬起。。。onmousemove 当鼠标移动。。onmousedown 当鼠标按下时。。

洛基英语的老师翻译：爱的疯狂

说起HDMI大家应该都不陌生，而HDMI 2.1算是HDMI标准最重要的升级之一。HDMI 2.1最初于2017年11月发布，显著提高了HDMI 的最大宽带能力，最高可达48Gbps，使用压缩时甚至更大。HDMI 2.1除了支持8K分辨率之外，它还支持4K 120fps以及VRR、eARC、QMS 和 ALLM等，接下来我们会为大家列出目前支持HDMI 2.1的电视及介绍更新列表。HDMI 2.1说明一直以来，HDMI可以说是电视生态系统中的重要视频接口标准，它推动了电视厂家采用和标准化新的视频技术。之前在全高清电视一般支持HDMI 1.0和1.1，而支持HDMI 1.4的则基本都是3D电视、带有HDMI 2.0的基本都是目前支持4K电视，而现在支持HDMI 2.1的则都是4K HFR （高帧率）电视及8K电视。目前，市场上只有很少的HDMI 2.1电视，部分2020年的新电视支持某些HDMI 2.1功能，但无可用的HDMI 2.1讯号源可以利用这些新功能。HDMI 2.1在电视上广泛使用还需要一段时间，除了PS5及Xbox One 外，其他设备要支持可能还要更长的时间，但一些新功能可以反向移植到现有的HDMI 设备上。虽然某些功能可以改善常规内容的观看体验，但更高的宽带和新功能对于下一代游戏机或刷新速度更快的高分辨率显示器尤其有用。更多宽带HDMI 2.1支持更高的带宽，以实现更高的分辨率和更高的帧率（HFR）。此外，它还引入了新的可选功能，例如 VRR、eARC、QMS和 ALLM。这些功能提供了改进的游戏性能，更高质量的音频等。当然，一些可选功能（如 eARC 和 ALLM）也可以在 HDMI 2.0 芯片组上实现。HDMI 2.1将HDMI可以处理的宽带提高到48Gbps，并将宽带压缩，最大提高到至少128Gbps。虽然这是电线可以处理的最大宽带，但实际设备需要那么多的宽带还需要一段时间，制造商仅支持所需的宽带。例如，如果制造商只希望支持4k@120Hz ，并具有4：2：0色度二次采样，他们则仅需要支持32.08Gbps，仍然可以视为HDMI 2.1设备。这样为制造商提供了更大的灵活性，并节省了成本，因为制造商不需要实现对设备无法使用的额外宽带上的支持。实际上，制造商可以选择发布一种显示器，该显示器支持所有新的HDMI 2.1功能，而不会增加宽带，因此仍将其视为HDMI 2.1。对于消费者来说，这可能使事情变得更加复杂，因为验证每个新设备的功能以确保其能够使用支持足够的宽带将变得更加重要简要总结：关于HDMI 2.1 你应该知道的HDMI 2.1：HDMI规范的 2.1 版本支持更高的带宽（对于 HDMI 2.1 最高为（不一定为）48 Gb / s，而 HDMI 2.0 为 18 Gb / s），可支持高达8K 60和 4K 120的信号。它使用一种称为 FRL（固定速率链路）的新信令系统来实现更高的带宽，借助无损压缩（DSC），HDMI 2.1 为 8K120 支持高达 120 Gb / s 的带宽。HDMI 2.1 完全向后兼容，但是它将需要新的线材（相同的连接器）才能利用更高的带宽。HFR（高帧率）：HFR 是指超过 100fps（每秒帧数）的帧速率的术语，表示具有更高运动细节的平滑运动。电影通常以 24fps 的帧率拍摄和呈现，而游戏主机游戏历来以 30 至6 0fps 的帧率呈现，HDMI 2.1 的更高带宽将使 HFR 与 4K 分辨率结合起来使用。HDMI eARC（增强的音频回传通道）：自1.4版以来，音频回传(ARC)已成为HDMI 标准的一部分。音频回传允许你将所有源设备(如：蓝光，游戏机等)直接连接到电视，并具有一条为高清晰度多媒体电线将电视连接到接收器。这样可以实现接收器与电视之间的双向通信。音频从电视发送到接收器，或者接收器仅用一根电线将视频发送回电视。这也使你可以将设备连接到电视或接收器，并且所有设备都会将音频发送到接收器。这对于挂墙式电视或吊顶投影机来说非常有用。可是，音频回传的当前实现有一些局限性。有限的宽带(〜1 Mbps)限制了可通过返回通道发送的音频质量，从而无法将高质量的未压缩音频发送到接收器。增强音频回传解决了这些问题，并真正确保了显示器和接收器的前瞻性。它极大地增加了音频回传可以使用的宽带量，达到了令人印象深刻的37Mbps。这种额外的宽带可以发送未压缩的5.1和7.1音频，例如杜比TrueHD和DTS-HD MA，它们通常是杜比全景声(Dolby Atmos)和DTS：X的载波信号。HDMI VRR（可变刷新率）：你可能已经知道 Nvidia G-Sync 和 AMD FreeSync，HDMI VRR 是用于 HDMI 上可变刷新率的类似标准规范。通过同步电视的刷新速率以实时匹配主机或 PC 的帧速率输出，VRR 可以减少抖动、撕裂和延迟，从而使游戏更加流畅。电视和主机 / PC 都必须支持 HDMI VRR。HDMI QMS（快速媒体切换）：过去，只要你的设备正在更改发送信号的参数(例如电视)，屏幕就会变黑几秒，而电视会调整为新的信号。这在游戏机上尤其明显，因为游戏机的输出刷新率甚至分辨率有时会根据内容而变化。快速媒体切换可解决此问题。当兼容的信号源连接到兼容的显示器并切换格式时，显示器将不再显示黑屏，在不干扰黑屏的情况下立即在模式之间进行切换。HDMI ALLM（自动低延迟模式）：自动低延迟模式(ALLM)，也称为自动游戏模式，是专为游戏玩家而设计的另一项出色功能。受支持的电视在自动低延迟模式允许下，检测到正在玩的游戏时自动启用电视的低延迟“游戏”模式。这免除了你每次开始播放时都必须手动启用它的麻烦。它甚至知道玩游戏、在YouTube上观看游戏或观看电影之间的区别，并根据需要自动进行切换。再一次，三星在此功能方面领先，因为部分2019年出产的型号已经支持。快速画面传输(QFT)快速画面传输更改了图像从源设备传输到电影的方式。图像更高的速率传输，以减少延迟。总输入延迟的原因有很多，包括显示器处理图像并在屏幕上显示所花费的时间。快速画面传输不会完全消除输入延迟，但会减少源与显示器之间的传输时间所引起的延迟。支持HDMI 2. 1的电视列表如刚刚上面所说的，可以在电视或其他设备的 HDMI 2.0 芯片组上启用 HDMI 2.1 的某些功能。但是，要获得 HDMI 2.1 带宽增加的优势，电视或任何其他设备必须配备 HDMI 2.1 接口。已知的PS5及Xbox One都支持配备了HDMI 2.1接口。目前来说市场上只有很少的HDMI 2.1电视，部分2020年的新电视支持某些HDMI 2.1功能，但无可用的HDMI 2.1讯号源可以利用这些新功能。HDMI 2.1在电视上广泛使用还需要一段时间下就带大家带来看看目前市面上的索尼、三星、LG、TCL、VIZIO等电视品牌那些都支持 HDMI 2.1接口以下是索尼、三星、LG、TCL、VIZIO电视支持HDMI 2.1接口和功能的电视列表，以供参考，列表会不定期更新。

