时装画插画鞋子-当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？

mugler是法国的一个服装品牌，以设计风格抽象出名，产品都很简洁大方，非常好看。下面我给大家讲讲mugler是什么牌子？mugler是什么档次？ mugler是什么牌子 法国时尚品牌 Mugler(穆勒),蒂埃里·穆勒 (Thierry Mugler) 服装表现形式也特别多，从粗俗的装饰主义倾向至严格的最简式抽象主义，无所不及。蒂埃里·穆勒 (Thierry Mugler) 常把将工业造型巧妙的应用于服装设计，奇异的几何造型为主要元素组合成的性感时装是蒂埃里·穆勒 (Thierry Mugler) 的特色。自1974 年以来蒂埃里·穆勒 (Thierry Mugler) 的层次丰富的服装如同利用智慧及戏剧化的因素叙述着种种富有想象力的时尚故事，性感、幽趣、欢快且令人激动。蒂埃里·穆勒 (Thierry Mugler) 的灵感多取材于70 至80 年代的艺术领域，他特别喜欢将工业造型、精确的几何的细部装饰应用于服装。在其系列主题里，有过类似50 年代Harley EaRL 为通用汽车公司设计的富有想象力的作品风格。mugler是什么档次 蒂埃里·穆勒 (Thierry Mugler) 的服装有时显示的是一种抽象的审美，就像万花筒一样重复强调服装的各元素，在这样的一种艺术的审美概念中，实实在在的服装只是创作的一部份。蒂埃里·穆勒 (Thierry Mugler) 的服装很多是为时装表演而设计，他的一次重要的动态展示带有芭蕾舞式艺术设计，就像是好莱坞伟大的Busby Berkeley 的音乐剧。蒂埃里·穆勒 (Thierry Mugler) 也为那些摇滚明星Madorlna 及名门贵妇Danlelle Mltterand 设计服装。蒂埃里·穆勒 (Thierry Mugler) 的摄影才能与他的设计才能一样出众， 1988年曾出版的摄影集《THLERRY MUGLER PHOTOGRAOHE》;蒂埃里·穆勒 (Thierry Mugler) 的服装设计，不管是进攻性的粗陋还是自制的讽刺，都反映了一种潜在的审美，如三个头长的肩宽、蜂腰、口袋形的臀部，这些人体夸张形象都反映在蒂埃里·穆勒 (Thierry Mugler) 的服装上。mugler新款包包 一套完整的Thierry Mugler着装可以称得上是一个建筑的奇观。其结构缜密、一丝不苟，突出一个精致的锥形轮廓，完美的线条勾勒出一个灵活的身躯。梦想成真!在这个充满童话和神秘的时装展的世界里，Thierry Mugler的主角总是新鲜而永恒的，他们可以是精灵、昆虫、老虎，亦或巫师或明星，这些神秘的生灵在一个幻想的色彩斑斓的时空里移动，神奇而美妙。无论是在艺术还是试验领域，Thierry Mugler的创造都不可否认的推动了灵感的发挥。战胜保守的规则是该品牌最重要的价值之一。最近，THIERRY MUGLER在巴黎的歌剧院广场上安营扎寨，这可以说是回家了，因为歌剧院正是艺术家Thierry Mugler开始其舞蹈生涯的地方，在那里他丰富了人体及其运动的知识，如何观察一个人的轮廓，以及对完美的不懈追求。

mugler是法国品牌，产品有时装、香水。Mugler是一个由法国设计师蒂埃里穆勒Thierry Mugler在1974年创立的同名品牌，在法国高级时装界里占有着重要的一席之地，其产品类别包括女装、男装、戏剧表演服、皮革制品，珠宝、彩妆、香水等。Mugler香水属于偏小众的中高档香水，从时装秀到时装屋，Mugler蓝都是其标志性的颜色，这种标志性的颜色大胆地成为了设计师的第一支香水：Angel。蒂埃里穆勒的灵感多取材于70至80年代的艺术领域，他特别喜欢将工业造型、精确的几何的细部装饰应用于服装。在其系列主题里，有过类似50年代Harley EaRL为通用汽车公司设计的富有想象力的作品风格。mugler的档次mugler属于中档品牌。蒂埃里穆勒的服装有时表现出一种抽象的美学，像万花筒一样反复强调服装的元素。在这样的艺术审美观念中，真正的服装只是创作的一部分。蒂埃里穆勒的很多服装都是为时装秀设计的，他的一个重要的动态秀就是用芭蕾艺术设计的，就像大好莱坞巴斯比伯克利的音乐剧一样。蒂埃里穆勒还为摇滚明星Madorlna和贵族夫人Danlelle Mltterand设计服装。蒂埃里穆勒的摄影天赋和他的设计天赋一样出众，无论是进攻性的粗鄙，还是自制的讽刺，都体现了一种潜在的审美，比如三个头的肩宽、蜂腰、口袋形的臀部。这些夸张的人体形象在蒂埃里穆勒的服装中得到了体现。以上内容参考百度百科-Mugler

一线档次。法国穆勒(Mugler)公司，原名蒂埃里穆勒（ThierryMugler），其服装形式多样，从粗俗的装饰倾向至严格的最简式抽象主义都有，天使angel是Mugler的第一款女用香水，于1992年和Clarins娇韵诗集团，共同开发，截止到2022年8月4日，根据查询相关资料显示：因为香水的规格、知名度都达到了一线档次的位置，并且还是由香水协会认证的一线档次产品。

【导读】：Thierry Mugler是一个时装品牌，除了做服装外，还设计到香水、配饰等领域，那么Thierry Mugler是什么牌子？Thierry Mugler是什么档次？ Thierry Mugler是什么牌子 Thierry Mugler是创始于1974年的法国时装品牌，中文名是蒂埃里·穆勒。 英文名： Thierry Mugler 中文名： 蒂埃里·穆勒 国家： 法国 创建年代： 1974年年 创建人： 蒂埃里·穆勒 (Thierry Mugler) 现任设计师： David Koma Thierry Mugler是什么档次 Thierry Mugler属于中高端档次。 thierry mugler（法国蒂埃里·穆勒）是一家服装设计公司，1974年创建于法国，其服装形式多样，从粗俗的装饰倾向至严格的最简式抽象主义都有。 无论是在艺术还是试验领域，Thierry Mugler的创造都不可否认的推动了灵感的发挥。战胜保守的规则是该品牌最重要的价值之一。 Thierry Mugler品牌在法国高级时装界里占有着重要的一席之地。自从1974年创建以来，它就以突破传统的个性赢得了热爱。 Thierry Mugler的风格以其达到极致的精致，使人一眼望见就能辨认出来。 Thierry Mugler品牌一直在不断尝试用相同的代码和主题，通过新的版型与技术，创造出新的产品。 Thierry Mugler ALIEN异型(琥珀)女士香水 Thierry Mugler发布的这款香水真的是香如其名啊，非常非常的不一样，非常非常的前卫，没胆量的MM不要试，你们会后悔的，会马上跑去洗掉的。相比其它Thierry Mugler的香水要浓很多，这款也是继大热了13个年头的Angle之后又一款力作，也算是一次绝对性的挑战。前味很容易让人受不了，太烈，喜欢比较浓香的MM可以勇敢地试试，但是30分钟之后，当香水干了融入你的体味,出现中味之后，这时的变化确实太令我欣喜了～让人闻起来很nice～而且这个琥珀的粉粉的温暖感觉的基调留香时间非常长～20小时没问题～ 来自法国的时尚品牌-Thierry Mugler，虽以创造曲线毕露线条闻名时尚圈，但也是法国唯一能打败香奈儿五号香水的异数。他因迷恋童年面包店甜点糕饼香，1992年使用焦糖、巧克力、香草，成为创新开发「食物香调Food Note」先趋，使ANGEL在法国成为新经典香水至今排名第一，在欧洲则排名第二，仅次于香奈儿五号香水。 香调：东方木质香调 前味：木质琥珀、吸收太阳能的花朵 中味：阿拉伯茉莉、接受印地安日照而生长之花瓣 后味：绿色植物、橙花 这款原始版的香水是由设计师Dominique Ropion和Laurent Bruyere共同创建的，为了吸引顾客也推出了几款 *** 版香水。 香水的容量包括了15毫升、30毫升、60毫升和90毫升（奢华版）。此外，还包括了固体香膏和闪耀版香水～

著名的时尚走秀有：ChanelSS&AW、ThierryMugler1995AW、Givenchy1997AW、Dior1998SS、GuoPei郭培2013。1、ChanelSS&AW。2019春夏和秋冬两场秀都值得一说。这一年的春夏秀充满沙子、水、救生员等元素，观众跟随品牌来到了夏日炎炎的海滩，感受Chanel最初的精神和舒适别致的时髦。2、ThierryMugler1995AW。纪念ThierryMugler入行20年的1995秋冬高定系列绝对是时尚圈最经典的秀之一，整场秀都极具戏剧性和记忆点，如梦似幻。无论是未来感十足、像机器人一样的金银铠甲，抑或是极度夸张的宽肩收腰礼服，甚至是大胆前卫的露臀装，无不展现了天才Mugler爆炸性的想象力。3、Givenchy1997AW。全场有一种灵异电影的诡异氛围，模特似乎是在演绎鬼魂。4、Dior1998SS。海盗爷的秀是虚无缥缈的梦境，模特们戴着的宝石项链，穿着的收腰连衣裙，还有羽毛装饰的外套和帽子，甚至是模特手指间挥动的发丝，每一个细节都值得细细品味。5、GuoPei郭培2013。中国设计师郭培2013年的成衣系列充满了看起来繁复又沉重的服装，模特们还穿着极高的厚底鞋，甚至因为厚底鞋太高了，许多人不得不被护送下T台。

想到年轻女性在夏天的时候总是会喷上一点香水，而我们都知道香水的种类是非常多的，其中有的香水适合春秋季节使用，有的香水就更加适合夏季使用的，因此很多人对于夏天用什么香水是非常关注的，那么那么夏季用什么香水好？夏天用香水好吗？1、夏季香水推荐阿蒂仙夏夜清风香调：木质花香调气味：橙花麝香玫瑰青草椴树花干草木质香。一缕夏日的清风随着薄荷的冰凉气息吹来，赶走了白昼的燥热，让人顿觉一阵清凉青净古龙水ThierryMuglerMuglerCologne它闻起来像是干净的婴儿体香，配合着清新的柑橘与橙花，在清新干爽中夹杂了柔美的气息，它与绿叶的味道相结合了起来，还带着一些由香根草营造出的泥土感，因此它并非是女人专属，男人用也会效果出众。浅蓝DolceGabbanaDGLightBlue酸酸甜甜的柠檬果香，夹杂着淡淡的海风味道，无比的轻盈水润，如同西西里海一般清澈蔚蓝。青涩的苹果味夹杂着干净的皂感，像是姑娘身上刚刚洗过的白衬衫。后调是雪松和竹子，在稚嫩和青涩的基础上，增添了一抹知性的感觉。2、夏季使用香水须知一、香水不要喷在腋下这是很多人都会犯的错误，夏季容易出汗，身体有时候会有汗臭味，所以很多人喜欢将香水喷在腋下，以为这样可以将汗味掩盖。小编告诉你，这样做不仅不能掩盖汗味，还会让味道更佳奇怪，香水和汗水混合在一起更佳糟糕，建议大家不要这么做！二、香水不要喷在皮肤上有些美眉喜欢将香水直接喷在皮肤上，这样其实对皮肤不好，特别是夏季，经常在户外的要注意了，香水中含有酒精，直接喷在皮肤上，然后被太阳暴晒很容易造成皮肤红肿，严重还可能晒伤，所以不要再这样做了！三、不要将香水喷在浅色衣服上夏季大家喜欢穿浅色的衣服，那么喷香水时就要注意了，不要直接喷到衣服上，要不会留下痕迹，想要清洗掉就很困难。这里可以给大家推荐一个喷香水的方法，将香水喷在空气中，然后转一圈，这样香水均匀的洒落，香味也会很均匀哦。3、使用香水小技巧---让香味更加持久的方法，除了那些味道浓厚的香精香水，其他的香水留香时间都非常的短，最好的方法就是在使用固体香水之前，先用同味或者同系列的身体喷雾或者身体乳先涂抹身体再使用香体膏或者滚珠香水，你会发现香味可以变得更加持久！---若有若无的香水感不仅局限于喷在身体上，如果你是长发飘飘或头发干枯易开叉，就可以用上这两款护发乳和护发油，好闻的味道不仅可以让头发沾染上自然纯净的香气，还能让自己和身边的人沉浸在馨香的好心情中。微风拂过，一缕淡香飘过鼻尖。瞬间让头发也仙起来哦！---混搭使用也是好方法，香调调可以交相搭配使用，比如花香和果香搭配起来用就会有意外的华丽效果，而本木香调和清新的果香就比较中性，草香和花香的结合则让人感觉甜美迷醉。---夏天的运动鞋，难免会有稍许味道，为了防止偶尔脱鞋时候的小尴尬，最好的方法就是在晚上鞋子上喷一下清新喷雾，第二天穿就会减少产生气味的小尴尬啦！---最低调的奢华，给衣服熏香是最低调又奢华的熏香法，用香片纸放置在衣橱或者抽屉中，或者垫放衣服的普通抽屉纸上，喷上喜爱的清新喷雾，也能给予衣服自然唯美的熏香味道！让你于人群中走过时，身上若有若无的馨香带出内敛的优雅气质！4、香水怎么分装1、首先准备好小的香水瓶。2、再购买一个医用注射器(为了安全卫生)，下一步就可以分装了。3、分装时沿着香水瓶喷头接口处的缝隙，把针头插进去。不是每一次都能进去的，一定要耐心反复找寻，相信总会找到得，越是高贵的越是不容易。切记：不能性急动作要慢，因为香水瓶里是真空的，抽起来不是很方便，一定要在针头不拿出来的情况下，反复抽取，直到满意的需要量，再把针头拔出。把针管里抽取出的香水注入小瓶就好了。

您好，是Thierry Mugler的“天使”(Angel)。前调：香梨，柑橘中调：西番莲，桃子，杏子基调：广藿香，香草，巧克利，焦糖我现在有一瓶闲置的，想除掉，不知道你有没有这个意向想购买？

僵尸男孩”瑞克·格内斯特 (Rick Genest) 介绍：瑞克·格内斯特 (Rick Genest) 来自加拿大，因全身布满纹身而被称为“僵尸男孩”，瑞克·格内斯特 (Rick Genest) 真正踏入时尚界，是因为著名造型师、Lady Gaga的时尚总监尼克拉·弗米切提 (Nicola Formichetti) 在社交网站Facebook上发现了他。之后，瑞克·格内斯特 (Rick Genest) 迎来了出道的第一场秀——蒂埃里·穆勒 (Thierry Mugler) 男装在巴黎的2011秋冬男装秀，而尼克拉·弗米切提 (Nicola Formichetti) 则是这场秀的创意总监。之后，瑞克·格内斯特 (Rick Genest) 真正当起模特，开始登杂志，接广告。瑞克·格内斯特 (Rick Genest) 在加拿大的蒙特利尔市郊长大。虽然从小就想纹身，但出于对父母的尊重，瑞克·格内斯特 (Rick Genest) 直到16岁才做了第一个纹身。17岁高中毕业后瑞克·格内斯特 (Rick Genest) 就离开了家，21岁时回到蒙特利尔找纹身艺术家弗兰克·刘易斯为自己实现纹身理想。花了三年时间，费用数千美元，瑞克·格内斯特 (Rick Genest) 和弗兰克·刘易斯一起为自己的身体设计各种纹身，直到纹身布满他身体的每一个角落。2010年3月5日，知名社交网站Facebook上诞生了一个瑞克·格内斯特 (Rick Genest) 的主题页面，展示了他无与伦比的纹身艺术。惊人的视觉效果，令“病毒式传播”效果也惊人——仅一年时间，瑞克·格内斯特 (Rick Genest) 的主页粉丝数超过150万，其粉丝中就包括了著名的造型师尼克拉·弗米切提 (Nicola Formichetti) 。尼克拉·弗米切提 (Nicola Formichetti) 一眼就看中了瑞克·格内斯特 (Rick Genest) 。当时，瑞克·格内斯特 (Rick Genest) 还欠着数千美元的债务，去巴黎走秀前甚至连办护照的钱都不够。尼克拉·弗米切提 (Nicola Formichetti) 帮他解决了这些问题，让瑞克·格内斯特 (Rick Genest) 顺利走上了巴黎秀场。瑞克·格内斯特 (Rick Genest) 正是尼克拉·弗米切提 (Nicola Formichetti) 寻觅已久的缪斯。◆ 瑞克·格内斯特 (Rick Genest) 所拍摄的广告、杂志和MV：2011年1月，瑞克·格内斯特 (Rick Genest) 为蒂埃里·穆勒(Thierry Mugler) 男装2011春夏时装秀走秀；2011年2月27日，瑞克·格内斯特 (Rick Genest) 参与Lady Gaga新歌《Born This Way》MV的拍摄；2011年3月，瑞克·格内斯特 (Rick Genest) 为蒂埃里·穆勒(Thierry Mugler) 2011春夏男装拍摄广告；在《GQ》英国版2011春夏时装专题中，我们可以看到尼克拉·弗米切提(Nicola Formichetti) 和瑞克·格内斯特 (Rick Genest) 的专访，以及Rick Genest为蒂埃里·穆勒 (Thierry Mugler) 品牌拍摄的时装大片。随后，瑞克·格内斯特 (Rick Genest) 登上了由尼克拉·弗米切提(Nicola Formichetti) 担任造型师、知名摄影师Mariano Vivanco掌镜的《Vogue》日本版的蒂埃里·穆勒 (Thierry Mugler) 男装时尚大片；◆ 瑞克·格内斯特 (Rick Genest) 模特档案：中文名：瑞克·格内斯特英文名：Rick Genest昵称：僵尸男孩，Rico生日：1985年8月7日出生地：加拿大蒙特利尔市喜欢的音乐风格：金属，说唱，摇滚，朋克喜欢的电影导演：蒂姆·波顿(Tim Burton)模特经纪公司：Why not(米兰) Ford Europe(巴黎)

Amenta就是脑残，lz你先把所有单词确认再来问吧 完全看不懂

没有最好的牌子只有最奢侈的牌子，这些牌子都是被明星们慢慢穿红起来的，比如说巴宝莉，爱马仕，范思哲，普拉达，沃尔玛，华天奴等还有很多牌子，但是它们也是有他们的优势不像杂牌，衣服的质量肯定是没有的说的这一点可以很明确的说！ 我呢也穿过很多品牌的服装但是呢，让我觉得最不错的还是这几款，不仅耐穿，还不会过时 NO1.【迪奥】 完美线条字母设计无可挑剔的存在 NO2.【巴宝莉】纤维防风冲锋衣，跑步户外游玩真的没有话说很赞 NO3.【爱马仕】纯白款连帽外套，百搭不说，还防水防风 NO4.【爱马仕】三代冲锋衣不仅袖修身材质采用稀有纤维独家设计 NO3.【范思哲】貂皮外套衣面十分柔顺还保暖秋冬款 NO5.【巴宝莉】动物印花系列款外套 NO6.【普拉达】条纹独家材质设计外套百搭类型 NO7.爱马仕纯黑单车户外款冲锋衣 NO8.【始祖鸟】外套，是我最喜欢的一件，防水防雨以外还不容易划破 款式虽然不多但是都是我喜欢的外套，大家喜欢可以跟我讲哦！ 虽然这个标题很厉害，看到的人也很厉害，但是我想说的是，我都没有穿过！哈哈哈！ 但是不影响我在以后会穿呀！给大家介绍几款吧！ 第一：香奈儿 香奈儿的的产品有很多很多，有服装啊化妆品啊香水啊什么各种各样的，特别是她的香水与时装。 据说香奈儿一生都没有结婚，其本身就是女性自主最佳典范，也是新时代女性。 第二：路易威登LV 应该是奢侈品中的顶级品牌了吧，路易威登(Louis Vuitton)创始人，世界奢侈品史， 时尚 界最杰出的 时尚 设计大师之一。 第三： 迪奥 Dior 法国 时尚 穿搭的领军者，是法国的酒业和奢侈品制造者。 第四： 范思哲 Versace 范思哲的设计风格非常鲜明，独特的美感、极强的先锋艺术表征让他风靡全球，他强调快乐与性感，领口常开到腰部以下，豪华、奢丽。是意大利的 时尚 界顶级制造者。 第五： 普拉达 Prada 意大利的品牌，1913年在米兰建立，由于创始人的独特天赋和对创意的不懈追求，融合了对新兴事物的好奇之心和 时尚 配合，从而开辟了一个 时尚 新之路。 衣服算是人们日常生活必不可少的东西，大家在这上面也有一定的追求，希望得到最 时尚 的衣服。世界上有很多顶级的服装公司，致力于为消费者提供最 时尚 最有创意的服饰 1、Christian Dior 该品牌创立于1946年，目前已经是世界知名的 时尚 品牌。该品牌所在公司总部位于法国巴黎，是服装行业的世界领导者。目前Dior的产品线已经不仅仅是服装类，还扩大到了包括皮具、配饰、鞋类等等。 　　利润(百万美元)：6105.27 　　销售额(百万美元)：46339.81 2、路易威登 路易威登是服装行业最具代表性的品牌之一，拥有强大的世界影响力。这是一家法国零售公司，以其奢侈品而闻名，它是世界上最有价值的品牌，被认为是身份象征。 　　利润(百万美元)：5443.06 　　销售额(百万美元)：45246.74 3、耐克 耐克总部位于俄勒冈州，是一家美国的国际公司。该公司主要生产销售运动鞋，运动，运动和其他 娱乐 和产品的服装和配件，目前已经俨然是全球最大的服装和运动鞋供应商。 　　利润(百万美元)：4240 　　销售额(百万美元)：34350 4、ZARA ZARA总部位于西班牙，是Inditex集团的旗舰品牌。Zara创立于1975年，以其 时尚 和优雅的服装和配饰系列而闻名。 　　利润(百万美元)：3578.48 　　销售额(百万美元)：26887.4 5、阿迪达斯 　　阿迪达斯总部位于德国，是一家主要生产和销售各种男女服装和配饰的跨国公司。阿迪达斯是全球最大的运动服装和服装制造商，该公司主要专注于足球，并为这场比赛带来了许多创新产品。 　　利润(百万美元)：1167.36 　　销售额(百万美元)：22517.25 6、H&M H&M总部位于斯德哥尔摩，是一家瑞典的国际公司，为全球市场提供服装和配饰。该公司成立于1947年，主要为男士，女士，儿童及青少年提供快速 时尚 服装及配饰。 　　利润(百万美元)：1746.86 　　销售额(百万美元)：21587.98 7、GAP GAP是一家总部位于美国的跨国公司，由Donald Fisher于1969年创立。该品牌总部位于加利福尼亚州旧金山，是全球最大的服装和配饰零售商之一。 　　利润(百万美元)：848 　　销售额(百万美元)：15855 8、优衣库 优衣库是世界上最大的零售商店之一，凭借其遍布各大洲的男士、女士和儿童休闲服装而闻名。该公司总部位于日本东京，由山口于1949年创立。 　　利润(百万美元)：645 　　销售额(百万美元)：7537 9、Ralph Lauren 　　Ralph Lauren总部位于纽约市，是世界顶级服装品牌之一，专门为世界各地的男士，女士和儿童提供各种服装和配饰。 　　利润(百万美元)：99.3 　　销售额(百万美元)：6652.8 10、爱马仕 爱马仕是一家法国的国际公司，主要销售皮革，香水，生活配饰，珠宝，成衣，手表和家居用品。该公司成立于1837年，致力于为客户提供高品质和独特的产品。 　　利润(百万美元)：1171.81 　　销售额(百万美元)：5520.75 其他奢侈品牌，大多也有着 跌宕起伏的经历 ，能走到现在的我觉得都绝对是世界上最好的服装品牌。而那些成立十几年或者几年的品牌，也不能因为人家成立时间就说人家不好，在 时尚 圈这个名利场，能出名的都有几把刷子。 但是，术业有专攻，每个牌子都有自己的特点，所以下面按照类别，我每个类别给出5个个人方面觉得在同类别产品中表现出众的品牌。 1、主打优雅、甜美、浪漫 Chanel、Christian Dior、Lanvin、Givenchy 、Valentino。 2、主打浮夸、华丽、复古 Gucci、Jean Paul Gaultier、Christian Lacroix、Anna Sui、Alexander McQueen。 3、主打极简、现代、简约 Céline、Chloe、Jil Sander、Armani、CALVIN KLEIN。 4、主打性感，朋克，摇滚 Balmain、VERSACE、Vivienne Westwood、Marc Jacobs、Roberto Cavalli。 5、主打运动，街头，未来 Balenciaga、JW Anderson、OFF-WHITE、Marine Serre、Paco Rabanne。 6、主打印花、色彩 Kenzo、Marni、Paul Smith、Kate Spade、Etro。 7、主打廓形、剪裁 Mugler、Yohji Yamamoto（山本耀司）、ISSEY MIYAKE（三宅一生）、Comme des Garcons（川久保玲）、Maison Margiela。 8、主打面料特点 Sonia Rykiel（针织）、Missoni（针织）、Max Mara（羊绒羊毛）、Bethany Williams（可持续发展面料）、Sacai（对比强烈的面料混搭）。 我觉得没办法去评选选好的衣服品牌是哪些？因为衣服是属于艺术的东西，喜欢它的人和不喜欢它的人都是各占一半，什么是最好的？它的标准是什么？如果是按销量，创造的利润的来评判，这也是一个标准，按受欢迎的程度去评判，这也是一个标准，按衣服的质量、工艺、设计、面料来评判，这也是一个标准。想要知道最好的衣服品牌，应该有一个自己标准在哪里才能找到你认为最好的衣服品牌。 随着人们生活水平的提高,人们对生活的质量也要求越来越高,这些其中的一点就表现在人们对与服装品牌的追求。那么,国际的知名服装品牌都有哪些呢? 下面让思宾服饰和大家一起来看看世界十大奢侈服装品牌。 　　 CHANEL香奈儿 　　香奈儿创建于1913年的法国巴黎，多年来，香奈儿一直保持着高雅、简洁、精美的风格，突破传统也是它的一大特色。而双C标志、菱形格纹、山茶花是Chanel帝国中的三大标志!Chanel一定会像她的设计师那样，永远地书写传奇。 　　 Dior迪奥 　　迪奥以品牌创始人克里斯汀?迪奥(ChristianDior)先生名字命名的同名品牌自1947年创始以来，就一直是华贵与高雅的代名词。不论是时装、化妆品或是其他产品，迪奥(Dior)在 时尚 殿堂一直雄踞顶端。 　 　Armani阿玛尼 　　阿玛尼是世界知名奢侈品牌，1975年由 时尚 设计大师乔治·阿玛尼(Giorgio Armani)创立于意大利米兰，以使用新型面料及优良制作而闻名。 　　 纪梵希 　　纪梵希品牌由Hubert de Givenchy于1952年创立于法国，以其高级订制时装、女装成衣及配饰、男装成衣及配饰享誉全球。 　　Versace范思哲 　　创于1978年意大利，蛇妖美杜莎为其品牌标志，独特的斜裁方式，线条设计具先锋艺术，追求性感及舒适的服饰品牌 　　范思哲设计风格非常鲜明，独特的美感、极强的先锋艺术表征让他风靡全球，他强调快乐与性感，领口常开到腰部以下，拮取了古典风格的豪华、奢丽，又能充分考虑穿着舒适及恰当的显示体型。 　 　Burberry博柏利 　　博柏利(Burberry)是极具英国传统风格的奢侈品牌，创办于1856年，是英国皇室御用品。Burberry(博柏利)拥有156年的 历史 ，早期主要以生产雨衣、伞具及丝巾为主，是具有浓厚英伦风情的著名品牌，长久以来成为奢华、品质、创新以及永恒经典的代名词。 　 　Gucci古驰 　　Gucci，是一间意大利时装品牌，由古驰奥·古驰在1921年于佛罗伦斯创办。 　　古驰品牌时装一向以高档、豪华、性感而闻名於世，以“身份与财富之象徵”品牌形象成，富有的上流 社会 的消费宠儿，一向被商界人士垂青， 时尚 之余不失高雅。 　　LV路易威登 　　自1854年以来，代代相传至今的路易威登，以卓越品质、杰出创意和精湛工艺成为 时尚 旅行艺术的象征。产品系列包括:都市手袋，旅行用品，小型皮具，围巾配饰，鞋履，成衣，腕表，高级珠宝及个性化定制服务等。 　 　Prada普拉达 　　PRADA普拉达，米兰又一个以完美主义著称的家族品牌。1913年，PRADA在意大利米兰的市中心创办了第一家精品店，创始人MarioPrada所设计的 时尚 而品质卓越的手袋、旅行箱、皮质配件及化妆箱等系列产品，得到了来自皇室和上流 社会 的宠爱和追捧。 　　Valentino华伦天奴 　　始于1962年意大利，全球高级定制和高级成衣顶级奢侈品品牌，以富丽华贵/美艳灼人的高档女装为品牌特色，崇尚最纯的颜色，鲜艳的红色为标准色 您好，我认为这个世界上不存在最好的东西，服装也是。对服装品牌好坏的定义都是非常主观的，不是贵就好，自己喜欢的就是好的。 哪些是世界上最好的服装品牌？ 最适合自己的牌子就是世界上最好的服装品牌。 这个最适合自己世界上最好的服装品牌呢，既可能是100％A品牌，又可能是A品牌40% +B品牌20% C品牌10% +… 跳出服装品牌看服装品牌。[比心]#Helen形象管理##形象价值赋能者##让爱美的人更有魅力# 自己喜欢的就是好的 品牌。 迪奥、爱马仕、古驰、巴宝莉、香奈儿、LV、华伦天奴、阿玛尼、纪竼希等……

娇兰的，还有气味图书馆的

他是最炙手可热的插画师也是时尚的最佳代言人 大卫.唐顿David Downton，1959年生于伦敦。 从孩提时代开始， 对他最好的款待就是一大页白纸。 然而， 大卫没有想到的是， 很久以后他可以依靠画为生。 ▲大卫.唐顿年轻时在画画 ▲工作室自成一幅画，和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。 ▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。 大卫最初学习的是平面设计专业， 他的第一幅作品是20世纪80年代早期， 为Which Computer 杂志设计的封面。 ▲大卫.唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。 ▲大卫.唐顿1998年为克里斯汀.拉克鲁瓦绘制的时装插画，材质为墨水彩盒纸张。 曾有15年时间， 大卫一直是自由职业插画师。 无论有什么事情发生， 他都很享受这种自由插画师的生活。 ▲大卫.唐顿1999年为让.保罗.高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特.摩斯为原型，以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名，是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。 ▲大卫.唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似，他运用的色彩富有现代性。 ▲大卫.唐顿1999年在伦敦创作的时装插画Paloma Picasso。材质为水粉、墨水盒纸张，醋酸纤维纸覆膜。 ▲大卫.唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画，模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。 大卫的作品线条简洁流畅， 很有质感，风格也不矫揉造作， 可以很好地展现出人体的优美体态。 因为这种独特的绘画风格， 有一些人开始邀请他制作时装插画。 其中，就包括 85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯， 她也是大卫的缪斯之一。 ▲大卫.唐顿2000年的纽约绘制的时装插画，模特为卡门.戴尔.奥尔菲斯，服装由Thierry Mugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制，醋酸纤维纸覆膜后，再以墨水绘制。 ▲大卫.唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜.佩姬绘制的肖像，他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美！ ▲大卫.唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达.哈莉齐绘制的肖像。 他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、 Eric这些艺术家心存景仰。 因此， 在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。 1996年他为杂志制作过高级时装展的插图， 1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。 最开始他眼花缭乱完全没有准备， 但是， 巴黎时装秀实实在在地， 激发出一个艺术家的灵感。 巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。 而这里的一切都让人神魂颠倒。 在模特走秀的时候， 大卫从来不作画。 因为他发现那根本无法进行， 他仅仅是摄影或者在一旁观看， 并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。 他抓住其他的任何机会来画， 模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。 比如：试衣的时候， 有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间... ▲化妆品也是他的工具，起笔和落笔之间动人心扉，浓淡皆宜。 大卫说：“我最开始画的时候，认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而，第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上，在凯特.摩斯消失之前，我仅仅才画出她的胳膊！所以，享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。” ▲草稿也动人 大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉， 然后才是比例、颜色等一些细节， 然而，这一点是较难做到的。 ▲草稿也动人 大卫画无数份的设计草样， 然后从中挑选出最好的， 画得差不多的时候他就开始剔除， “分解—重建”它们。 他持续地画， 一直到它们看起来自然为止。 他为世界各地的知名媒体， 如《泰晤士报》《独立报》， 以及Harper"s Bazaar(a澳洲版）等， 撰写时装的相关报道。 并在伦敦举行过三次个展， 在纽约也举行过一次个展。 近年来， 他还为香港的购物中心设计视觉图像， 以及为Vogue女性时装系列绘制插画。 ▲大卫.唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎，材质为水粉、水彩和纸张。 ▲大卫.唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。 ▲大卫.唐顿2005年受Vogue（中国版）委托绘制的插画Valention F itting。材质为墨水、水粉和纸张，醋酸纤维纸。 ▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。 ▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装画，材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。 ▲大卫.唐顿2007年受Madame杂志（德国版）委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制，醋酸纤维纸覆膜后，再以墨水和水粉绘制。 ▲大卫.唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。 ▲大卫.唐顿2008年为自己的杂志Pourquoi Pas绘制的插画，模特为蒂塔.万提斯，服装由拉克鲁瓦设计，材质为墨水、水粉和纸张，醋酸纤维纸覆膜。 大卫是不是把性感舞娘画的淋漓尽致~ 要想功夫深铁杵磨成针～ 想拥有超越别人之外的能力， 就要将能力修炼到极致！

NO10 AJ Abualrub 来自美国的俄亥俄州，身高1米88，是Wings模特经纪公司旗下的男模。因主演Hedi Slimane 掌镜拍摄的《VMan》杂志大片而受到大家的关注。AJ Abualrub 备受CK (Calvin Klein) 品牌的宠爱，轻松迈过CK(Calvin Klein) 2009春夏和秋冬季秀场，还主演了CK (Calvin Klein)2009春夏男装广告大片，走红速度不容小视。 NO.10(并列)Mat Gordon NO.9 Simon Nessman 1990年出生于不列颠哥伦比亚省，现居住于美国纽约。2009秋冬秀场Simon Nessman踏出自己的一片崭新天地，轻松迈过Emporio Armani 、D&G、TRUSSARDI、DSquared 、GIVENCHY 、等时装品牌的T台. NO.8 Arthur Daniyarov 来自俄罗斯，身高188cm。继上赛季出现在Prada和Jil Sander的秀场上，Arthur这季担任了JilSander的开场和压轴，另外在巴黎，他走了Hugo Boss、Lanvin，Raf Simons等品牌的秀。 NO.7 Danny Schwarz 身高186CM，是英国经纪公司Premier旗下最有前途的男模之一，被很多媒体用类似于“惊艳”这个词引荐。第一次看到Danny Schwarz 是在D&G2009春夏的T台上，这个品牌当季服饰很宽松，缺少以前季英挺的轮廓，但Danny Schwarz却穿出了味道。同样这一季，在Rag&Bone 、ZZegna等不同风格的品牌T台上，也都有他的身影，给人留下深刻印象。 NO.7(并列) Lars Burmeister 1981年4月22日出生在德国汉堡，身高186CM，绿色的眼睛，高高的颧骨，高贵的气质中透这一股时尚的气质。HUGOBOSS的御用模特。 NO.6 Will Defiel 身高187CM，绝对幸运的新面孔，被Calvin Klein看重，取代男模AJ Abualrub代言品牌2009秋冬男装成衣广告。Calvin Klein 2009秋冬男装秀的压轴，也是Will Defiel。同时还席卷了Yves Saint Laurent, Versace and Neil Barrett在米兰，巴黎的秀场，掀起了一股风暴。 NO.5 Jon Kortajarena 1985年5月19日出生在西班牙的Bilbao，身高187CM，西班牙男模“三巨头”之一。 NO.4 Jamie Dornan 1982年生于爱尔兰，身高183CM， Models官网评价为sexboy，曾经在《玛丽皇后》中扮演皇后的情人Axelvon Ferson NO.3 Garrett Neff 1986年生于美国，身高184CM，从被星探发现到蹿红再到全球十大男模仅用了三年的时间，在短短的三年时间，接连走了包括Tommy Hilfiger、LV、CK等世界顶级品牌的多场秀，当前时尚圈炙手可热的宠儿。 NO.2 Sean O"Pry 来自Kennesaw，Georgia，U.S.，身高 186cm，07年春夏被英国版《GQ Style》选为Man for the Season时，出道才5周。他那文艺复兴雕像般深凿的眉宇、颧骨，以及那堪称全天下男人当中最性感的完美唇型，让时尚界惊为天人。本年度秋冬季时装，他在Joop、Calvin Klein Jeans、Giorgio Armani三个品牌出现。 NO.1 Baptiste Giabiconi 身高188CM，来自法国南部，是DNA经纪公司的签约模特。Karl Lagerfeld 视其为缪斯，Baptiste Giabiconi 几乎登上了最近几年Karl掌控的三大品牌所有的广告。不仅如此，Karl更是以Baptiste Giabiconi为主题，拍摄了一本写真集《Metamorphoses of an American》，时间跨越2003年到2008年。麻烦采纳，谢谢!

