什么是芭蕾舞？

芭蕾源于意大利，却兴盛于法国。“芭蕾”一词本是法语“ballet”的音译，而它的词源则是意大利语“ballo”(芭萝)和由它发展出来的小词“balletto”(芭蕾托)，意为“跳”或“跳舞”。所谓“跳”，当然是脚部的行为举止，这或许就是长期流行的西方舞以足蹈为主之说的端倪。

是。1、正品Ballo球衣的标签都会齐全并符合服装行业的要求，主标或者水洗标一应俱全，而假货球衣往往只模仿了主标而忽略了水洗标。2、正品Ballo球衣的做工都有规定要求，各面料的拼接部位衔接的走线密度都一致的，不会存在大面积跳线现象，而假货球衣更容易出现跳线和走线密度差异。

芭蕾起源于义大利，兴盛于法国，其部分手势可追溯至古埃及的祭祀舞蹈。是一种轻盈，舒缓，优雅的舞蹈。 芭蕾舞是一种表演舞蹈，发源于十五世纪，即义大利文艺复兴时期的宫廷。随后它在法国和俄罗斯发展成表演舞蹈。它是一种广泛流传，且具高度技术性的舞蹈，拥有法文专属术语。它在全球均具影响力，更定义了很多其他舞蹈的基础技巧。芭蕾舞需要长时间学习，在世界各地都有学校教授，并用自身文化继续把它发展下去。 参考: zh. *** /wiki/%E8%8A%AD%E8%95%BE%E8%88%9E 芭蕾是一种轻盈，舒缓，优雅的舞蹈。芭蕾起源于义大利，兴盛于法国，其部分手势可追溯至古埃及的祭祀舞蹈。芭蕾为法语「ballet」的译音，它的词源则是义大利语的「balletto」，为ballo的指小词，ballo 意为「舞蹈」。

芭蕾，欧洲古典舞蹈，由法语ballet音译而来。是一种起源于意大利的舞剧，用音乐、舞蹈和哑剧手法来表演戏剧情节。女演员舞蹈时常用脚趾尖点地。芭蕾舞孕育于意大利文艺复兴时期，十七世纪后半叶开始在法国发展流行并逐渐职业化，在不断革新中风靡世界。芭蕾舞最重要的一个特征即女演员表演时以脚尖点地，故又称脚尖舞。其代表作品有《天鹅湖》、《仙女》、《胡桃夹子》等。“芭蕾”起源于意大利，兴盛于法国，其部分手势可追溯至古埃及的祭祀舞蹈。“芭蕾”为法语“ballet”的译音，它的词源则是意大利语的“balletto”，为ballo的指小词，ballo 意为“舞蹈”。

芭蕾舞来源自欧洲文艺复兴鼎盛时代的意大利宫廷。芭蕾起源于意大利，兴盛于法国，“芭蕾”一词本是法语"ballet"的音译，意为“跳”或“跳舞”。ballet一词，源于古拉丁语ballo。最初，这个词只表示跳舞，或当众表演舞蹈，并不具有剧场演出的含义。在意大利宫廷，每当成婚喜庆，接见外国元首，或其他年夜庆典，就会表演芭蕾这种舞蹈以示祝或助兴。芭蕾成长史上第一部斗劲完整的芭蕾舞剧——《皇后喜剧芭蕾》上演于1581年，是最古老的芭蕾音乐。芭蕾至路易十四皇朝时代而臻极盛，沿用的四肢行为的五个位置和一些美妙的芭蕾舞姿就是在这时确立的。欣赏芭蕾舞的思路欣赏芭蕾大致上有两条思路。一条是传统的，一条是现代的。一般主张欣赏的方法与欣赏的对象相统一：即用一丝不苟的传统思路，去欣赏“早期”、“浪漫”和“古典”这三个传统时期的芭蕾舞剧、音乐型芭蕾和纯粹型芭蕾。传统的欣赏思路要求观众提前半小时左右到达剧场，以便能将日常生活中的琐事和烦恼，统统留在剧场的大门外或衣帽间那个尘世的空间里，然后静下心来，全身心地投入剧场。现代的欣赏思路对观众没有任何苛刻的要求，而是为其提供随遇而安的哲学。