hobby是名词，hobbies是复数形式，所以不能加ing。名词后面不能加ing。动词后面能加ing,表示正在进行。部分动词后面加ing是将这个词变成了名词的形式。

减肥操有：1、Insanity：Insanity是高强度间歇有氧训练，由教练Shaun T 创造，是两个月的课程，第一个月是基础，第二个月的训练是帮助自己挑战并超越自己的极限，不需要辅助任何器材及设备，高强度，消耗大，适合有很好运动习惯的人群进行练习。2、Focus T25：Focus T25 强度比Insanity 要低不少，共分为3个阶段α, β, γ。α, β是基础心率和减脂部分，γ系列是专门的肌肉力量训练，可以脱离α, β直接练。适合有一定运动习惯的减肥人群。3、PIU（Pump It Up)：以热辣的电子舞曲，循序渐进的带领观众进入有氧运动的世界。全身减脂，可以提高心肺耐力；缺点是跳完一整套所需时间较长。4、乐动力全身舞动有氧操：这套操整个画面看上去会比较简单舒心，画风和现在多数运动APP的短视频课程类似，但是模特小姐姐都很好看，尤其是外模小姐姐的颜值真的很高级，看着一起跳会非常有动力。动作虽然不难，但是跳一场下来，腹部和背后都有出汗，疲惫感也是刚好。5、郑多燕小红帽：快40分钟的一节操，时间略长，但这个时间对于减脂来说却是刚刚好的，只要你能坚持下来！动作不难，甚至可以说是很简单，并且重复性比较高，但是8位测评员全程跳下来之后感觉还是很累的，出汗量也不错，一种“我瘦了”的感觉油然而生。6、超模25：超模25用时较短，有一种刚热身就结束的匆匆感。测评员跳完整场下来，比较统一的认为动作过于简单，出汗量不大，总体会更加适合基数大的减重者或者用于力量训练的热身动作。7、郑多燕减肥操：动作简单，任何人都看得懂，对空间、地点要求小，但强度较低，减重速度较慢。8、超模25减肥操：为中国人体质特别设计的减脂运动，一共25分钟，适合在家庭进行练习，简单易学，高效燃脂，适合广大初级减肥群体及一般健身人群。9、英国胖MM减肥操：英国胖MM减肥操最初其实是在微博上火起来的，可能这种英国小姐姐就是自带流量吧，没有什么非常正式的名字，也就一直沿用“英国胖MM减肥操”了。名字都不重要，重点是效果！10、玉珠铉减肥瑜伽：瑜伽的减肥效果虽然现在也已经得到了认可，但主要还是从保持身形的角度来说，毕竟瑜伽看上去真的很温和！出汗不代表减肥，但绝对可以算得上是该次运动效果的一个考核指标！

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