固体香氛散发迷人香味 　　我们都知道固体香散发着迷人的香味，你知道有那几款吗？除了香水、还有蜡烛、香油都会散发香味，那么你知不知道有哪几款香膏吗？下面我们来看一看这几款香膏吧，和我一起了解下吧。 　　固体香氛散发迷人香味1 　　 一、 StellaInTwoAmber女士香水膏 　　用了它，我敢打赌，人家绝对会记住你，而且会是超级好的印象。这款香膏，可以随场合的需要，变换浓淡各异的香调，薄薄涂一层在手腕上，让你散发出从容自信的优雅，如果想要时尚妩媚一些，就多补涂一些，琥珀的香气会慢慢渗透于肌肤。瓶身糅合了复古和现代的设计，随时随地散发慑人的芳香，不落俗套地展现着你的真我个性。 　　 二、 夏洛特香膏AngelParfum 　　调味师在欧洲的传说大陆，找到了各种神话的材料，通过2000年前的提炼手法，还原一种传闻为天使的香味。古老的素材，古老的炼制手法，给你一种不能抗拒的魅力，“天使之香”。世上最奇妙、最丰富、最和谐的"千百种花木香调集于一身的香氛，乳质固态香膏，柔滑如丝，具有触肤即化的奢侈触感。名媛必备夏洛特香膏让香气如影随形。 　　 三、 让保罗高提耶女士香氛膏 　　这款独特的香氛膏，光看外观就足以让你爱死它了。用华丽的首饰设计作为掩护，让你随时可以用优雅婉约的姿态填补香氛，中央的徽章，微妙地隐藏着独特的粉状香草膏体，就连外观都是设计师专门为配合本季的潮流趋势所设计的。想在酒会或是商务趴时成为众人焦点，那它可是不二之选，这么极具个性的香氛配饰，可是相当值得扫入的发烧货。 　　 四、 Benefit完美身躯香膏 　　这个家伙可是它家的明星级产品，周围的好多闺蜜都超喜欢。它的用法很简单，而且很好玩。只要你能想到的地方，双腿、手臂、颈部或任何想要有柔滑触感的地方，它都能帮你打造绝对的身体诱惑，淡淡的白花香味和闪亮光芒，让你的性感指数瞬间提升，有了它，肌肤不再想穿任何衣裳。要是在大趴当天期待邂逅你的Mr.right，让他有种相见恨晚的感觉，那么这味道散发刚刚好的香膏，绝对是必胜单品。 　　 五、 欧舒丹樱花香膏 　　怎么形容呢？要是只用两个字概括，就是清新。都市精英女们担心上飞机时会增加负担，没法把自己喜爱的香味也一并带走，没关系，这款香膏就能帮你。它的细腻质地和清新的樱花香，可以让整个包包都充满幽幽的香味儿，而且超持久，短短几秒，沁人心脾的清香就弥散开来，枯燥的机舱也仿佛变成了让人迷醉的花园。 　　 六、 伊芙黎雪固体香膏 　　一大早出门不管是挤公车、坐地铁，都不太适合香水的浓烈刺激，这个可爱的膏体香水复古优雅，精致小巧，清淡的香味又不会给别人带来困扰，可以在车上随意补涂，别提有多方便了。最妙的是，它纯洁新奇的芳香绝不含酒精，从8岁到80岁通吃。下午过度疲惫时涂在太阳穴或耳后，还能减缓压力，舒展心中的不安情绪。 　　雅诗兰黛花漾唇膏 光泽闪耀女人的钟爱 “两看一闻” 鉴别高品质香水要学问 雅诗兰黛随身香膏 魅惑来袭势不可挡 一“闻”定情 四款香水帮你找到心仪的他 　　固体香氛散发迷人香味2 　　一、雅诗兰黛鸡尾酒香膏 　　要是提到雅诗兰黛的香膏，可以说上好长时间呢！这个是在美国最新的鸡尾酒香膏，看着这个包装，外貌控应该已经控制不住了吧！ 　　二、Thierry Mugler香膏 　　Thierry Mugler那支星星形状的香水相信不少姑娘都久闻其大名，这次推出的同款香膏也没有离开星星元素，蓝色的膏体看上去十分提气。 　　三、Michael Kors限量香膏 　　Michael Kors公司推出的一款叫做Very Hollywood Must-Have的套装产品。其中包含了限量香膏指环，味道十分优雅，在出席一些活动的时，既可以用来装饰，还可以用来充当香水的作用。

提到近几年的高话题度女孩，肯定少不了Hunter Schafer的名字。 2022秋冬高定周过去有段时间了，仍然忘不了她在Schiaparelli秀场的造型，黑色抹胸裙和金色首饰的打扮既华丽又性感、漂亮。 她在演艺事业上也有新消息——最近预告的两部新片，《饥饿游戏》系列的前传电影《鸣鸟与蛇之歌》和惊悚片《布谷鸟》，Schafer都将作为重要角色参演。 这意味着，她将从小荧幕正式跨入进电影圈。 《布谷鸟》首张剧照 相信很多人认识Hunter Schafer，是因为热门美剧《亢奋》。 这部聚焦美国青少年青春烦恼的电视剧，在2019年的夏天横空出世。播出后立马成为Gen Z一代最爱的剧集，顺势也带火了剧中多位新人演员。 当中人气最高的两位，一位是扮演问题女孩Rue的Zendaya——凭此片获得了艾美奖最佳女主角；另一位就是Hunter Schafer，出演为她量身打造般的跨性别女孩Jules。 谁会不爱Jules呢？ 当镜头扫过她的荧光色眼妆、纯真的笑容，好像整个屏幕都有了“光”。 还有她在阳光下骑单车的画面：穿糖果色衣服的女孩，快速地踩着单车，粉色头发在身后飞扬，美好得令人眩晕。 与此同时，这也是一个能让人产生共鸣的角色。 许多人看完《亢奋》特别篇中Jules的独白戏后，表示分不清这是现实还是戏剧。因为Schafer的表演是如此真实，直白的台词，不加任何技巧上的修饰。你能从她说的话，警惕不安到陷入美妙畅想的表情，感受到巨大的情感冲击。 之所以会有如此惊喜的表现，一方面是因为Hunter Schafer没有接受过专业的表演训练。她在剧中呈现出来的爱与挣扎、迷惘与愤怒，是她代入角色后出于本能的情感释放。 另一方面，Schafer是特别篇的编剧之一。 当时她刚从情绪低谷中走出来，在一场公路旅行中接到导演Sam Levinson的邀约。她在对方的指引和鼓励下，将自己想象成Jules的一部分，同时将自己的经历，从迷惘不安到自我接纳的情感变化加入进去。 比如，Jules告诉心理医生，她正在考虑停用雌性荷尔蒙，因为她意识到自己的女性身份，自己的身体、性格和灵魂，都是围绕着男性想要的样子构建的。 这种自我矛盾的情绪，听起来很熟悉。但在描写LGBTQ+人群的影视剧中并不常见，Schafer想要做那个“打破局面”的人。 就这样，她写完了第2集的剧本。 跟剧中的Jules一样，Hunter Schafer也是一位跨性别女孩。 1998年出生在美国北卡罗来纳州罗利市，用她自己的话说“这是一个性别关系传统保守、文化单一的地方”。青少年时期的Schafer，对自己的性别身份充满了困惑和挣扎。直到13岁，她终于鼓起勇气面对真实的自己，并在家人的支持下，开始进行激素治疗。 在遭受质疑、不确定和自我怀疑的时候，漫画和网络为Schafer提供了一个宣泄口。漫画故事里的主角，永远是无法融入人群、特立独行的那一个；而彼此未知的互联网世界，可以让人们忽略她的身份，把关注点放到她的艺术创想上。 所以很长一段时间里，Schafer在高中偶像、“13岁小屁孩时尚偶像”Tavi Gevinson创办的线上杂志平台《Rookie》上分享创作，从插画、拍照到文案和排版，都由她一手搞定。 后来跟《亢奋》的导演团队沟通剧情时，她也经常借助插画，以便更具象地表达自己的想法。 不过，在社交平台上被发掘之后，Schafer先是成为了一名模特，还曾为Dior、Maison Margiela、Miu Miu、Mugler等许多品牌走过秀。 Dior Fall 2018 Couture Dior Spring 2019 RTW Maison Margiela Fall 2018 Couture Miu Miu Resort 2019 RTW Mugler Spring 2021 RTW 她一边当模特，一边积极准备着进入中央圣马丁艺术与设计学院求学。就在此时，Schafer接到了《亢奋》第一季的试镜通知。最终，这个剧本以及像是为她量身定做般的角色打动了她，这才有了后来从模特转型为演员的故事。 但Schafer与时尚圈的缘分并未结束，反而带来了新的机遇——成为Prada的广告模特。 Prada 2022秋冬广告里，穿背心、梳背头、气质雌雄莫辨的Schafer，和那支带有咬痕的粉色铅笔，讲述了她的成长故事：性别流动和画画。 去年Schafer在Met Gala上话题度拉满的“机械姬”礼服，也是Prada为她定制的，灵感源于品牌1999年秋冬系列中的经典设计。 佩戴在额头的美人鱼翅膀胸针，来自Schafer的好朋友、珠宝艺术家Evangeline AdaLioryn的创作。奇特又充满未来感的造型，让更多人记住了这位很有个性的时尚偶像。 Prada Fall 1999 RTW 不止是Met Gala，翻翻Schafer以往的红毯，会发现她还有许多出位又精彩的造型。 她曾在采访中说：“我喜欢时尚的变化……每一次穿上新衣服，都是一次重塑自我的机会。” 不止是出席活动，《亢奋》剧中Jules那些时髦亮眼的打扮，也有Schafer的幕后功劳。 剧组曾分享过一支Hunter Schafer和服装造型师Heidi Bivens的对谈短片。Schafer在里面谈到，当Bivens询问自己对剧中造型有什么想法时，她简直太兴奋了，立马收拾了一大包自己的衣服带去剧组，还向Bivens推荐了不少受酷儿们欢迎的设计师品牌。 而Bivens的造型团队也十分用心，比如Jules那身印象深刻的“天使装”，灵感来自Claire Danes主演的《罗密欧与朱丽叶》中的经典造型。而制作这对天使翅膀的工匠，跟90年代为“朱丽叶”做翅膀的是同一位。 电影《罗密欧与朱丽叶》，1996年 她们还一起构思了Jules的风格关键词：一开始非常女性化，很多糖果色，啦啦队的网球裙，喜欢美少女战士。 但随着剧情的推进，整体风格渐渐变得暗黑，剪短了头发，以及更酷的街头装扮。 剧情和人物性格的转变，都可以通过服装和造型展现出来。就像Schafer说的，时尚是让人保持内外一致的方式。 至于如何创造一个角色？她的答案是：找到个人经历中与角色重合的部分，调动自己的经历和活力来“激活”角色。 这就是Hunter Schafer，作为非科班出身的新人演员、模特和时尚偶像，她足够真实，也足够坚定。可以勇敢地面对自我，也可以勇敢地追求自我。 编辑：Sugar 美术：罗兰

服装设计中常见的插画的艺术风格有哪些？可以详细说说吗？1.波普风格波普风格的插画艺术出现、流行于20_兰50_甏呐分薜厍,主要通过商业艺术的创作手法,形成融合大众文化与商业艺术的全新艺术风格。同时,波普风格中相对浮夸的卡通形象、报纸版画形式及幽默的标语,共同组成独属于波普风格的特色,且波普风格的艺术性非常强[3]。安迪·沃霍尔是在服装设计领域中对波普风格拓展贡献最为杰出的人物之一,首次开创了纸质、塑料、人造皮为服装制作基础材料的先河,并且在其插画作品中包含了颠覆传统的设计理念,具有色彩鲜艳、设计理念前卫及选色大胆等鲜明特点。直至今日,波普风格的插画仍保留与安迪·沃霍尔较多的相似之处。2.抽象风格通常,抽象风格的作品普遍以几何化的点线面、圆形、三角形、正方形为主体进行深入创作,在创作风格上具有典型的抽象性特点。蒙德里安是抽象风格作品中相对成功的早期人物之一,其抽象风格的创作方式较为独特,侧重利用形式多样的矩形图案作为插画内容,且此类插画艺术形式对抽象风格的影响深远。以法国著名抽象风格服装设计大师创作的作品《红黄蓝》为例,此作品深受蒙德里安抽象风格的启发,选择多种颜色的线条、三角形、长方形,给予广大受众独特的艺术欣赏体验感受,并赋予作品强烈的视觉冲击感及新奇感。3.具象风格具象风格不同于上述提到的两种风格,其图形特点普遍写实且逼真。再者,具象风格作品对线条的展现相对直接,可进行装饰性的泛化、夸张及变形处理,从而提高作品的色彩感,突出作品的简洁性及精致性。以意大利著名服装设计师缪西亚·普拉达为例,曾拥有将插画直接用在服装设计创作的实力,可以将插画作品布满在服装设计作品当中,且其作品侧重精心细腻化创作人物造型,突出作品的色彩及绚丽感[4]。此外,具象风格中线条展示相对飘逸,可以给予受众心理如梦如幻的体验感受,尤其是应用在服装设计当中,能有效提高设计作品的精巧程度,赋予设计作品灵动的美感。当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？他是最炙手可热的插画师也是时尚的最佳代言人大卫.唐顿DavidDownton,1959年生于伦敦。从孩提时代开始,对他最好的款待就是一大页白纸。然而,大卫没有想到的是,很久以后他可以依靠画为生。▲大卫.唐顿年轻时在画画▲工作室自成一幅画,和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。大卫最初学习的是平面设计专业,他的第一幅作品是20世纪80年代早期,为WhichComputer杂志设计的封面。▲大卫.唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。▲大卫.唐顿1998年为克里斯汀.拉克鲁瓦绘制的时装插画,材质为墨水彩盒纸张。曾有15年时间,大卫一直是自由职业插画师。无论有什么事情发生,他都很享受这种自由插画师的生活。▲大卫.唐顿1999年为让.保罗.高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特.摩斯为原型,以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名,是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。▲大卫.唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似,他运用的色彩富有现代性。▲大卫.唐顿1999年在伦敦创作的时装插画PalomaPicasso。材质为水粉、墨水盒纸张,醋酸纤维纸覆膜。▲大卫.唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画,模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。大卫的作品线条简洁流畅,很有质感,风格也不矫揉造作,可以很好地展现出人体的优美体态。因为这种独特的绘画风格,有一些人开始邀请他制作时装插画。其中,就包括85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯,她也是大卫的缪斯之一。▲大卫.唐顿2000年的纽约绘制的时装插画,模特为卡门.戴尔.奥尔菲斯,服装由ThierryMugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水绘制。▲大卫.唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜.佩姬绘制的肖像,他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美!▲大卫.唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达.哈莉齐绘制的肖像。他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、Eric这些艺术家心存景仰。因此,在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。1996年他为杂志制作过高级时装展的插图,1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。最开始他眼花缭乱完全没有准备,但是,巴黎时装秀实实在在地,激发出一个艺术家的灵感。巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。而这里的一切都让人神魂颠倒。在模特走秀的时候,大卫从来不作画。因为他发现那根本无法进行,他仅仅是摄影或者在一旁观看,并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。他抓住其他的任何机会来画,模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。比如:试衣的时候,有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间...▲化妆品也是他的工具,起笔和落笔之间动人心扉,浓淡皆宜。大卫说:“我最开始画的时候,认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而,第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上,在凯特.摩斯消失之前,我仅仅才画出她的胳膊!所以,享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。”▲草稿也动人大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉,然后才是比例、颜色等一些细节,然而,这一点是较难做到的。▲草稿也动人大卫画无数份的设计草样,然后从中挑选出最好的,画得差不多的时候他就开始剔除,“分解—重建”它们。他持续地画,一直到它们看起来自然为止。他为世界各地的知名媒体,如《泰晤士报》《独立报》,以及Harper"sBazaar(a澳洲版)等,撰写时装的相关报道。并在伦敦举行过三次个展,在纽约也举行过一次个展。近年来,他还为香港的购物中心设计视觉图像,以及为Vogue女性时装系列绘制插画。▲大卫.唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎,材质为水粉、水彩和纸张。▲大卫.唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。▲大卫.唐顿2005年受Vogue(中国版)委托绘制的插画ValentionFitting。材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸。▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装画,材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。▲大卫.唐顿2007年受Madame杂志(德国版)委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水和水粉绘制。▲大卫.唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。▲大卫.唐顿2008年为自己的杂志PourquoiPas绘制的插画,模特为蒂塔.万提斯,服装由拉克鲁瓦设计,材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸覆膜。大卫是不是把性感舞娘画的淋漓尽致~要想功夫深铁杵磨成针～想拥有超越别人之外的能力,就要将能力修炼到极致!请简述西方服装画的历史与发展演变特点欧美服装的文化特点,我们按演变历史的顺序加以分析如下:一、【拜占庭艺术风格与服饰】由于罗马帝国的东迁,使得有机会出现融合东西方艺术形式的拜占庭艺术。在艺术的成就上,此时所强调的是镶贴艺术,追求缤纷多变的装饰性。同样,这种特色也反映在服装上。例如:在男女宫廷服的大斗篷、帽饰以及鞋饰上都出现了镶贴、光彩夺目的珠宝和充斥着华丽图案的刺绣。这些情形有别于同时期在欧洲地区的服饰,营造出一种既融合东西方又充满华丽感的服饰装饰美。二、【国际哥特艺术风格与服饰】"哥特式"原本是指源自20世纪的一种建筑风格,很快这种风格便影响到整个欧洲,而且反映在绘画、雕刻、装饰艺术上,形成一种被誉为国际哥特风格的艺术形态。这种风格主要的表现是建筑上的"锐角三角形",同时也深深的影响了当时的服饰审美及服饰创造。例如:在男女服饰的整体轮廓上,在衣服的袖子上,以及鞋子的造型上、帽子的款式上,等等,都充分呈现出锐角三角形的形态。三、【巴洛克艺术风格与服饰】巴洛克艺术风格原本是指17世纪强调炫耀财富、大量使用贵重材料的建筑风格,也因此牵动影响到当时艺术全面性的变革。"巴洛克"的字义源自葡萄牙语,意指"变了形的珍珠",也被引用作为脱离规范的形容词。巴洛克虽然承袭矫饰主义,但也淘汰了矫饰主义那些暧昧的、松散的形式。由于受到巴洛克艺术风格的影响,在西洋服装史上,甚至用"巴洛克风格"一词,来代称17世纪欧洲的服装款式。四、【洛可可艺术风格与服饰】"洛可可"一词源自法国字汇“Rocaille”,由此演变而来,其意思是指岩状的装饰,基本是一种强调C型的漩涡状花纹及反曲线的装饰风格。这种风格源自1715年法国路易十四过世之后,所产生的一种艺术上的反叛。洛可可艺术风格与巴洛克艺术风格最显着的差别就是,洛可可艺术更趋向一种精制而幽雅,具装饰性的特色。这种特色当然影响到当时的服装,甚至以"洛可可"一词代表法国大革命之前18世纪的服装款式。五、【新古典主义艺术风格与服饰】新古典主义艺术风格兴起于18世纪的中期,其精神是针对巴洛克与洛可可艺术风格所进行的一种强烈的反叛。它主要是力求恢复古希腊罗马所强烈追求的"庄重与宁静感"之题材与形式,并融入理性主义美学。这种强调自然、淡雅、节制的艺术风格,与古希腊罗马的题材形式结合所发展出来的服饰,也随即在法国大革命之后,跃升为服装款式的代表。特别是在女装方面。例如,以自然简单的款式,取代华丽而夸张的服装款式;又如,排除受约束、非自然的"裙撑架",等等。因此从1790年到1820年之间,所追寻的淡雅、自然之美,在服装史上被称为"新古典主义风格"。六、【前拉斐尔派艺术风格与服饰】前拉斐尔艺术风格"源于19世纪中期的英国,其艺术精神主要是追寻一种自然但是浪漫主义色彩的表现。这种艺术风格是对冷淡、生硬的艺术的一种反驳。痛斥"人与自然的疏离感",希望透过艺术将"人性化"、"自然化"、"理想美"的特质结合表现出来。因此,当时的服装被誉为"理性美感式"的服饰。这种服饰风格与当时"维多利亚风格"极端的相对,成为英国社会追寻服饰改革的代表款式。七、【20世纪初期苏联艺术风格与服饰】20世纪初期苏联艺术风格是指"绝对主义"、"构成主义"以及"塔特林派"的艺术主张,这些艺术风格都源自20世纪初期的10年代,由苏联的艺术家所引导而成的。这些艺术家受到现代主义的影响,将之表现在几何式的抽象艺术之中。这种艺术风格也深刻的影响到当时的服装,特别是在当时的苏联,将这种"几何抽象的艺术风格"与"充满浓厚政治意味"的主张相互结合,表现在服装的款式以及面料的花色设计上,形成一种特殊的服装审美特色。八、【超现实主义艺术风格与服饰】超现实主义艺术风格起源于20世纪20年代的法国,是受弗洛伊德的精神分析学和潜意识心理学理论的影响而发展出来的。超现实主义的艺术家们主张"精神的自动性",提倡不接受任何逻辑的束缚,非自然合理的存在,梦境与现实的混乱,甚至是一种矛盾冲突的组合。这种任由想象的模式深深影响到服装领域,带动出一种史无前例、强调创意性的设计理念。九、【波普艺术风格与服饰】这种艺术风格源自20世纪50年代初期的美国,但确鼎盛于50年代中期的美国。"POP"是"Popular"的缩写,意为"通俗性的、流行性的"。至于"POPArt"所指的正是一种"大众化的"、"便宜的"、"大量生产的"、"年轻的"、"趣味性的"、"商品化的"、"即时性的"、"片刻性的"形态与精神的艺术风格。这种艺术风格影响到服装领域中,体现在服装面料以及图案的创新,改变了过去服饰装饰图案的特点,在欧洲服装史上留下深深的印记。十、【欧普艺术风格与服饰】欧普艺术风格源于20世纪60年代的欧美。"OP"是"Optical"的缩写形式,意思是视觉上的光学。"欧普艺术"所指代的是利用人类视觉上的错视所绘制而成的绘画艺术。因此"欧普艺术"又被称作"视觉效应艺术"或者"光效应艺术"。欧普艺术影响下的服装服饰,按照一定的规律形成视觉上的动感,服饰图案的设计上以欧普艺术的视觉感为最大的特点。十一、【极限主义艺术风格与服饰】极限主义艺术风格起源于20世纪60年代的美国,它强调的是一种"理性、冷峻、简约"的艺术风格。这种强调"单纯、简单"的观念,逐渐成为20世纪90年代美国时装界所追求表现的一种具代表性的服饰风格。极限主义艺术风格影响下的服饰以简单的设计理念影响到国际时装的流行趋势,成为20世纪末的一项具代表性的服饰风格的变革。

　第十名：保罗u2022安吉喜(Paolo Anchisi)　　国籍：美国　　出生年月：1991年8月21日　　身高：182.88cm　　胸围：96.52cm　　腰围：76.2cm　　发色：浅棕色　　眼睛颜色：蓝色　　鞋码：44　　经纪公司：Ford Models(纽约)/ Storm Model Management(伦敦)/ 2pm Model Management(哥本哈根)/ Bon Image Corp。(东京)/ Sight Management Studio(巴塞罗那)　　爱好：运动　　代言品牌：H&M、古德曼(Bergdorf Goodman)、阿玛尼(Emporio Armani)　　第九名：西蒙尼·诺比利(Simone Nobili)　　国籍：意大利　　出生年月：1991年6月24日　　身高：188cm　　胸围：94cm　　腰围：75cm　　发色：棕色　　眼睛颜色：褐色　　鞋码：44　　经纪公司：VNY Model Management(纽约)/ Uno Models(巴塞罗纳)/ Bananas(巴黎)/ MODELWERK(汉堡)/ 2pm Model Management(哥本哈根)　　爱好：运动、表演　　代言品牌：亚历山大·麦昆(Alexander McQueen)、杜嘉班纳(Dolce & Gabbana)、纪梵希(Givenchy)、蒂埃里·穆勒(Thierry Mugler)　　Simone自己都没有想到事业会发展到现在这个地步。2010年底，当他和朋友在一家夜店消遣被星探发现的时候，他还只是个大学生，而短短不到两个月，这个意大利男模界的“神童”便登上了2011年米兰时装周顶级品牌Alexander McQueen和Dolce &Gabbana的天桥。在巴黎时装周上Simone又出现在Givenchy和Mugler的Show中。　　同年秋季，Simone先后为时尚风向标GQ Style Italy和Vogue Hommes拍摄了广告。2012年1月他又成功的出演了D&G，Dolce &Gabbana和Givenchy的广告。　　几大顶级品牌的同时青睐让这个意大利新星在时尚界迅速崛起，一夜爆红这个词放在他身上绝不为过。　　第八名：詹尼斯·安森斯(Janis Ancens)　　国籍：拉脱维亚　　出生年月：1993年　　身高：187cm　　胸围：90cm　　腰围：71cm　　发色：金黄色　　眼睛颜色：蓝色　　鞋码：43　　经纪公司：Elite Milan(米兰)/ Attitude Models(布加勒斯特)　　爱好：冰球、滑雪、和朋友外出玩乐　　代言品牌：Craig McDean, Mert & Marcus, Steven Klein and Willy Vanderperre　　第七名：巴斯蒂亚·范·盖伦(Bastiaan Van Gaalen)　　国籍：荷兰　　出生地：荷兰　　身高：188cm　　胸围：92cm　　腰围：79cm　　发色：金黄色　　眼睛颜色：蓝色　　鞋码：45　　经纪公司：DNA Models(纽约)/ Premier Model Management(伦敦)/ Ford Models Europe(巴黎)/ Scoop Models(哥本哈根)/ I LOVE Models Management(米兰)/ SPIN Model Management(汉堡)/ IMM Bruxelles(布鲁塞尔)/ Sight Management Studio(巴塞罗那)　　代言品牌：Zara, Uniqlo, Hugo by Hugo Boss　　第六名：大卫·阿格波(David Agbodji)　　国籍：法国　　出生年月：1987年5月8日　　身高：185cm　　胸围：95cm　　腰围：73cm　　发色：黑色　　眼睛颜色：褐色　　鞋码：44.5　　经纪公司：Request Model Management NY(纽约)/ Next London(伦敦)/ I LOVE Models Management(米兰)/ CLICK LA(洛杉矶)/ Sight Management Studio(巴塞罗那)/ Mega Model Agency(汉堡)/ Success Models(巴黎)/ Mega Model Agency(汉堡)/ Unique Denmark(哥本哈根)　　爱好：空手道、篮球　　代言品牌：Calvin Klein, Hermes, Jean Paul Gaultier, Bottega Veneta, Viktor&Rolf, Zegna, Hugo Boss　　第五名：巴普蒂斯特·瑞多夫(Baptiste Radufe)　　国籍：法国　　出生年月：1992年　　身高：186cm　　胸围：91cm　　腰围：71cm　　发色：深金色　　眼睛颜色：蓝色　　鞋码：45　　经纪公司：VNY Model Management(纽约)/ Premier Model Management(伦敦)/ Scoop Models(哥本哈根)/ Success Models(巴黎)/ Elite Stockholm(斯德哥尔摩)/ Modellink(斯德哥尔摩)/ Donna Models(东京)/View Management(巴塞罗那)/ Priscilla"s Model Management(悉尼)/ I LOVE Models Management(米兰)　　爱好：旅游、烹饪、和朋友聚会　　代言品牌：Yves Saint Laurent　　第四名：本杰明·艾登姆(Benjamin Eidem)　　国籍：瑞典　　出生年月：1988年　　身高：185cm　　胸围：97cm　　腰围：30cm　　发色：深金色　　眼睛颜色：蓝色　　鞋码：44　　经纪公司：Request Model Management NY(纽约)/ Nathalie Models(巴黎)/ Elite Milan(米兰)/ Modellink(斯德哥尔摩)/ Elite Copenhagen(哥本哈根)/ Kult Model Agency(汉堡)/ Elite Stockholm(斯德哥尔摩)/ Elite London(伦敦)　　爱好：航海、摄影、图片剪辑　　代言品牌：Prada, Louis Vuitton, Calvin Klein, Margaret Howell　　第三名：克莱门特u2022查波诺德(Clement Chabernaud)　　国籍：法国　　出生年月：1989年1月1日　　身高：186cm　　胸围：91cm　　腰围：73cm　　发色：深金色　　眼睛颜色：蓝色　　鞋码：43　　经纪公司：Wilhelmina New York(纽约)/ Sight Management Studio(巴塞罗那)/ d"management group(米兰)/ Elite London(伦敦)/ Unique Denmark(哥本哈根)/ Success Models(巴黎)/ Success Models(巴黎)/ Bon Image Corp。(东京)/ FM Agency(伦敦)　　代言品牌：吉尔u2022桑达(Jil Sander)、 罗伯特u2022卡沃利(Roberto Cavalli)、普拉达(Prada)　　男模克莱门特u2022查波诺德(Clement Chabernaud)拥有一张典型的法国男人的外形——深邃且略带忧郁的眼神、立体俊朗的面容、高挑骨感的身材。设计师吉尔u2022桑达(Jil Sander)和摄影师Willy Vanderperre都把克莱门特u2022查波诺德奉为缪斯，普拉达(Prada)、罗伯特u2022卡沃利(Roberto Cavalli)、吉尔u2022桑达 (Jil Sander) 等国际品牌也纷纷找克莱门特u2022查波诺德代言。　　第二名：西蒙u2022奈斯曼(Simon Nessman)　　国籍：加拿大　　出生年月：1989年11月5日　　身高：188cm　　胸围：99.06cm　　腰围：79cm　　发色：棕色　　眼睛：褐色　　鞋码：46　　经纪公司：Storm Model Management(伦敦)/ Ford Models Europe(巴黎)/ Kult Model Agency(汉堡)/ Soul Artist Management(纽约)/ Scoop Models(哥本哈根)/ IMM Bruxelles(布鲁塞尔) / I LOVE Models Management Major Management(米兰)　　爱好：运动(特别是篮球和冲浪)、观看美剧《宋飞正传》、学弹吉他　　代言品牌：Giorgio Armani, Versace, D&G, Givenchy, Calvin Klein, Ralph Lauren, Lanvin, Yves Saint Laurent, Barneys, Gap and John Galliano　　Simon Nessman因为GIVENCHY的08秋冬广告代言而令人瞩目，Simon Nessman像是从拉斐尔早期作品中走出来的美男，天真而又浪漫的模样使他不同于其他男模特。Simon Nessman来自加拿大，1989年出生于英属哥伦比亚省，现居住于美国纽约。Simon Nessman第一次亮相是在2007年9月的纽约时装周为Narciso Rodriguez春装走秀。之后在各大时装秀场上我们便越来越多看见他的身影，D&G 和 Lord &Taylor品牌请Simon Nessman做2008年春夏广告的代言，由大摄影师Mario Testino掌镜。　　其后，Simon Nessman不断在《Vogue》、《Numero》、《GQ Style》、《V Man》、《L"OfficielHommes》等时尚杂志上露面。2009年，纪梵希(GIVENCHY)与西蒙u2022奈斯曼(Simon Nessman)续约，2009春夏纪梵希(GIVENCHY)的广告继续由西蒙u2022奈斯曼(Simon Nessman)代言！2009秋冬秀季后，西蒙u2022奈斯曼(Simon Nessman)在models.com权威男模排行榜上位列全球 TOP 50男模之第2名，当红不让。　　第一名：肖恩u2022奥普瑞(Sean O"Pry)　　国籍：美国　　出生年月：1989年7月5日　　身高：186cm　　体重：72.6kg　　胸围：96cm　　腰围：76cm　　发色：棕色　　眼睛颜色：蓝色　　鞋码：46　　经纪公司：VNY Model Management(纽约)　　爱好：美式橄榄球、高尔夫、长曲棍球　　代言品牌：Calvin Klein, Dsquared2, Gianfranco Ferre, Versace, Armani, Hugo Boss, Viktor & Rolf, Bottega Veneta　　肖恩u2022奥普瑞(Sean O"Pry)是注定成为T台传奇的当红男模。1989年7月5日出生的肖恩u2022奥普瑞(Sean O"Pry)，家乡在美国佐治亚州Kennesaw，身高186cm。肖恩u2022奥普瑞(Sean O"Pry)17岁出道即光速爆红，现在是CK的最新代言人。　　身为近年来窜红最快的男模，肖恩u2022奥普瑞(Sean O"Pry)2007年春夏被男性时尚杂志《GQ Style》英国版选为“当季最佳男士”(Man for the Season)时，出道仅仅5周！肖恩u2022奥普瑞(Sean O"Pry)那文艺复兴雕像般深凿的眉宇、颧骨，以及那堪称全天下男人当中最性感的完美唇型，让Fashion界惊为天人。

很多人在选购一些产品的时候都常常会陷入选择困难的状态，例如不少人就常常纠结于该买香氛好还是买香水好，因为很多人在选购这些产品都常常会将这两者进行比较，那么香氛和香水到底哪个更好呢？用香氛好还是香水好？男士和女士用什么香水好？1、香氛和香水哪个好香氛就是一种香体喷雾，男士还是用香氛比较好，香水总感觉味道太浓而且男士香水都不太好闻。通常女士选择使用香水，要根据地点的不同和见面人物的不同来进行选择或更变。挑选一款适合自己的香水往往比购买大量的香水要实用得多。2、男人用什么香水好1、清淡香水清淡香水的法语是EauFraiche，香精含量为1%—3%，市面上的须后水和男士香水剂都属于这个等级，可以给人神清气爽的感觉，但相对留香时间比较短。男士剃须完毕之后，将适量的须后水涂抹在面部和颈部，轻轻地拍干能收缩毛孔，舒缓由剃须给皮肤造成的微小刺激，并带给你清新舒爽的感受。2、古龙水古龙水的法语是EaudeCologne，是一种含有4%—8%精油的淡香水，在调香界的人看来，“古龙”代表的是一种香型，以柑橘类的清新香气配以配以橙花、迷迭香、薰衣草香而成，令人感觉到舒适愉快的气息。男士使用古龙水，还有一个手法会让女士倾心：早期的古龙水是装在瓶中，没有喷头的，所以也留下了一个优雅的香水使用习惯——把香水倒在手中，两手轻拍，然后轻轻拍打在颈部或者身上。3、淡香水淡香水的法语是EaudeToilette，香精含量为7%—12%，持续时间是3—4小时，也是最常见和广泛被使用的香水。通常淡香水男女都适合使用，对于使用香水的新手，淡香水会是不错的选择，无论居家到办公室都合适。淡香水应用于脉搏跳动的位置，如手腕、脚踝、膝后、脖子、耳后、手肘内侧等。这些部位体温较高，可令香味充分散发。4、浓香水浓香水的法语是Parfum，香精含量是20%以上，也是最为高级和昂贵的香水，香味可以持续很久，适合宴会等较为正式和隆重的场合使用。注意不要把香水喷在皮衣、毛衣上，香水的酒精成分会破坏这些质料，并留下痕迹，香气也会有所改变。真的要喷香的话，喷在内衬里为佳。3、女人用什么香水好人对香气的领悟性在春季也较高，干燥的空气易使香气很快散发，女士香水应少洒多喷_并以清淡为主。早春使用花香型，晚春使用果香型更能给人以新鲜感。夏季是传统的用香旺季，气候炎热，空气混浊，异味大，所以最适宜的香型是具有清香、爽快气息的古龙型女士香水或清凉感的花露水。夏季用香方法一般多洒在头发、头饰上，女士洒在裙边更佳。以清淡型女士香水为主，女士香水宜少洒、勤洒，只要经常保持愉快的淡淡的香气即可。秋季是冬季的序曲，与冬季有许多相似之处，人的嗅觉变得迟钝，对女士香水的领悟不高，女士香水可适当浓些，以洒在鬓边、衣领、手帕上为佳，各种香型都适合，没有严格的选择。冬季东方人偏重强调夏季使用女士香水，其实冬季也是散发魅力的季节。严寒的冬季，缺少绿色与生机，更需要香的点缀。此时选择香气浓郁一点的花香、动物香型的女士香水，会给人一种温暖、热烈的感觉。冬日寒冷的气候不利于女士香水的散发，香气挥发慢，但留香时间长_因而一次可少喷些。4、女人用香可爱带可爱用香部位一：颈部可爱指数：★★★★★颈部是女性用香最普遍的部位，男性认为白皙的颈部最容易让他们感到心跳加速。如果再从颈部飘来悠悠香味，绝对会让你的他闻之沉醉。除此之外，颈部的体温较高，香味较易挥发，且颈部不易被紫外线照射到使香水的味道不易变质。可爱用香部位二：耳后可爱指数：★★★★★和颈部类似，耳后体温高，易使香味挥发，但部位隐蔽，让香味若有似无，闻香不识出处。当与男友近距离接触时会让他文献而去，寻找你的香味源头，耳畔、颈部、再顺着可爱的肩线一路向下，诱惑度当然加倍。可爱用香部位三：胸口可爱指数：★★★★☆女性在胸口处喷香水能让男人们感受到一种最原始的可爱。胸口可以说是女性最可爱的部位之一，在这里喷香会让可爱从源头散发，传递浓浓的女人味。香水的气味随着胸口的起伏而律动，让香气都有了生命。可爱用香部位四：手腕可爱指数：★★★★☆女性纤弱的手腕体现的是女人的柔弱和楚楚动人。让男性易产生保护欲和征服欲。在手腕处涂抹香水，香味随着手的活动可以进行完全的演绎，让香调获得最完整的诠释。5、夏季香水推荐阿蒂仙夏夜清风香调：木质花香调气味：橙花麝香玫瑰青草椴树花干草木质香。一缕夏日的清风随着薄荷的冰凉气息吹来，赶走了白昼的燥热，让人顿觉一阵清凉青净古龙水ThierryMuglerMuglerCologne它闻起来像是干净的婴儿体香，配合着清新的柑橘与橙花，在清新干爽中夹杂了柔美的气息，它与绿叶的味道相结合了起来，还带着一些由香根草营造出的泥土感，因此它并非是女人专属，男人用也会效果出众。浅蓝DolceGabbanaDGLightBlue酸酸甜甜的柠檬果香，夹杂着淡淡的海风味道，无比的轻盈水润，如同西西里海一般清澈蔚蓝。青涩的苹果味夹杂着干净的皂感，像是姑娘身上刚刚洗过的白衬衫。后调是雪松和竹子，在稚嫩和青涩的基础上，增添了一抹知性的感觉。

香水有很多香调，香水也有很多细节知识，对香水感兴趣的小仙女在购买香水前可以多做做功课，你会发现香水这个世界充满乐趣，下面我带大家来看一下馥奇香调的香水有哪些？ 馥奇香调的香水有哪些 1、莱俪 墨恋 Lalique Encre Noire 香调：木质馥奇香调 属性：男香 墨恋的口碑是有目共睹的，我不再赘述。它不挑人，却能将每个人变成书香世家之人。 2、祖马龙 鼠尾草与海盐 Jo Malone Wood Sage & Sea Salt 香调：馥奇香调 属性：中性香 喜欢简单而纯粹的祖马龙风格香友们应该已经人手一支鼠尾草与海盐了吧。馥奇香，这里的海盐不咸而是淡淡的奶香味，连带着木香也给人以“清甜”的全新体验，甜蜜而温柔的味道。 3、爱马仕 李先生的花园 Hermes Le Jardin de Monsieur Li 香调：柑橘馥奇香调 属性：中性香 着名调香师JCE的花园系列的第五只香水，是以记忆中的中国花园为灵感，创作出了介于现实与幻想之间的奇妙香味。沉浸在其迷人的柑橘与茉莉花香中，有如在花园中一边漫步一遍，冥想，不经意间，每一缕思绪都被释放，与自然融为一体。 4、爱马仕 屋顶花园 Hermes Un Jardin Sur Le Toit 香调：果香馥奇香调 属性：中性香 JCE因十分喜爱爱马仕巴黎总部的屋顶花园而创作了这一款香水。它糅合水果、植物以及鲜花的香气，它清新甜美的气息中包括了苹果、梨、玫瑰、绿草、罗勒、木兰花的味道，呈现在你面前的是奢华精美的花园。 5、高田贤三 风之恋 Kenzo L"Eau par Kenzo pour Homme 香调：水生馥奇香调 属性：男香 如果说什么香水很清冽，感觉像站在瀑布前一样，那风之恋当属其中。风之恋，大概是就穿着白衬衫的男孩的味道，干净清爽，自带清新活力气息。 6、蒂普提克 无花果淡香水 Diptyque Philosykos EDT 香调：木质馥奇香调 属性：中性香 这是一款高还原度的香水，像极了一只青涩的无花果，尚未完全成熟的果肉，带着一点椰奶的香气，淡淡的甜伴着青涩的绿叶显得几分生涩；而后，青涩渐渐褪尽越发柔和，留下雪松收尾。最后你会发现，原来这是一整棵无花果树。 7、阿蒂仙 狂恋苦艾 L"Artisan Parfumeur Fou d"Absinthe 香调：馥奇香调 属性：中性香 这是阿蒂仙2006年推出的一款带有辛辣香、木质调的性感男香，奇妙的香味捕捉到男性精致高雅的特质，又带有阳刚、鲜明的风格。它曾入围2007年香水家奥斯卡的年度香水大奖FiFi Awards，最佳新品男香。 8、迪奥 清新之水 Dior Eau Sauvage 香调：柑橘馥奇香调 属性：男香 迪奥的这款清新之水出产至今已经有50多年，收获太多的赞美之词，成为经典之作。它主打柑橘调，香调上感觉更像是一款古龙水，气味比较淡，带着清单的橘子气味，很安然，宛如一位温柔优雅的绅士。 9、蒂埃里·穆勒 青净古龙水 Mugler Cologne 香调：柑橘馥奇香调 属性：中性香 与迪奥清新之水同属柑橘馥奇香调，但气息不尽相同。 不少人拿这款香水与电影《香水》中由少女体香炼就的香水做比较，认为它就是最接近的香水了。当然，这款古龙水并不能像电影里一样让人乱性，它闻起来像是干净的婴儿体香，配合物着清新的柑橘与橙花，在清新干爽之中又夹杂了柔美的气息，而里面麝香作为神来之笔，营造了一种肉感或者动物香，与皂感发生了奇妙的化学反应，是这种干净感觉来得更加真实，如同夏天刚刚洗完澡的感觉，水汽氤氲，清新而洁净，有种干净利落的低调之美。 馥奇香调适合什么人 适合走复古路线的菇凉或男士。因为这种香调的搭配有种老派的作风，不过给人的感觉会很考究。 馥奇香调什么气质 可以说馥奇香调是一种混合香调，传统的馥奇香有蕨类植物的清新，也有泥土的潮湿气息，而现代的很多馥奇香根据不同的风格搭配加入了海洋调，花香调或者木质调，更加凸显了它的浓郁厚重之感。温暖中带着性感，是个层次感很突出的香调。 馥奇香调的由来 馥奇（Fougère）这个名词取于一个早已停产的香水——皇家馥奇(Fougère Royale)。这款香水诞生于1882年，经调香师Paul Parquet创作而成，并由霍比格恩特公司（Houbigant）发行。这款香水包含香豆素（coumarin），是历史上第一款加入了人造香料的香水，因此它也标志了现代香水工业的开端。很多天然植物中都含有香豆素，比如零陵香豆，味道是很浓的刚割下来的新鲜青草味。馥奇香调的香水会同时包含清新的柑橘，薰衣草、天竺葵等花香，苔藓和木头，以及热辣的辛香料，所以有人将馥奇香调比喻为“所有香调的结合”。这种香调常见于男士香水，香味浓郁厚重、温暖而性感，给人以阳刚的男人味。女人们也会觉得这种结合了花香、木香以及辛香料的香调非常具有吸引力。

I"m a mugler- GD.

可以去店铺看一看原版的，一般都是有防伪标志的。

有名的黑白时尚插画师推荐:芬兰插画大师LauraLaine时尚插画美国插画大师AdamIsaacJackson有谁知道这幅企鹅拥抱北极熊的画出自哪位插画师吗这个是日本著名版图画家渡边宏先生的作品,版图画家,1961出生于日本大版府大阪市,1984大阪艺术大学设计专业系毕业。曾多次获得“纽约ADC-北海道新闻广告奖最优秀奖”,“日本产业广告部门奖”等。渡边宏的作品以将粉状固体颜料直接用手指涂到纸上的特殊作画方法著称,喜表现艳丽的自然风光和与他本人体型形成鲜明反差的肥圆小动物,在色彩运用上以舒适的大面积暖色块为主。求采纳当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？他是最炙手可热的插画师也是时尚的最佳代言人大卫.唐顿DavidDownton,1959年生于伦敦。从孩提时代开始,对他最好的款待就是一大页白纸。然而,大卫没有想到的是,很久以后他可以依靠画为生。▲大卫.唐顿年轻时在画画▲工作室自成一幅画,和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。大卫最初学习的是平面设计专业,他的第一幅作品是20世纪80年代早期,为WhichComputer杂志设计的封面。▲大卫.唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。▲大卫.唐顿1998年为克里斯汀.拉克鲁瓦绘制的时装插画,材质为墨水彩盒纸张。曾有15年时间,大卫一直是自由职业插画师。无论有什么事情发生,他都很享受这种自由插画师的生活。▲大卫.唐顿1999年为让.保罗.高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特.摩斯为原型,以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名,是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。▲大卫.唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似,他运用的色彩富有现代性。▲大卫.唐顿1999年在伦敦创作的时装插画PalomaPicasso。材质为水粉、墨水盒纸张,醋酸纤维纸覆膜。▲大卫.唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画,模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。大卫的作品线条简洁流畅,很有质感,风格也不矫揉造作,可以很好地展现出人体的优美体态。因为这种独特的绘画风格,有一些人开始邀请他制作时装插画。其中,就包括85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯,她也是大卫的缪斯之一。▲大卫.唐顿2000年的纽约绘制的时装插画,模特为卡门.戴尔.奥尔菲斯,服装由ThierryMugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水绘制。▲大卫.唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜.佩姬绘制的肖像,他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美!▲大卫.唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达.哈莉齐绘制的肖像。他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、Eric这些艺术家心存景仰。因此,在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。1996年他为杂志制作过高级时装展的插图,1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。最开始他眼花缭乱完全没有准备,但是,巴黎时装秀实实在在地,激发出一个艺术家的灵感。巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。而这里的一切都让人神魂颠倒。在模特走秀的时候,大卫从来不作画。因为他发现那根本无法进行,他仅仅是摄影或者在一旁观看,并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。他抓住其他的任何机会来画,模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。比如:试衣的时候,有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间...▲化妆品也是他的工具,起笔和落笔之间动人心扉,浓淡皆宜。大卫说:“我最开始画的时候,认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而,第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上,在凯特.摩斯消失之前,我仅仅才画出她的胳膊!所以,享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。”▲草稿也动人大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉,然后才是比例、颜色等一些细节,然而,这一点是较难做到的。▲草稿也动人大卫画无数份的设计草样,然后从中挑选出最好的,画得差不多的时候他就开始剔除,“分解—重建”它们。他持续地画,一直到它们看起来自然为止。他为世界各地的知名媒体,如《泰晤士报》《独立报》,以及Harper"sBazaar(a澳洲版)等,撰写时装的相关报道。并在伦敦举行过三次个展,在纽约也举行过一次个展。近年来,他还为香港的购物中心设计视觉图像,以及为Vogue女性时装系列绘制插画。▲大卫.唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎,材质为水粉、水彩和纸张。▲大卫.唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。▲大卫.唐顿2005年受Vogue(中国版)委托绘制的插画ValentionFitting。材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸。▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装画,材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。▲大卫.唐顿2007年受Madame杂志(德国版)委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水和水粉绘制。▲大卫.唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。▲大卫.唐顿2008年为自己的杂志PourquoiPas绘制的插画,模特为蒂塔.万提斯,服装由拉克鲁瓦设计,材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸覆膜。大卫是不是把性感舞娘画的淋漓尽致~要想功夫深铁杵磨成针～想拥有超越别人之外的能力,就要将能力修炼到极致!

国内有哪些优秀的插画师？黄光剑、G笔尖、朱峰、林冉、唐月辉、张禄、阮佳等。插画师是以绘制插画为职业的人,主要工作包括替书籍、杂志、报纸、说明书、小说、教科书等刊物绘制插画、封面,也从事绘画贺卡、海报、广告、喷画、幽默画等。资格认证:CCI插画师资格荣誉认证是针对在职插画师或者是有商业插画从业经历人员的的一个资格荣誉认证,不针对学生和没有插画创作经历的人员。本荣誉认证由国内专业插画创作机构中国插画社、插画中国支持,CCI插画师资格评审委员会负责评审,当前分为初级,中级,和高级。插画作为一种艺术形式,已经成为现代设计的一种重要的视觉传达形式,以其直观的形象性,真实的生活感和美的感染力,在现代设计中占有特定的地位。现已广泛用于现代设计的多个领域,主要涉及出版物、广告、商业宣传、游戏设计、影视动画、漫画卡通等多个领域。当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？他是最炙手可热的插画师也是时尚的最佳代言人大卫.唐顿DavidDownton,1959年生于伦敦。从孩提时代开始,对他最好的款待就是一大页白纸。然而,大卫没有想到的是,很久以后他可以依靠画为生。▲大卫.唐顿年轻时在画画▲工作室自成一幅画,和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。大卫最初学习的是平面设计专业,他的第一幅作品是20世纪80年代早期,为WhichComputer杂志设计的封面。▲大卫.唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。▲大卫.唐顿1998年为克里斯汀.拉克鲁瓦绘制的时装插画,材质为墨水彩盒纸张。曾有15年时间,大卫一直是自由职业插画师。无论有什么事情发生,他都很享受这种自由插画师的生活。▲大卫.唐顿1999年为让.保罗.高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特.摩斯为原型,以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名,是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。▲大卫.唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似,他运用的色彩富有现代性。▲大卫.唐顿1999年在伦敦创作的时装插画PalomaPicasso。材质为水粉、墨水盒纸张,醋酸纤维纸覆膜。▲大卫.唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画,模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。大卫的作品线条简洁流畅,很有质感,风格也不矫揉造作,可以很好地展现出人体的优美体态。因为这种独特的绘画风格,有一些人开始邀请他制作时装插画。其中,就包括85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯,她也是大卫的缪斯之一。▲大卫.唐顿2000年的纽约绘制的时装插画,模特为卡门.戴尔.奥尔菲斯,服装由ThierryMugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水绘制。▲大卫.唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜.佩姬绘制的肖像,他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美!▲大卫.唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达.哈莉齐绘制的肖像。他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、Eric这些艺术家心存景仰。因此,在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。1996年他为杂志制作过高级时装展的插图,1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。最开始他眼花缭乱完全没有准备,但是,巴黎时装秀实实在在地,激发出一个艺术家的灵感。巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。而这里的一切都让人神魂颠倒。在模特走秀的时候,大卫从来不作画。因为他发现那根本无法进行,他仅仅是摄影或者在一旁观看,并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。他抓住其他的任何机会来画,模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。比如:试衣的时候,有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间...▲化妆品也是他的工具,起笔和落笔之间动人心扉,浓淡皆宜。大卫说:“我最开始画的时候,认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而,第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上,在凯特.摩斯消失之前,我仅仅才画出她的胳膊!所以,享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。”▲草稿也动人大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉,然后才是比例、颜色等一些细节,然而,这一点是较难做到的。▲草稿也动人大卫画无数份的设计草样,然后从中挑选出最好的,画得差不多的时候他就开始剔除,“分解—重建”它们。他持续地画,一直到它们看起来自然为止。他为世界各地的知名媒体,如《泰晤士报》《独立报》,以及Harper"sBazaar(a澳洲版)等,撰写时装的相关报道。并在伦敦举行过三次个展,在纽约也举行过一次个展。近年来,他还为香港的购物中心设计视觉图像,以及为Vogue女性时装系列绘制插画。▲大卫.唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎,材质为水粉、水彩和纸张。▲大卫.唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。▲大卫.唐顿2005年受Vogue(中国版)委托绘制的插画ValentionFitting。材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸。▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装画,材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。▲大卫.唐顿2007年受Madame杂志(德国版)委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水和水粉绘制。▲大卫.唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。▲大卫.唐顿2008年为自己的杂志PourquoiPas绘制的插画,模特为蒂塔.万提斯,服装由拉克鲁瓦设计,材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸覆膜。大卫是不是把性感舞娘画的淋漓尽致~要想功夫深铁杵磨成针～想拥有超越别人之外的能力,就要将能力修炼到极致!插画师李晓林个人简历,李晓林现任中央美院版画系的副教授这有他的作品:/?artist_id=45李晓林,山西太原人。1980年参军,在北京部队炮兵美术创作组从事美术创作,1983年在中央美术学院版画系进修,转业后任山西文化艺术学校美术科教员。作品《晨》、《家》(合作)获第八届全国版画展优秀创作奖。1990年毕业于中央美术学院版画系。1999年毕业于中央美术学院版画系同等学历研究生班。现为中央美术学院版画系副教授,中国美术家协会会员,中国版画家协会理事。获奖:1982年获全国第八届版画展览优秀作品奖。1984年获全国第六届美术作品展览优秀作品奖。1990年获全国青年版画大展创作奖。1990年获全国第十届版画展览铜牌奖。1992年获全国第十一届版画展览银牌奖。1994年获全国第十二届版画展览铜牌奖。1994年获全国第八届美术作品展览优秀作品奖。1995年获台湾第七届国际版画及素描双年展铜牌奖。1996年获全国第十三届版画展览银牌奖。1997年获全国第六届三版展“廖修平版画奖”。1998年获全国第十四届版画展览铜牌奖。1999年获中国版画家协会“鲁迅版画奖”。2000年获中国高等美术院校第五届版画年会获。2000年获全国第十五届版画展览铜版奖。2001年获全国第六届三版展铜奖。入选:1988入选台湾“大陆青年版画展”。1989年入选取全国第七届美术作品展览。1991年入选北京—台北当代版画展。1991年入选日本大阪91国际造型艺术版画三年展。1991年入选在美国、意大利举行的中国现代版画展。1991年入选中国当代版画精品邀请展。1992年入选台湾第五届国际版画双年展。1992年入选在香港艺术中心举行的“中国的石版画展”。1992年入选全国“黄河画展”。1993年入选全国第五届三版展。1997年入选中国民权大展—中国当代版画展。1998年入选日本名古屋国际版画展。1998年入选在西班牙举行的“中国当代版画展”。1998年入选中央美术学院版画系赴澳大利亚版画作品展。1999年入选在青岛举行的“中国当代版画展”。1999年入选在美国西东大学举行的“当代中国版画展”。1999年入选在西班牙马德里举行的“中国当代版画展”。1999年入选在美国曼哈顿456画廊举行的“6+6=版画”展。2000年入选在日本、台湾同时举行的“2000国际版画邀请展”。2000年出版个人专集《当代青年画家素描画丛——李晓林素描》(湖北美术出版社出版)。2000年入选“开放·融合—澳门国际版画展”。2000年入选青岛国际版画双年展。2001年入选中国百年版画展。2001年入选日本·中国国际版画展。2001年入选第二届中日版画BRIDG展。收藏:作品被中国美术馆、上海美术馆、台湾台北市立美术馆香港艺术中心、黄河博物馆、深圳美术馆、山西博物馆、鲁迅博物馆、中国展览交流中心、江苏美术馆、北京市美术家协会、廖修平版画基金会、四川神州版画博物馆、青岛美术馆、国务院发展研究中心等收藏。

春夏还是秋冬?...春夏是Andreea Diaconu秋冬是Julia Bergshoeff

想到年轻女性在夏天的时候总是会喷上一点香水，而我们都知道香水的种类是非常多的，其中有的香水适合春秋季节使用，有的香水就更加适合夏季使用的，因此很多人对于夏天用什么香水是非常关注的，那么那么夏季用什么香水好？夏天用香水好吗？1、夏季香水推荐阿蒂仙夏夜清风香调：木质花香调气味：橙花麝香玫瑰青草椴树花干草木质香。一缕夏日的清风随着薄荷的冰凉气息吹来，赶走了白昼的燥热，让人顿觉一阵清凉青净古龙水ThierryMuglerMuglerCologne它闻起来像是干净的婴儿体香，配合着清新的柑橘与橙花，在清新干爽中夹杂了柔美的气息，它与绿叶的味道相结合了起来，还带着一些由香根草营造出的泥土感，因此它并非是女人专属，男人用也会效果出众。浅蓝DolceGabbanaDGLightBlue酸酸甜甜的柠檬果香，夹杂着淡淡的海风味道，无比的轻盈水润，如同西西里海一般清澈蔚蓝。青涩的苹果味夹杂着干净的皂感，像是姑娘身上刚刚洗过的白衬衫。后调是雪松和竹子，在稚嫩和青涩的基础上，增添了一抹知性的感觉。2、夏季使用香水须知一、香水不要喷在腋下这是很多人都会犯的错误，夏季容易出汗，身体有时候会有汗臭味，所以很多人喜欢将香水喷在腋下，以为这样可以将汗味掩盖。小编告诉你，这样做不仅不能掩盖汗味，还会让味道更佳奇怪，香水和汗水混合在一起更佳糟糕，建议大家不要这么做！二、香水不要喷在皮肤上有些美眉喜欢将香水直接喷在皮肤上，这样其实对皮肤不好，特别是夏季，经常在户外的要注意了，香水中含有酒精，直接喷在皮肤上，然后被太阳暴晒很容易造成皮肤红肿，严重还可能晒伤，所以不要再这样做了！三、不要将香水喷在浅色衣服上夏季大家喜欢穿浅色的衣服，那么喷香水时就要注意了，不要直接喷到衣服上，要不会留下痕迹，想要清洗掉就很困难。这里可以给大家推荐一个喷香水的方法，将香水喷在空气中，然后转一圈，这样香水均匀的洒落，香味也会很均匀哦。3、使用香水小技巧---让香味更加持久的方法，除了那些味道浓厚的香精香水，其他的香水留香时间都非常的短，最好的方法就是在使用固体香水之前，先用同味或者同系列的身体喷雾或者身体乳先涂抹身体再使用香体膏或者滚珠香水，你会发现香味可以变得更加持久！---若有若无的香水感不仅局限于喷在身体上，如果你是长发飘飘或头发干枯易开叉，就可以用上这两款护发乳和护发油，好闻的味道不仅可以让头发沾染上自然纯净的香气，还能让自己和身边的人沉浸在馨香的好心情中。微风拂过，一缕淡香飘过鼻尖。瞬间让头发也仙起来哦！---混搭使用也是好方法，香调调可以交相搭配使用，比如花香和果香搭配起来用就会有意外的华丽效果，而本木香调和清新的果香就比较中性，草香和花香的结合则让人感觉甜美迷醉。---夏天的运动鞋，难免会有稍许味道，为了防止偶尔脱鞋时候的小尴尬，最好的方法就是在晚上鞋子上喷一下清新喷雾，第二天穿就会减少产生气味的小尴尬啦！---最低调的奢华，给衣服熏香是最低调又奢华的熏香法，用香片纸放置在衣橱或者抽屉中，或者垫放衣服的普通抽屉纸上，喷上喜爱的清新喷雾，也能给予衣服自然唯美的熏香味道！让你于人群中走过时，身上若有若无的馨香带出内敛的优雅气质！4、香水怎么分装1、首先准备好小的香水瓶。2、再购买一个医用注射器(为了安全卫生)，下一步就可以分装了。3、分装时沿着香水瓶喷头接口处的缝隙，把针头插进去。不是每一次都能进去的，一定要耐心反复找寻，相信总会找到得，越是高贵的越是不容易。切记：不能性急动作要慢，因为香水瓶里是真空的，抽起来不是很方便，一定要在针头不拿出来的情况下，反复抽取，直到满意的需要量，再把针头拔出。把针管里抽取出的香水注入小瓶就好了。

服装插画师的工作内容是什么服装插画师的工作内容如下:1、服装的图案设计和色彩搭配。一个好的服装插画师首先要会搭配衣服,所以平时要多看服装搭配方面的书籍,在工作中要善用流行元素来设计衣服,图案和色彩搭配要紧跟时代潮流,甚至要走在时代的前端。2、画服装插画。服装插画师的主要工作是画画,搭配好衣服之后,要将之具现在图稿上。3、电脑后期处理手绘稿。好的手绘稿,用电脑处理好可画龙点晴。因此,插画师不仅仅要会手绘,还要学会电脑上的处理画图的软件,并要做到操作熟练。4、时装人物速写。插画师不仅仅要做到服装的描绘,还要将穿衣服的人物,或妖娆或明媚或单纯的人物用速写的方式画下来。当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？他是最炙手可热的插画师也是时尚的最佳代言人大卫.唐顿DavidDownton,1959年生于伦敦。从孩提时代开始,对他最好的款待就是一大页白纸。然而,大卫没有想到的是,很久以后他可以依靠画为生。▲大卫.唐顿年轻时在画画▲工作室自成一幅画,和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。大卫最初学习的是平面设计专业,他的第一幅作品是20世纪80年代早期,为WhichComputer杂志设计的封面。▲大卫.唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。▲大卫.唐顿1998年为克里斯汀.拉克鲁瓦绘制的时装插画,材质为墨水彩盒纸张。曾有15年时间,大卫一直是自由职业插画师。无论有什么事情发生,他都很享受这种自由插画师的生活。▲大卫.唐顿1999年为让.保罗.高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特.摩斯为原型,以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名,是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。▲大卫.唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似,他运用的色彩富有现代性。▲大卫.唐顿1999年在伦敦创作的时装插画PalomaPicasso。材质为水粉、墨水盒纸张,醋酸纤维纸覆膜。▲大卫.唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画,模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。大卫的作品线条简洁流畅,很有质感,风格也不矫揉造作,可以很好地展现出的优美体态。因为这种独特的绘画风格,有一些人开始邀请他制作时装插画。其中,就包括85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯,她也是大卫的缪斯之一。▲大卫.唐顿2000年的纽约绘制的时装插画,模特为卡门.戴尔.奥尔菲斯,服装由ThierryMugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水绘制。▲大卫.唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜.佩姬绘制的肖像,他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美!▲大卫.唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达.哈莉齐绘制的肖像。他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、Eric这些艺术家心存景仰。因此,在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。1996年他为杂志制作过高级时装展的插图,1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。最开始他眼花缭乱完全没有准备,但是,巴黎时装秀实实在在地,激发出一个艺术家的灵感。巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。而这里的一切都让人神魂颠倒。在模特走秀的时候,大卫从来不作画。因为他发现那根本无法进行,他仅仅是摄影或者在一旁观看,并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。他抓住其他的任何机会来画,模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。比如:试衣的时候,有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间...▲化妆品也是他的工具,起笔和落笔之间动人心扉,浓淡皆宜。大卫说:“我最开始画的时候,认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而,第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上,在凯特.摩斯消失之前,我仅仅才画出她的胳膊!所以,享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。”▲草稿也动人大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉,然后才是比例、颜色等一些细节,然而,这一点是较难做到的。▲草稿也动人大卫画无数份的设计草样,然后从中挑选出最好的,画得差不多的时候他就开始剔除,“分解—重建”它们。他持续地画,一直到它们看起来自然为止。他为世界各地的知名媒体,如《泰晤士报》《独立报》,以及Harper"sBazaar(a澳洲版)等,撰写时装的相关报道。并在伦敦举行过三次个展,在纽约也举行过一次个展。近年来,他还为香港的购物中心设计视觉图像,以及为Vogue女性时装系列绘制插画。▲大卫.唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎,材质为水粉、水彩和纸张。▲大卫.唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。▲大卫.唐顿2005年受Vogue(中国版)委托绘制的插画ValentionFitting。材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸。▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装画,材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。▲大卫.唐顿2007年受Madame杂志(德国版)委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水和水粉绘制。▲大卫.唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。▲大卫.唐顿2008年为自己的杂志PourquoiPas绘制的插画,模特为蒂塔.万提斯,服装由拉克鲁瓦设计,材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸覆膜。大卫是不是把舞娘画的淋漓尽致~要想功夫深铁杵磨成针～想拥有超越别人之外的能力,就要将能力修炼到极致!时装插画：那个有着500年历史的”时尚女魔头“时装插画已经存在了将近500年,自从有了衣服以后,就需要将设计衣服的思想或形象转化为时装插图。这种视觉形式起源于插画,绘画和油画,也被称为“时装素描”。时装设计师主要使用“时装素描”在纸上或数字方式上集思广益,它在设计中的主要作用是在缝制实际衣服之前可以预览和可视化最后的结果。接下来,我们就分阶段的看一下时装插画这个有着500年历史的”时尚女魔头“有着怎样的历发展进程。一.时尚插画的开始时装插画始于16世纪,当时全球的探索和发现导致人们对世界各个国家的人们的着装而着迷。印制了说明不同社会阶层和文化适合穿着的书籍,以帮助消除对变革的恐惧和这些发现所造成的社会动荡。在1520年至1610年之间,出版了200多种这样的版画,蚀刻版画或木刻作品集,其中包含穿着特定国籍或等级的人物的图板。这些是最早的服饰插图,也是现代时装插图的原型。这些插图很可能会被礼服设计师,裁缝师,及其客户所使用,以激发新的设计灵感。十七世纪的艺术家雅克·卡洛(JacquesCallot)和亚伯拉罕·博斯(AbrahamBosse)都使用现代雕刻技术来制作逼真的时代服装和服饰细节。这些期刊从1670年代开始在法国和英国开始发行,被认为是第一本时尚杂志,其中包括LeMecureGallant,TheLady"sMagazine,LaGalleriedesModes,LeCabinetdesModes和LeJournaldesDamesetdesModes。在此期间,出版期刊的数量有所增加,这是对市场中越来越渴望了解最新时尚新闻的女性读者的反应。直到在18世纪末和19世纪初,男性风格的插图才变得与女性插图同样重要。二.十九世纪的时尚图样(Thefashionplate)时装图样(Thefashionplate)在18世纪后期独占鳌头,在巴黎风靡一时,期间诸如HoraceVenet的《IncroyablesetMerveilleuses》等出版物,以及在拿破仑一世时期的乔治·雅克·加丁(Georges-JacquesGatine)雕刻的一系列水彩时装图都名噪一时。法国作为时尚仲裁者的地位确保了国内外对时尚插画的不断需求。这种对流行服饰的兴趣以及对流行服饰的获取日益广泛,导致在19世纪出现了150多种时尚期刊。这些高度详细的时装插图捕获了时装趋势的信息,并提供了一般的制衣指导。高级服装定制也是这个阶段出现的(出现在1860年代),时装公司聘请了插画家,他们将与女装设计师直接合作,设计师将织物挂在现场模型上时,插画家则会勾勒出新设计的草图。他们还会在完成的系列中绘制每个设计的插图,然后可以将其发送给客户。到19世纪末,手工彩色印刷被全彩色印刷所取代。时装图样开始使用两个人物,其中一个人物可以从背面或侧面看到,以便可以从更多角度看到服装,从而使复制更加容易。19世纪插画家的重点是准确性和细节性。他们遵守静态的图像约定,以便为观看者提供全面的信息和指导。三.二十世纪的时尚杂志和插图二十世纪初期的几十年来,现代意义上的时装插画首次开花。随着最新时装样式的发行变得越来越有利可图,时装插画师的工作成为一种职业。时尚以前是单个艺术家的作品,现在正成为一个行业,以前所未有的数量生产新商品,以填补百货公司的空缺。这些商店发明了一种新的全名消遣方式-购物文化。法国奢侈杂志《宪报》(Gazettedubonton)于1912年至1925年出版,汇集了一群年轻艺术家,他们在诠释时尚方面获得了前所未有的自由。伊里贝(Iribe)是这些时尚插画家之中的领军人物,为著名的出版物做出了贡献,其中还包括查尔斯·马丁(CharlesMartin),爱德华多·加西亚·贝尼托(EduardoGarciaBenito),乔治·巴比耶(GeorgeBarbier),乔治·勒帕佩(GeorgesLepape)和翁贝托·布鲁内莱斯基(UmbertoBrunelleschi)。他们为《宪报》制作的印版展示了日本木刻版印刷品的影响,以及装饰艺术风格新的变化。在美国,大众市场时尚杂志《Vogue》和《Harper"sBazaar》涵盖了社交场合以及当代服装的流行趋势。Harper"sBazaar杂志与鬼才埃特(Erte)签订了独家合同,该合同从1915年持续到1938年,是出版历史上最长的合同之一。从1910年到第二次世界大战爆发,《Vogue》杂志的封面始终带有插图。Vogue的早期封面展示了由美国插画家海伦·德莱顿(HelenDryden),乔治·沃尔夫·普朗克(GeorgeWolfPlank),乔治·勒帕佩(GeorgesLepape),莱恩德克尔(F.X.Leyendecker)创作的艺术品。第一次世界大战后,欧洲艺术家加入了他们的行列,其中包括爱德华多·贝尼托(EduardoBenito),查尔斯·马丁(CharlesMartin),皮埃尔·布里索(PierreBrissaud)和安德烈·马蒂(AndreMarty)。四.时尚插画的黄金时代1920年代到1930年代代表着时装插画的“黄金时代”。每个商业艺术家都被认为是时装艺术家,都是完美的绘图员。许多人能够凭权威和信念来代表织物的质地,光泽甚至重量。摄影和印刷的新技术发展开始将照片的复制直接放置在杂志的页面上,这意味着时尚图样不再是现代生活的代表。到1930年代初,照片开始成为杂志的首选,Vogue杂志在1936年报道说,摄影封面的销售情况更好,插图开始被放入到内页。随着1929年股市崩盘后的经济衰退,美国时装业对巴黎时装的依赖程度有所降低。在两次世界大战期间,美国的服装制造取得了长足的进步,改进了大规模生产方法并标准化了尺码。中产阶级妇女依靠熟练的裁缝师以负担得起的价格可以购买最新的时装设计,而诸如Vogue和Women"sJournal这样的杂志出版的图案对于家庭裁缝师来说是无价的。Vogue杂志的主要目的是尽可能向读者展示时尚,摄影使插画家摆脱了对服装进行精确记录的需求,而更倾向于诠释时髦的服装。据该杂志的出版商抱怨说:“艺术家们主要是对获得有趣的图画和装饰效果感兴趣,他们被忠实地报道当代时尚精神的任何事情所累,因此感到无聊。”迪奥在1940年代后期的“NewLook”为战后时尚复兴提供了灵感。从许多方面来说,这是一种倒退的风格,回到过去而不是对未来进行展望,但它也象征着回到更加开朗,乐观的时代。五.时尚插画的毁灭与复兴到1950年代,时装编辑已经将更多预算用于摄影的编辑传播。随后将时尚摄影师提升为名人,这意味着插画家必须满足于制作和配饰的文章,或从事广告活动。1960年代,时尚插画在杂志出版业中的地位不断消失,这一趋势在面向青年的青少年杂志的新类别中有所体现,1960年代发行了许多此类杂志,所有这些插图都将插画作为摄影的廉价替代品。安东尼奥·洛佩兹(AntonioLopez)是这期间唯一在Vogue杂志上定期亮相的艺术家,他的职业生涯始于《女装日报》。在20世纪下半叶,时装插图一直难以生存,直到1980年代才开始复兴。新一代艺术家在诸如LaModeenpeinture(1982),CondeNast"sVanity(1981)和Visionaire(1991)之类的杂志中都有发行。这种复兴归功于广告活动,特别是Barney在1993-1996年的纽约广告活动。六.今天的时尚插画介于精美艺术和商业艺术之间,时装插画在最近被重新评估为一种重要的流派。由于美丽和优雅在时尚和艺术领域都已过时,因此时尚插画有时看起来像是回到了更早的时代。摄影术非常擅长记录服装的详细信息,因此插画家的重点不再是服装的精确呈现,而是解释服装和可能的穿着者。在二十世纪末和二十世纪初,由于数字工具和社交媒体平台的支持,它发展出了一系列独特的艺术风格。1990年代,先驱插画师EdTsuwaki,GrahamRounthwaite,JasonBrooks和KristianRussell等在计算机绘图领域开始兴起。这一时期见证了计算机设计程序AdobePhotoshop和Illustrator的出现,也见证了传统的基于艺术的时装插画形式的复兴。纽约的帕森斯设计学院和FIT学院开始提供插图作为其时装课程的专用元素。手工制作的“传统”插图一直在复兴,时装插画家经常回望过去的大师,寻求风格灵感。以经典方法为基础的时装插图已成功地与更现代的流程所创造的插图相得益彰。最近,插图通过时装设计师和插画家之间的合作而流行。随着社交媒体的使用,时装插画家开始引起人们的关注。时尚插图充满活力色彩,错综复杂的图案和无穷无尽的个性,给人留下深刻的印象。欢迎围观公号『绘实践』,可免费领取插画师绘画秘籍大礼包,了解世界商业插画价格行情。

这才是灵魂插画师！手绘图只画一半也惊艳，这衣服效果比高定还美都说艺术来源于生活,在很多艺术作品中,那些让大家有同感的地方,就是来源于自然和生活的部分。在一位时尚插画师就堪称“灵魂设计师”,在他的作品中,我们就能看到这样的艺术,他的手绘时尚插画几乎都是只画一半,却比完整作品更“充实”且惊艳,尤其是衣服的效果简直比高定还美。时尚插画,听起来就是种很专业的艺术,但插画虽然需要专业,但“时尚”确实每个人都能看懂。图中这件作品,更是生动地向我们展现了时装的另一种魅力,它的创作人就是ShamekhAlBluwi,一位来自约旦的设计师。常规印象中的时装,都是通过插画师的手调色上色,在纸上展现出迷人的时尚色彩。但ShamekhAlBluwi在工作的旅途中萌生出将美景化作时装的想法,将插画的一部分变成空白的镂空,用生活中的美景填满,也让时尚融入更多生活元素。正因为这个创意很接地气,实实在在地融入了生活元素,在他发布这个创意后,迅速收获了全网的好评。将现实中的美景融入图中女孩们的衣服中,让艺术变成大家都能看得懂的想象力,实在是个巧妙又让人惊喜地尝试。你可以在Shamekh的作品中看出他有多喜爱自然,也能看到他在很认真地观察生活。院子里的树木、小鸟,都能成为模特身上亮眼的点睛之笔。他要做的只是拿着这张裁掉一部分的插画,将它移动到他想要的画面上,用相机记录下来。他的创意简单到每个人都可以复制,很多网友开启了自己的创作模式,每个人都能简单地尝试创作艺术的过程,这也是Shamekh的作品受欢迎的原因。而他作品中很多独特的视角,也通过美女身上的一条条的裙子逐渐展现。像是每天抬头就能看到的天空,无论是雾蒙蒙还是夕阳晚霞,都能成为裙子上唯美的渐变色。蓝天白云,也可以是很唯美的裙子印花。一条纯净的蓝裙配上点点深浅不同的蓝色,果然自然中的美才是真正的巧夺天工,这一些甚至无需创造,用镜头记录下来就好。街边的一角也是Shamekh的创作场所,可以是水泥墙,也可以是植物与墙壁的连接与拼接,这些日常平平无奇的画面,“印”在裙子上一手,变成了完全不同的画面。想要来点亮眼的,路上的标志和行进的车,都可以成为时髦裙子上的装点。Shamekh还很喜欢从一些物品中“借”点花纹,比如这个很有特色的沙发垫,人物印花自带复古宫廷风,马上成为很别致的艺术感。路边的灯,也可以是Shamekh的创作灵感,自带光感的裙子搭配镂空花纹,亮眼又很别致,这些怕是很多设计师都想不到的巧妙印花。更多复古有原味的镂空、花纹,都可以成为别具特色的裙子印花,只需要裁剪好一个裙型,轻松用“空白”借着美景创造出独特的设计感。这些本身很有风格感的瓷砖,也能瞬间成为美女身上的复古印花,几乎一件裙子可以有数种风格和印花。Shamekh还会和很多别人创作的艺术来个小“联名”,将他人的艺术结合在自己的裙子中,这样的创意时髦又有新意,和印象中的时尚插画完全不同。还可以结合巧妙的角度,将眼中立体画面变成平面,印在自己的作品中。日常很普通的厨房一角,瞬间变成了美人的披风与碎花裙摆,实在是巧妙又惊艳。同一位“模特”、同一条裙子,还可以演绎出N多种不同的风格与配色,让我们看到时尚并没有那么高深复杂,也没有那么高高在上,它也可以很日常。Shamekh的作品还有很多很多,虽然都是取自生活中、自然中的场景,但这也需要创意和敢于发现美的眼睛。每次看完不同的场景变成的裙子,依旧觉得好惊艳,这才是时尚该有的样子。你觉得呢?这才是灵魂插画师!手绘图只画一半也惊艳,这衣服效果比高定还美。时装插画基础|时装人体比例详细图文步骤教程时装人体也被称为“草图”人体,是基本的时装体形,我们可以在画出人体的基础上设计服饰或绘制平面图,这也是时装插画的起点。勾画时装人体草图首先,必须要先熟悉比例的一些规则。时装人体用“头长”来计量,每个头长代表1英寸。正常情况下时装人体基本是10头长的,但不代表9或11头长就完全不正确了,更多时候是需要根据绘制的服饰特点来决定。比如宽松的衬衫,大衣袖或大领子,而且有很多紧身胸衣的细节时,可能要有更长的腰部和脖子;如果是夸张的蝙蝠袖,手臂应该更长一些。如果是裙子,就需要腿部更长一些。不同的服饰需要不同的焦点,不同的焦点需要不同的夸张画法。下面以10头长人体举例:1.在纸上画一条垂直线,然后等分成10个区间。最顶端的线为0,最底端的线为10。每条线都代表着人体不同的部位。2.头部:在0~1之间,画一个椭圆。下巴正好位于线条1上。3.肩颈:在1~2之间画出脖子和肩膀。肩宽大约为1.5个头长(特殊款式的服饰可能不同)。4.腰臀:从肩膀两端(肩线)分别向下画一条线到腰线位置,腰部宽度大约为头长的3/4。从腰身两端(腰围线)分别画一条线到臀部(臀部最高点4),臀部宽度大于头长和腰部,小于肩宽。5.腿部:从臀部两端分别画一条逐渐收细的直线,从4~10。6.脚部:在腿部下端外侧分别画一个三角形。三角形的底边为脚趾,在线条10上,三角形顶点为脚踝。7.手臂:在肩线位置分别向下画逐渐收细的线条至手腕处。8.手部:用矩形和三角形粗略画出手部,指尖在线条5上。现在已经画出一个粗略的基本人体了。9.修匀人体的各部位。(头部,脖子与肩部自然衔接,腋窝到腰部,上臀围的线条,臀部,胯部到脚踝,双脚,手臂)关于时装人体理想的体型比列问题,其实需要灵活看待,并且还要接受时装的变化。某个年代看起来完美的东西,在另一个年代看起来可能会特别奇怪。比如用现在的标准来看20世纪50年代的梦露,可能很多人会觉得她有点胖~以下标准决定了某个时代的“完美”时装人体:那个时代的模特或名人强调身体的部位和人物的某种姿态合身的服饰和内衣或者其他装饰,或没有装饰总体来说时装人体必须比普通人体更高一些,这样才能更好的展示时装,在照片或者艺术作品中凸显时装的效果。感谢你常来!更多精彩手绘教程,请关注后续更新。(文章首发微信公众号,大家可以留言说出感兴趣的内容哦)时装插画|不会画效果图,从油画棒开始~零基础也能完美逆袭教程|歪果仁的花生鸡零基础手绘彩铅世|十里桃花不如一盘陈麻婆豆腐零基础手绘彩铅教程(2)当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？他是最炙手可热的插画师也是时尚的最佳代言人大卫.唐顿DavidDownton,1959年生于伦敦。从孩提时代开始,对他最好的款待就是一大页白纸。然而,大卫没有想到的是,很久以后他可以依靠画为生。▲大卫.唐顿年轻时在画画▲工作室自成一幅画,和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。大卫最初学习的是平面设计专业,他的第一幅作品是20世纪80年代早期,为WhichComputer杂志设计的封面。▲大卫.唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。▲大卫.唐顿1998年为克里斯汀.拉克鲁瓦绘制的时装插画,材质为墨水彩盒纸张。曾有15年时间,大卫一直是自由职业插画师。无论有什么事情发生,他都很享受这种自由插画师的生活。▲大卫.唐顿1999年为让.保罗.高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特.摩斯为原型,以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名,是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。▲大卫.唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似,他运用的色彩富有现代性。▲大卫.唐顿1999年在伦敦创作的时装插画PalomaPicasso。材质为水粉、墨水盒纸张,醋酸纤维纸覆膜。▲大卫.唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画,模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。大卫的作品线条简洁流畅,很有质感,风格也不矫揉造作,可以很好地展现出人体的优美体态。因为这种独特的绘画风格,有一些人开始邀请他制作时装插画。其中,就包括85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯,她也是大卫的缪斯之一。▲大卫.唐顿2000年的纽约绘制的时装插画,模特为卡门.戴尔.奥尔菲斯,服装由ThierryMugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水绘制。▲大卫.唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜.佩姬绘制的肖像,他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美!▲大卫.唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达.哈莉齐绘制的肖像。他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、Eric这些艺术家心存景仰。因此,在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。1996年他为杂志制作过高级时装展的插图,1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。最开始他眼花缭乱完全没有准备,但是,巴黎时装秀实实在在地,激发出一个艺术家的灵感。巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。而这里的一切都让人神魂颠倒。在模特走秀的时候,大卫从来不作画。因为他发现那根本无法进行,他仅仅是摄影或者在一旁观看,并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。他抓住其他的任何机会来画,模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。比如:试衣的时候,有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间...▲化妆品也是他的工具,起笔和落笔之间动人心扉,浓淡皆宜。大卫说:“我最开始画的时候,认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而,第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上,在凯特.摩斯消失之前,我仅仅才画出她的胳膊!所以,享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。”▲草稿也动人大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉,然后才是比例、颜色等一些细节,然而,这一点是较难做到的。▲草稿也动人大卫画无数份的设计草样,然后从中挑选出最好的,画得差不多的时候他就开始剔除,“分解—重建”它们。他持续地画,一直到它们看起来自然为止。他为世界各地的知名媒体,如《泰晤士报》《独立报》,以及Harper"sBazaar(a澳洲版)等,撰写时装的相关报道。并在伦敦举行过三次个展,在纽约也举行过一次个展。近年来,他还为香港的购物中心设计视觉图像,以及为Vogue女性时装系列绘制插画。▲大卫.唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎,材质为水粉、水彩和纸张。▲大卫.唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。▲大卫.唐顿2005年受Vogue(中国版)委托绘制的插画ValentionFitting。材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸。▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装画,材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。▲大卫.唐顿2007年受Madame杂志(德国版)委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水和水粉绘制。▲大卫.唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。▲大卫.唐顿2008年为自己的杂志PourquoiPas绘制的插画,模特为蒂塔.万提斯,服装由拉克鲁瓦设计,材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸覆膜。大卫是不是把性感舞娘画的淋漓尽致~要想功夫深铁杵磨成针～想拥有超越别人之外的能力,就要将能力修炼到极致!

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许多设计师在户外的视频中展示他们的收藏，而其他人则用各种植物装饰他们拍摄视频或lookbook。这可能是有史以来最环保的 时尚 月，然而，环境并没有在2021年春夏时装潮流中表现得那么明显。 2021年夏季 时尚 趋势的不同方向也很吸引人。我们注意到出现了两个主要的主题:一些设计师选择了更实用的路线，设计舒适的衣服，而另一些则沉浸在幻想和逃避之中。 闲话少说，让我们来看看2021年春夏 时尚 趋势为我们准备了什么吧! 便装是更实用的2021年春季 时尚 趋势之一。毕竟，我们很多人花更多的时间呆在家里，所以寻找舒适又时髦的衣服是有道理的!设计师们设计了各种舒适的服装，模糊了职业装和睡衣之间的界限。 汤姆u2022福特(Tom Ford)在纽约时装周(New York Fashion Week)上以色彩鲜艳的绸缎裤子(配上品牌松紧带腰带， 时尚 编辑对其评价褒贬不一)和配套的毛衣拉开了序幕。 Hugo Boss系列以超舒适的绸缎休闲裤搭配浅色西装上衣，再配以轻松而狭窄的柔和色调，非常适合2021年夏天在家办公的 时尚 。更大胆一点的是Naeem Khan设计的豹纹软裤和带纽扣的系扣。我们在Zero + Maria Cornejo的时装秀上看到了类似的轮廓，不过是用树莓粉缎子制作的。 一套超休闲的西装肯定会让你感觉很舒服，同时看起来也很专业。 西装已经呈现出慵懒的轮廓， 在2021年的春季 时尚 趋势中，它们确实无处不在，而且比以往更慵懒。 玛丽·凯特和阿什利·奥尔森为《The Row》所做的一切都让我们觉得很放松。克里斯汀u2022迪奥(Christian Dior)的休闲西装系列宽松舒适，有很大的活动空间。 在奥图扎拉(Altuzarra)的时装秀上，有不少西装都很慵懒，大多是白色、灰色、黑色等中性色调，但我们发现自己被一件黄色西装吸引住了，它为潮流提供了更活泼的变化。最后，托里·伯奇推出了一套奶油色慵懒西装，配上细条纹，更显专业风格。 从服装的角度来看，20世纪80年代是一个非常折衷的时代，但他们始终是最容易辨认的十年之一。发生在80年代的各种搭配和色彩的大杂烩是如此独特和难忘，即使我们这些没有生活在那个年代的人也能瞬间认出它来。 路易威登系列以几种不同的方式展示了80年代，但主要是关于款式。首先，有大量霓虹图案的t恤和迷你裙。这些衣服通常搭配蓬松的米色外套，或者稍微大一点或宽肩的风衣，或者搭配让人想起80年代男装的超懒散的正装裤。 娜塔莎·Zinko的春季系列的灵感来自恐怖电影，其中有不少是以80年代为背景的。这带来了一些引人注目的装扮，包括一件蓬松的袖裙配上高低款气球裙。 我们甚至还看到了杜嘉班纳(Dolce & Gabbana)上世纪80年代的风格，一件耸肩的t恤塞进高腰短裤里，再配上一双拼接式高帮运动鞋。我们还看到了更多关于Aniya, Philosophy和Versace的80年代风格。 拼布之所以成为本季的一大流行趋势，其中一个原因是设计师们特别注意整理他们的库存，并使用碎料。这既是一种环保的设计方式，也是一种可用性的问题:许多工厂关门了，在COVID时代，新面料是稀缺的。 在Preen，由Thornton Bregazzi设计的裙子和吊带都是用花朵拼接而成。Rentrayage的升级有点微妙，但仍有一些拼凑的外观。 Marni系列就表达了在艰难和遥远时期的团结，所以很难不把拼接服装看作是这方面的隐喻。为了设计这个系列，弗朗西斯科·里索(Francesco Risso)实际上查阅了自己的档案，从之前的系列中分离出旧服装，然后以一种狂野而富有创意的方式将它们重新组合在一起。 对于像马蒂博凡(Matty Bovan)和洛克(Rokh)这样的设计师来说，拼接系列实际上是一个主题的延续，设计师们过去已经 探索 过这个主题。 我们注意到，在过去几季中，双面料、半面料的裙装一次又一次地出现在系列中，看到它们再次出现，我们并不感到太惊讶。 克里斯托弗·约翰·罗杰斯(Christopher John Rogers)运用了不少混合图案，其中包括一件引人注目的长款美人鱼裙，一半是用有点迷幻的格纹面料，另一半是抽象的斑马纹。 巴黎世家(Balenciaga)的一件系扣连衣裙看起来像是由两件不同的物品组合而成:一件靛蓝衬衫和一件简单系扣在一起的深色长裙。 Gabriela Hearst加布里埃拉·赫斯特的碳中和秀以一件优雅的长袖半黑半白的柱形连衣裙开场，证明了这一潮流可以适用于更复杂的风格。 在秋季，我们注意到不少镶满珠宝的服装，但是设计师们为2021年春季的 时尚 趋势做了一些修饰。 纪梵希(Givenchy)和阿利克斯(Alyx)的珠宝装饰是最值得注意的!我们之所以将这两个系列相提并论，是因为它们都是由马修·威廉姆斯(Matthew Williams)设计的。 在Alyx，模特的裤子和夹克(有时搭配着穿)都镶上了银色的饰钉。在纪梵希(Givenchy)的毛衣和透视连衣裙上，他用银色调、水晶覆盖的硬件装饰。 博柏利(Burberry)时装秀闭幕式上的这一系列裙子，是由一种缀满水晶的布料制成的，从远处看，它们就像在银色中闪闪发光。它们确实令人震惊，但我们无法想象它们有多么沉重。路易威登(Louis Vuitton)也推出了一件厚重的cami礼服，上面覆盖着闪亮的圆碟。 在这个季节，设计师们很少会对这种修身束身衣不感兴趣。对于2021年春夏时装趋势，束身衣的设计师们呈现了一种非常现代的感觉，设计流畅、有结构。 我们必须从LaQuan Smith的惊艳胸衣开始，它有柔和的或明亮的颜色，有缎子和皮革两种选择。它们经常与紧身裤搭配，以打造合身的派对造型。 克里斯托弗u2022约翰u2022罗杰斯(Christopher John Rogers)也推出了色彩鲜艳的束身衣:一件是蓝色的，配上配套的工装裤;另一件是橙色的，配上印花上衣和长裤，这套裤装非常适合家庭办公。 大卫·科马以网球为灵感设计的束身衣给人一种运动的感觉!穿着紧身胸衣的泰迪熊，配上莱卡短裤或网球裙，再配上纯白色或亮红色的造型。 另一个在春季/夏季时装发布会上持续走强的趋势是 剖面图 裁剪，它保持了性感和暴露的魅力! 性感之王拉昆·史密斯(LaQuan Smith)给我们提供了各种各样的剪裁，从露臀的紧身衣裤到一条用7种不同尺寸剪裁的长款紧身连衣裙。桑迪·梁(Sandy Liang)在整个系列中都保持了她的位置一致，在几件衬衫和连衣裙上，在胸部正下方画了一个圆形切口，露出了一点上腹部。 我们喜欢加布里埃拉·赫斯特的一件白色连衣裙上宽松、轻松的剪裁搭配性感的边边剪裁。 蕾丝和钩针编织的服装在本季t台和lookbook上显得精致而有女人味。虽然这并不是一种全新的趋势，但它们在2021年春天有了新的含义，代表了家庭手工，庆祝了旧世界的手工技艺。 我们喜欢斯特拉·麦卡特尼(Stella McCartney)用蕾丝材料制作的黑色紧身迷你裙，并在接缝处加上更有结构的线条，给蕾丝带来一种现代、性感的感觉。 在香奈儿(Chanel)的时装秀上看到蕾丝让人有点惊讶，但该品牌却推出了三件由女性面料制成的精致白色连衣裙。 蕾丝和钩针编织的质感是今年齐默尔曼系列的重要组成部分，该系列推出了许多有趣的选择，包括一件白色长裙，由于钩针图案和袖子上有流饰，因此带有一些透明度。 Giambattista Valli、芬迪(Fendi)和华伦天奴(Valentino)也推出了更多的蕾丝和钩针服装。 尽管我们认为运动衫不太可能作为在家工作时穿的合适服装，但它作为2021年夏季的 时尚 潮流之一仍然是相当合适的。我们可不想在大汗淋漓的时候穿这种 时尚 的衣服，但它们绝对能让你的街头风格更完美，尤其是当天气变得异常寒冷的时候。 说到这里，巴黎世家确实推出了几件运动衫和连帽衫，展示了如何用奢华的珠宝来打造更高档的外观。 运动衫和运动裤是Rodarte的品牌推广机会。它们由丝绸制成，标签上印有花朵的签名，或者用大写字母印上“J"aime Rodarte”。 Undercover、Collina Strada和Rag & Bone的高级时装粉丝们有更多的运动服选择。 Polo领是另一个进入2021年春季 时尚 趋势“职业装休闲装”类别的服装。 马球衫在这些年里时起时落，但它们的主流流行高峰出现在20世纪70年代，其次是21世纪头十年。 他们总是和运动装联系在一起——尤其是那些像高尔夫、网球和马球(这是显而易见的)这样的运动，然而他们却感觉不像运动装。 我们在Miu Miu看到了很多马球衫，它们的配色和风格让我们想起了70年代，但又非常少女化。Polo衫在David Koma也是很自然的搭配，整个t台和系列都基于设计师对网球的热爱。 Polo领也被用于提升连衣裙的效果，比如玛丽娜u2022莫斯科内(Marina Moscone)设计的柔软针织长裙，以及Hugo Boss的深色长袖罗纹裙。 设计师们证明了一年四季都穿针织衫是可以的!如果到2021年春天我们还在隔离中，有一些漂亮的针织衫可以拥抱肯定会很受欢迎。 在菲拉格慕(Salvatore Ferragamo)的时装秀上，我们准确地看到了针织衫在春天应该是什么样子:一件娇媚的无袖连衣裙，配上柔和的黄色色系。在瑞克u2022欧文斯(Rick Owens)的时装秀上，针织服装是性感十足的，羊毛质地轻薄，不对称的紧身服装实际上是透明的。 在Marni，情况有点不同，物品被拆开再重新组装起来。人们的穿着显得更加舒适了， 在No. 21，他们的长袍和毛衣都略显宽大，针织衫也显得厚实厚实。包括爱马仕(Hermes)、芬迪(Fendi)和麦克斯u2022玛拉(Max Mara)在内的多个系列中，还有很多春夏针织衫的例子。 羽毛再度成为2021年春夏 时尚 潮流!在某些情况下，添加羽毛是一种梦幻和逃避现实的点缀，而在其他情况下，它为真实的服装增添了舒适、柔软的触感。 菲拉格慕(Salvatore Ferragamo)的羽毛被添加到职业日常着装中，模特们都穿着覆盖羽毛的铅笔裙或长裤，而不是华丽的大礼服。 在No. 21，设计师为裙子和连衣裙增添了动感和奢华感，比如升级版的流苏。我们最喜欢的是一件舒适的大号紫色毛衣和羽毛裙的混合搭配。 不过，这不仅仅是裙子的问题。Koche有一件很酷的披风，上面覆盖着蓝色、红色和白色的羽毛。 2021年夏季的许多 时尚 趋势都回归了简单，我们想不出比束腰外衣更简单的了。束腰外衣在 历史 上一直是一种贴身服装，已经存在了几千年。 Chloe有几件风格各异的束腰外衣，但一件奶油条纹的裙子非常吸引我们，它有土色的条纹，领子和肩膀上不寻常的细节，还有束腰的粗皮带。 Michael Kors的束腰外衣大多是有领的，甚至还有一些现代的带扣衬衫元素。然而，宽松的剪裁和条纹确实让他们觉得如果我们要在沙漠中漫步，他们会很适合。我们发现更多的束腰外衣在Tory Burch和Christian Dior设计的一世纪高级时装中。 就像蕾丝一样，英式绣花也是一种技术，可以给服装增添一种天真而又浪漫的魅力。这一切都是关于织物的小孔创造一个详细的模式和增加纹理，它通常出现在白色增加精致。 Loewe的英式Broderie连衣裙由于层次化的方式，既有面料风格和结构固有的轻盈感。我们喜欢的是，英式绣花是整个面料的一部分，而不仅仅是一个细节，这与剪影和分层风格很好地配合。 安娜苏(Anna Sui)的系列总是有点做作，而英式broderie anglaise当然就很适合。这一季，设计师展示了一些真正甜美的带有英式绣花细节的连衣裙，包括一件漂亮的英式绣花白色长裙，上面有一层透明的、带有褶边的黄花刺绣。 Rokh系列特意将黑色吊带和战靴等暗色和前卫的细节与英式绣花领子等更精致的元素搭配在一起。 系带的点缀给许多春装增添了一种略微松散的感觉。一些 时尚 博主指出，他们有一点90年代的氛围，或者可能是grunge的感觉。 喜欢挑逗性设计的澳大利亚设计师克里斯托弗u2022埃斯伯(Christopher Esber)用带子和领带给各种裹得严严的暴露的连衣裙增添了趣味。在Jacquemus的时装秀上，有两种类型的肩带:一种是将肩带加到连衣裙和上装上，在典型的cami上创造出更有趣的变化;另一种是将肩带包裹在腹部，给露脐上装带来乐趣。 纪梵希(Givenchy)的一件宽带式胸罩也有类似的附加肩带，搭配透明上装和宽松的黑色短裤，让我们想起了90年代的垃圾摇滚(grunge)。 大肩有戏剧性，但如果它们特别有棱角或尖角，也会给你的造型增添一种强烈的感觉。它们有点科幻色彩，又很全面，所以我们很兴奋它们会成为2021年春季的 时尚 趋势。 值得注意的是，巴尔曼(Balmain)时装秀以两套霓虹色的西装开场，夹克配上戏剧性的尖顶宝塔肩。随之而来的是更多的套装和带有强烈肩部轮廓的连衣裙。 以探戈为灵感的(Maison Margiela)推出了一系列夹克，面料在肩部进行了解构和重新连接，增加了一种镂空、尖尖的感觉。纪梵希(Givenchy)的尖尖的肩膀在建筑上有一种扁平的方形披风，方形的角突出了肩膀。 现在，净装已经连续几个季节成为奇怪的趋势。这一季，除了网织连衣裙，我们还看到网织上衣加入到这个略显奇怪但有趣的2021年夏季 时尚 潮流中。 巴宝莉(Burberry)的t台讲述了一个关于美人鱼和鲨鱼的海洋故事。一些模特(男女都一样)在服装上的网状衬衫，是为了代表渔网。在大卫·科马(David Koma)的时装秀上，一件镶满水晶的网状披风很好地搭配了一件异常暴露的晚礼服。 德赖斯u2022范诺顿(Dries Van Noten)、里克u2022欧文斯(Rick Owens)和爱马仕(Hermes)也推出了自己的春季网眼连衣裙。 一件袖子宽大的夹克或连衣裙具有一种戏剧性，它将女性气质和男性气质、舒适和力量结合在一起。t台上随处可见的大袖(尤其是羊腿袖)让我们反思2021年春夏 时尚 趋势和生活的双重性。 乌拉·约翰逊(Ulla Johnson)是那种喜欢女性化装饰的设计师，所以我们对她为褶边连衣裙添加的宽松袖子的诠释就是这样的。 西蒙·罗恰(Simone Rocha)是一位设计师，她总是以 历史 剪影为灵感，设计奢华、浪漫、华丽的裙装，因此大袖子经常出现在她的系列中。这一季，外套、夹克和连衣裙都很适合她的主题，袖子稍微下垂但仍然很宽。 在罗意威(Loewe)，乔纳森·安德森(Jonathan Anderson)把羊肉袖(leg o " mutton sleeves)推向了新的高度，他在衬衫和连衣裙上都设计了巨大的斗篷式袖子。 一个受欢迎的，在大肩膀上的新变化是折叠的，巨大的气球设计。这些领口类似于气球裙，但系在衣领而不是臀部。结果是浪漫的、不寻常的、强大的。这绝对是2021年春季最潮的 时尚 潮流之一。 克里斯蒂安·西里亚诺(Christian Siriano)在他的春季系列中运用了大量的音量，无论是有气球裙还是没有气球裙，都在裙子上添加了气球衣领。我们很喜欢这条白色和黄色相间的长裙的剪影。 朗万(Lanvin)有几款带有气球肩的裙子，但我们实际上很喜欢这种趋势在衬衫上添加的奢华和荷叶边感。宽大的袖子没有领口，却有一种气球般的效果，与Jacquemus与之搭配的其他束带式上衣形成鲜明对比。 随着80年代 时尚 的回归，又出现了一种子潮流，更休闲的新趋势就是超大号的裤子。最近几季，裤装慢慢变得越来越大、越来越松垮，我们已经达到了可能的顶点，超宽松肥大的裤装，有时甚至还有打褶的裤装。 在Chloe的设计中，这种裤子有高腰贴合、前褶和臀部周围的赘肉，这很好地体现了女性的轮廓，尽管传统的设计是男性化的。芬迪(Fendi)的前褶裤就不那么匀称了。她们的腰部较低，从上到下都同样宽松，看起来更中性。 在其他几十个系列中，包括乔治·阿玛尼(Giorgio Armani)、玛格丽特·豪厄尔(Margaret Howell)、A.L.C.、Tibi等，我们看到了大量更宽松的裤子(尤其是打褶的)。 2021年春季流行趋势指引着我们两个矛盾却又非常受欢迎的方向:要么根本不穿胸罩，要么只穿胸罩——谁还需要衬衫? 我们在Tom Ford、Etro和MSGM看到的一种特别常见的搭配是胸罩搭配西装。Maryam Nassir Zadeh选择了更休闲的搭配，将比基尼上衣与超大的夹克或带纽扣的衬衫搭配在一起。 我们还在杜嘉班纳(Dolce & Gabbana)和(Tibi)的时装秀上看到了一些 时尚 的文胸上衣。 时装设计师已经尝试用胸罩搭配连衣裙好几个季节了，但我们必须承认，我们仍然不能信服。如果你真的无所畏惧又特立独行，你可能会喜欢这款加入到2021年春季流行趋势中的衣服。 范思哲总是在造型上随意选择，所以这并不是我们第一次在她的t台上看到胸罩搭在裙子上。这一次，一件霓虹绿色的胸罩搭配一件粗犷的条纹长袖外套。 在Drome的时装秀上，除了更多的文胸和运动上衣的搭配外，还有一款针织polo连衣裙外搭白色文胸。这一独特的组合在吴季刚的时装秀上得到了颜色的协调，一件黄色胸罩罩在一件装饰着黄色花朵的绿色连衣裙上。 最后，Simone Rocha在裙子外穿了最招摇的文胸，网状珠宝文胸层层叠叠地覆盖在夸张的裙子上。 舒适又能起到支撑作用的运动胸罩是运动休闲不可或缺的一部分。它们可以很好地搭配便服，所以它们在t台上占据了比我们前几年注意到的更重要的位置。 Jacquemus的面料运动胸罩有一种很酷的氛围，它有一种低胸(可能不是很适合)。最酷的装扮之一是格子胸衣搭配七分剪裁的斗篷和高腰裤。 Sandy Liang用紧身背心式的棕色设计填补了运动胸罩和露脐上衣之间的差距。在Koche，一件底部有黑带的白色运动胸罩与一条短裤搭配，这让我们觉得自己真的可以穿着运动! 即使在香奈儿，我们也发现了一款让人联想到运动文胸的系带细带设计，尽管它装饰着闪亮的流苏，暗示它可能不适合出汗。 2021年春季 时尚 潮流中，性感以各种形式出现，包括展现曲线和转向的紧身装!其他设计师使用紧身的衣服并不是为了传递性感，而是为了增加一些容易的层次感。 拉昆·史密斯身着曲线暴露的紧身衣和连衣裙，呈现出明显的性感。在Mugler时装秀上，由于不对称的领口和巧妙的剪裁，紧身裙给人一种略显狂野的感觉。 90年代对2021年春季 时尚 趋势的影响并不像秋季那么大，但这并没有阻止设计师们设计出几款具有统一风格的超短裙。 制服是Miu Miu这一季的主要灵感来源，该系列还推出了一系列裙子。有一系列可爱的珠宝装饰迷你裙搭配彩色条纹领衬衫。 当然，粗花呢是香奈儿迷你裙的首选面料。有几件迷你裙略高于膝盖，适合办公室着装，还有一件迷你裙更短更有趣，上面镶着珍珠。 最后，在David Koma，模特们穿着明显受到网球运动服启发的超短裙在网球场上走台。一条黑色的裙子显得格外明显，边上有两个银色的刺绣球拍。 背心在2021年夏季的 时尚 潮流中占有特殊的地位，因为背心通常单独穿着，而不是作为复杂的三件套西装的一部分。我们看到了几种不同风格的背心，我们喜欢……嗯，大部分都喜欢。 让我们从博柏利(Burberry)展示的人造背心开始。作为该品牌的象征，风衣的肩部和上身都是牛仔布，让人感觉好像是一件背心搭在了风衣上。 为了显得更时髦一点，Akris拿出了剪裁考究的带领背心，配上时髦的裙裤，这样的装扮适合任何职业场合。 Emporio Armani, Hermes和Tod"s都向我们展示了如何将一件背心单独作为一件冒傻气的上装来穿，而不是一件更休闲的背心，尤其是它与一条更宽松的裤子搭配。

我放一张图给大家看，这上面有这些品牌的LOGO，一目了然。

画画的工具都有哪些问题一:绘画工具都有哪些?素描:铅笔(2支/2B.4B.6B.)橡皮(硬橡皮和可塑橡皮)素描纸(也可以画水彩4开或8开比较常用)画板(画画时把纸放在上面作画)钉子(把素描纸固定在画板上胶带也行)也会用到餐巾纸(把画面擦一擦可以更整体)速写:速写本铅笔钢笔水笔(是速写所以什么笔都能用的你画的来就行多画画可以加强素描。。。总之很重要经常多画画是基础!)水彩:素描纸就够了画笔(有狼嚎有羊嚎前者有弹性后者吸水量大)颜料(建议选罐装的)颜料盒(把罐装里的颜料一个一个挖进来)铲子(挖颜料用的)抹布(吸水即可用来吸取画笔上多余的水以免弄脏画)调色板(用来调色的)画板(同上如果用胶带贴住四周画完揭下让四周留白画出来的效果会更好)花架(放画板的)喷壶(经常往颜料盒里喷水防止颜料干掉)需要的颜料:红棕色系:深红、大红、朱红、玫瑰红、紫红、肉色、橙红、土红、棕红、赭石、熟褐黄色系:橘黄、土黄、深黄、中黄、淡黄、柠檬黄绿色系:墨绿、深绿、橄榄绿、中绿、粉绿、淡绿、黄绿、翠绿、草绿、浅草绿、深草绿蓝紫色系:普蓝、群青、天蓝、湖蓝、钴蓝、鲜蓝、酞青蓝、紫罗兰、青莲(以下的不太常用)高级灰(八大灰):蓝莲、芽黄灰、浅蟹灰、豆沙红、灰豆绿、月灰、米驼灰度:煤黑、钛白、培恩灰特殊颜色:荧光桃红、荧光橙、荧光黄、荧光绿、金、银、紫铜漫画:PS:以下为复制贴贴。。。笔啊,网购的话不超过30(2杆/1杆+4,5笔尖),毛笔按情况看吧,画黑亮光泽的头发、背景什么的要用,也可以用来修正如果要求不高的话,可以用针管笔代替,8至10元左右,规格有0.1mm、0.2mm不等蘸水笔的种类:圆笔尖(也有成丸笔尖)适合画很细的线条,但用力的话和G笔尖一样也能画出较粗的线条,变化自如。整体来讲要比G笔尖细一些,所以有些人只用它画细节或背景。G笔尖可分软G和硬G,弹性很强,根据用力的大小而画出粗细不同的线条,特别是画出的粗线条比较圆滑,最适合画轮廓线。镝笔尖(也有称D笔尖)介于G与学生笔尖之间,仙台哦随意易控制,可画背景、效果线学生笔尖笔质较硬,线条弹性小、比较细、无变化。可用来绘景物背景、花纹皆可还有专用的墨水,国产的较便宜,15元左右,可以用证券用墨水,但千万别用碳素墨水,会堵笔尖网点纸这东西,随你喜欢吧,但我一般会用木铅笔乱涂来代替笔啊、墨水啊建议网购,商店卖的会贵些。网购的话去淘宝,那里有很多促销的,较安全建议多买点基础素描色彩书回来临摹问题二:绘画需要的工具有哪些素描工具:初级:素描专用纸(有8开、4开、对开)中华牌铅笔(HB-8B,一般8B很少标记,只是比较粗)橡皮、可塑橡皮,画夹(不用画夹可以用图钉或者透明胶)用于固定画纸。画板(家庭用可以不用画架,碍地方)中级高级:炭笔、碳条、碳精、擦笔。白粉笔(可以选用有颜色的画纸)其余工具如上。色彩工具:水粉工具DD水粉纸、水粉笔(上海马利牌)水粉颜料涮笔筒调色盒裱纸用的水胶带、抹布水彩工具DD水彩纸、水彩笔、水彩颜料、涮笔筒调色盒裱纸用的水胶带、抹布还有油画、国画等工具。问题三:请问有哪些绘画的软件5分太多了,我推荐3个用的人比较多,而且功能相对强大的软件给你吧。1.Painter:这款软件的笔触是仿自然画笔,笔触比较全面,很多插画师都用它。2.Photoshop:这款也不错,但相比Painter,它更多是用于修改图片,偏向于图片的编辑,里面还自带简单的逐帧动画绘制功能。3.SAI(EasyPaintToolSAI):它比较偏向日系漫画绘制。这款软件体积小,但麻雀虽小,五脏俱全。而且对于电脑的配置要求比较平和。当然,你可以到网上下载更丰富的笔触功能。如果想知道其他的可以继续追问-0__0-问题四:小学的美术工具有哪些?小学的美术工具有哪些?那要看你到什么级别:对于小朋友来说,如果是学校的美术课需要,可以就很简单了,按照老师和教学大纲的要求就可以了,不份工具在小学的教材中已经配套了.如果是个人兴趣或或者提升的话就所有的工具的可以用喔!如果只是学素描,就只要6H到6B的绘画铅笔加上素描纸及橡皮擦基本上已经够小朋友了.还有一些常见的静物,有条件的可以准备一些石膏,用于写生.当然,还要有一本适合小朋友的教材.如果是学习儿童画可以准备:铅笔彩色铅笔蜡笔粉笔水彩水彩专用笔油画棒橡皮擦和纸如果是学习水粉画:16色或则24色的水粉颜料加上水粉纸和水粉画笔.如果想学习水彩画:24色或者12色的水彩颜料加上水彩纸和水彩画笔如果是学习国画:准备12色的国画颜料笔筒大白云小白云中白云个2支描笔一支小楷中揩大楷各一种,洗笔筒废报纸(作画是用来垫在纸下面的)如果有条件也可以用专用的羊毛毡,最后是宣纸(熟宣和生宣(画工笔用的)).还有其他的一些工具,如油画工具和电脑(数码艺术)这两样一般需要大一点的年龄的朋友或者有一定基础的朋友才学习.小朋友我不建议学习.当然,如果纯属兴趣的话,也可以提早了解基础的.个人觉得小朋友可以学习画国画,这样对小朋友的审美情操有提高,而且可以培养小朋友对民族文化的热爱,现在有很多的人觉得让小朋友学习国画不符合现代社会要求,其实不是,你认为了.工具基本就这些了,不知道对你有没有一点帮助.谢谢问题五:儿童绘画工具有哪些彩色铅笔,蜡笔,水彩笔。马克笔,画纸橡皮问题六:请问画画需要什么工具还有工具叫什么那要看您画什么画,普通的用铅笔和纸就行了,钢笔画就最好是用美术钢笔,漫画需要漫画用的笔,如g笔、学生笔,针笔和马克笔,如水彩、水粉、油画都有专用的画笔工具和对应纸张。问题七:专业美术需要的所有工具按类别分:一、工具类1、画板、画架、画夹、油画箱、画凳等2、油画笔、油画刀、各种型号的毛笔、水彩笔、水粉笔、铅笔、马克笔、彩色铅笔、彩色水笔、彩色粉笔、木炭条、炭精条、橡皮等等3、国画毡(铺在画桌上)、胶带等、砚台、调色盘(板)、笔洗、笔架、笔山、镇纸、美工刀4、版画刻刀、墨辊5、雕塑刀二、材料类1、墨汁、墨锭、各种颜料(油画、国画、水粉、水彩、丙烯、漆、版画油墨等等)2、各类纸张(生宣、熟宣、水粉纸、水彩纸、素描纸、卡纸等等)3、油画布(亚麻布)3、版画木板、铜板等等4、雕塑用的泥、金属、木材、石料、蜡、石膏等等三、练习用品1、各种石膏几何模型、石膏像2、各类静物、衬布、静物台、写生灯3、工作台4、画册、字帖、拓片、范本四、装饰用品画框、玻璃板、亚克力板、木板等等问题八:画漫画的基本工具有哪些画漫画可是功不离手的事啊工具有蛮多首先纸DB4等专用漫画原稿纸,黑白稿要求平滑不易钩笔,有比较好的吸收性但不能过于容易吸收墨汁,不然容易造成笔触化开的现象彩稿要求吸收性好,快干不易脱落颜料的纸,和黑白是不一样的。笔D有分为笔尖和笔杆,笔尖又分为D笔尖,G笔尖,学生笔尖,圆笔尖笔杆有多用和圆笔用两种市面上有买,所以可以不要介绍了~墨水D选不容易化开,快干的就可以了,多试试,觉得哪种好就用哪种颜料D自己去选吧,选快干的橡皮擦D要不太掉屑的,白色软质的(擦的时候朝同一个方向擦才不会擦坏纸)铅笔D随便哪中都可以,画的时候轻点,要准备蓝色铅笔,蓝色的铅笔不会被复印出来尺D有种云型尺,画弧度很好用,但不是很多地方都有买,自己去找找吧。其他的就差不多市面上都有了记得上墨线的时候要让尺沟向下,或在尺的背面放一个一圆的硬币,以免墨水沿尺子蘸开来还有像一些用来做效果的网点买书的画都有教怎么用市面上有D游素兰和乔英的漫画学院北川美杏的漫画学院有很多教漫画的书自己买来看,一边看一边学,画风每个人都应该有每个人的特色,所以不主张和哪个老师画的一模一样,前期可以通过模仿提高画技,后期可要慢慢的专研自己的画风~~~~~加油!!问题九:关于绘画的软件有哪些?photoshop这款软件很多人在用,网络上的教程也很多,很容易找到。CorelPainterIX仿自然画笔,笔刷的种类很多,范围包括有色粉笔、粉笔、炭笔和丙烯笔、水彩笔刷、艺术油画笔、真实笔刷画笔和液态水笔等。OC是一款很简单方便实用的小软件。SAI的线条校正功能很强大,可以用它绘制线稿,当然上色方面也很出彩。绘画软件是很多的,这四种是比较实用的。还有一些专门制作漫画的软件。(*^__^*)嘻嘻这是我自己经常在用的。具体点的描述你可以在网上搜索到。当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？他是最炙手可热的插画师也是时尚的最佳代言人大卫.唐顿DavidDownton,1959年生于伦敦。从孩提时代开始,对他最好的款待就是一大页白纸。然而,大卫没有想到的是,很久以后他可以依靠画为生。▲大卫.唐顿年轻时在画画▲工作室自成一幅画,和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。大卫最初学习的是平面设计专业,他的第一幅作品是20世纪80年代早期,为WhichComputer杂志设计的封面。▲大卫.唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。▲大卫.唐顿1998年为克里斯汀.拉克鲁瓦绘制的时装插画,材质为墨水彩盒纸张。曾有15年时间,大卫一直是自由职业插画师。无论有什么事情发生,他都很享受这种自由插画师的生活。▲大卫.唐顿1999年为让.保罗.高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特.摩斯为原型,以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名,是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。▲大卫.唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似,他运用的色彩富有现代性。▲大卫.唐顿1999年在伦敦创作的时装插画PalomaPicasso。材质为水粉、墨水盒纸张,醋酸纤维纸覆膜。▲大卫.唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画,模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。大卫的作品线条简洁流畅,很有质感,风格也不矫揉造作,可以很好地展现出人体的优美体态。因为这种独特的绘画风格,有一些人开始邀请他制作时装插画。其中,就包括85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯,她也是大卫的缪斯之一。▲大卫.唐顿2000年的纽约绘制的时装插画,模特为卡门.戴尔.奥尔菲斯,服装由ThierryMugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水绘制。▲大卫.唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜.佩姬绘制的肖像,他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美!▲大卫.唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达.哈莉齐绘制的肖像。他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、Eric这些艺术家心存景仰。因此,在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。1996年他为杂志制作过高级时装展的插图,1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。最开始他眼花缭乱完全没有准备,但是,巴黎时装秀实实在在地,激发出一个艺术家的灵感。巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。而这里的一切都让人神魂颠倒。在模特走秀的时候,大卫从来不作画。因为他发现那根本无法进行,他仅仅是摄影或者在一旁观看,并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。他抓住其他的任何机会来画,模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。比如:试衣的时候,有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间...▲化妆品也是他的工具,起笔和落笔之间动人心扉,浓淡皆宜。大卫说:“我最开始画的时候,认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而,第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上,在凯特.摩斯消失之前,我仅仅才画出她的胳膊!所以,享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。”▲草稿也动人大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉,然后才是比例、颜色等一些细节,然而,这一点是较难做到的。▲草稿也动人大卫画无数份的设计草样,然后从中挑选出最好的,画得差不多的时候他就开始剔除,“分解—重建”它们。他持续地画,一直到它们看起来自然为止。他为世界各地的知名媒体,如《泰晤士报》《独立报》,以及Harper"sBazaar(a澳洲版)等,撰写时装的相关报道。并在伦敦举行过三次个展,在纽约也举行过一次个展。近年来,他还为香港的购物中心设计视觉图像,以及为Vogue女性时装系列绘制插画。▲大卫.唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎,材质为水粉、水彩和纸张。▲大卫.唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。▲大卫.唐顿2005年受Vogue(中国版)委托绘制的插画ValentionFitting。材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸。▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装画,材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。▲大卫.唐顿2007年受Madame杂志(德国版)委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水和水粉绘制。▲大卫.唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。▲大卫.唐顿2008年为自己的杂志PourquoiPas绘制的插画,模特为蒂塔.万提斯,服装由拉克鲁瓦设计,材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸覆膜。大卫是不是把性感舞娘画的淋漓尽致~要想功夫深铁杵磨成针～想拥有超越别人之外的能力,就要将能力修炼到极致!有什么好看的日本综艺节目？豆瓣8.5,这个日本真人秀连苍井优都爱看!(顺便学习一下「新日式」家居风格的标准模板)今天我们要强力推荐一部日本真人秀约会节目,《双层公寓/TERRACEHOUSE》!剧情十分简单,3个好看的男孩与3个好看的女孩住进同一座房子里,没有刻意安排的恋爱或分手狗血剧情,他们该上班照常上班,该找不到工作照常焦虑,男孩和女孩可能会擦出爱的火花,但也可能好几集都毫无进展。偶尔穿插进演播室里6位观察员的毒舌点评,观察员也包括不久前与仙女苍井优结婚的谐星山里亮太。江湖传闻,苍井优也是《TERRACEHOUSE》忠实粉丝,山里亮太凭借着掌握一手公寓内部八卦,才成功把她约了出来。总之,这部剧的最大看点就在于真实!正在播出中的《双层公寓2019》,取景于东京有钱中产街区世田谷区的一座双层公寓,装修以如今东京最为流行的设计风格,一种不是MUJI不是骷诺摹感氯帐健狗绺瘢以白色为主色调,杂糅各种天然材质,很现代又很放松。以下,不妨一起看看《双层公寓2019》里的这个房子,了解什么是新日式「东京风」吧!#1.客厅公寓一楼主要就是6个人的公共区域,开放餐厨空间+下沉式客厅为主要部分。落地玻璃窗与大天井给公共空间带来绝佳采光,每一期《双层公寓》里的公寓虽然各有特色,但也有不少共性。譬如,60%的空间总是以明亮的白色为主基调,叠加以30%的灰色与浅木色,再点缀以10%的其他元素如金属,这就是「新日式东京风」最不容易出错的打底。营造出明亮而清爽的空间,才能让6个人的社交生活自然而惬意。鱼骨拼地板上,浅灰色沙发搭配莫兰迪色调的抱枕织物等,造型感比较强的三个圆嵌套茶几摆放在灰黑色地毯上,清爽而不冗杂。金属元素是这一季里最常出现的「绿叶」搭配,大到楼梯扶手、富有设计感的简洁吊灯,小到茶几上的装饰与玄关的钥匙架,「金属+大理石」这对永远不过时的CP在这个房子里被使用得恰到好处。如果想要家里有可以涂画的空间,除了一整墙的黑板墙之外,也可以学着这个客厅,顺着墙面上的装饰线,挂几块方形小黑板。#2.餐厨空间这些有着室内空间的真人秀节目,无论是《粉雄救兵》还是《双层公寓》中,餐厨空间永远是最让人垂涎的一个。大餐桌可以用作餐桌,也时不时用作工作台,搭配六个餐椅,同样是坚守着「白+灰」的配色原则。厨房由一个一字型料理台加上椭圆小吧台组成。小吧台尤为实用,买菜回来进门直接拿到这里分门别类收纳,料理时也可以作为一个补充台面,三四个人一起在厨房里都不显局促。台湾回来的小哥在厨房做卤肉饭鸡肉饭双拼时有着莫名吸引力~这一季《TERRACEHOUSE》里的食物也多是家常味道,土豆牛肉、生鸡蛋拌饭等等,深夜看容易扛不住饿意!#3.男生宿舍男生宿舍同样分成休息区和起居区两个部分。休息区一个T字分隔出3个人的睡眠空间,而起居区则主要以较深的灰色家具为主,圆润的沙发与单人椅围合出聊天区。家具多选择低重心的款式,调低灯光亮度,就这么随意地坐在地毯上或是盘腿沙发上,这便是最符合「男子秘密夜聊时刻」的气氛了。#4.女生宿舍相比于男生宿舍,女生宿舍就明亮许多,充足的自然光与白色为主的家具。没有明显的休息与起居区分,聊天区与睡觉区都融合在这个白色+木色的「盒子」里。到二层床位的楼梯也有置物功能,一系列靠枕、懒人沙发、坐垫等围绕着双层的圆茶几便是「女孩夜半心声」大聊对男孩子的情愫的场所了。女生宿舍空间不算大,自然要倚赖一些多功能家具,譬如这个融入了小书桌功能的一体化台灯,就成为插画师香织的专属插画工作台。#5.多功能房间试问,哪个男孩不想要这样一间房间,专门来打游戏机!坐垫组成的「榻榻米」可坐可躺可瘫,两侧倒L型的边几与可以放置手边物品,十几个抱枕放在榻榻米上,这能不舒服吗?夜里,拉下百叶帘,靠着角落里的氛围灯,男孩的游戏机室瞬间变得适合谈谈情跳跳舞。切记,氛围灯是王道,不要有主灯!!不要有主灯!!不要有主灯!!如上文所说,这个恋爱公寓始终善于利用金属元素来进行一些悄然无声的点缀,多功能房间里的灯具、装饰也多带着点黄铜元素。#6.其他最后,恋爱公寓还有露台花园与泳池,大家看看就好,毕竟首先,你要先有_____。看完这个双层公寓的各个空间,最后再来总结一下以它为代表的「新日式东京风」是怎么一个套路——(1)明亮,在室内空间里充分引入自然光;(2)用白色、浅灰色、米色来打底,永远不会出错;(3)传统日式的浅木色家具,选择不传统的造型,就能有趣而「都市气质」起来;(4)织物很重要,地毯、抱枕、靠垫不嫌多;(5)金属元素也很重要,使用要克制不宜太多!更中性的空间一定少不了不锈钢与古铜色,而更温暖的空间则少不了黄铜或是玫瑰金的点缀;(6)角落小灯是营造浪漫氛围的第一利器!看完TERRACEHOUSE对山里亮太路转粉!获得苍井优的爱理所应当!

时装插画：那个有着500年历史的”时尚女魔头“时装插画已经存在了将近500年,自从有了衣服以后,就需要将设计衣服的思想或形象转化为时装插图。这种视觉形式起源于插画,绘画和油画,也被称为“时装素描”。时装设计师主要使用“时装素描”在纸上或数字方式上集思广益,它在设计中的主要作用是在缝制实际衣服之前可以预览和可视化最后的结果。接下来,我们就分阶段的看一下时装插画这个有着500年历史的”时尚女魔头“有着怎样的历发展进程。一.时尚插画的开始时装插画始于16世纪,当时全球的探索和发现导致人们对世界各个国家的人们的着装而着迷。印制了说明不同社会阶层和文化适合穿着的书籍,以帮助消除对变革的恐惧和这些发现所造成的社会动荡。在1520年至1610年之间,出版了200多种这样的版画,蚀刻版画或木刻作品集,其中包含穿着特定国籍或等级的人物的图板。这些是最早的服饰插图,也是现代时装插图的原型。这些插图很可能会被礼服设计师,裁缝师,及其客户所使用,以激发新的设计灵感。十七世纪的艺术家雅克·卡洛(JacquesCallot)和亚伯拉罕·博斯(AbrahamBosse)都使用现代雕刻技术来制作逼真的时代服装和服饰细节。这些期刊从1670年代开始在法国和英国开始发行,被认为是第一本时尚杂志,其中包括LeMecureGallant,TheLady"sMagazine,LaGalleriedesModes,LeCabinetdesModes和LeJournaldesDamesetdesModes。在此期间,出版期刊的数量有所增加,这是对市场中越来越渴望了解最新时尚新闻的女性读者的反应。直到在18世纪末和19世纪初,男性风格的插图才变得与女性插图同样重要。二.十九世纪的时尚图样(Thefashionplate)时装图样(Thefashionplate)在18世纪后期独占鳌头,在巴黎风靡一时,期间诸如HoraceVenet的《IncroyablesetMerveilleuses》等出版物,以及在拿破仑一世时期的乔治·雅克·加丁(Georges-JacquesGatine)雕刻的一系列水彩时装图都名噪一时。法国作为时尚仲裁者的地位确保了国内外对时尚插画的不断需求。这种对流行服饰的兴趣以及对流行服饰的获取日益广泛,导致在19世纪出现了150多种时尚期刊。这些高度详细的时装插图捕获了时装趋势的信息,并提供了一般的制衣指导。高级服装定制也是这个阶段出现的(出现在1860年代),时装公司聘请了插画家,他们将与女装设计师直接合作,设计师将织物挂在现场模型上时,插画家则会勾勒出新设计的草图。他们还会在完成的系列中绘制每个设计的插图,然后可以将其发送给客户。到19世纪末,手工彩色印刷被全彩色印刷所取代。时装图样开始使用两个人物,其中一个人物可以从背面或侧面看到,以便可以从更多角度看到服装,从而使复制更加容易。19世纪插画家的重点是准确性和细节性。他们遵守静态的图像约定,以便为观看者提供全面的信息和指导。三.二十世纪的时尚杂志和插图二十世纪初期的几十年来,现代意义上的时装插画首次开花。随着最新时装样式的发行变得越来越有利可图,时装插画师的工作成为一种职业。时尚以前是单个艺术家的作品,现在正成为一个行业,以前所未有的数量生产新商品,以填补百货公司的空缺。这些商店发明了一种新的全名消遣方式-购物文化。法国奢侈杂志《宪报》(Gazettedubonton)于1912年至1925年出版,汇集了一群年轻艺术家,他们在诠释时尚方面获得了前所未有的自由。伊里贝(Iribe)是这些时尚插画家之中的领军人物,为著名的出版物做出了贡献,其中还包括查尔斯·马丁(CharlesMartin),爱德华多·加西亚·贝尼托(EduardoGarciaBenito),乔治·巴比耶(GeorgeBarbier),乔治·勒帕佩(GeorgesLepape)和翁贝托·布鲁内莱斯基(UmbertoBrunelleschi)。他们为《宪报》制作的印版展示了日本木刻版印刷品的影响,以及装饰艺术风格新的变化。在美国,大众市场时尚杂志《Vogue》和《Harper"sBazaar》涵盖了社交场合以及当代服装的流行趋势。Harper"sBazaar杂志与鬼才埃特(Erte)签订了独家合同,该合同从1915年持续到1938年,是出版历史上最长的合同之一。从1910年到第二次世界大战爆发,《Vogue》杂志的封面始终带有插图。Vogue的早期封面展示了由美国插画家海伦·德莱顿(HelenDryden),乔治·沃尔夫·普朗克(GeorgeWolfPlank),乔治·勒帕佩(GeorgesLepape),莱恩德克尔(F.X.Leyendecker)创作的艺术品。第一次世界大战后,欧洲艺术家加入了他们的行列,其中包括爱德华多·贝尼托(EduardoBenito),查尔斯·马丁(CharlesMartin),皮埃尔·布里索(PierreBrissaud)和安德烈·马蒂(AndreMarty)。四.时尚插画的黄金时代1920年代到1930年代代表着时装插画的“黄金时代”。每个商业艺术家都被认为是时装艺术家,都是完美的绘图员。许多人能够凭权威和信念来代表织物的质地,光泽甚至重量。摄影和印刷的新技术发展开始将照片的复制直接放置在杂志的页面上,这意味着时尚图样不再是现代生活的代表。到1930年代初,照片开始成为杂志的首选,Vogue杂志在1936年报道说,摄影封面的销售情况更好,插图开始被放入到内页。随着1929年股市崩盘后的经济衰退,美国时装业对巴黎时装的依赖程度有所降低。在两次世界大战期间,美国的服装制造取得了长足的进步,改进了大规模生产方法并标准化了尺码。中产阶级妇女依靠熟练的裁缝师以负担得起的价格可以购买最新的时装设计,而诸如Vogue和Women"sJournal这样的杂志出版的图案对于家庭裁缝师来说是无价的。Vogue杂志的主要目的是尽可能向读者展示时尚,摄影使插画家摆脱了对服装进行精确记录的需求,而更倾向于诠释时髦的服装。据该杂志的出版商抱怨说:“艺术家们主要是对获得有趣的图画和装饰效果感兴趣,他们被忠实地报道当代时尚精神的任何事情所累,因此感到无聊。”迪奥在1940年代后期的“NewLook”为战后时尚复兴提供了灵感。从许多方面来说,这是一种倒退的风格,回到过去而不是对未来进行展望,但它也象征着回到更加开朗,乐观的时代。五.时尚插画的毁灭与复兴到1950年代,时装编辑已经将更多预算用于摄影的编辑传播。随后将时尚摄影师提升为名人,这意味着插画家必须满足于制作内衣和配饰的文章,或从事广告活动。1960年代,时尚插画在杂志出版业中的地位不断消失,这一趋势在面向青年的青少年杂志的新类别中有所体现,1960年代发行了许多此类杂志,所有这些插图都将插画作为摄影的廉价替代品。安东尼奥·洛佩兹(AntonioLopez)是这期间唯一在Vogue杂志上定期亮相的艺术家,他的职业生涯始于《女装日报》。在20世纪下半叶,时装插图一直难以生存,直到1980年代才开始复兴。新一代艺术家在诸如LaModeenpeinture(1982),CondeNast"sVanity(1981)和Visionaire(1991)之类的杂志中都有发行。这种复兴归功于广告活动,特别是Barney在1993-1996年的纽约广告活动。六.今天的时尚插画介于精美艺术和商业艺术之间,时装插画在最近被重新评估为一种重要的流派。由于美丽和优雅在时尚和艺术领域都已过时,因此时尚插画有时看起来像是回到了更早的时代。摄影术非常擅长记录服装的详细信息,因此插画家的重点不再是服装的精确呈现,而是解释服装和可能的穿着者。在二十世纪末和二十世纪初,由于数字工具和社交媒体平台的支持,它发展出了一系列独特的艺术风格。1990年代,先驱插画师EdTsuwaki,GrahamRounthwaite,JasonBrooks和KristianRussell等在计算机绘图领域开始兴起。这一时期见证了计算机设计程序AdobePhotoshop和Illustrator的出现,也见证了传统的基于艺术的时装插画形式的复兴。纽约的帕森斯设计学院和FIT学院开始提供插图作为其时装课程的专用元素。手工制作的“传统”插图一直在复兴,时装插画家经常回望过去的大师,寻求风格灵感。以经典方法为基础的时装插图已成功地与更现代的流程所创造的插图相得益彰。最近,插图通过时装设计师和插画家之间的合作而流行。随着社交媒体的使用,时装插画家开始引起人们的关注。时尚插图充满活力色彩,错综复杂的图案和无穷无尽的个性,给人留下深刻的印象。欢迎围观公号『绘实践』,可免费领取插画师绘画秘籍大礼包,了解世界商业插画价格行情。时尚元素在时装插画中有哪些应用？可以具体介绍一下吗？时装插画作为现代广告设计当中的一种独特而又古老的视觉传达形式,有着明朗直观的形象,具有真实的生活感和艺术美感,迅速占据了受众的视野,例如文化活动、商业活动、影视文化等领域。时装插画的形式多种多样,可由传播媒体分类,亦可由功能分类。以媒体分类,基本上分为两大部分,即印刷媒体、影视网络媒体。1.印刷媒体印刷媒体包括报纸插画、杂志书籍插画、招贴广告插画、产品包装插画、企业形象宣传品插画等。尤其以时尚类杂志为主,其定位目标人群多为女性,其文章大都面向女性读者推广,因此,时装插图中通常是不同风格的独具魅力的女性。而女性热衷于好看符合当下潮流的服饰配搭,所以将女性与时装结合在一起进行插画设计更具时尚性。2.网络与影视媒体网络与影视媒体包括网站、游戏、影视剧、广告片等方面的角色设定或界面设计。其中服装插画在各类时尚类网页当中应用十分广泛,而且还会根据网站受众面的不同进行不同风格作品的设计。在游戏方面,伴随着玩家审美素养的提升,对手机游戏画面的视觉要求以及游戏中的情感交互的需求也越来越高。手机游戏既是科技产品,又是具有艺术性的文化产品。一款手游如果想在激烈的市场竞争中脱颖而出,除了在玩法上应该具备创意性外,在美术设计上必须重视游戏人物的角色塑造。时装插画会提升游戏人物角色的个性化与时代性,互联网时代的服装插画不但继承了传统插画的艺术性,还具备现代设计的功能性,成为一种被人们接受的视觉语言和信息传播载体。综上所述,时装插画设计在现代社会艺术领域内属于十分重要的内容及艺术形式,并且在当前社会中的很多领域得到了十分广泛的应用。时装插画家借助各种绘画工具与高新科技结合,产品更加多元化,参与到了时尚风潮中来,甚至制造时尚风潮,使整个流行时尚走向繁荣。当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？他是最炙手可热的插画师也是时尚的最佳代言人大卫.唐顿DavidDownton,1959年生于伦敦。从孩提时代开始,对他最好的款待就是一大页白纸。然而,大卫没有想到的是,很久以后他可以依靠画为生。▲大卫.唐顿年轻时在画画▲工作室自成一幅画,和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。大卫最初学习的是平面设计专业,他的第一幅作品是20世纪80年代早期,为WhichComputer杂志设计的封面。▲大卫.唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。▲大卫.唐顿1998年为克里斯汀.拉克鲁瓦绘制的时装插画,材质为墨水彩盒纸张。曾有15年时间,大卫一直是自由职业插画师。无论有什么事情发生,他都很享受这种自由插画师的生活。▲大卫.唐顿1999年为让.保罗.高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特.摩斯为原型,以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名,是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。▲大卫.唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似,他运用的色彩富有现代性。▲大卫.唐顿1999年在伦敦创作的时装插画PalomaPicasso。材质为水粉、墨水盒纸张,醋酸纤维纸覆膜。▲大卫.唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画,模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。大卫的作品线条简洁流畅,很有质感,风格也不矫揉造作,可以很好地展现出人体的优美体态。因为这种独特的绘画风格,有一些人开始邀请他制作时装插画。其中,就包括85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯,她也是大卫的缪斯之一。▲大卫.唐顿2000年的纽约绘制的时装插画,模特为卡门.戴尔.奥尔菲斯,服装由ThierryMugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水绘制。▲大卫.唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜.佩姬绘制的肖像,他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美!▲大卫.唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达.哈莉齐绘制的肖像。他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、Eric这些艺术家心存景仰。因此,在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。1996年他为杂志制作过高级时装展的插图,1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。最开始他眼花缭乱完全没有准备,但是,巴黎时装秀实实在在地,激发出一个艺术家的灵感。巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。而这里的一切都让人神魂颠倒。在模特走秀的时候,大卫从来不作画。因为他发现那根本无法进行,他仅仅是摄影或者在一旁观看,并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。他抓住其他的任何机会来画,模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。比如:试衣的时候,有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间...▲化妆品也是他的工具,起笔和落笔之间动人心扉,浓淡皆宜。大卫说:“我最开始画的时候,认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而,第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上,在凯特.摩斯消失之前,我仅仅才画出她的胳膊!所以,享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。”▲草稿也动人大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉,然后才是比例、颜色等一些细节,然而,这一点是较难做到的。▲草稿也动人大卫画无数份的设计草样,然后从中挑选出最好的,画得差不多的时候他就开始剔除,“分解—重建”它们。他持续地画,一直到它们看起来自然为止。他为世界各地的知名媒体,如《泰晤士报》《独立报》,以及Harper"sBazaar(a澳洲版)等,撰写时装的相关报道。并在伦敦举行过三次个展,在纽约也举行过一次个展。近年来,他还为香港的购物中心设计视觉图像,以及为Vogue女性时装系列绘制插画。▲大卫.唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎,材质为水粉、水彩和纸张。▲大卫.唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。▲大卫.唐顿2005年受Vogue(中国版)委托绘制的插画ValentionFitting。材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸。▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装画,材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。▲大卫.唐顿2007年受Madame杂志(德国版)委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水和水粉绘制。▲大卫.唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。▲大卫.唐顿2008年为自己的杂志PourquoiPas绘制的插画,模特为蒂塔.万提斯,服装由拉克鲁瓦设计,材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸覆膜。大卫是不是把性感舞娘画的淋漓尽致~要想功夫深铁杵磨成针～想拥有超越别人之外的能力,就要将能力修炼到极致!

时装插画：那个有着500年历史的”时尚女魔头“时装插画已经存在了将近500年，自从有了衣服以后，就需要将设计衣服的思想或形象转化为时装插图。这种视觉形式起源于插画，绘画和油画，也被称为“时装素描”。时装设计师主要使用“时装素描”在纸上或数字方式上集思广益，它在设计中的主要作用是在缝制实际衣服之前可以预览和可视化最后的结果。接下来，我们就分阶段的看一下时装插画这个有着500年历史的”时尚女魔头“有着怎样的历发展进程。一.时尚插画的开始时装插画始于16世纪，当时全球的探索和发现导致人们对世界各个国家的人们的着装而着迷。印制了说明不同社会阶层和文化适合穿着的书籍，以帮助消除对变革的恐惧和这些发现所造成的社会动荡。在1520年至1610年之间，出版了200多种这样的版画，蚀刻版画或木刻作品集，其中包含穿着特定国籍或等级的人物的图板。这些是最早的服饰插图，也是现代时装插图的原型。这些插图很可能会被礼服设计师，裁缝师，及其客户所使用，以激发新的设计灵感。十七世纪的艺术家雅克·卡洛（JacquesCallot）和亚伯拉罕·博斯（AbrahamBosse）都使用现代雕刻技术来制作逼真的时代服装和服饰细节。这些期刊从1670年代开始在法国和英国开始发行，被认为是第一本时尚杂志，其中包括LeMecureGallant，TheLady"sMagazine，LaGalleriedesModes，LeCabinetdesModes和LeJournaldesDamesetdesModes。在此期间，出版期刊的数量有所增加，这是对市场中越来越渴望了解最新时尚新闻的女性读者的反应。直到在18世纪末和19世纪初，男性风格的插图才变得与女性插图同样重要。二.十九世纪的时尚图样（Thefashionplate)时装图样(Thefashionplate)在18世纪后期独占鳌头，在巴黎风靡一时，期间诸如HoraceVenet的《IncroyablesetMerveilleuses》等出版物，以及在拿破仑一世时期的乔治·雅克·加丁（Georges-JacquesGatine）雕刻的一系列水彩时装图都名噪一时。法国作为时尚仲裁者的地位确保了国内外对时尚插画的不断需求。这种对流行服饰的兴趣以及对流行服饰的获取日益广泛，导致在19世纪出现了150多种时尚期刊。这些高度详细的时装插图捕获了时装趋势的信息，并提供了一般的制衣指导。高级服装定制也是这个阶段出现的（出现在1860年代），时装公司聘请了插画家，他们将与女装设计师直接合作，设计师将织物挂在现场模型上时，插画家则会勾勒出新设计的草图。他们还会在完成的系列中绘制每个设计的插图，然后可以将其发送给客户。到19世纪末，手工彩色印刷被全彩色印刷所取代。时装图样开始使用两个人物，其中一个人物可以从背面或侧面看到，以便可以从更多角度看到服装，从而使复制更加容易。19世纪插画家的重点是准确性和细节性。他们遵守静态的图像约定，以便为观看者提供全面的信息和指导。三.二十世纪的时尚杂志和插图二十世纪初期的几十年来，现代意义上的时装插画首次开花。随着最新时装样式的发行变得越来越有利可图，时装插画师的工作成为一种职业。时尚以前是单个艺术家的作品，现在正成为一个行业，以前所未有的数量生产新商品，以填补百货公司的空缺。这些商店发明了一种新的全名消遣方式-购物文化。法国奢侈杂志《宪报》（Gazettedubonton）于1912年至1925年出版，汇集了一群年轻艺术家，他们在诠释时尚方面获得了前所未有的自由。伊里贝（Iribe）是这些时尚插画家之中的领军人物，为著名的出版物做出了贡献，其中还包括查尔斯·马丁（CharlesMartin），爱德华多·加西亚·贝尼托（EduardoGarciaBenito），乔治·巴比耶（GeorgeBarbier），乔治·勒帕佩（GeorgesLepape）和翁贝托·布鲁内莱斯基（UmbertoBrunelleschi）。他们为《宪报》制作的印版展示了日本木刻版印刷品的影响，以及装饰艺术风格新的变化。在美国，大众市场时尚杂志《Vogue》和《Harper"sBazaar》涵盖了社交场合以及当代服装的流行趋势。Harper"sBazaar杂志与鬼才埃特（Erte）签订了独家合同，该合同从1915年持续到1938年，是出版历史上最长的合同之一。从1910年到第二次世界大战爆发，《Vogue》杂志的封面始终带有插图。Vogue的早期封面展示了由美国插画家海伦·德莱顿（HelenDryden），乔治·沃尔夫·普朗克（GeorgeWolfPlank），乔治·勒帕佩（GeorgesLepape），莱恩德克尔(F.X.Leyendecker)创作的艺术品。第一次世界大战后，欧洲艺术家加入了他们的行列，其中包括爱德华多·贝尼托（EduardoBenito），查尔斯·马丁（CharlesMartin），皮埃尔·布里索（PierreBrissaud）和安德烈·马蒂（AndreMarty）。四.时尚插画的黄金时代1920年代到1930年代代表着时装插画的“黄金时代”。每个商业艺术家都被认为是时装艺术家，都是完美的绘图员。许多人能够凭权威和信念来代表织物的质地，光泽甚至重量。摄影和印刷的新技术发展开始将照片的复制直接放置在杂志的页面上，这意味着时尚图样不再是现代生活的代表。到1930年代初，照片开始成为杂志的首选，Vogue杂志在1936年报道说，摄影封面的销售情况更好，插图开始被放入到内页。随着1929年股市崩盘后的经济衰退，美国时装业对巴黎时装的依赖程度有所降低。在两次世界大战期间，美国的服装制造取得了长足的进步，改进了大规模生产方法并标准化了尺码。中产阶级妇女依靠熟练的裁缝师以负担得起的价格可以购买最新的时装设计，而诸如Vogue和Women"sJournal这样的杂志出版的图案对于家庭裁缝师来说是无价的。Vogue杂志的主要目的是尽可能向读者展示时尚，摄影使插画家摆脱了对服装进行精确记录的需求，而更倾向于诠释时髦的服装。据该杂志的出版商抱怨说：“艺术家们主要是对获得有趣的图画和装饰效果感兴趣，他们被忠实地报道当代时尚精神的任何事情所累，因此感到无聊。”迪奥在1940年代后期的“NewLook”为战后时尚复兴提供了灵感。从许多方面来说，这是一种倒退的风格，回到过去而不是对未来进行展望，但它也象征着回到更加开朗，乐观的时代。五.时尚插画的毁灭与复兴到1950年代，时装编辑已经将更多预算用于摄影的编辑传播。随后将时尚摄影师提升为名人，这意味着插画家必须满足于制作和配饰的文章，或从事广告活动。1960年代，时尚插画在杂志出版业中的地位不断消失，这一趋势在面向青年的青少年杂志的新类别中有所体现，1960年代发行了许多此类杂志，所有这些插图都将插画作为摄影的廉价替代品。安东尼奥·洛佩兹（AntonioLopez）是这期间唯一在Vogue杂志上定期亮相的艺术家，他的职业生涯始于《女装日报》。在20世纪下半叶，时装插图一直难以生存，直到1980年代才开始复兴。新一代艺术家在诸如LaModeenpeinture（1982），CondeNast"sVanity（1981）和Visionaire（1991）之类的杂志中都有发行。这种复兴归功于广告活动，特别是Barney在1993-1996年的纽约广告活动。六.今天的时尚插画介于精美艺术和商业艺术之间，时装插画在最近被重新评估为一种重要的流派。由于美丽和优雅在时尚和艺术领域都已过时，因此时尚插画有时看起来像是回到了更早的时代。摄影术非常擅长记录服装的详细信息，因此插画家的重点不再是服装的精确呈现，而是解释服装和可能的穿着者。在二十世纪末和二十世纪初，由于数字工具和社交媒体平台的支持，它发展出了一系列独特的艺术风格。1990年代，先驱插画师EdTsuwaki，GrahamRounthwaite，JasonBrooks和KristianRussell等在计算机绘图领域开始兴起。这一时期见证了计算机设计程序AdobePhotoshop和Illustrator的出现，也见证了传统的基于艺术的时装插画形式的复兴。纽约的帕森斯设计学院和FIT学院开始提供插图作为其时装课程的专用元素。手工制作的“传统”插图一直在复兴，时装插画家经常回望过去的大师，寻求风格灵感。以经典方法为基础的时装插图已成功地与更现代的流程所创造的插图相得益彰。最近，插图通过时装设计师和插画家之间的合作而流行。随着社交媒体的使用，时装插画家开始引起人们的关注。时尚插图充满活力色彩，错综复杂的图案和无穷无尽的个性，给人留下深刻的印象。欢迎围观公号『绘实践』，可免费领取插画师绘画秘籍大礼包，了解世界商业插画价格行情。这才是灵魂插画师！手绘图只画一半也惊艳，这衣服效果比高定还美都说艺术来源于生活，在很多艺术作品中，那些让大家有同感的地方，就是来源于自然和生活的部分。在一位时尚插画师就堪称“灵魂设计师”，在他的作品中，我们就能看到这样的艺术，他的手绘时尚插画几乎都是只画一半，却比完整作品更“充实”且惊艳，尤其是衣服的效果简直比高定还美。时尚插画，听起来就是种很专业的艺术，但插画虽然需要专业，但“时尚”确实每个人都能看懂。图中这件作品，更是生动地向我们展现了时装的另一种魅力，它的创作人就是ShamekhAlBluwi，一位来自约旦的设计师。常规印象中的时装，都是通过插画师的手调色上色，在纸上展现出迷人的时尚色彩。但ShamekhAlBluwi在工作的旅途中萌生出将美景化作时装的想法，将插画的一部分变成空白的镂空，用生活中的美景填满，也让时尚融入更多生活元素。正因为这个创意很接地气，实实在在地融入了生活元素，在他发布这个创意后，迅速收获了全网的好评。将现实中的美景融入图中女孩们的衣服中，让艺术变成大家都能看得懂的想象力，实在是个巧妙又让人惊喜地尝试。你可以在Shamekh的作品中看出他有多喜爱自然，也能看到他在很认真地观察生活。院子里的树木、小鸟，都能成为模特身上亮眼的点睛之笔。他要做的只是拿着这张裁掉一部分的插画，将它移动到他想要的画面上，用相机记录下来。他的创意简单到每个人都可以复制，很多网友开启了自己的创作模式，每个人都能简单地尝试创作艺术的过程，这也是Shamekh的作品受欢迎的原因。而他作品中很多独特的视角，也通过美女身上的一条条的裙子逐渐展现。像是每天抬头就能看到的天空，无论是雾蒙蒙还是夕阳晚霞，都能成为裙子上唯美的渐变色。蓝天白云，也可以是很唯美的裙子印花。一条纯净的蓝裙配上点点深浅不同的蓝色，果然自然中的美才是真正的巧夺天工，这一些甚至无需创造，用镜头记录下来就好。街边的一角也是Shamekh的创作场所，可以是水泥墙，也可以是植物与墙壁的连接与拼接，这些日常平平无奇的画面，“印”在裙子上一手，变成了完全不同的画面。想要来点亮眼的，路上的标志和行进的车，都可以成为时髦裙子上的装点。Shamekh还很喜欢从一些物品中“借”点花纹，比如这个很有特色的沙发垫，人物印花自带复古宫廷风，马上成为很别致的艺术感。路边的灯，也可以是Shamekh的创作灵感，自带光感的裙子搭配镂空花纹，亮眼又很别致，这些怕是很多设计师都想不到的巧妙印花。更多复古有原味的镂空、花纹，都可以成为别具特色的裙子印花，只需要裁剪好一个裙型，轻松用“空白”借着美景创造出独特的设计感。这些本身很有风格感的瓷砖，也能瞬间成为美女身上的复古印花，几乎一件裙子可以有数种风格和印花。Shamekh还会和很多别人创作的艺术来个小“联名”，将他人的艺术结合在自己的裙子中，这样的创意时髦又有新意，和印象中的时尚插画完全不同。还可以结合巧妙的角度，将眼中立体画面变成平面，印在自己的作品中。日常很普通的厨房一角，瞬间变成了美人的披风与碎花裙摆，实在是巧妙又惊艳。同一位“模特”、同一条裙子，还可以演绎出N多种不同的风格与配色，让我们看到时尚并没有那么高深复杂，也没有那么高高在上，它也可以很日常。Shamekh的作品还有很多很多，虽然都是取自生活中、自然中的场景，但这也需要创意和敢于发现美的眼睛。每次看完不同的场景变成的裙子，依旧觉得好惊艳，这才是时尚该有的样子。你觉得呢？这才是灵魂插画师！手绘图只画一半也惊艳，这衣服效果比高定还美。当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？他是最炙手可热的插画师也是时尚的最佳代言人大卫.唐顿DavidDownton，1959年生于伦敦。从孩提时代开始，对他最好的款待就是一大页白纸。然而，大卫没有想到的是，很久以后他可以依靠画为生。▲大卫.唐顿年轻时在画画▲工作室自成一幅画，和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。大卫最初学习的是平面设计专业，他的第一幅作品是20世纪80年代早期，为WhichComputer杂志设计的封面。▲大卫.唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。▲大卫.唐顿1998年为克里斯汀.拉克鲁瓦绘制的时装插画，材质为墨水彩盒纸张。曾有15年时间，大卫一直是自由职业插画师。无论有什么事情发生，他都很享受这种自由插画师的生活。▲大卫.唐顿1999年为让.保罗.高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特.摩斯为原型，以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名，是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。▲大卫.唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似，他运用的色彩富有现代性。▲大卫.唐顿1999年在伦敦创作的时装插画PalomaPicasso。材质为水粉、墨水盒纸张，醋酸纤维纸覆膜。▲大卫.唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画，模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。大卫的作品线条简洁流畅，很有质感，风格也不矫揉造作，可以很好地展现出的优美体态。因为这种独特的绘画风格，有一些人开始邀请他制作时装插画。其中，就包括85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯，她也是大卫的缪斯之一。▲大卫.唐顿2000年的纽约绘制的时装插画，模特为卡门.戴尔.奥尔菲斯，服装由ThierryMugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制，醋酸纤维纸覆膜后，再以墨水绘制。▲大卫.唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜.佩姬绘制的肖像，他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美！▲大卫.唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达.哈莉齐绘制的肖像。他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、Eric这些艺术家心存景仰。因此，在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。1996年他为杂志制作过高级时装展的插图，1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。最开始他眼花缭乱完全没有准备，但是，巴黎时装秀实实在在地，激发出一个艺术家的灵感。巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。而这里的一切都让人神魂颠倒。在模特走秀的时候，大卫从来不作画。因为他发现那根本无法进行，他仅仅是摄影或者在一旁观看，并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。他抓住其他的任何机会来画，模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。比如：试衣的时候，有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间...▲化妆品也是他的工具，起笔和落笔之间动人心扉，浓淡皆宜。大卫说：“我最开始画的时候，认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而，第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上，在凯特.摩斯消失之前，我仅仅才画出她的胳膊！所以，享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。”▲草稿也动人大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉，然后才是比例、颜色等一些细节，然而，这一点是较难做到的。▲草稿也动人大卫画无数份的设计草样，然后从中挑选出最好的，画得差不多的时候他就开始剔除，“分解—重建”它们。他持续地画，一直到它们看起来自然为止。他为世界各地的知名媒体，如《泰晤士报》《独立报》，以及Harper"sBazaar(a澳洲版）等，撰写时装的相关报道。并在伦敦举行过三次个展，在纽约也举行过一次个展。近年来，他还为香港的购物中心设计视觉图像，以及为Vogue女性时装系列绘制插画。▲大卫.唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎，材质为水粉、水彩和纸张。▲大卫.唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。▲大卫.唐顿2005年受Vogue（中国版）委托绘制的插画ValentionFitting。材质为墨水、水粉和纸张，醋酸纤维纸。▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装画，材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。▲大卫.唐顿2007年受Madame杂志（德国版）委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制，醋酸纤维纸覆膜后，再以墨水和水粉绘制。▲大卫.唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。▲大卫.唐顿2008年为自己的杂志PourquoiPas绘制的插画，模特为蒂塔.万提斯，服装由拉克鲁瓦设计，材质为墨水、水粉和纸张，醋酸纤维纸覆膜。大卫是不是把舞娘画的淋漓尽致~要想功夫深铁杵磨成针～想拥有超越别人之外的能力，就要将能力修炼到极致！

当下最红、最引人注目的时尚插画在此！当红时尚插画师HelenDownie作品时尚插画作为元老级视觉传达媒介，在新时代不仅没有停止发展，更衍生出了许多风格迥异的新表达形式。当下最红、最引人瞩目的时尚插画师及其作品，你知道几个？时尚插画的黄金时代早期，时尚插画与时尚杂志的倾力合作促成其进入过一个全盛时期。那时的杂志从封面到内页几乎无一例外地需要使用插画做配图。那时的读者是从一幅幅精美的插画中接收时尚、艺术、品位等信息的。可以说，那时的时尚杂志与时尚插画是互相成就的关系。Harper"sBazaar杂志封面时尚插画与时尚品牌的碰撞到了数码时代，摄影作品已成为杂志刊物的主要视觉传播源。虽然以时尚插画为主要宣传媒介的杂志时代已终结，但时尚插画行业并未因此沉睡，而是朝着新方向不断发展、进化着。时尚插画与时尚品牌合作，便是当下发掘出的最成功的新道路。Gucci作为时下最具话题性的品牌，经常在社交媒体里搜寻一些当红插画师进行合作。以下这些充满色彩、富有诗意的作品都是插画师HelenDownie创作的。值得一提的是，这位极具专业水准的插画师其实是一位非科班出身的主妇，她的传奇经历与她的画作同时走红网络。再加上她的作画风格与Gucci推崇的新美学理念出奇相似，让品牌创意总监一眼就相中了她的作品并展开了一系列的深度合作。HelenDownie作品虽然已是一位母亲，但是她天马行空的作品中总是流露出些许少女的纯真感。尤其是画作人物中那一双双天真的大眼睛，奇特又充满童趣。HelenDownie作品然而，这并不是Gucci第一次与时尚插画师合作了。早前，此品牌还曾邀请另一位插画师AlexMerry展开过一次更“艺术式”的合作。从纽约到伦敦、米兰到上海，凡是有艺术墙的城市几乎一夜间被Alex这些创意十足的时尚插画作品所占据。这样巨型时尚插画作品如此呈现，实属罕见，所以当艺术墙面的图片一发布，立刻就引起了网络上的一阵骚动。AlexMerry作品除此之外，Gucci还将插画作品中的产品制作出来售卖，让所有为之心动的消费者都能找到并拥有这些产品。他们将这些梦幻般的理想产物变为了现实。另一方面，观者从这些浪漫主义风格的时尚插画作品可以看出，时尚插画的风格早已不再单一。AlexMerry作品说起时尚插画与品牌的跨界合作，那就不得不提Prada。在2018年男装春夏系列大秀上，品牌就邀请了插画师JamesJean进行二度合作，可见他作品的受瞩目程度。JamesJean与OliverSchrauwen作品此次，JamesJean与比利时涂鸦艺术家OliverSchrauwen联手创作了秀场空间的插画作品。观秀者望着这些画面感十足的作品，就像在看一页页现场版妙趣横生的连环画。与此同时，作者也为Prada专门制作了同样风格的插图版宣传视频。James这种酷劲十足的插画风格，与Prada未来感的时装风格相结合，显得相得益彰。JamesJean作品同年在Prada的女装秀上，品牌同样选择了与时尚插画师们联手。此次合作请来了八位女性插画师：StellarLeuna、TrinaRobbins、BrigidElva、JoelleJones、GiulianaMaldini、NatsumeOno、EmmaRíos和FionaStaples。她们除了共同打造了秀场空间内的墙壁作品外，还将插画作品完美融入了新一季的时装系列。他们的漫画风格作品给时尚注入活力的同时，也增加了时尚插画作品走向风格化的可能性。时至今日，时尚插画作品早已不再墨守成规，只要你愿意动笔，人人皆可创作出属于自己的插画作品。GraceCoddington作品先锋时尚插画除了与时尚品牌跨界合作外，还有一些职业时尚插画师坚持着进行独立创作。他们在掌握插画基本技法的同时，将时尚插画的绘画形式进行延展、探究，揣摩出了自成一派的风格。先锋时尚插画师VelwynYossy就描绘出了一系列别具一格的作品。从他作品中人物流畅、利落的线条，与夸张却依然恰到好处的整体比例中可看出，他一直奉行着现代主义的美学理念。VelwynYossy作品而另一新星时尚插画师ErnestoArtillo则将时尚插画延展至更为抽象的方向。他独树一帜的视觉表现手法打破了大众对时尚插画表现形式的传统认知。他近期一些超现实主义般的作品将动与静、虚与实的事物相结合，用手绘加拼贴的方式将插画的视觉冲击力无限放大，赋予了静态为主的时尚插画几分动势。ErnestoArtillo作品他的创意作品不仅仍然长期刊登在各大杂志上，而且还时常在世界各地展出。ErnestoArtillo说：“我希望看到自己的作品时感到既放松又激动。平时生活中也一样，我会寻找当中的平衡，也会找寻怎么可以打破现有的状态。”ErnestoArtillo作品纵使时尚插画的黄金时期已逝去，但不可否认的是，时尚插画依然在时尚领域占有一席之地，并同时饱含极高的艺术价值。时尚插画是少数可以将商业与艺术做到完美结合的行业，而当下受到追捧的插画作品的不断涌现，更是增添了时尚插画继续前行的可能。JamesJean动态时尚插画作品了解完这些最红、最引人注目的时尚插画作品，大家皆可提起笔去尝试发掘时尚插画新道路。下一个当红炸子鸡，也许就是你。精彩回顾：[编辑、文/陈卓]当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？他是最炙手可热的插画师也是时尚的最佳代言人大卫.唐顿DavidDownton，1959年生于伦敦。从孩提时代开始，对他最好的款待就是一大页白纸。然而，大卫没有想到的是，很久以后他可以依靠画为生。▲大卫.唐顿年轻时在画画▲工作室自成一幅画，和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。大卫最初学习的是平面设计专业，他的第一幅作品是20世纪80年代早期，为WhichComputer杂志设计的封面。▲大卫.唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。▲大卫.唐顿1998年为克里斯汀.拉克鲁瓦绘制的时装插画，材质为墨水彩盒纸张。曾有15年时间，大卫一直是自由职业插画师。无论有什么事情发生，他都很享受这种自由插画师的生活。▲大卫.唐顿1999年为让.保罗.高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特.摩斯为原型，以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名，是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。▲大卫.唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似，他运用的色彩富有现代性。▲大卫.唐顿1999年在伦敦创作的时装插画PalomaPicasso。材质为水粉、墨水盒纸张，醋酸纤维纸覆膜。▲大卫.唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画，模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。大卫的作品线条简洁流畅，很有质感，风格也不矫揉造作，可以很好地展现出人体的优美体态。因为这种独特的绘画风格，有一些人开始邀请他制作时装插画。其中，就包括85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯，她也是大卫的缪斯之一。▲大卫.唐顿2000年的纽约绘制的时装插画，模特为卡门.戴尔.奥尔菲斯，服装由ThierryMugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制，醋酸纤维纸覆膜后，再以墨水绘制。▲大卫.唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜.佩姬绘制的肖像，他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美！▲大卫.唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达.哈莉齐绘制的肖像。他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、Eric这些艺术家心存景仰。因此，在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。1996年他为杂志制作过高级时装展的插图，1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。最开始他眼花缭乱完全没有准备，但是，巴黎时装秀实实在在地，激发出一个艺术家的灵感。巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。而这里的一切都让人神魂颠倒。在模特走秀的时候，大卫从来不作画。因为他发现那根本无法进行，他仅仅是摄影或者在一旁观看，并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。他抓住其他的任何机会来画，模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。比如：试衣的时候，有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间...▲化妆品也是他的工具，起笔和落笔之间动人心扉，浓淡皆宜。大卫说：“我最开始画的时候，认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而，第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上，在凯特.摩斯消失之前，我仅仅才画出她的胳膊！所以，享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。”▲草稿也动人大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉，然后才是比例、颜色等一些细节，然而，这一点是较难做到的。▲草稿也动人大卫画无数份的设计草样，然后从中挑选出最好的，画得差不多的时候他就开始剔除，“分解—重建”它们。他持续地画，一直到它们看起来自然为止。他为世界各地的知名媒体，如《泰晤士报》《独立报》，以及Harper"sBazaar(a澳洲版）等，撰写时装的相关报道。并在伦敦举行过三次个展，在纽约也举行过一次个展。近年来，他还为香港的购物中心设计视觉图像，以及为Vogue女性时装系列绘制插画。▲大卫.唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎，材质为水粉、水彩和纸张。▲大卫.唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。▲大卫.唐顿2005年受Vogue（中国版）委托绘制的插画ValentionFitting。材质为墨水、水粉和纸张，醋酸纤维纸。▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装画，材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。▲大卫.唐顿2007年受Madame杂志（德国版）委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制，醋酸纤维纸覆膜后，再以墨水和水粉绘制。▲大卫.唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。▲大卫.唐顿2008年为自己的杂志PourquoiPas绘制的插画，模特为蒂塔.万提斯，服装由拉克鲁瓦设计，材质为墨水、水粉和纸张，醋酸纤维纸覆膜。大卫是不是把性感舞娘画的淋漓尽致~要想功夫深铁杵磨成针～想拥有超越别人之外的能力，就要将能力修炼到极致！请问一下现在很流行的时尚插画有什么应用领域呢？可以详细介绍一下吗？时装插画大多数是以艺术欣赏与广告宣传为主要目标，其较为重视绘画技巧的运用与画面的视觉冲击力。整体上，其画面效果更加趋近于绘画艺术，有着极为明显的艺术性和鲜明的个性特征，经常被用在样品宣传和广告海报当中，所起到的作用是引导消费者进行消费，并进行流行风格的预告。受众在日常生活当中也会关注和收集当前流行的时尚元素，例如，很多插画设计师在进行设计时会大量搜集流行用语和流行色彩，也会关注人物流行彩妆和较为受欢迎的造型，并从这些时尚审美当中进行时尚元素的抽离，将其转化为时装插画设计所需的图形要素，灵活地融入到时装插画当中，如此才能够真正设计出优秀且带有独特艺术性的时尚插画。在创作时通常需要提高其对时尚元素的搜集能力和将流行色融入插画设计的掌控能力。1.时尚元素的收集时尚元素是在商业和艺术领域应用广泛，引领各种产品设计和艺术的表现形式。服装的时尚元素它可以是一种廓形也可以是一种搭配方式，甚至可以是一个配件，如玛·穆露比(MarMurube)1979年出生，非常年轻的时候就开始作画，是国际时尚界最著名的插画师之一，她的作品涵盖时尚杂志、广告、产品设计、包装与出版等各个领域，她的作品的特点是有很强的时尚元素，色彩鲜明，非常清新有朝气[2]。建议大家平时收集一些时装杂志，比如《VOGUE》《Tatler》《InStyle》《MarieClaire》《ELLE》等，了解当下流行的时尚元素，进行人物服饰与搭配的临摹，以此来充实自己的创作素材。2.流行色的应用流行色与服装材料、款式等多个元素共同组成了服装美，对大部分群体来说，“流行色”是代表时尚的名词，同时也表明了流行的趋势，是可以与时俱变的颜色，其有着流行快但周期短的特点。一般来讲，流行色不会一成不变，它是色彩应用在某个阶段得到大众的认可、追随与模仿，使之形成某种倾向，就出现了流行色。其总是在一定时间内发生演变。所以，流行色就是流行的风向标，掌握了流行色的风舵，就能引领潮流方向。通过一些著名服装品牌的时装新品发布会就会发现，每年都会设计一个专门说明流行色的发布会，通常流行色不会局限在一种单色上，而是一种有着流行时尚风格的配色。一般而言，服饰的基本色在服饰中所占的比重相对较大，而流行色所占比重较小，因此，在制定和发布下一年度流行色时，往往是采取两种或两种以上的流行色与服饰的基本色共同搭配，使其在保留自我独特性基础上凸显出当前的时尚潮流。如可以准确预测流行色，并将其融入到插画主色调中，则时装插画作品必然会快速被大众所追捧，并被大家记住。

请问一下现在很流行的时尚插画有什么应用领域呢？可以详细介绍一下吗？时装插画大多数是以艺术欣赏与广告宣传为主要目标，其较为重视绘画技巧的运用与画面的视觉冲击力。整体上，其画面效果更加趋近于绘画艺术，有着极为明显的艺术性和鲜明的个性特征，经常被用在样品宣传和广告海报当中，所起到的作用是引导消费者进行消费，并进行流行风格的预告。受众在日常生活当中也会关注和收集当前流行的时尚元素，例如，很多插画设计师在进行设计时会大量搜集流行用语和流行色彩，也会关注人物流行彩妆和较为受欢迎的造型，并从这些时尚审美当中进行时尚元素的抽离，将其转化为时装插画设计所需的图形要素，灵活地融入到时装插画当中，如此才能够真正设计出优秀且带有独特艺术性的时尚插画。在创作时通常需要提高其对时尚元素的搜集能力和将流行色融入插画设计的掌控能力。1.时尚元素的收集时尚元素是在商业和艺术领域应用广泛，引领各种产品设计和艺术的表现形式。服装的时尚元素它可以是一种廓形也可以是一种搭配方式，甚至可以是一个配件，如玛·穆露比(MarMurube)1979年出生，非常年轻的时候就开始作画，是国际时尚界最著名的插画师之一，她的作品涵盖时尚杂志、广告、产品设计、包装与出版等各个领域，她的作品的特点是有很强的时尚元素，色彩鲜明，非常清新有朝气[2]。建议大家平时收集一些时装杂志，比如《VOGUE》《Tatler》《InStyle》《MarieClaire》《ELLE》等，了解当下流行的时尚元素，进行人物服饰与搭配的临摹，以此来充实自己的创作素材。2.流行色的应用流行色与服装材料、款式等多个元素共同组成了服装美，对大部分群体来说，“流行色”是代表时尚的名词，同时也表明了流行的趋势，是可以与时俱变的颜色，其有着流行快但周期短的特点。一般来讲，流行色不会一成不变，它是色彩应用在某个阶段得到大众的认可、追随与模仿，使之形成某种倾向，就出现了流行色。其总是在一定时间内发生演变。所以，流行色就是流行的风向标，掌握了流行色的风舵，就能引领潮流方向。通过一些著名服装品牌的时装新品发布会就会发现，每年都会设计一个专门说明流行色的发布会，通常流行色不会局限在一种单色上，而是一种有着流行时尚风格的配色。一般而言，服饰的基本色在服饰中所占的比重相对较大，而流行色所占比重较小，因此，在制定和发布下一年度流行色时，往往是采取两种或两种以上的流行色与服饰的基本色共同搭配，使其在保留自我独特性基础上凸显出当前的时尚潮流。如可以准确预测流行色，并将其融入到插画主色调中，则时装插画作品必然会快速被大众所追捧，并被大家记住。当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？他是最炙手可热的插画师也是时尚的最佳代言人大卫.唐顿DavidDownton，1959年生于伦敦。从孩提时代开始，对他最好的款待就是一大页白纸。然而，大卫没有想到的是，很久以后他可以依靠画为生。▲大卫.唐顿年轻时在画画▲工作室自成一幅画，和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。大卫最初学习的是平面设计专业，他的第一幅作品是20世纪80年代早期，为WhichComputer杂志设计的封面。▲大卫.唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。▲大卫.唐顿1998年为克里斯汀.拉克鲁瓦绘制的时装插画，材质为墨水彩盒纸张。曾有15年时间，大卫一直是自由职业插画师。无论有什么事情发生，他都很享受这种自由插画师的生活。▲大卫.唐顿1999年为让.保罗.高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特.摩斯为原型，以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名，是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。▲大卫.唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似，他运用的色彩富有现代性。▲大卫.唐顿1999年在伦敦创作的时装插画PalomaPicasso。材质为水粉、墨水盒纸张，醋酸纤维纸覆膜。▲大卫.唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画，模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。大卫的作品线条简洁流畅，很有质感，风格也不矫揉造作，可以很好地展现出的优美体态。因为这种独特的绘画风格，有一些人开始邀请他制作时装插画。其中，就包括85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯，她也是大卫的缪斯之一。▲大卫.唐顿2000年的纽约绘制的时装插画，模特为卡门.戴尔.奥尔菲斯，服装由ThierryMugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制，醋酸纤维纸覆膜后，再以墨水绘制。▲大卫.唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜.佩姬绘制的肖像，他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美！▲大卫.唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达.哈莉齐绘制的肖像。他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、Eric这些艺术家心存景仰。因此，在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。1996年他为杂志制作过高级时装展的插图，1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。最开始他眼花缭乱完全没有准备，但是，巴黎时装秀实实在在地，激发出一个艺术家的灵感。巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。而这里的一切都让人神魂颠倒。在模特走秀的时候，大卫从来不作画。因为他发现那根本无法进行，他仅仅是摄影或者在一旁观看，并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。他抓住其他的任何机会来画，模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。比如：试衣的时候，有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间...▲化妆品也是他的工具，起笔和落笔之间动人心扉，浓淡皆宜。大卫说：“我最开始画的时候，认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而，第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上，在凯特.摩斯消失之前，我仅仅才画出她的胳膊！所以，享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。”▲草稿也动人大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉，然后才是比例、颜色等一些细节，然而，这一点是较难做到的。▲草稿也动人大卫画无数份的设计草样，然后从中挑选出最好的，画得差不多的时候他就开始剔除，“分解—重建”它们。他持续地画，一直到它们看起来自然为止。他为世界各地的知名媒体，如《泰晤士报》《独立报》，以及Harper"sBazaar(a澳洲版）等，撰写时装的相关报道。并在伦敦举行过三次个展，在纽约也举行过一次个展。近年来，他还为香港的购物中心设计视觉图像，以及为Vogue女性时装系列绘制插画。▲大卫.唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎，材质为水粉、水彩和纸张。▲大卫.唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。▲大卫.唐顿2005年受Vogue（中国版）委托绘制的插画ValentionFitting。材质为墨水、水粉和纸张，醋酸纤维纸。▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装画，材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。▲大卫.唐顿2007年受Madame杂志（德国版）委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制，醋酸纤维纸覆膜后，再以墨水和水粉绘制。▲大卫.唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。▲大卫.唐顿2008年为自己的杂志PourquoiPas绘制的插画，模特为蒂塔.万提斯，服装由拉克鲁瓦设计，材质为墨水、水粉和纸张，醋酸纤维纸覆膜。大卫是不是把舞娘画的淋漓尽致~要想功夫深铁杵磨成针～想拥有超越别人之外的能力，就要将能力修炼到极致！byhollynichols汉语什么意思hollynichols是一位时尚服装插画师。她的画带有自己的艺术风格。如图是她的一幅作品。byhollyNichols意思就是这幅作品是她画的。一般艺术家都喜欢在自己的作品上写下byxxx，意为作品是他作的。

你是怎么看待香奈儿将“印象派油画”穿上身的设计的？于我而言，我觉得这个设计属于是比较大胆但是又在情理之中。为什么我会这么说呢？因为将油画作为一种元素设计在衣服上，这种理念很早之前就已经存在了。我觉得再见到这个场景的时候也肯定有人跟我有过同样的想法，就是可不可以直接把油画穿在身上。所以我说，这个想法其实是在情理之中的，那为什么我又要说这个想法比较大胆呢？因为我确实没有想到，将这个想法付诸实践的是香奈儿这个品牌。香奈儿作为可可香奈儿一手操办起来的企业，也是老牌的奢侈品企业之一。它的前身实际上是可可香奈儿的一家帽子店。当时欧洲女性的帽子都非常的华贵且臃肿。说一句比较讽刺的话，真的很像在头上顶了一个水果拼盘。当时的可可香奈儿，打破了装饰堆砌的审美，转而走向了一条极简的道路。她设计的小黑帽子，小黑裙在当时可谓是风靡全欧洲。各大名流都来到她的服饰店请她来定做他们的帽子和其他的服饰。再到后来，就是香奈儿五号这一款香水了。这也是可可香奈儿亲自上手的一款香水。所以可想而知，又一次轰动了整个欧洲。各大名流在出席宴会的时候，喷上一点香奈儿五号，那她就是全宴会最靓的那位。所以从香奈儿的创始以及发展历程，我们不难看出。其实香奈儿这个品牌一直在不走寻常路，走得一直都是突破的路线。所以我觉得，这次香奈儿将印象派油画直接设计上身，这样的做法好像就可以理解了。毕竟这就是人家的设计理念，这就是人家走得路线。但还有一点比较重要的就是，要保护好模特的权益，也要注意维持好现在的稳定理念。可以突破，但是原本的根基不要动摇。ChristianBérard|不该是个没人知道的名字...最近，Rihanna登上了杂志《Essence》一&二月刊的封面。这个封面的「拍摄」形式蛮特别的：一副来自艺术家LornaSimpon的手绘作品，被当做了「头饰」，「戴」在了这位女企业家的头上事实上，这一期《Essence》的封面大片，统统采用的都是这样「虚实结合」的形式。过去这一年发生的事儿，很大程度上改变了传统媒体的拍摄和排版方式。因为各种安全因素和人员流动性的限制，让大型户外拍摄和复杂置景困难重重；手绘形式的封面，似乎重新流行了起来。事实上，在摄影技术普及之前，时尚杂志的封面，基本是靠时尚插画师们撑起来的。从某种层面来说，用绘画形式表现时装，无论是色彩、细节，还是画面构筑的想象空间，可能都更胜实景拍摄。上世纪上半叶，是时装的黄金年代，这个时期，也涌现了超多出色的时尚插画师。其中有一位，搁现在，那就是每个设计师都想加微信求合作的那种存在...他就是ChristianBérard。Bérard被认为是诸多插画师中最「天才」的一位，用现在的话说，身份足够斜杠。头顶插画家、艺术家、家居设计师、服装设计师等诸多抬头。ChristianDior、GabrielleChanel、ElsaSchiaparelli都是他的密友刚刚过去的牛年除夕当日，恰是他逝世的72周年。ChristianBérard01.是时装插画亦是艺术ChristianBérard的故事，没有什么戏剧化的坎坷或是「怀才不遇」；因为出众的业务能力，Bérard刚一出道，就迅速成为业内瞩目的「明星」。上世纪三四十年代的法国版Vogue，Haper"sBazaar，Annabelle等杂志，经常可以看到他的作品。他的绘画风格个人特色很强烈，辨识度超高。你或许不知道他的名字，但大概率看过他的插画。它们多以水彩绘成，线条肆意浪漫、用色轻快明亮；看似是扁平化的速写风格，晕色却极有层次感。是融合了新浪漫主义的诗意风格~线条洒脱但克制精准，寥寥几笔就将人物和服装的动态勾勒得很传神。他的作品还很有想象力，呈现出超现实主义风格。Bérard的透视技法和氛围描绘也很高超，空间的景深和情绪，在看似随意的几笔晕染里就活灵活现。毫无疑问，Bérard提升了时尚插画的艺术水平，不仅仅是单纯的记录和刻画时装，甚至反过去影响了一部分设计师的风格养成。ChristianDior先生就曾经在纪录片中提到，Bérard的作品「为他打开了一个新的世界。」而他为Dior创作的这张BarJacket的插图，用他独到的晕染和勾勒方式，描绘出了NewLook的线条之美。也成了时装史中无可逾越的一个经典。02.服装设计的多面手Bérard不仅是时装的「记录者」，也是「创造者」。下面这张Bérard为Schiaparelli画的插画，三件衣服都是他为Schiaparelli1938年秋冬的「占星术」系列设计的。中间这件斗篷的背面，是一个融入人脸的太阳，有点超现实主义风格。后来它变成了Schiaparelli的一件斗篷，名叫「凡尔赛的阿波罗」，绣着华丽的金色刺绣来表现太阳的光芒。除此之外，Berard也和一些大公司合作，设计生产服饰。Berard还为自己的好朋友，剧作家让·科克托（JeanCocteau）的电影多次设计戏服。1946年法国版的《美女与野兽》的服装，正是出自他之手，算是最接近于他绘画风格的「立体呈现」，颇有新浪漫主义的调调。相比于实用主义的成衣设计，Berard的浪漫天性，在戏服设计领域，显然更有优势。他曾经为俄罗斯芭蕾舞团、香榭丽舍芭蕾舞团等四支芭蕾舞团，设计过美丽的戏服。Berard和当时名盛一时的舞者TamaraToumanova有着很密切的合作，为她设计了多部舞剧的服装。我们之前写过的这条很美丽的缀满星星的薄纱芭蕾裙，就是Berard为TamaraToumanova在芭蕾舞剧《Cotillon》中设计的！03.全能美学设计师除了负责芭蕾舞剧的服装设计，Berard还可以一手包揽舞美。Berard认为，舞台布景的功能是为作品增色添彩，而不是要夺取观众的注意力。所以他总是在减少布景的元素，仅保留必不可少的要素——就像他的时装画一样，人物和服装是主角，环境和氛围寥寥数笔，点到为止，却意犹未尽。于1936年上演的Moliere的戏剧《太太学堂》（L"EcoledesFemmes），服装以及现场的背景布置都是Berard完成的。现场仅有一个小花园，两个花坛和五个枝形吊灯。Bérard这一创举是革命性的，可以说是改变了剧场的布局设计。如今剧院仍在沿用Berard的方式：使用深红色来使观众集中注意力，其余仅保留浅色、柔和的色彩来衬托表演。那场在战后巴黎举行的，令人叹为观止的Thé_tredelaMode（时尚剧院），Berard也作为至关重要的「总指挥」，为那些精美的微缩的「时装模特」们「搭建」了秀场...Berard在空间和装饰设计上的才能，使得他和一些家具公司以及设计师，合作进行了室内装潢的设计。前美国副总统纳尔逊·洛克菲勒在第五大道的一间公寓，也特意请Berard为他设计了一款地毯，好与他原本的室内装修风格相匹配。Berard大胆的用色和笔触，和墙上的那些毕加索、马蒂斯的装饰画很是吻契。Schiaparelli的CoutureHouse展厅中有一扇三折屏风，也是Berard为她所绘。如今娇兰法国总部的办公室，有一扇很幽默的错觉视觉手绘门，亦来自Bérard的手笔他的绘画作品，影响了后来的不少设计师。Prada2021男装春夏发布的场地，是不是就和他的这幅画，有这么点微妙的联系？Bérard还曾跨界，为NinaRicci的香水，「喜悦之心」Coeur-Joie，设计了一款可爱的香水瓶。有这么多「斜杠」设计，可见Bérard才华非凡。据说他即使是在和朋友用餐途中，都经常才思喷涌不停地在桌布、餐巾纸和菜单上绘画，构想服装或者布景设计。最高兴的是服务生，他们都会赶紧把Bérard画过的东西收起来，转手卖给收藏家。04.设计师们的「Bébé」Bérard金发蓝眼，长了一张红润丰满的脸，据说长得很像彼时巴黎大街小巷所见的一张肥皂广告上的婴儿。所以Bérard的好朋友们都把他亲切地称为「Bébé」。上文就提到，Bébé与当时许多大神级别的时装设计师私交甚好，他的美学也或多或少影响了他的「闺蜜」们~Schiaparelli在自传《ShockingLife》中写道：「能受到贝贝的赏识和钦佩，甚至成为朋友，是在巴黎的社交圈和知识分子中一种莫大的认可。」据说正是Bérard所说的一句「Isn"tpinkalovelycolour？」，引发了巴黎设计师使用粉色的狂潮，也许Schiaparelli对ShockingPink的应用就是受他影响众所周知，Schiaparelli和Chanel是死对头。但Bérard，和嘉柏丽尔女士，也是好闺蜜。游走在这两位慕强的女性之间，这人格魅力，非同一般...香奈儿于丽兹酒店的寓所里挂着Bérard送她的装饰画（乌木屏风上）Bérard和香奈儿在巴黎丽兹酒店，1938年Bérard为香奈儿创作的时装插画而ChristianDior先生的NewLook的诞生，也颇有可能受到他的影响——Bérard的时装插画和他所设计的芭蕾舞服，都非常强调女性腰部的曲线...ChristianBerard在Dior首秀前夕送给他一幅水彩画ChristianDior1947年的时装首秀不仅如此，如今Dior钟爱的「茹伊印花」，也是采取了Bérard的建议。Dior位于蒙田大道的首间店里，墙身、家具、摆放的盒子全都用是茹伊印花布置的。Dior先生的回忆录《DiorbyDior》中记录着：是贝贝建议我们在店里挂上茹伊印花布料，把印有店名的帽子纸盒摆放于四周，包括衣柜柜顶上和每个角落。骤眼看似一片混乱，他却赋予了生命。Bérard还启发引导了YvesSaintLaurent对时装的热爱。我们前文提到Bérard为《太太学堂》设计了服饰和布景。年幼的YSL就是看了这场戏，「感到无与伦比的感动，我一生中最不寻常的感觉」，开始尝试制造自己的小剧院，用母亲的废布料和旧床单制作服装。我马上就被Bérard的力量打动了。他让我确定了我想要投身的方向，我想像他一样，为戏剧做设计。他知道如何塑造角色，他知道如何构建服装，捕捉轮廓和时间的精髓，他重塑了服装。Bérard的设计和时装插画，一直都是YvesSaintLaurent灵感的主要来源。从YSL留下来的一些手绘图中，不难看出他的绘画风格很有Bérard的影子。1949年2月11日，Bérard在为戏剧《斯卡潘的诡计》设计布景和戏服时，从舞台上站起来突发心梗，永远地倒在了舞台上。对于一个热爱舞台和设计的天才来说，这或许是一种很戏剧却壮丽的离开方式。巴黎几乎所有的艺术家和知识分子都参加了他的悼念会，Bébé被所有人深切缅怀着。时尚圈也从来没有忘记过他的存在。Givenchy在1987年的秋冬系列，曾经致敬ChristianBerard，秀场布景以及服装设计，都采取了Berard的插画。AnnaSui1995年的春夏系列，有几条裙子，是从Berard在40"s为ZikaAscher设计的面料中，提取印花重新着色，使它焕发了新的生机。Berard为Ascher设计的面料AnnaSui1995SS在Dior创立60周年之际，彼时执掌Dior的JohnGalliano，没有忘记品牌和ChristianBerard的深厚渊源，设计了一条裙子专门致敬Berard。Schiaparelli2015年春夏高定，也有几件look的印花图案，深受Berard画风的影响。ChristianBérard，这样一位潜移默化影响了上世纪诸多时装设计大师的天才人物，理应被大家记得名字。当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？他是最炙手可热的插画师也是时尚的最佳代言人大卫.唐顿DavidDownton，1959年生于伦敦。从孩提时代开始，对他最好的款待就是一大页白纸。然而，大卫没有想到的是，很久以后他可以依靠画为生。▲大卫.唐顿年轻时在画画▲工作室自成一幅画，和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。大卫最初学习的是平面设计专业，他的第一幅作品是20世纪80年代早期，为WhichComputer杂志设计的封面。▲大卫.唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。▲大卫.唐顿1998年为克里斯汀.拉克鲁瓦绘制的时装插画，材质为墨水彩盒纸张。曾有15年时间，大卫一直是自由职业插画师。无论有什么事情发生，他都很享受这种自由插画师的生活。▲大卫.唐顿1999年为让.保罗.高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特.摩斯为原型，以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名，是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。▲大卫.唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似，他运用的色彩富有现代性。▲大卫.唐顿1999年在伦敦创作的时装插画PalomaPicasso。材质为水粉、墨水盒纸张，醋酸纤维纸覆膜。▲大卫.唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画，模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。大卫的作品线条简洁流畅，很有质感，风格也不矫揉造作，可以很好地展现出人体的优美体态。因为这种独特的绘画风格，有一些人开始邀请他制作时装插画。其中，就包括85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯，她也是大卫的缪斯之一。▲大卫.唐顿2000年的纽约绘制的时装插画，模特为卡门.戴尔.奥尔菲斯，服装由ThierryMugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制，醋酸纤维纸覆膜后，再以墨水绘制。▲大卫.唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜.佩姬绘制的肖像，他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美！▲大卫.唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达.哈莉齐绘制的肖像。他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、Eric这些艺术家心存景仰。因此，在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。1996年他为杂志制作过高级时装展的插图，1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。最开始他眼花缭乱完全没有准备，但是，巴黎时装秀实实在在地，激发出一个艺术家的灵感。巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。而这里的一切都让人神魂颠倒。在模特走秀的时候，大卫从来不作画。因为他发现那根本无法进行，他仅仅是摄影或者在一旁观看，并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。他抓住其他的任何机会来画，模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。比如：试衣的时候，有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间...▲化妆品也是他的工具，起笔和落笔之间动人心扉，浓淡皆宜。大卫说：“我最开始画的时候，认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而，第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上，在凯特.摩斯消失之前，我仅仅才画出她的胳膊！所以，享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。”▲草稿也动人大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉，然后才是比例、颜色等一些细节，然而，这一点是较难做到的。▲草稿也动人大卫画无数份的设计草样，然后从中挑选出最好的，画得差不多的时候他就开始剔除，“分解—重建”它们。他持续地画，一直到它们看起来自然为止。他为世界各地的知名媒体，如《泰晤士报》《独立报》，以及Harper"sBazaar(a澳洲版）等，撰写时装的相关报道。并在伦敦举行过三次个展，在纽约也举行过一次个展。近年来，他还为香港的购物中心设计视觉图像，以及为Vogue女性时装系列绘制插画。▲大卫.唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎，材质为水粉、水彩和纸张。▲大卫.唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。▲大卫.唐顿2005年受Vogue（中国版）委托绘制的插画ValentionFitting。材质为墨水、水粉和纸张，醋酸纤维纸。▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装画，材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。▲大卫.唐顿2007年受Madame杂志（德国版）委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制，醋酸纤维纸覆膜后，再以墨水和水粉绘制。▲大卫.唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。▲大卫.唐顿2008年为自己的杂志PourquoiPas绘制的插画，模特为蒂塔.万提斯，服装由拉克鲁瓦设计，材质为墨水、水粉和纸张，醋酸纤维纸覆膜。大卫是不是把性感舞娘画的淋漓尽致~要想功夫深铁杵磨成针～想拥有超越别人之外的能力，就要将能力修炼到极致！

时装插画：那个有着500年历史的”时尚女魔头“时装插画已经存在了将近500年,自从有了衣服以后,就需要将设计衣服的思想或形象转化为时装插图。这种视觉形式起源于插画,绘画和油画,也被称为“时装素描”。时装设计师主要使用“时装素描”在纸上或数字方式上集思广益,它在设计中的主要作用是在缝制实际衣服之前可以预览和可视化最后的结果。接下来,我们就分阶段的看一下时装插画这个有着500年历史的”时尚女魔头“有着怎样的历发展进程。一.时尚插画的开始时装插画始于16世纪,当时全球的探索和发现导致人们对世界各个国家的人们的着装而着迷。印制了说明不同社会阶层和文化适合穿着的书籍,以帮助消除对变革的恐惧和这些发现所造成的社会动荡。在1520年至1610年之间,出版了200多种这样的版画,蚀刻版画或木刻作品集,其中包含穿着特定国籍或等级的人物的图板。这些是最早的服饰插图,也是现代时装插图的原型。这些插图很可能会被礼服设计师,裁缝师,及其客户所使用,以激发新的设计灵感。十七世纪的艺术家雅克·卡洛(JacquesCallot)和亚伯拉罕·博斯(AbrahamBosse)都使用现代雕刻技术来制作逼真的时代服装和服饰细节。这些期刊从1670年代开始在法国和英国开始发行,被认为是第一本时尚杂志,其中包括LeMecureGallant,TheLady"sMagazine,LaGalleriedesModes,LeCabinetdesModes和LeJournaldesDamesetdesModes。在此期间,出版期刊的数量有所增加,这是对市场中越来越渴望了解最新时尚新闻的女性读者的反应。直到在18世纪末和19世纪初,男性风格的插图才变得与女性插图同样重要。二.十九世纪的时尚图样(Thefashionplate)时装图样(Thefashionplate)在18世纪后期独占鳌头,在巴黎风靡一时,期间诸如HoraceVenet的《IncroyablesetMerveilleuses》等出版物,以及在拿破仑一世时期的乔治·雅克·加丁(Georges-JacquesGatine)雕刻的一系列水彩时装图都名噪一时。法国作为时尚仲裁者的地位确保了国内外对时尚插画的不断需求。这种对流行服饰的兴趣以及对流行服饰的获取日益广泛,导致在19世纪出现了150多种时尚期刊。这些高度详细的时装插图捕获了时装趋势的信息,并提供了一般的制衣指导。高级服装定制也是这个阶段出现的(出现在1860年代),时装公司聘请了插画家,他们将与女装设计师直接合作,设计师将织物挂在现场模型上时,插画家则会勾勒出新设计的草图。他们还会在完成的系列中绘制每个设计的插图,然后可以将其发送给客户。到19世纪末,手工彩色印刷被全彩色印刷所取代。时装图样开始使用两个人物,其中一个人物可以从背面或侧面看到,以便可以从更多角度看到服装,从而使复制更加容易。19世纪插画家的重点是准确性和细节性。他们遵守静态的图像约定,以便为观看者提供全面的信息和指导。三.二十世纪的时尚杂志和插图二十世纪初期的几十年来,现代意义上的时装插画首次开花。随着最新时装样式的发行变得越来越有利可图,时装插画师的工作成为一种职业。时尚以前是单个艺术家的作品,现在正成为一个行业,以前所未有的数量生产新商品,以填补百货公司的空缺。这些商店发明了一种新的全名消遣方式-购物文化。法国奢侈杂志《宪报》(Gazettedubonton)于1912年至1925年出版,汇集了一群年轻艺术家,他们在诠释时尚方面获得了前所未有的自由。伊里贝(Iribe)是这些时尚插画家之中的领军人物,为著名的出版物做出了贡献,其中还包括查尔斯·马丁(CharlesMartin),爱德华多·加西亚·贝尼托(EduardoGarciaBenito),乔治·巴比耶(GeorgeBarbier),乔治·勒帕佩(GeorgesLepape)和翁贝托·布鲁内莱斯基(UmbertoBrunelleschi)。他们为《宪报》制作的印版展示了日本木刻版印刷品的影响,以及装饰艺术风格新的变化。在美国,大众市场时尚杂志《Vogue》和《Harper"sBazaar》涵盖了社交场合以及当代服装的流行趋势。Harper"sBazaar杂志与鬼才埃特(Erte)签订了独家合同,该合同从1915年持续到1938年,是出版历史上最长的合同之一。从1910年到第二次世界大战爆发,《Vogue》杂志的封面始终带有插图。Vogue的早期封面展示了由美国插画家海伦·德莱顿(HelenDryden),乔治·沃尔夫·普朗克(GeorgeWolfPlank),乔治·勒帕佩(GeorgesLepape),莱恩德克尔(F.X.Leyendecker)创作的艺术品。第一次世界大战后,欧洲艺术家加入了他们的行列,其中包括爱德华多·贝尼托(EduardoBenito),查尔斯·马丁(CharlesMartin),皮埃尔·布里索(PierreBrissaud)和安德烈·马蒂(AndreMarty)。四.时尚插画的黄金时代1920年代到1930年代代表着时装插画的“黄金时代”。每个商业艺术家都被认为是时装艺术家,都是完美的绘图员。许多人能够凭权威和信念来代表织物的质地,光泽甚至重量。摄影和印刷的新技术发展开始将照片的复制直接放置在杂志的页面上,这意味着时尚图样不再是现代生活的代表。到1930年代初,照片开始成为杂志的首选,Vogue杂志在1936年报道说,摄影封面的销售情况更好,插图开始被放入到内页。随着1929年股市崩盘后的经济衰退,美国时装业对巴黎时装的依赖程度有所降低。在两次世界大战期间,美国的服装制造取得了长足的进步,改进了大规模生产方法并标准化了尺码。中产阶级妇女依靠熟练的裁缝师以负担得起的价格可以购买最新的时装设计,而诸如Vogue和Women"sJournal这样的杂志出版的图案对于家庭裁缝师来说是无价的。Vogue杂志的主要目的是尽可能向读者展示时尚,摄影使插画家摆脱了对服装进行精确记录的需求,而更倾向于诠释时髦的服装。据该杂志的出版商抱怨说:“艺术家们主要是对获得有趣的图画和装饰效果感兴趣,他们被忠实地报道当代时尚精神的任何事情所累,因此感到无聊。”迪奥在1940年代后期的“NewLook”为战后时尚复兴提供了灵感。从许多方面来说,这是一种倒退的风格,回到过去而不是对未来进行展望,但它也象征着回到更加开朗,乐观的时代。五.时尚插画的毁灭与复兴到1950年代,时装编辑已经将更多预算用于摄影的编辑传播。随后将时尚摄影师提升为名人,这意味着插画家必须满足于制作内衣和配饰的文章,或从事广告活动。1960年代,时尚插画在杂志出版业中的地位不断消失,这一趋势在面向青年的青少年杂志的新类别中有所体现,1960年代发行了许多此类杂志,所有这些插图都将插画作为摄影的廉价替代品。安东尼奥·洛佩兹(AntonioLopez)是这期间唯一在Vogue杂志上定期亮相的艺术家,他的职业生涯始于《女装日报》。在20世纪下半叶,时装插图一直难以生存,直到1980年代才开始复兴。新一代艺术家在诸如LaModeenpeinture(1982),CondeNast"sVanity(1981)和Visionaire(1991)之类的杂志中都有发行。这种复兴归功于广告活动,特别是Barney在1993-1996年的纽约广告活动。六.今天的时尚插画介于精美艺术和商业艺术之间,时装插画在最近被重新评估为一种重要的流派。由于美丽和优雅在时尚和艺术领域都已过时,因此时尚插画有时看起来像是回到了更早的时代。摄影术非常擅长记录服装的详细信息,因此插画家的重点不再是服装的精确呈现,而是解释服装和可能的穿着者。在二十世纪末和二十世纪初,由于数字工具和社交媒体平台的支持,它发展出了一系列独特的艺术风格。1990年代,先驱插画师EdTsuwaki,GrahamRounthwaite,JasonBrooks和KristianRussell等在计算机绘图领域开始兴起。这一时期见证了计算机设计程序AdobePhotoshop和Illustrator的出现,也见证了传统的基于艺术的时装插画形式的复兴。纽约的帕森斯设计学院和FIT学院开始提供插图作为其时装课程的专用元素。手工制作的“传统”插图一直在复兴,时装插画家经常回望过去的大师,寻求风格灵感。以经典方法为基础的时装插图已成功地与更现代的流程所创造的插图相得益彰。最近,插图通过时装设计师和插画家之间的合作而流行。随着社交媒体的使用,时装插画家开始引起人们的关注。时尚插图充满活力色彩,错综复杂的图案和无穷无尽的个性,给人留下深刻的印象。欢迎围观公号『绘实践』,可免费领取插画师绘画秘籍大礼包,了解世界商业插画价格行情。美国20世纪50年代服饰风格什么样（图片）？美国20世纪50年代服饰风格具体如下:1、新风貌(newlook)1947年2月17日,克里斯蒂-迪奥(ChristianDior)在巴黎推出以“花冠”命名的系列时装,这个设计可以说是震惊了整个世界!几乎世界所有的媒体都以其为头版头条。有人甚至惊呼:是Dior的“NewLook”真正的结束了第二次世界大战,让人们遭受战争重创的心灵重归美好与宁静。新风貌具有19世纪上层妇女的那种高贵、典雅的服装风格,但运用新的技术和新的设计手法,重新演绎,表现出的女性化与战争时期的男性化形成强烈的对比。袖子长度通常到小臂中央,即所谓3/4袖,里面衬以长手套。圆润平滑的自然肩线,用乳罩整理的高挺的丰胸,连接着束细的纤腰,用裙撑撑起来的宽摆大长裙,长过小腿肚子,离地20CM,搭配细跟高跟鞋,整个外形十分优雅,女性味十足。2、鸡尾酒装这是克里斯蒂-迪奥(ChristianDior)在1948年推出的新样式,其设计的要点是前胸开领比较低,吊带在肩膀靠近手臂的位置,胸部和肩膀较为暴露。领口成V形或心形,裙身则有A字裙或直身式。裙长至小腿,比正式的晚礼服稍短,非常适合在时间较早的社交活动中穿着,是介于休闲和正式晚礼服之间的一种服装。3、风衣外套宽松过膝的长外套亦是本季标志性的服装,但多选择皮质或其他挺括的面料来营造硬朗的线条,同时搭配腰带,凸显柔美感,与内里的无袖收腰连衣裙相呼应。4、裙子裙子有两种,一种是包得紧紧的,另一种则是稍宽松的百褶喇叭裙。百褶喇叭裙很费料,所以最初在面临饥荒的欧洲推广十分艰难,结果在富裕的美国首先流行起来。5、牛仔裤便宜及耐穿的牛仔布以前是干粗活的工人及牛仔的服饰,在50年代大为流行,任何年龄及阶层的人都穿在身上。马龙白兰度、占士甸的牛仔裤配皮夹克的性感坯子、流氓形象更被当时千万的叛逆青年抄袭。扩展资料第二次世界大战结束后,西方服装不再像战前“男军装,女工装”的单一装扮。在社会变化和一批设计师的努力下,创造了50年代西方高级时装的辉煌,成为永远的经典,载入了时装的史册,也使高级时装业的发展达到了划时代的高峰。20世纪50年代是时尚界拥趸服装新定位、新色彩、和新剪裁的时代。在这个标志性的时期,人们逐渐摒弃了如海报女郎、和乡村摇滚服装的复古花哨明艳风。50年代是一个纸醉金迷,优雅奢华的“GossipGirl”盛行的闪耀年代。它更彰显了女性之为女性的特点:精致、优雅、奢华而甜美浪漫,并萦绕着我们回味至今。参考资料来源:-新风貌参考资料来源:凤凰网-西方史上最优雅的20世纪50年代的服饰有多美当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？他是最炙手可热的插画师也是时尚的最佳代言人大卫.唐顿DavidDownton,1959年生于伦敦。从孩提时代开始,对他最好的款待就是一大页白纸。然而,大卫没有想到的是,很久以后他可以依靠画为生。▲大卫.唐顿年轻时在画画▲工作室自成一幅画,和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。大卫最初学习的是平面设计专业,他的第一幅作品是20世纪80年代早期,为WhichComputer杂志设计的封面。▲大卫.唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。▲大卫.唐顿1998年为克里斯汀.拉克鲁瓦绘制的时装插画,材质为墨水彩盒纸张。曾有15年时间,大卫一直是自由职业插画师。无论有什么事情发生,他都很享受这种自由插画师的生活。▲大卫.唐顿1999年为让.保罗.高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特.摩斯为原型,以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名,是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。▲大卫.唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似,他运用的色彩富有现代性。▲大卫.唐顿1999年在伦敦创作的时装插画PalomaPicasso。材质为水粉、墨水盒纸张,醋酸纤维纸覆膜。▲大卫.唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画,模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。大卫的作品线条简洁流畅,很有质感,风格也不矫揉造作,可以很好地展现出人体的优美体态。因为这种独特的绘画风格,有一些人开始邀请他制作时装插画。其中,就包括85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯,她也是大卫的缪斯之一。▲大卫.唐顿2000年的纽约绘制的时装插画,模特为卡门.戴尔.奥尔菲斯,服装由ThierryMugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水绘制。▲大卫.唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜.佩姬绘制的肖像,他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美!▲大卫.唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达.哈莉齐绘制的肖像。他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、Eric这些艺术家心存景仰。因此,在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。1996年他为杂志制作过高级时装展的插图,1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。最开始他眼花缭乱完全没有准备,但是,巴黎时装秀实实在在地,激发出一个艺术家的灵感。巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。而这里的一切都让人神魂颠倒。在模特走秀的时候,大卫从来不作画。因为他发现那根本无法进行,他仅仅是摄影或者在一旁观看,并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。他抓住其他的任何机会来画,模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。比如:试衣的时候,有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间...▲化妆品也是他的工具,起笔和落笔之间动人心扉,浓淡皆宜。大卫说:“我最开始画的时候,认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而,第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上,在凯特.摩斯消失之前,我仅仅才画出她的胳膊!所以,享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。”▲草稿也动人大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉,然后才是比例、颜色等一些细节,然而,这一点是较难做到的。▲草稿也动人大卫画无数份的设计草样,然后从中挑选出最好的,画得差不多的时候他就开始剔除,“分解—重建”它们。他持续地画,一直到它们看起来自然为止。他为世界各地的知名媒体,如《泰晤士报》《独立报》,以及Harper"sBazaar(a澳洲版)等,撰写时装的相关报道。并在伦敦举行过三次个展,在纽约也举行过一次个展。近年来,他还为香港的购物中心设计视觉图像,以及为Vogue女性时装系列绘制插画。▲大卫.唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎,材质为水粉、水彩和纸张。▲大卫.唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。▲大卫.唐顿2005年受Vogue(中国版)委托绘制的插画ValentionFitting。材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸。▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装画,材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。▲大卫.唐顿2007年受Madame杂志(德国版)委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水和水粉绘制。▲大卫.唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。▲大卫.唐顿2008年为自己的杂志PourquoiPas绘制的插画,模特为蒂塔.万提斯,服装由拉克鲁瓦设计,材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸覆膜。大卫是不是把性感舞娘画的淋漓尽致~要想功夫深铁杵磨成针～想拥有超越别人之外的能力,就要将能力修炼到极致!

比如民族风格波希米亚风格田园风格嘻哈风格巴洛克风格歌特风格英伦风格浪漫主义风格立体派极简派未来派波普派 随着时代的发展，思想的解放，人们更注重追求个性。那种由一种风格统领十几年的时代，已经不复存在。90年代以来，流行服装的一个显著的特点，就是进入了一个追求个性与时尚的多元化时代，各个历史时期、各个民族地域、各种风格流派的服装相互借鉴、循环往复，传统的、前卫的、各种新观念、新意识及新的表现手法空前活跃，具有不同于以往任何时期的多样性、灵活性和随意性。与设计师的建议相比，人们更看中的是自己的生活方式及自己所属的那个团体的特征。如今，人们在着装时不只是要表现一种视觉效果，还要表现一种生活态度、一种观念和情绪。因此作为流行时尚的诠释者，要对多种的审美意向和需求保持高度的敏感性，并能够透过流行的表面现象，掌握其风格与内涵。 设计风格，即是设计的所有要素——款式、色彩、材质、配饰，形成统一的、充满魅力的外观效果，具有一种鲜明的倾向性。风格能在瞬间传达出设计的总体特征，具有强烈的感染力，达到见物生情，产生精神上的共鸣。 浪漫主义风格源于19世纪的欧洲，是近年来服装流行的主流，它主张摆脱古典主义（古典艺术发源于18世纪的法国，以画家大卫为代表。古典主义艺术在形式和内容上都以古希腊罗马为借鉴的楷模，风格典雅、端庄）过份的简朴和理性，反对艺术上的刻板僵化，它善于抒发对理想的热烈追求，热情地肯定人的主观性，表现激烈奔放的情感，常用瑰丽的想象和夸张的手法塑造形象，将主观、非理性、想象融为一体，使用品更个性化，更具有生命的活力。 在服装史上，1825-1845年间被认为是典型的浪漫主义时期。服装的特点是细腰丰臀，大而多装饰的帽饰，注重整体线条的动感表现，使服装能随着人体的摆动而呈现出轻快飘逸之感。 在1997年的国际时装潮流中，以亚历山大·马克昆（AlexanderMcqueen，现任法国HubertdeGivenchy公司首席设计师，其设计风格是根据所欲表现人物所处环境为背景，用现代手法表现往昔的精神）与约翰·加里阿诺（JohnCaliano，英国人，现任法国CD公司首席设计师）为代表的设计师们纷纷推出了浪漫主义风格的服装，这一潮流的出现绝非偶然，而是对90年代以来国际流行舞台上那种冷漠的未来派设计、简约中的中性服装的一种反向趋势。在服装史上这种现象屡见不鲜，当一种风格流行了一个阶段后，就会因缺少变化而缺乏新鲜感和吸引力，继之而起的就将是一个反向的趋势。 90年代的浪漫主义风格，又不同于80年代末那种追求装饰的人工主义，而是更趋自然柔和的形象、浅亦淡的色调、柔和圆转的线条、轻柔的材质，表现的是一种怀旧的情结和田园风格，它与设计领域里的后现代主义相呼应，表现人们对现代工业所带来的那种单调冷漠、整齐划一的一种逆反心理，追求所谓唤起历史的回忆，重视民族民间传统，讲究装饰意趣，从历史和民族服装中去寻找设计灵感，使人们在都市的喧嚣中，感受到一种充满幻想的心灵空间。这一风格取材广泛，其灵感来自池畔、喷泉、浴池或来自珊瑚等等，甚至来自晶莹剔透的气泡。 在亚历山大·马克昆的设计里，他创造性地将生态学、原始世界和未来世界相混合，以天马行空式的款式、别出心裁的剪裁、温文尔雅的曲线，创作出一件件摇曳多姿的艺术品，极富有野性的魅力。 在1997年的国际流行舞台上，随着西方简约和冷漠设计形式的淡出，继之而起的是充满装饰意趣和神秘魅力的东方风格。如印度、中国、吉卜赛等风格，异彩纷呈，一片金碧辉煌，人们在其服饰的繁花似锦的装饰图安可，在缤纷色彩的跃动下，在柔美轻盈的面料里，尽显浪漫主义情怀。 由于现代艺术家竭力追求表现自我而纷纷打破传统风格，从而出现了各种流派，前卫风格就是对立体派、未来派、波普艺术（该艺术是50年代初在美国流行的一种艺术形式，针对抽象表现主义脱离生活的作法，提倡艺术必须回到日常生活中去，强调艺术的价值存在于任何平凡的事物之中，以游戏的心态为原则，非理性，非和谐，以丑为美）等现代艺术诸流派的总称，源于20世纪初，以否定传统、标新立异、创作前人所未有的艺术形式为主要特征。 如果说古典风格是脱俗求雅的，那么前卫风格则是有异于世俗而追求新奇的，它表现出一种对传统观念的叛逆和创新精神，是对经典美学标准做突破性探索而寻求新方向的设计。前卫的服饰风格，多用夸张及卡通的手法，或标新立异，或造型怪异，或诙谐幽默，表现出对现代文明的嘲讽和对传统文化的挑战。 90年代初的流行服装，是以前卫的风格为设计主流的，它是80年代末保守复古潮流的一个反向的趋势，其设计反映出不仅仅从传统服饰中寻找价值的意识，他们认为传统的设计僵化、麻木，让人激动不起来，常常需揭下传统文化道貌岸然的面具，用幽默诙谐的手法，开轻松的玩笑。 前卫的风格特点是离经叛道、变化万端、无从捉摸而又不拘一格。它超出通常的审美标准，任性不羁，以荒谬怪诞的形式，产生惊世骇俗的效果。 90年代以来，流行服装上的前卫风格，分别演绎了从50年代、60年代到70年代以来的表现风格，前卫的街头文化，即表现为50年代的“垮掉的一代”，60年代的“嬉皮士”，70年代的“朋克”，80年代的“雅皮士”，直到90年代的“X一族”。前卫的服饰风格成为他们反叛的一种精神象征，反映了西方反叛、以自我为中心的一代，他们因对现实的失望与厌倦，而只好在前卫风格的文化圈子里，寻找精神寄托的社会现实。 而正是这些风格前卫的五十、六十年代的街头文化、奇异的组合、怪诞的样式，给后来的设计师以极大的启迪和影响，冲破了人们在着装上的种种禁忌，设计师们把这些街头服饰的特点，用于日常便装的设计上，穿着起来舒适又方便，创造了很多独出心裁的个性化设计，适合了现代人在着装上年表化、休闲化、个性化的的审美需求，时装设计的重点，也由以往的表现成熟女性晚间社交场合的穿着，转向表现年轻人的日常便装的设计上来。 90年代初，人们在展望新世纪时，用前瞻的视野，利用现代高科技的手段，如透明的塑胶、光亮的漆皮，在流行舞台上创造了一个令人不可思议的未来世界，表现了对未来的无限畅想。未来主义（发源于20世纪的意大利，在反传统和革新艺术的旗帜下，以叛逆、无畏的精神打碎一切既定的偶像，颂扬运动、速度、力量和机械技术）的设计特点是反传统，但又缺少了嬉皮服装的燥热感，被人们谓之为“宁静的梦”，色彩单纯统一，多以银、白两色为主调，富有一种纯净感，使人们在惊异之余，体会设计师那种宁静和淡泊的心境。 蒂埃里·缪格勒（ThierryMugler，1948年生于法国，被称为“未来派”的设计师）的设计，用前瞻的视野，高科技的手段，塑造出轻快，摩登的风格；三宅一生（Isseymiyake）的设计，充满未来世界的沉寂与神秘，表现出一种穹谷幽冥般的感受。 “返归自然”的口号，最早出自法国思想家卢梭（1884-1910，法国思想家，推崇天真稚气，主张从主观感受出发，标榜人的原始本性），后来成为19世纪文艺运动的一个口号，20世纪90年代以来，也一直是现代流行服装的表现主题之一。 田园风格的设计，是追求一种不要任何虚饰的、原始的、纯朴自然的美。现代工业中污染对自然环境的破坏，繁华城市的嘈杂和拥挤，以及高节奏生活给人们带来的紧张繁忙、社会上的激烈竞争、暴力和恐怖的加剧等等，都给人们造成种种的精神压力，使人们不由自主地向往精神的解脱与舒缓，追求平静单纯的生存空间，向往大自然。而田园风格的服装，宽大舒松的款式，天然的材质，为人们带来了有如置身于悠闲浪漫的心理感受，具有一种悠然的美。这种服装具有较强的活动机能，很适合人们有郊游、散步和作各种轻松活动时穿着，迎合现代人的生活需求。 田园风格的设计特点，是崇尚自然而反对虚假的的华丽、繁琐的装饰和雕琢的美。它摒弃了经典的艺术传统，追求古代田园一派自然清新的气象，在情趣上不是表现强光重彩的华美，而是纯净自然的朴素，以明快清新具有乡土风味为主要特征，以自然随意的款式、朴素的色彩表现一种轻松恬淡的、超凡脱俗的情趣。他们从大自然中汲取设计灵感，常取材于树木、花朵、蓝天和大海，把触角时而放在高山雪原，时而放到大漠荒岳，虽不一定要染满自然的色彩，却要褪尽都市的痕迹，远离谋生之累，进入清静之境，表现大自然永恒的魅力。 风格的多元化是当代设计与审美的一个显著特点，服饰艺术既要从自然界、从历史和传统中去寻找温馨的人情味，又要借助现代高科技的手段，用前瞻的视野，表现对未来世界的无限畅想。作为现代服饰艺术的诠释者，只有对多种的审美意向持有高度的敏感性，才能创作出既令人惊喜又耐人寻味的作品。 简单来说： 朋克:朋克作为一种服装风格,真正的成功是在维维安·维斯特伍德(VivienneWestwood)那里,她被认为是20世纪最有创新精神的设计师之一,她的创作手法丰富多变,在设计中常引入亚文化和朋克的一些元素,而被公认为“朋克之母”。洛可可:浪漫主义的洛可可风格就是设计师在凡尔赛沙龙中获得了灵感而创造出来的。洛可可风格最显著的特征是曲线和不对称性，它采用了大自然中的动物、植物形象作为主要的装饰元素，大量的运用轻快柔美、简洁漂亮的不对称的曲线，体现了其典雅、洁净、高贵的气质。巴洛克:。“巴洛克”原是葡萄牙语“Baroque”，意为珠宝商人用来描述珍珠表面光滑、圆润、凹凸不平、扭曲的特征。追求动感，夸张尺度，形成了一种极富强烈、奇特的男性化装饰风格。而与随后的“洛可可”的女性化的细腻娇艳风格相对应。

marie elie是一个特别仙的女装品牌，这个牌子的衣服在女生中超级受欢迎，绝对可以满足你的公主梦，约会和参加活动都很适合。下面我给大家讲讲marie elie是什么牌子？ marie elie是什么牌子 Marie Elie，一个带有梦幻色彩的法国轻奢品牌，上个世纪九十年代诞生于浪漫的法国巴黎，延续着法国浪漫主义精神,采用真丝、提花、毛呢、皮草等高档面料，结合精湛的手工工艺使每一件衣服变得优雅而精致。Marie Elie品牌总店位于巴黎市中心塞纳河边毗邻巴黎圣母院，如今Marie Elie拥有世界各地的消费者，衣服款式系列涵盖各个年龄阶层，青春洋溢的少女和成熟优雅的女士都能在Marie Elie成衣系列里找到自己心中所爱。marie elie衣服怎么样 可能本姑娘年纪越大一岁就越少女心吧，这段时间超级喜欢Marie Elie这个牌子。和julia&julie chen....基本上是一个大种类，我们在这里就简称ME吧，ME是一个蛮有自己特点的，就是荷叶边，立体蝴蝶花朵，隐形亮片，桑蚕丝之类的一些少女心的东西。 首先衣服的均价都比较正常，连衣裙的话基本上大部分在3000-7000。有基本款，有定制的重工款。我觉得整体效果是很ok的。我170.102.基本穿的34或者36码。相当于xs和s因为我的肉在小腹。34刚刚一身，36宽松一些。 最先拿到衣服会觉得会不会有点扎人。因为有亮片和网纱嘛，但其实穿上去之后还好哦～因为它的美已经改过了舒适度哈哈。女人应该都是这样吧，不然10cm或者更好的高跟鞋怎么卖出去的～好像目前Marie elie专柜在上海，武汉有。其他地方不清楚哦。marie elie设计风格 marie elie设计师是Jean Luc amsler曾受邀担任YSL、Courreges、Scherrer、Dior、Cartier、Mugler等品牌设计师。他设计的衣服充满飘逸轻灵的唯美与梦幻。Marie Elie五大成衣系列有：Marie Elie Féerie(仙女)系列，表现女性遗世的清新脱俗;Marie Elie Elégance(优雅)系列，传递女性的高贵、性感;Marie Elie Académie(学院)系列，以黑白经典塑造简约时尚的学生时代;Marie Elie Palais(皇家)系列，充满贵族、奢华的气息;Marie Elie Edifice(建筑)系列，围绕着曼妙身姿尽情演绎着一幅幅结构感极强的现代服装。女装选购注意事项 西方学者雅波特教授认为，在人与人的互动行为中，别人对你的观感只有7%是注意你的谈话内容，有38%是观察你的表达方式和沟通技巧(如态度、语气、形体语言等)，但却有53%是判断你的外表是否和你的表现相称，也就是你看起来像不像你所表现出来的那个样子。因此，踏入职场之后，那些慵懒随意的学生形象或者娇娇女般的梦幻风格都要主动回避。随着年龄的增加、职位的改变，你的穿着打扮应该与之相称，记住，衣着是你的第一张名片。 服饰的流行是没有尽头的，无数的服装设计师在日复一日地制造着时尚，新的流行没有穷尽。但一些基本的服饰是没有流行不流行之说的，比如及膝裙、粗花呢宽腿长裤、白衬衫……这些都是“衣坛长青树”，历久弥新，哪怕10年也不会过时。这些衣物是你衣橱的“镇山之宝?不仅穿起来好看，穿着时间也长，绝对值得。拥有了一批这样的基本服饰，每年、每季只要根据时尚风向，适当选购一些流行服饰来搭配就行了。

夫妻吧？富坚义博对武内直子一见钟情，还挺浪漫

当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？他是最炙手可热的插画师也是时尚的最佳代言人大卫.唐顿DavidDownton,1959年生于伦敦。从孩提时代开始,对他最好的款待就是一大页白纸。然而,大卫没有想到的是,很久以后他可以依靠画为生。▲大卫.唐顿年轻时在画画▲工作室自成一幅画,和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。大卫最初学习的是平面设计专业,他的第一幅作品是20世纪80年代早期,为WhichComputer杂志设计的封面。▲大卫.唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。▲大卫.唐顿1998年为克里斯汀.拉克鲁瓦绘制的时装插画,材质为墨水彩盒纸张。曾有15年时间,大卫一直是自由职业插画师。无论有什么事情发生,他都很享受这种自由插画师的生活。▲大卫.唐顿1999年为让.保罗.高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特.摩斯为原型,以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名,是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。▲大卫.唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似,他运用的色彩富有现代性。▲大卫.唐顿1999年在伦敦创作的时装插画PalomaPicasso。材质为水粉、墨水盒纸张,醋酸纤维纸覆膜。▲大卫.唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画,模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。大卫的作品线条简洁流畅,很有质感,风格也不矫揉造作,可以很好地展现出人体的优美体态。因为这种独特的绘画风格,有一些人开始邀请他制作时装插画。其中,就包括85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯,她也是大卫的缪斯之一。▲大卫.唐顿2000年的纽约绘制的时装插画,模特为卡门.戴尔.奥尔菲斯,服装由ThierryMugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水绘制。▲大卫.唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜.佩姬绘制的肖像,他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美!▲大卫.唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达.哈莉齐绘制的肖像。他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、Eric这些艺术家心存景仰。因此,在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。1996年他为杂志制作过高级时装展的插图,1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。最开始他眼花缭乱完全没有准备,但是,巴黎时装秀实实在在地,激发出一个艺术家的灵感。巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。而这里的一切都让人神魂颠倒。在模特走秀的时候,大卫从来不作画。因为他发现那根本无法进行,他仅仅是摄影或者在一旁观看,并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。他抓住其他的任何机会来画,模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。比如:试衣的时候,有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间...▲化妆品也是他的工具,起笔和落笔之间动人心扉,浓淡皆宜。大卫说:“我最开始画的时候,认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而,第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上,在凯特.摩斯消失之前,我仅仅才画出她的胳膊!所以,享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。”▲草稿也动人大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉,然后才是比例、颜色等一些细节,然而,这一点是较难做到的。▲草稿也动人大卫画无数份的设计草样,然后从中挑选出最好的,画得差不多的时候他就开始剔除,“分解—重建”它们。他持续地画,一直到它们看起来自然为止。他为世界各地的知名媒体,如《泰晤士报》《独立报》,以及Harper"sBazaar(a澳洲版)等,撰写时装的相关报道。并在伦敦举行过三次个展,在纽约也举行过一次个展。近年来,他还为香港的购物中心设计视觉图像,以及为Vogue女性时装系列绘制插画。▲大卫.唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎,材质为水粉、水彩和纸张。▲大卫.唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。▲大卫.唐顿2005年受Vogue(中国版)委托绘制的插画ValentionFitting。材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸。▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装画,材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。▲大卫.唐顿2007年受Madame杂志(德国版)委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水和水粉绘制。▲大卫.唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。▲大卫.唐顿2008年为自己的杂志PourquoiPas绘制的插画,模特为蒂塔.万提斯,服装由拉克鲁瓦设计,材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸覆膜。大卫是不是把性感舞娘画的淋漓尽致~要想功夫深铁杵磨成针～想拥有超越别人之外的能力,就要将能力修炼到极致!时装插画基础|时装人体比例详细图文步骤教程时装人体也被称为“草图”人体,是基本的时装体形,我们可以在画出人体的基础上设计服饰或绘制平面图,这也是时装插画的起点。勾画时装人体草图首先,必须要先熟悉比例的一些规则。时装人体用“头长”来计量,每个头长代表1英寸。正常情况下时装人体基本是10头长的,但不代表9或11头长就完全不正确了,更多时候是需要根据绘制的服饰特点来决定。比如宽松的衬衫,大衣袖或大领子,而且有很多紧身胸衣的细节时,可能要有更长的腰部和脖子;如果是夸张的蝙蝠袖,手臂应该更长一些。如果是裙子,就需要腿部更长一些。不同的服饰需要不同的焦点,不同的焦点需要不同的夸张画法。下面以10头长人体举例:1.在纸上画一条垂直线,然后等分成10个区间。最顶端的线为0,最底端的线为10。每条线都代表着人体不同的部位。2.头部:在0~1之间,画一个椭圆。下巴正好位于线条1上。3.肩颈:在1~2之间画出脖子和肩膀。肩宽大约为1.5个头长(特殊款式的服饰可能不同)。4.腰臀:从肩膀两端(肩线)分别向下画一条线到腰线位置,腰部宽度大约为头长的3/4。从腰身两端(腰围线)分别画一条线到臀部(臀部最高点4),臀部宽度大于头长和腰部,小于肩宽。5.腿部:从臀部两端分别画一条逐渐收细的直线,从4~10。6.脚部:在腿部下端外侧分别画一个三角形。三角形的底边为脚趾,在线条10上,三角形顶点为脚踝。7.手臂:在肩线位置分别向下画逐渐收细的线条至手腕处。8.手部:用矩形和三角形粗略画出手部,指尖在线条5上。现在已经画出一个粗略的基本人体了。9.修匀人体的各部位。(头部,脖子与肩部自然衔接,腋窝到腰部,上臀围的线条,臀部,胯部到脚踝,双脚,手臂)关于时装人体理想的体型比列问题,其实需要灵活看待,并且还要接受时装的变化。某个年代看起来完美的东西,在另一个年代看起来可能会特别奇怪。比如用现在的标准来看20世纪50年代的梦露,可能很多人会觉得她有点胖~以下标准决定了某个时代的“完美”时装人体:那个时代的模特或名人强调身体的部位和人物的某种姿态合身的服饰和内衣或者其他装饰,或没有装饰总体来说时装人体必须比普通人体更高一些,这样才能更好的展示时装,在照片或者艺术作品中凸显时装的效果。感谢你常来!更多精彩手绘教程,请关注后续更新。(文章首发微信公众号,大家可以留言说出感兴趣的内容哦)时装插画|不会画效果图,从油画棒开始~零基础也能完美逆袭教程|歪果仁的花生鸡零基础手绘彩铅世|十里桃花不如一盘陈麻婆豆腐零基础手绘彩铅教程(2)用PS合成时尚潮流艺术人物插画本教程介绍近期最为流行的潮流艺术插画设计方法。这类图片设计风格非常个性,制作的时候用一些喷溅及高光元素来装饰人物,来表现画面的动感和艺术感。再配上独特的色调,画面显得更有个性。教程中部分素材需要自己去网上下载。最终效果一、对女孩的照片制作蒙版。点击圆圈中按钮,这样,你在照片层中会得到一个白色方块。然后,使用黑色的钢笔工具或画笔工具擦除背景。(请确认你是在白色方块,而不是在照片本身上进行操作。)二、执行图像调整色相/饱和度,将中间的锚点拖向灰色区域,以使模特变为灰度。另一种更为简单的方法是按住CMD+SHIFT+U(PC机中的CTRL键通常与苹果机中CMD键用法一直)。创建新的空白层,并将其置于底部。对它执行图层新建填充涂层纯色。调节模特照片的尺寸大小。通过调整,我将照片略微缩小,以使它更适合作品。调整尺寸的快捷键为CMD+T。(在调整尺寸的状态下,你不妨偶尔尝试按住shift、ctrl或cmd键,这可以得到不同的效果。)三、复制图层。执行图层复制图层(模特层),或者按CMD+J。然后执行图层创建剪切蒙版。现在,顶部图层应当有小箭头指向下面的图层。#p#副标题#e#四、对顶部图层作处理。执行图像调整阴影/高光。点击选框“显示更多选项”,然后修改阴影数量为100,调整中间调对比度为-100。然后再使用滤镜模糊高斯模糊,半径值约为3.0。然后将混合模式从正常改为变亮。不透明度的选框紧靠在混合模式旁,确保其值为70%。另外,在这个剪切蒙版图层中,用蒙版将脸部覆盖,使脸部不那么模糊。如果你的所有步骤都正确,那么它会看起来像下面这张图。五、复制底部的模特图层,并将其置于顶部,然后将其设为剪切蒙版。然后,对顶部图层执行图像调整阴影/高光。参照下图参数,并且最后执行混合模式变亮。六、复制顶部图层。这次只使用模特的右手,将其他部分遮蔽掉。然后执行图像调整曲线。如果调整后的样子没你想要的那么白,那么将混合模式改为变亮。复制这个右手的图层。同时选中两个右手图层,并通过执行图层合并图层将它们合并。将这个图层设为剪切蒙版。七、将背景设为黑色。双击图层,选择颜色叠加,双击红色方块,并选取黑色。在另一个窗口打开你的喷溅图片,然后执行选择色彩范围。在得到你想要的选区之后,点击确定。在许多情况下,这选区选中的是你并不想要的东西,这时执行选择反向来修正它。现在,将喷溅图片拖入我们工作的窗口。通过执行CMD+SHIFT+U将图片转为灰度。重复第七步,让它变得更白。#p#副标题#e#八、使用蒙版来修正喷溅,以使其与模特的靴子相协调。另外,这个图层应当置于顶部,并且不要放在模特的剪切蒙版中。接着,按照自己的意愿,用飞溅笔刷在四周涂抹。在不同地方使用不同透明度,以便混合后达到好的光感。另外,也可以添加一些其他的特殊笔刷。要注意的是,这些操作都是在蒙版中进行的。记住:两个模特层应该始终处于顶端,而到现在为止,我们置入的其他东西应当放在底部。现在我们再来添加一些喷溅。置入一张新的喷溅图片,或者复制之前的那一张。九、使用飞溅笔刷在不同的层上添加不同的色彩。十、在背景层上方新建一个层,使用套索工具绘制一个三角形。当三角选区激活时,用笔刷在选区外涂抹,以达到这样的酷炫效果。十一、再次返回白色背景层,在中间稍微添加些额外的灰色。双击图层,并设置下图参数。#p#副标题#e#十二、添加更多的飞溅,不过这次绘制在模特层后面,而不是蒙版当中。制作一些三角形和圆形。我在三角形上添加了紫色,为圆形图上了白色,并且降低了它们的不透明度。你也可以在形状工具的选项板里找到这些图形。用套索工具创建一条线条,让它存在于之前在背景中制作的那些线条中,然后将它向上略微移动。这样你就得到了一个额外的效果。在这个线条中,我使用了紫色,并将不透明度降低为5%。十三、在作品中放入一些球,或者其他什么你喜欢的。我将自己的一些小东西放在Illustrator中,并用网格工具添加了一些效果。然后,我将它们粘贴到Photoshop中,并将其混合模式改为滤色。用画笔在这些东西后面绘制一些阴影,另外,你也可以用白色调和一下这些阴影。#p#副标题#e#十四、光效。我将向你演示如何制作那些光效。但是,这里也只是粗略带过,你需要自己稍加练习来掌握它。十五、制作一些一闪一闪的星星,并且擦亮它们白色的部分,这样会让它们真的闪闪发光。最后,添加些简单的东西。十六、仔细检查你的图像,寻找那些不自然的地方。目前看来,手有些奇怪。新建一个层,并将它放在模特的剪切蒙版中。使用白色笔刷来绘制手的边缘,让它看起来很甜美。接下来是最终成品!#p#副标题#e#

如何成为一位插画师一_掖庸蟠侵,给了自己一个学习插画的理由我大学的专业是理工科,在国企工作了两年后辞职,辞职后的这一年我是怎样学插画的呢?从去年这个时候开始学插画,整整一年了,跟大多数人一样,刚开始萌芽要学插画的时候,我也收到了很多阻碍的声音,比如:你现在开始太晚了...做插画是很需要功底的,而你没有......这些说的都没错,但是还是没能阻止我开始。原因当然是热爱。如果能做自己热爱的工作真的太幸运了。尤其是现在插画已经广泛运用到各行各业中,包括启动页、banner、专题、刷新页、详情页、icon、弹框、背景图、节日闪屏、表情包、包装、vi设计、书籍插图,还有很多的插画周边等等,甚至现在ui设计中会插画也成了一个加分项。会插画太重要了,就算是只当作一个爱好,你也会发现整个生活都更美好了。二_鹑怂盗慊≡趺纯赡苎Ш貌寤,我说,能,简单,不难这一年有很多人问我,非科班、零基础真的可以学好插画吗?你真的是零基础吗?我的学习经历告诉我,是可以的!没有人生来就会插画,所有优秀的插画师都是一点点学的,所以我们也一样可以。而且很多插画师都很善于分享,我也从中受益颇多,虽然我现在画的离他们还是有很大差距,但是在我整理我这一年的作品时,很欣慰已经有飞一般的进步了。三_没有方法的自学插画,其实只是在给自己挖坑我刚开始自学插画的时候,就知道抱着书看,或者从网上扒拉了一堆视频教程,但是总觉的学着学着就卡壳了,学的总是散乱差,脑子一团浆糊,在自学的道路上,越前进,越费劲,越有一种想要放弃的冲动,内心真是越来越崩溃啊。后来我请教了一下大学同学王羽柔,她大学毕业后做的是插画这一块,她说,你现在连半瓶子不满一瓶子晃悠的水平都没达到,还好意思玩自学,甚至于说,你连最基本的概念都晕头晕菜的,你这不是在自学,你这是在自我欺骗。然后王羽柔把我整到了一个原画板绘插画大型学习资源(裙),里面各种视频教程都很系统,每天都有老师在里面分享相关知识,我就在里面天天猫着听呗,还别说,我还真的正儿八经的学会了插画,我内心的疑惑也都一扫而光。很多小伙伴一直在问我那个原画板绘插画大型学习资源(裙)怎么找到,我给大家分享一下吧,首先开头的一组数字是:二三九,其次位于中间的一组数字是:八六九,最后处于尾部的一组是:三七七,把以上三组数字组合起来即可,我个人感觉,在学习的道路上,能够有一个好的学习基地陪伴,自己心里不会发慌。四_我学插画的过程,你们可以复制,相信自己,未来可期(1)工欲善其事必先利其器-工具篇我常用的工具包括一台电脑、PS软件、wacom手绘板。电脑我用的是,macbookpro15寸笔记本。目前我所有的插画都是用PS画的,PS是相对SAI、AI、SKETCH来说最综合的软件。手绘板是需要一些手感的,很多小伙伴说不是很会用,多练几次就好了。可能是我恰恰没有手绘功底的缘故,我第一次用手绘板的时候反而觉得好用,觉得在板上画几下就可以在PS里呈现出来,太有趣了,分分钟爱上了手绘板,所以我接触插画并不是从纸上过渡到手绘板,而是直接上手手绘板,根据遇到的问题反复查缺补漏。(2)临摹---不会咱就模仿,先抄了再说因为没有美术基础,手绘对我来说是最难的,刚开始真的没办法画出来,我就从网上找好看的插画临摹,挑一些画面简单的,比如一些植物,一只小动物,一个小人像这样的。(3)半临摹---光模仿没意思,模仿了还要玩花样临摹了大概三四个之后,其实板绘的大概几个表现方式就已经掌握了,而且会发现跟原作比较的话,临摹的还是不错的。接下来我就发现,光临摹是没有用的,因为临摹的再好,也是别人的成果,你只是在模仿,能学到的就只是原作的表现方式,说白了就是一些软件的技法。真要自己去画,脑子里根本没想法,手上也不知如何下笔。这时候我开始试着半临摹了,也就是在原作的基础上,加一些自己的想法,相当于在掌握的技法上加入一些自己的手绘想法,通过搜集素材,把认为有用的,替换或者修改到原作的画面中(方法是先在纸上画草稿,再手机拍照传到PS里画),或者改变原来的画面构图等等。总之,将原作按照自己的想法修改,这些都是那个阶段的作品。对于没有美术基础的我来说,这一步能做好挺难的,那时候就感觉画什么都很费劲儿,自己也在本子上练习过,但是还是有种闭门造车的感觉,进步太慢了。我从王羽柔说的那个学习基地里,找了一套素描教程,来恶补一直以来被所有人提到的美术功底。刚开始连线都画不直,所以从画直线开始练习,到几何体的起型、上调子、塑造明暗关系等等,通过学习素描,我开始对光影的表现、造型等都有了系统的理解。学习素描——几何体,静物,风景,人体结构及速写。将学到的知识,我尽可能的运用到我的板绘中,渐渐感觉不是那么吃力了,画手绘也会好一点了。(4)原创---把别人的东西学到手,融会贯通形成自己的接下来就是原创了,其实原创并不是完全的凭空去想出来,然后就画,而是建立在很多素材的基础上的。我的方法是,把我想画的东西在网上搜集图片、照片,找出自己喜欢的,然后把脑海中的画面所涉及到的元素,从不同的领域搜集到一起,按照自己的想法,组合成一幅画面。这里印证了一句话:创新,就是旧元素的新组合。另外,这个阶段我也开始研究更多的板绘技法了,经常跟学习基地的老师要很多视频教程,然后跟着画,因为插画有很多风格的,比如写实的、扁平的、肌理的等等,对我来说我喜欢扁平的、比较清新风格的,所以我就分析这些插画是怎么表现的,用的什么笔刷、颗粒感是怎么做出来的、叠加了什么材质,配色为什么好看,然后吸这些配色看怎么能运用到自己的插画等等。然后开始将这些技法总结下来,成为自己的东西,但不能照搬,而是运用到无形中,形成自己的风格。五__安灰芟胱呓菥,但可以有踏踏实实的方法学习需要一个过程,需要吃苦,不要总想着一步登天,这是不现实的,既要踏踏实实,也要讲究方式方法,在努力中展现智慧,在智慧中成就努力。(1)关于软件对于PS软件的学习,这里有个小插曲,因为在我没有学插画之前,当然,那时候我还不知道手绘板是个啥,那时候我在研究摄影,因为我比较喜欢摄影,而摄影就不可避免到要做后期,所以,我开始学PS是为了修图或者做海报的。好了,插曲讲完了,真正的干货来了。我学习PS是通过看了一本书,叫做《毫无PS痕迹》,这本书很厚,我去年11月刚辞职那会开始学的,零零散散差不多看了快一个月,但是当时真的学的超仔细,毕业后很少这么卖力的看一本工具书了,还做了各种标记,现在看看都挺佩服自己的。看完这本书时,当时真有种精通了PS的感觉啊,哈哈。其实,只画画的话,没必要精通啦,用到的无非是那几个工具。(2)关于网站我日常用的最多的网站有站酷、花瓣,上面有很多优秀的作品,可以拿来临摹练习。站酷和UI中国上还有一些设计大赛,感兴趣的可以参加一下,我参加过海报设计大赛还有一些图案的设计大赛,都是一些很好的体验,主要是能学到在同一个题目下,其他的优秀设计师会用什么样的思路和表现手法。花瓣网好好利用起来,也是很有帮助的,平时可以把自己喜欢的插画或者素材都分类采集到花瓣网,用到的时候就可以直接去看,像是自己的一笔财富。我还专门收集了一个我的灵感库,里面都是我浏览到的一些比较有创意的素材,基本都是会有我很难会想到的一个点。然后没有灵感的时候,我就会去翻翻看,往往会有一些收获。(3)关于书籍我之前是在国企上班的,国企真的是感觉温水煮青蛙,现在想想那时候要么上班,要么一下班就无所事事,周末就想着怎么消遣,去哪儿逛街,逛淘宝,买各种衣服,衣柜里塞的满满的,但是一到换季还是没有衣服穿......从去年辞职后,我慢慢改变了很多,买买买的不是衣服了,而是各种书,设计的、插画的、摄影的、学习方法的、文案的、运营的、生活品质的等等,学习资源基地的老师让我看的一些书单,我个人感觉也很有帮助。《配色设计原理》《速写实用教程》《插画教室专业插画设计技法精解》《如何成为一名插画家》《自由绘画:插画师要知道的84个创作技巧》(4)关于创作创作,其实就是一个大量的积累后的有效呈现,这里的积累,我觉得是多看、多练、还要多记录。多看是多看好的作品,激发创作欲望。多练是多练手绘技巧,提高创作速率。多记是多记瞬时灵感,增加创作思路。以上都是我自己总结的,不知道对不对,但是我突然发现我总结的还挺好的,至少整齐,像是一本正经的胡说八道,哈哈。多看我就不说了,上面都已经很详细的写了去哪里看。多练我也不说了,练就是了,不怕多,我也在持续练习中。多记我要嗦一句,因为我发现很多灵感都是一瞬间的,不知道你们有没有这种感觉,比如,我在做饭的时候,突然想到一个画面一定要画下来,然后就想着,等会做好了饭,一定要记下来这个想法,但是等做好了饭,突然问自己,刚刚说要记下来的是什么来着????所以不管在做什么,或者外出,我也一般包里都装一个小本子,一有想法就立马记下来,因为下一秒钟你就有可能失去它了,导致你要再想好久才能跟它相遇。当然,如果你有忘不掉它的特异功能,可以忽略这一条。以上就是我一些主要的学习方法,希望可以帮到你。记得哦,多看、多练、多记录!当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？他是最炙手可热的插画师也是时尚的最佳代言人大卫.唐顿DavidDownton,1959年生于伦敦。从孩提时代开始,对他最好的款待就是一大页白纸。然而,大卫没有想到的是,很久以后他可以依靠画为生。▲大卫.唐顿年轻时在画画▲工作室自成一幅画,和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。大卫最初学习的是平面设计专业,他的第一幅作品是20世纪80年代早期,为WhichComputer杂志设计的封面。▲大卫.唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。▲大卫.唐顿1998年为克里斯汀.拉克鲁瓦绘制的时装插画,材质为墨水彩盒纸张。曾有15年时间,大卫一直是自由职业插画师。无论有什么事情发生,他都很享受这种自由插画师的生活。▲大卫.唐顿1999年为让.保罗.高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特.摩斯为原型,以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名,是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。▲大卫.唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似,他运用的色彩富有现代性。▲大卫.唐顿1999年在伦敦创作的时装插画PalomaPicasso。材质为水粉、墨水盒纸张,醋酸纤维纸覆膜。▲大卫.唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画,模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。大卫的作品线条简洁流畅,很有质感,风格也不矫揉造作,可以很好地展现出人体的优美体态。因为这种独特的绘画风格,有一些人开始邀请他制作时装插画。其中,就包括85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯,她也是大卫的缪斯之一。▲大卫.唐顿2000年的纽约绘制的时装插画,模特为卡门.戴尔.奥尔菲斯,服装由ThierryMugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水绘制。▲大卫.唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜.佩姬绘制的肖像,他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美!▲大卫.唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达.哈莉齐绘制的肖像。他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、Eric这些艺术家心存景仰。因此,在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。1996年他为杂志制作过高级时装展的插图,1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。最开始他眼花缭乱完全没有准备,但是,巴黎时装秀实实在在地,激发出一个艺术家的灵感。巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。而这里的一切都让人神魂颠倒。在模特走秀的时候,大卫从来不作画。因为他发现那根本无法进行,他仅仅是摄影或者在一旁观看,并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。他抓住其他的任何机会来画,模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。比如:试衣的时候,有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间...▲化妆品也是他的工具,起笔和落笔之间动人心扉,浓淡皆宜。大卫说:“我最开始画的时候,认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而,第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上,在凯特.摩斯消失之前,我仅仅才画出她的胳膊!所以,享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。”▲草稿也动人大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉,然后才是比例、颜色等一些细节,然而,这一点是较难做到的。▲草稿也动人大卫画无数份的设计草样,然后从中挑选出最好的,画得差不多的时候他就开始剔除,“分解—重建”它们。他持续地画,一直到它们看起来自然为止。他为世界各地的知名媒体,如《泰晤士报》《独立报》,以及Harper"sBazaar(a澳洲版)等,撰写时装的相关报道。并在伦敦举行过三次个展,在纽约也举行过一次个展。近年来,他还为香港的购物中心设计视觉图像,以及为Vogue女性时装系列绘制插画。▲大卫.唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎,材质为水粉、水彩和纸张。▲大卫.唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。▲大卫.唐顿2005年受Vogue(中国版)委托绘制的插画ValentionFitting。材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸。▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装画,材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。▲大卫.唐顿2007年受Madame杂志(德国版)委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水和水粉绘制。▲大卫.唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。▲大卫.唐顿2008年为自己的杂志PourquoiPas绘制的插画,模特为蒂塔.万提斯,服装由拉克鲁瓦设计,材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸覆膜。大卫是不是把性感舞娘画的淋漓尽致~要想功夫深铁杵磨成针～想拥有超越别人之外的能力,就要将能力修炼到极致!如何成为插画师？1、要了解插画的基本功。结构是指所画事物的解剖,插画师必须了解动物或物品的内在结构。肌肉、骨头、皮肤、毛发、躯干、根系、枝条、树叶这些都是结构的组成。2、其次要熟悉你所要用到的软件,可以到网上找到很多此软件方面的教程,通过使用网格画形状,或者将每个物体分解为更多简单的形状,比如方块或三角形,以得到一种便简化草图的方式。3、模仿,可以先找一些简单的插画进行临摹,达到自己满意的效果后,可以找一些自己喜欢的相对有难度的插画进行练习。4、平时多看一些插画的作品,参考学习别人作画的技巧,加以锻炼强化自己。5、接下来可以找一些关于插画的工作,不为工资只为在工作中学习成长。扩展资料:1、插画作为一种艺术形式,已经成为现代设计的一种重要的视觉传达形式,以其直观的形象性,真实的生活感和美的感染力,在现代设计中占有特定的地位,现已广泛用于现代设计的多个领域。2、插画家主要工作包括替书籍、杂志、报纸、说明书、小说、教科书等刊物绘制插画、封面,也从事绘画贺卡、海报、广告、喷画、幽默画等。分为电子插画和纯手绘。3、游戏和影视插画设计师更是需求量巨大,和游戏行业类似,每一部影视作品也会有大量的分镜绘制、场景设计工作,这些无疑造就了游戏影视行业对插画师大量的需求。参考资料:-插画师

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时装插画：那个有着500年历史的”时尚女魔头“时装插画已经存在了将近500年,自从有了衣服以后,就需要将设计衣服的思想或形象转化为时装插图。这种视觉形式起源于插画,绘画和油画,也被称为“时装素描”。时装设计师主要使用“时装素描”在纸上或数字方式上集思广益,它在设计中的主要作用是在缝制实际衣服之前可以预览和可视化最后的结果。接下来,我们就分阶段的看一下时装插画这个有着500年历史的”时尚女魔头“有着怎样的历发展进程。一.时尚插画的开始时装插画始于16世纪,当时全球的探索和发现导致人们对世界各个国家的人们的着装而着迷。印制了说明不同社会阶层和文化适合穿着的书籍,以帮助消除对变革的恐惧和这些发现所造成的社会动荡。在1520年至1610年之间,出版了200多种这样的版画,蚀刻版画或木刻作品集,其中包含穿着特定国籍或等级的人物的图板。这些是最早的服饰插图,也是现代时装插图的原型。这些插图很可能会被礼服设计师,裁缝师,及其客户所使用,以激发新的设计灵感。十七世纪的艺术家雅克·卡洛(JacquesCallot)和亚伯拉罕·博斯(AbrahamBosse)都使用现代雕刻技术来制作逼真的时代服装和服饰细节。这些期刊从1670年代开始在法国和英国开始发行,被认为是第一本时尚杂志,其中包括LeMecureGallant,TheLady"sMagazine,LaGalleriedesModes,LeCabinetdesModes和LeJournaldesDamesetdesModes。在此期间,出版期刊的数量有所增加,这是对市场中越来越渴望了解最新时尚新闻的女性读者的反应。直到在18世纪末和19世纪初,男性风格的插图才变得与女性插图同样重要。二.十九世纪的时尚图样(Thefashionplate)时装图样(Thefashionplate)在18世纪后期独占鳌头,在巴黎风靡一时,期间诸如HoraceVenet的《IncroyablesetMerveilleuses》等出版物,以及在拿破仑一世时期的乔治·雅克·加丁(Georges-JacquesGatine)雕刻的一系列水彩时装图都名噪一时。法国作为时尚仲裁者的地位确保了国内外对时尚插画的不断需求。这种对流行服饰的兴趣以及对流行服饰的获取日益广泛,导致在19世纪出现了150多种时尚期刊。这些高度详细的时装插图捕获了时装趋势的信息,并提供了一般的制衣指导。高级服装定制也是这个阶段出现的(出现在1860年代),时装公司聘请了插画家,他们将与女装设计师直接合作,设计师将织物挂在现场模型上时,插画家则会勾勒出新设计的草图。他们还会在完成的系列中绘制每个设计的插图,然后可以将其发送给客户。到19世纪末,手工彩色印刷被全彩色印刷所取代。时装图样开始使用两个人物,其中一个人物可以从背面或侧面看到,以便可以从更多角度看到服装,从而使复制更加容易。19世纪插画家的重点是准确性和细节性。他们遵守静态的图像约定,以便为观看者提供全面的信息和指导。三.二十世纪的时尚杂志和插图二十世纪初期的几十年来,现代意义上的时装插画首次开花。随着最新时装样式的发行变得越来越有利可图,时装插画师的工作成为一种职业。时尚以前是单个艺术家的作品,现在正成为一个行业,以前所未有的数量生产新商品,以填补百货公司的空缺。这些商店发明了一种新的全名消遣方式-购物文化。法国奢侈杂志《宪报》(Gazettedubonton)于1912年至1925年出版,汇集了一群年轻艺术家,他们在诠释时尚方面获得了前所未有的自由。伊里贝(Iribe)是这些时尚插画家之中的领军人物,为著名的出版物做出了贡献,其中还包括查尔斯·马丁(CharlesMartin),爱德华多·加西亚·贝尼托(EduardoGarciaBenito),乔治·巴比耶(GeorgeBarbier),乔治·勒帕佩(GeorgesLepape)和翁贝托·布鲁内莱斯基(UmbertoBrunelleschi)。他们为《宪报》制作的印版展示了日本木刻版印刷品的影响,以及装饰艺术风格新的变化。在美国,大众市场时尚杂志《Vogue》和《Harper"sBazaar》涵盖了社交场合以及当代服装的流行趋势。Harper"sBazaar杂志与鬼才埃特(Erte)签订了独家合同,该合同从1915年持续到1938年,是出版历史上最长的合同之一。从1910年到第二次世界大战爆发,《Vogue》杂志的封面始终带有插图。Vogue的早期封面展示了由美国插画家海伦·德莱顿(HelenDryden),乔治·沃尔夫·普朗克(GeorgeWolfPlank),乔治·勒帕佩(GeorgesLepape),莱恩德克尔(F.X.Leyendecker)创作的艺术品。第一次世界大战后,欧洲艺术家加入了他们的行列,其中包括爱德华多·贝尼托(EduardoBenito),查尔斯·马丁(CharlesMartin),皮埃尔·布里索(PierreBrissaud)和安德烈·马蒂(AndreMarty)。四.时尚插画的黄金时代1920年代到1930年代代表着时装插画的“黄金时代”。每个商业艺术家都被认为是时装艺术家,都是完美的绘图员。许多人能够凭权威和信念来代表织物的质地,光泽甚至重量。摄影和印刷的新技术发展开始将照片的复制直接放置在杂志的页面上,这意味着时尚图样不再是现代生活的代表。到1930年代初,照片开始成为杂志的首选,Vogue杂志在1936年报道说,摄影封面的销售情况更好,插图开始被放入到内页。随着1929年股市崩盘后的经济衰退,美国时装业对巴黎时装的依赖程度有所降低。在两次世界大战期间,美国的服装制造取得了长足的进步,改进了大规模生产方法并标准化了尺码。中产阶级妇女依靠熟练的裁缝师以负担得起的价格可以购买最新的时装设计,而诸如Vogue和Women"sJournal这样的杂志出版的图案对于家庭裁缝师来说是无价的。Vogue杂志的主要目的是尽可能向读者展示时尚,摄影使插画家摆脱了对服装进行精确记录的需求,而更倾向于诠释时髦的服装。据该杂志的出版商抱怨说:“艺术家们主要是对获得有趣的图画和装饰效果感兴趣,他们被忠实地报道当代时尚精神的任何事情所累,因此感到无聊。”迪奥在1940年代后期的“NewLook”为战后时尚复兴提供了灵感。从许多方面来说,这是一种倒退的风格,回到过去而不是对未来进行展望,但它也象征着回到更加开朗,乐观的时代。五.时尚插画的毁灭与复兴到1950年代,时装编辑已经将更多预算用于摄影的编辑传播。随后将时尚摄影师提升为名人,这意味着插画家必须满足于制作内衣和配饰的文章,或从事广告活动。1960年代,时尚插画在杂志出版业中的地位不断消失,这一趋势在面向青年的青少年杂志的新类别中有所体现,1960年代发行了许多此类杂志,所有这些插图都将插画作为摄影的廉价替代品。安东尼奥·洛佩兹(AntonioLopez)是这期间唯一在Vogue杂志上定期亮相的艺术家,他的职业生涯始于《女装日报》。在20世纪下半叶,时装插图一直难以生存,直到1980年代才开始复兴。新一代艺术家在诸如LaModeenpeinture(1982),CondeNast"sVanity(1981)和Visionaire(1991)之类的杂志中都有发行。这种复兴归功于广告活动,特别是Barney在1993-1996年的纽约广告活动。六.今天的时尚插画介于精美艺术和商业艺术之间,时装插画在最近被重新评估为一种重要的流派。由于美丽和优雅在时尚和艺术领域都已过时,因此时尚插画有时看起来像是回到了更早的时代。摄影术非常擅长记录服装的详细信息,因此插画家的重点不再是服装的精确呈现,而是解释服装和可能的穿着者。在二十世纪末和二十世纪初,由于数字工具和社交媒体平台的支持,它发展出了一系列独特的艺术风格。1990年代,先驱插画师EdTsuwaki,GrahamRounthwaite,JasonBrooks和KristianRussell等在计算机绘图领域开始兴起。这一时期见证了计算机设计程序AdobePhotoshop和Illustrator的出现,也见证了传统的基于艺术的时装插画形式的复兴。纽约的帕森斯设计学院和FIT学院开始提供插图作为其时装课程的专用元素。手工制作的“传统”插图一直在复兴,时装插画家经常回望过去的大师,寻求风格灵感。以经典方法为基础的时装插图已成功地与更现代的流程所创造的插图相得益彰。最近,插图通过时装设计师和插画家之间的合作而流行。随着社交媒体的使用,时装插画家开始引起人们的关注。时尚插图充满活力色彩,错综复杂的图案和无穷无尽的个性,给人留下深刻的印象。欢迎围观公号『绘实践』,可免费领取插画师绘画秘籍大礼包,了解世界商业插画价格行情。当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？他是最炙手可热的插画师也是时尚的最佳代言人大卫.唐顿DavidDownton,1959年生于伦敦。从孩提时代开始,对他最好的款待就是一大页白纸。然而,大卫没有想到的是,很久以后他可以依靠画为生。▲大卫.唐顿年轻时在画画▲工作室自成一幅画,和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。大卫最初学习的是平面设计专业,他的第一幅作品是20世纪80年代早期,为WhichComputer杂志设计的封面。▲大卫.唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。▲大卫.唐顿1998年为克里斯汀.拉克鲁瓦绘制的时装插画,材质为墨水彩盒纸张。曾有15年时间,大卫一直是自由职业插画师。无论有什么事情发生,他都很享受这种自由插画师的生活。▲大卫.唐顿1999年为让.保罗.高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特.摩斯为原型,以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名,是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。▲大卫.唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似,他运用的色彩富有现代性。▲大卫.唐顿1999年在伦敦创作的时装插画PalomaPicasso。材质为水粉、墨水盒纸张,醋酸纤维纸覆膜。▲大卫.唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画,模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。大卫的作品线条简洁流畅,很有质感,风格也不矫揉造作,可以很好地展现出人体的优美体态。因为这种独特的绘画风格,有一些人开始邀请他制作时装插画。其中,就包括85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯,她也是大卫的缪斯之一。▲大卫.唐顿2000年的纽约绘制的时装插画,模特为卡门.戴尔.奥尔菲斯,服装由ThierryMugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水绘制。▲大卫.唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜.佩姬绘制的肖像,他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美!▲大卫.唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达.哈莉齐绘制的肖像。他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、Eric这些艺术家心存景仰。因此,在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。1996年他为杂志制作过高级时装展的插图,1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。最开始他眼花缭乱完全没有准备,但是,巴黎时装秀实实在在地,激发出一个艺术家的灵感。巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。而这里的一切都让人神魂颠倒。在模特走秀的时候,大卫从来不作画。因为他发现那根本无法进行,他仅仅是摄影或者在一旁观看,并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。他抓住其他的任何机会来画,模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。比如:试衣的时候,有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间...▲化妆品也是他的工具,起笔和落笔之间动人心扉,浓淡皆宜。大卫说:“我最开始画的时候,认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而,第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上,在凯特.摩斯消失之前,我仅仅才画出她的胳膊!所以,享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。”▲草稿也动人大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉,然后才是比例、颜色等一些细节,然而,这一点是较难做到的。▲草稿也动人大卫画无数份的设计草样,然后从中挑选出最好的,画得差不多的时候他就开始剔除,“分解—重建”它们。他持续地画,一直到它们看起来自然为止。他为世界各地的知名媒体,如《泰晤士报》《独立报》,以及Harper"sBazaar(a澳洲版)等,撰写时装的相关报道。并在伦敦举行过三次个展,在纽约也举行过一次个展。近年来,他还为香港的购物中心设计视觉图像,以及为Vogue女性时装系列绘制插画。▲大卫.唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎,材质为水粉、水彩和纸张。▲大卫.唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。▲大卫.唐顿2005年受Vogue(中国版)委托绘制的插画ValentionFitting。材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸。▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装画,材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。▲大卫.唐顿2007年受Madame杂志(德国版)委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水和水粉绘制。▲大卫.唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。▲大卫.唐顿2008年为自己的杂志PourquoiPas绘制的插画,模特为蒂塔.万提斯,服装由拉克鲁瓦设计,材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸覆膜。大卫是不是把性感舞娘画的淋漓尽致~要想功夫深铁杵磨成针～想拥有超越别人之外的能力,就要将能力修炼到极致!服装设计中常见的插画的艺术风格有哪些？可以详细说说吗？1.波普风格波普风格的插画艺术出现、流行于20_兰50_甏呐分薜厍,主要通过商业艺术的创作手法,形成融合大众文化与商业艺术的全新艺术风格。同时,波普风格中相对浮夸的卡通形象、报纸版画形式及幽默的标语,共同组成独属于波普风格的特色,且波普风格的艺术性非常强[3]。安迪·沃霍尔是在服装设计领域中对波普风格拓展贡献最为杰出的人物之一,首次开创了纸质、塑料、人造皮为服装制作基础材料的先河,并且在其插画作品中包含了颠覆传统的设计理念,具有色彩鲜艳、设计理念前卫及选色大胆等鲜明特点。直至今日,波普风格的插画仍保留与安迪·沃霍尔较多的相似之处。2.抽象风格通常,抽象风格的作品普遍以几何化的点线面、圆形、三角形、正方形为主体进行深入创作,在创作风格上具有典型的抽象性特点。蒙德里安是抽象风格作品中相对成功的早期人物之一,其抽象风格的创作方式较为独特,侧重利用形式多样的矩形图案作为插画内容,且此类插画艺术形式对抽象风格的影响深远。以法国著名抽象风格服装设计大师创作的作品《红黄蓝》为例,此作品深受蒙德里安抽象风格的启发,选择多种颜色的线条、三角形、长方形,给予广大受众独特的艺术欣赏体验感受,并赋予作品强烈的视觉冲击感及新奇感。3.具象风格具象风格不同于上述提到的两种风格,其图形特点普遍写实且逼真。再者,具象风格作品对线条的展现相对直接,可进行装饰性的泛化、夸张及变形处理,从而提高作品的色彩感,突出作品的简洁性及精致性。以意大利著名服装设计师缪西亚·普拉达为例,曾拥有将插画直接用在服装设计创作的实力,可以将插画作品布满在服装设计作品当中,且其作品侧重精心细腻化创作人物造型,突出作品的色彩及绚丽感[4]。此外,具象风格中线条展示相对飘逸,可以给予受众心理如梦如幻的体验感受,尤其是应用在服装设计当中,能有效提高设计作品的精巧程度,赋予设计作品灵动的美感。

插画艺术风格有哪些1.扁平插画。扁平插画相对来说有很强的通用性，因为它简约又直观、弱化了细节和透视，识别度和上手度也相对更快，契合了年轻人对可爱和萌趣的审美要求，是最容易让画面出整体效果的技法；通常会运用规则的几何图形或不规则的矢量图形去保留物体原有的辨识度形态，搭配大块面的色块，用简约的图形去让主体形态更加抽象或者简约化，运用的范围比较广阔，常见的有海报、包装、banner、App闪屏、游戏界面等。2.渐变插画。渐变插画的特点是大量运用低饱和度的渐变手法，且在用色上一般采取近似色；其细节丰富而细腻、画面风格偏写实、视觉稳重大气，让画面很有视觉冲击力和层次感。其中，渐变插画里面又细分双色渐变、半透明渐变、网格渐变、渐变模糊等形式。3.MBE插画。这种插画风格的特点是：简洁、圆润和可爱，一般都带有特粗的深色描线、Q版化卡通形象、圆润的线条、矢量绘制的线条+面组合的设计风格，整体很清新、可爱的调性，一般运用在图标和空白界面的提醒等方面。4.肌理插画。肌理插画一般是在基于扁平画的基础上，最后融入肌理效果，最后呈现出有质感，且有光影效果的画面；这种画法一般没有描边线，大多都是通过色块的明暗来区分每个元素；通过增加质感、杂色等，来增加插画的层次和立体感，可以有效的刻画作品的细节；给人很朴实的感受，比较轻松随意；肌理中的颗粒感增加了画面细节，也更耐看，同时也更有个人风格。5.立体插画。立体插画能够二维的空间里表现三维的事物，为画面带来透视感和空间感，更好地传达信息。6.描边插画。描边插画可以简单理解为众多线面结合图标组合在一起，互相呼应而组成一个大画面，多带有描边的处理；多运用线条和描边，画面整体比较干净整洁，常用于H5/App；在应用时要注意描边的粗细对比，要衡量是否符合常规。7.剪纸插画。剪纸风格插画就是用剪纸的方式制作插画，通过切割，堆叠分层剪纸来营造不同的内容。与传统的平面插画相比，剪纸插画可以使画面更具层次感和立体感，形式上也更加新奇有趣。8.国潮插画。国潮在近几年备受推崇，简言而知，国潮就是以中国文化和传统为基调，集时尚、格调和腔调于一身，是传统与现代的文化思潮碰撞，更是东方美学的淋漓展现。因此插画融合了国潮文化，加速画面的传播力度，更具时尚感；同时也赋予了品牌更多的符号和文化价值。品牌可以借此迸发出无限的魅力和营销潜力。9.光影插画。光影插画能利用光线和阴影结合，将画面的氛围烘托到极致，是一场想象与现实的完美碰撞。通过明暗和阴影层次变化，让视觉上更有立体感，以此形成固象，让画面更加有吸引力和视觉空间感。10.手绘型插画。手绘插画是插画表现手法中最原始的一种，很考验创作者的形体和绘画功底；通过运用手绘的肌理和图形来直观地传递情感的艺术设计语言，可以让观众更直接的接受情感，极具直观的形象和真实的生活感以及快速的情感感染力，比其他的插画形式多了一种人情意蕴。多用于艺术性的活动或者动漫、海报设计，整体张扬又随意，带着诸多的生活气息，很有亲和力。手机上的一个剪纸图怎么临摹出来第一步：绘制思路剪纸风格的临摹思路：第一步建立形态，第二步塑造效果，第三步临摹拔高。本次临摹你会练习到钢笔路径绘制，布尔运算，阴影效果叠加，肌理效果叠加，本次临摹时长约15-20分钟，加油！第二步：新建画板使用快捷键（F/A）新建700PX^475PX的画板，并给画板填充背景色#9E6437。点击右下角的提示按钮选择快捷键指南可以查看快捷键，更方便你后期的创作。第三步：绘制形状1、使用矩形工具（快捷键R）绘制一个比画板大的矩形，因为后面会使用到缩放功能，如果矩形很小缩放后会出现空缺部分。2、继使用钢笔工具（快捷键P）绘制一个不规则形状作为基础形态，并填充任意颜色，这里可根据自己的个人偏好随意绘制。3、选中两个形状，使用布尔运算将两个形状进行减去顶层，完成后就得到了我们需要的镂空形状。第四步：制作层次下面需要制作多重层次，首先我们先复制一层（快捷键：Command/Ctrl+D）然后进行等比缩放（快捷键：K）进行90%缩放，然后把复制的图层移至到下层产生层次关系（快捷键Command/Ctrl+【），继续重复之前的操作得到多个层级。这里需要注意：为了达到一个明度过渡的效果，每复制一个图层，都需要给形状设置颜色，大家可以使用下面给出的色值作为参考。第五步：绘制点缀我们需要丰富层次所以绘制一些点缀元素，我们的图形分别是云和树枝，云是通过四个圆形加一个矩形进行布尔运算得到的，树枝是通过钢笔工具（快捷键：P）勾勒出来的。把绘制好的图形复制几层然后调整图层顺序，让元素与形状穿插起来，营造一种卡片堆叠的感觉。得到下图的样子，现在还没有添加效果的时候已经可以体现出层次的感觉了。树枝颜色：#C9A179白云颜色：#F2F2F2第六步：添加阴影剪纸风格的效果主要由阴影塑造，我们需要给各个元素添加投影。我在下面给出了我使用的参数，大家可以根据实际情况调整。投影参数：浅色（X=4，Y=-6，模糊=20，拓展=0）第七步：添加肌理这一步比较重要，也是最出效果的一步，层级效果区分好后，我们需要塑造肌理效果，我们把肌理素材（素材文件:）拖动到画板内，移动至最顶层，然后调整混合模式为叠加，不透明度为28%，（这里可以把顶层的纹理层锁住，方便后面掉整底部内容。）这个效果是给镂空层添加一些质感来模拟生活中纸张。第八步：绘制元素大家可以看出来我们做完的图形剪纸效果已经出来了，但还是有一些空洞，所以接下来我们会进行一些难度的提升，我会在画面中加一些复杂的点缀元素，点缀包含人物元素与动物元素。绘制完后的人物后也按照上面步骤的方式给身体上的部分添加阴影，营造一种剪纸的感觉。大家可以抓住这点进行尝试不同的内容进行创意。当然啦，对于绘制有困难的童鞋，我们也准备了人物元素&动物元素素材供大家使用。素材文件：第九步：细节调整到这一副剪纸风格的插画基本就大功告成了，后面可以进行一些细节的调整，比如阴影数值等，目的就是营造一种剪纸的感觉，教程里相应的素材我放到左侧画板中供大家参考学习。大家开始尝试把剪纸风格运用到你的设计与工作中吧。风格延伸相同的方法也可以做一些其他的效果，大家可以在剪纸风格的基础上进行天马行空的创作，应用到各种设计场景。期待你的作品！当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？他是最炙手可热的插画师也是时尚的最佳代言人大卫.唐顿DavidDownton，1959年生于伦敦。从孩提时代开始，对他最好的款待就是一大页白纸。然而，大卫没有想到的是，很久以后他可以依靠画为生。▲大卫.唐顿年轻时在画画▲工作室自成一幅画，和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。大卫最初学习的是平面设计专业，他的第一幅作品是20世纪80年代早期，为WhichComputer杂志设计的封面。▲大卫.唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。▲大卫.唐顿1998年为克里斯汀.拉克鲁瓦绘制的时装插画，材质为墨水彩盒纸张。曾有15年时间，大卫一直是自由职业插画师。无论有什么事情发生，他都很享受这种自由插画师的生活。▲大卫.唐顿1999年为让.保罗.高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特.摩斯为原型，以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名，是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。▲大卫.唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似，他运用的色彩富有现代性。▲大卫.唐顿1999年在伦敦创作的时装插画PalomaPicasso。材质为水粉、墨水盒纸张，醋酸纤维纸覆膜。▲大卫.唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画，模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。大卫的作品线条简洁流畅，很有质感，风格也不矫揉造作，可以很好地展现出的优美体态。因为这种独特的绘画风格，有一些人开始邀请他制作时装插画。其中，就包括85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯，她也是大卫的缪斯之一。▲大卫.唐顿2000年的纽约绘制的时装插画，模特为卡门.戴尔.奥尔菲斯，服装由ThierryMugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制，醋酸纤维纸覆膜后，再以墨水绘制。▲大卫.唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜.佩姬绘制的肖像，他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美！▲大卫.唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达.哈莉齐绘制的肖像。他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、Eric这些艺术家心存景仰。因此，在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。1996年他为杂志制作过高级时装展的插图，1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。最开始他眼花缭乱完全没有准备，但是，巴黎时装秀实实在在地，激发出一个艺术家的灵感。巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。而这里的一切都让人神魂颠倒。在模特走秀的时候，大卫从来不作画。因为他发现那根本无法进行，他仅仅是摄影或者在一旁观看，并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。他抓住其他的任何机会来画，模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。比如：试衣的时候，有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间...▲化妆品也是他的工具，起笔和落笔之间动人心扉，浓淡皆宜。大卫说：“我最开始画的时候，认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而，第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上，在凯特.摩斯消失之前，我仅仅才画出她的胳膊！所以，享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。”▲草稿也动人大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉，然后才是比例、颜色等一些细节，然而，这一点是较难做到的。▲草稿也动人大卫画无数份的设计草样，然后从中挑选出最好的，画得差不多的时候他就开始剔除，“分解—重建”它们。他持续地画，一直到它们看起来自然为止。他为世界各地的知名媒体，如《泰晤士报》《独立报》，以及Harper"sBazaar(a澳洲版）等，撰写时装的相关报道。并在伦敦举行过三次个展，在纽约也举行过一次个展。近年来，他还为香港的购物中心设计视觉图像，以及为Vogue女性时装系列绘制插画。▲大卫.唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎，材质为水粉、水彩和纸张。▲大卫.唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。▲大卫.唐顿2005年受Vogue（中国版）委托绘制的插画ValentionFitting。材质为墨水、水粉和纸张，醋酸纤维纸。▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装画，材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。▲大卫.唐顿2007年受Madame杂志（德国版）委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制，醋酸纤维纸覆膜后，再以墨水和水粉绘制。▲大卫.唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。▲大卫.唐顿2008年为自己的杂志PourquoiPas绘制的插画，模特为蒂塔.万提斯，服装由拉克鲁瓦设计，材质为墨水、水粉和纸张，醋酸纤维纸覆膜。大卫是不是把舞娘画的淋漓尽致~要想功夫深铁杵磨成针～想拥有超越别人之外的能力，就要将能力修炼到极致！

香水不会过期（仅在中国销售的香水才会标注保质期）首先香水不会单纯因为时间而过期变质，让它们变质的通常是光照和高热。把一瓶你新买的香水放在窗户旁，让它饱受光照。再拿一瓶放在抽屉里保存好，无论是颜色还是气味，不出一个星期你就能观察出变化。变味的通常只是前调通常留香时间短（挥发速度快）的香料寿命也很短，比如柑橘类香料，但这些香料通常是香水的前调。香水的中调、后调化学性质都很稳定，所以很多古董香水经过长时间存放后，只有前调会变味或消失，这并无伤大雅，因为一款香水的中后调才是其灵魂所在。所以有少数香水由于配方的关系，的确会因为时间而造成味道的改变。这跟香水是否昂贵没有关系，而是取决于香水的香料配方，如果一款香水以大量留香时间短的香料（比如柑橘类）作为其主体，那它的确经不起时间的考验。有款小众香水安霓可古特尔 小甜心 Annick Goutal Petite Chérie经常会被人评论说几个月味道就变的不好闻了。为什么有些香水时间久了会变色？这与香水使用的香料有关系。通常颜色会变深，但这并不影响香水的味道。比如红醋栗（Garnetberry），香草（Vanilla），八仙花（Hydrangea）等香料都容易发生变色效果。我手上有一瓶蒂埃里·穆勒 女人味 Thierry Mugler Womanity里面由于天然香草的缘故，拿到手1年后就从粉红色变成黄色了，但味道并没有改变。为什么香水包装盒上注明了保质期？因为我国的质量监督检验检疫总局规定，化妆品必须标注化妆品的保质期和批号，通常是3年。北美及欧洲部分地区的产品，是按 已开封日为标准来计算保质期限（具体见产品瓶身的小圆罐标志）。另有部分欧洲地区的产品，既标示了开封后保质期，也标示未开封情况的保质期（通常也为3 年）。应该如何保存香水？香水应保存在远离日照或热源的干燥凉爽处。日照是香水贮藏的第一大敌，它能分解掉香水中的香料物质。过热或者过冷也会破坏香水中各种精油的平衡，继而改变香水的味道。不带喷头的沾式香水一旦打开就尽快使用，否则会发生缓慢的挥发。如果有长时间不用的香水，可以将它们放置于保鲜盒中避光保存，这样能大幅度延长它们的寿命。

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比如民族风格波希米亚风格田园风格嘻哈风格巴洛克风格歌特风格英伦风格浪漫主义风格立体派极简派未来派波普派 随着时代的发展，思想的解放，人们更注重追求个性。那种由一种风格统领十几年的时代，已经不复存在。90年代以来，流行服装的一个显著的特点，就是进入了一个追求个性与时尚的多元化时代，各个历史时期、各个民族地域、各种风格流派的服装相互借鉴、循环往复，传统的、前卫的、各种新观念、新意识及新的表现手法空前活跃，具有不同于以往任何时期的多样性、灵活性和随意性。与设计师的建议相比，人们更看中的是自己的生活方式及自己所属的那个团体的特征。如今，人们在着装时不只是要表现一种视觉效果，还要表现一种生活态度、一种观念和情绪。因此作为流行时尚的诠释者，要对多种的审美意向和需求保持高度的敏感性，并能够透过流行的表面现象，掌握其风格与内涵。 设计风格，即是设计的所有要素——款式、色彩、材质、配饰，形成统一的、充满魅力的外观效果，具有一种鲜明的倾向性。风格能在瞬间传达出设计的总体特征，具有强烈的感染力，达到见物生情，产生精神上的共鸣。 浪漫主义风格源于19世纪的欧洲，是近年来服装流行的主流，它主张摆脱古典主义（古典艺术发源于18世纪的法国，以画家大卫为代表。古典主义艺术在形式和内容上都以古希腊罗马为借鉴的楷模，风格典雅、端庄）过份的简朴和理性，反对艺术上的刻板僵化，它善于抒发对理想的热烈追求，热情地肯定人的主观性，表现激烈奔放的情感，常用瑰丽的想象和夸张的手法塑造形象，将主观、非理性、想象融为一体，使用品更个性化，更具有生命的活力。 在服装史上，1825-1845年间被认为是典型的浪漫主义时期。服装的特点是细腰丰臀，大而多装饰的帽饰，注重整体线条的动感表现，使服装能随着人体的摆动而呈现出轻快飘逸之感。 在1997年的国际时装潮流中，以亚历山大·马克昆（AlexanderMcqueen，现任法国HubertdeGivenchy公司首席设计师，其设计风格是根据所欲表现人物所处环境为背景，用现代手法表现往昔的精神）与约翰·加里阿诺（JohnCaliano，英国人，现任法国CD公司首席设计师）为代表的设计师们纷纷推出了浪漫主义风格的服装，这一潮流的出现绝非偶然，而是对90年代以来国际流行舞台上那种冷漠的未来派设计、简约中的中性服装的一种反向趋势。在服装史上这种现象屡见不鲜，当一种风格流行了一个阶段后，就会因缺少变化而缺乏新鲜感和吸引力，继之而起的就将是一个反向的趋势。 90年代的浪漫主义风格，又不同于80年代末那种追求装饰的人工主义，而是更趋自然柔和的形象、浅亦淡的色调、柔和圆转的线条、轻柔的材质，表现的是一种怀旧的情结和田园风格，它与设计领域里的后现代主义相呼应，表现人们对现代工业所带来的那种单调冷漠、整齐划一的一种逆反心理，追求所谓唤起历史的回忆，重视民族民间传统，讲究装饰意趣，从历史和民族服装中去寻找设计灵感，使人们在都市的喧嚣中，感受到一种充满幻想的心灵空间。这一风格取材广泛，其灵感来自池畔、喷泉、浴池或来自珊瑚等等，甚至来自晶莹剔透的气泡。 在亚历山大·马克昆的设计里，他创造性地将生态学、原始世界和未来世界相混合，以天马行空式的款式、别出心裁的剪裁、温文尔雅的曲线，创作出一件件摇曳多姿的艺术品，极富有野性的魅力。 在1997年的国际流行舞台上，随着西方简约和冷漠设计形式的淡出，继之而起的是充满装饰意趣和神秘魅力的东方风格。如印度、中国、吉卜赛等风格，异彩纷呈，一片金碧辉煌，人们在其服饰的繁花似锦的装饰图安可，在缤纷色彩的跃动下，在柔美轻盈的面料里，尽显浪漫主义情怀。 由于现代艺术家竭力追求表现自我而纷纷打破传统风格，从而出现了各种流派，前卫风格就是对立体派、未来派、波普艺术（该艺术是50年代初在美国流行的一种艺术形式，针对抽象表现主义脱离生活的作法，提倡艺术必须回到日常生活中去，强调艺术的价值存在于任何平凡的事物之中，以游戏的心态为原则，非理性，非和谐，以丑为美）等现代艺术诸流派的总称，源于20世纪初，以否定传统、标新立异、创作前人所未有的艺术形式为主要特征。 如果说古典风格是脱俗求雅的，那么前卫风格则是有异于世俗而追求新奇的，它表现出一种对传统观念的叛逆和创新精神，是对经典美学标准做突破性探索而寻求新方向的设计。前卫的服饰风格，多用夸张及卡通的手法，或标新立异，或造型怪异，或诙谐幽默，表现出对现代文明的嘲讽和对传统文化的挑战。 90年代初的流行服装，是以前卫的风格为设计主流的，它是80年代末保守复古潮流的一个反向的趋势，其设计反映出不仅仅从传统服饰中寻找价值的意识，他们认为传统的设计僵化、麻木，让人激动不起来，常常需揭下传统文化道貌岸然的面具，用幽默诙谐的手法，开轻松的玩笑。 前卫的风格特点是离经叛道、变化万端、无从捉摸而又不拘一格。它超出通常的审美标准，任性不羁，以荒谬怪诞的形式，产生惊世骇俗的效果。 90年代以来，流行服装上的前卫风格，分别演绎了从50年代、60年代到70年代以来的表现风格，前卫的街头文化，即表现为50年代的“垮掉的一代”，60年代的“嬉皮士”，70年代的“朋克”，80年代的“雅皮士”，直到90年代的“X一族”。前卫的服饰风格成为他们反叛的一种精神象征，反映了西方反叛、以自我为中心的一代，他们因对现实的失望与厌倦，而只好在前卫风格的文化圈子里，寻找精神寄托的社会现实。 而正是这些风格前卫的五十、六十年代的街头文化、奇异的组合、怪诞的样式，给后来的设计师以极大的启迪和影响，冲破了人们在着装上的种种禁忌，设计师们把这些街头服饰的特点，用于日常便装的设计上，穿着起来舒适又方便，创造了很多独出心裁的个性化设计，适合了现代人在着装上年表化、休闲化、个性化的的审美需求，时装设计的重点，也由以往的表现成熟女性晚间社交场合的穿着，转向表现年轻人的日常便装的设计上来。 90年代初，人们在展望新世纪时，用前瞻的视野，利用现代高科技的手段，如透明的塑胶、光亮的漆皮，在流行舞台上创造了一个令人不可思议的未来世界，表现了对未来的无限畅想。未来主义（发源于20世纪的意大利，在反传统和革新艺术的旗帜下，以叛逆、无畏的精神打碎一切既定的偶像，颂扬运动、速度、力量和机械技术）的设计特点是反传统，但又缺少了嬉皮服装的燥热感，被人们谓之为“宁静的梦”，色彩单纯统一，多以银、白两色为主调，富有一种纯净感，使人们在惊异之余，体会设计师那种宁静和淡泊的心境。 蒂埃里·缪格勒（ThierryMugler，1948年生于法国，被称为“未来派”的设计师）的设计，用前瞻的视野，高科技的手段，塑造出轻快，摩登的风格；三宅一生（Isseymiyake）的设计，充满未来世界的沉寂与神秘，表现出一种穹谷幽冥般的感受。 “返归自然”的口号，最早出自法国思想家卢梭（1884-1910，法国思想家，推崇天真稚气，主张从主观感受出发，标榜人的原始本性），后来成为19世纪文艺运动的一个口号，20世纪90年代以来，也一直是现代流行服装的表现主题之一。 田园风格的设计，是追求一种不要任何虚饰的、原始的、纯朴自然的美。现代工业中污染对自然环境的破坏，繁华城市的嘈杂和拥挤，以及高节奏生活给人们带来的紧张繁忙、社会上的激烈竞争、暴力和恐怖的加剧等等，都给人们造成种种的精神压力，使人们不由自主地向往精神的解脱与舒缓，追求平静单纯的生存空间，向往大自然。而田园风格的服装，宽大舒松的款式，天然的材质，为人们带来了有如置身于悠闲浪漫的心理感受，具有一种悠然的美。这种服装具有较强的活动机能，很适合人们有郊游、散步和作各种轻松活动时穿着，迎合现代人的生活需求。 田园风格的设计特点，是崇尚自然而反对虚假的的华丽、繁琐的装饰和雕琢的美。它摒弃了经典的艺术传统，追求古代田园一派自然清新的气象，在情趣上不是表现强光重彩的华美，而是纯净自然的朴素，以明快清新具有乡土风味为主要特征，以自然随意的款式、朴素的色彩表现一种轻松恬淡的、超凡脱俗的情趣。他们从大自然中汲取设计灵感，常取材于树木、花朵、蓝天和大海，把触角时而放在高山雪原，时而放到大漠荒岳，虽不一定要染满自然的色彩，却要褪尽都市的痕迹，远离谋生之累，进入清静之境，表现大自然永恒的魅力。 风格的多元化是当代设计与审美的一个显著特点，服饰艺术既要从自然界、从历史和传统中去寻找温馨的人情味，又要借助现代高科技的手段，用前瞻的视野，表现对未来世界的无限畅想。作为现代服饰艺术的诠释者，只有对多种的审美意向持有高度的敏感性，才能创作出既令人惊喜又耐人寻味的作品。 简单来说： 朋克:朋克作为一种服装风格,真正的成功是在维维安·维斯特伍德(VivienneWestwood)那里,她被认为是20世纪最有创新精神的设计师之一,她的创作手法丰富多变,在设计中常引入亚文化和朋克的一些元素,而被公认为“朋克之母”。 洛可可:浪漫主义的洛可可风格就是设计师在凡尔赛沙龙中获得了灵感而创造出来的。洛可可风格最显著的特征是曲线和不对称性，它采用了大自然中的动物、植物形象作为主要的装饰元素，大量的运用轻快柔美、简洁漂亮的不对称的曲线，体现了其典雅、洁净、高贵的气质。 巴洛克:。“巴洛克”原是葡萄牙语“Baroque”，意为珠宝商人用来描述珍珠表面光滑、圆润、凹凸不平、扭曲的特征。追求动感，夸张尺度，形成了一种极富强烈、奇特的男性化装饰风格。而与随后的“洛可可”的女性化的细腻娇艳风格相对应。