“芭蕾”起源于意大利，兴盛于法国，“芭蕾”一词本是法语"ballet"的音译，意为“跳”或“跳舞”。芭蕾最初是欧洲的一种群众自娱或广场表演的舞蹈，在发展进程中形成了严格的规范和结构形式、其主要特点是女演员要穿上特制的足尖鞋立起脚尖起舞。作为一门综合性的舞台艺术，芭蕾17世纪在法国宫廷形成。1661年，法国国王路易十四下令在巴黎创办了世界第一所皇家舞蹈学校，确立了芭蕾的五个基本脚位和七个手位，使芭蕾有了一套完整的动作和体系。这五个基本脚位一直沿用至今。芭蕾舞是用音乐﹑舞蹈和哑剧手法来表演戏剧情节。女演员舞蹈时常用脚趾尖点地。意指：①一种舞台舞蹈形式，即欧洲古典舞蹈，通称芭蕾舞。这是在欧洲各地民间舞蹈的基础上，经过几个世纪不断加工、丰富、发展而形成的，具有严格规范和结构形式的欧洲传统舞蹈艺术。19世纪以后，技术上的一个重要特征是女演员要穿特制的脚尖舞鞋用脚趾尖端跳舞，所以也有人称之为脚尖舞。②舞剧，最初专指以欧洲古典舞蹈为主要表现手段，综合音乐、哑剧、舞台美术、文学于一体，用以表现一个故事或一段情节的戏剧艺术，称古典芭蕾（或古典舞剧）。20世纪出现了现代舞以后，以现代舞结合古典舞蹈技术为主要表现手段来表现故事内容或情节的称现代芭蕾。逐渐地，芭蕾一词也用来泛指用其他各种舞蹈为主要表现手段的舞剧作品，尽管在舞蹈风格、结构特征、表现手法等方面均不同于古典芭蕾或现代芭蕾。③在现代编导创作的舞蹈作品中，有相当一部分没有故事内容，也没有情节，编导运用欧洲古典舞蹈或现代舞蹈，或使两者相结合，用以表现某种情绪、意境，或表现作者对某个音乐作品的理解等等，这些也称为芭蕾。ballet一词，源于古拉丁语ballo。最初，这个词只表示跳舞，或当众表演舞蹈，并不具有剧场演出的含义。芭蕾作为一门舞台艺术，孕育于文艺复兴时期意大利盛大的宴饮娱乐活动，17世纪形成于法国宫廷，这种宫廷芭蕾实际上是在一个统一的主题下，具有松散结构的舞蹈、歌唱、音乐、朗诵和戏剧的综合表演，由专业的舞蹈教师设计，国王和贵族担任演员，女角也由男子扮演,表演场地在皇宫大厅中央，观众则围绕在大厅周围观看；演员戴皮制面具标志不同角色，故又称假面芭蕾。661年，路易十四下令在巴黎建立皇家舞蹈学院。17世纪70年代芭蕾演出开始使用黎塞留主教宫廷剧场。演出场地和观众观看角度的改变，引起了舞蹈技术和审美观点的变化，演员站立的姿势越来越外开，由此正式确定了脚的5个基本位置，这5个外开的位置成为发展芭蕾舞技术的基础。专业芭蕾演员应运而生，并逐步取代了贵族业余演员，职业女芭蕾演员也开始登台演出，舞蹈技术得以较迅速地发展。芭蕾演出从基本上是一种自娱性的社交活动逐步转变为剧场表演艺术。这个时期的芭蕾是从属于歌剧的，宫廷作曲家J.B.吕利在歌剧中加入芭蕾场面，实际上是一连串舞蹈表演，剧情反而显得无关紧要，这时称为歌唱芭蕾或芭蕾歌剧。这种状况一直持续到18世纪中叶。18世纪的芭蕾大师J.G.诺韦尔是芭蕾史上最有影响的舞蹈革新家。他在1760年出版的《舞蹈与舞剧书信集》中首次提出了"情节芭蕾"的主张，强调舞蹈不只是形体的技巧，而属于戏剧表现和思想交流的工具。诺韦尔的理论推动了芭蕾的革新浪潮，在他和其他许多演员、编导的持续努力下，芭蕾从内容、题材、音乐、舞蹈技术、服饰等方面都进行了一系列改革，这些改革使芭蕾终于能够与歌剧分离，形成一门独立的剧场艺术。在芭蕾发展史上，主要有两种美学观点一直在起作用。一种观点认为，芭蕾是"纯粹的舞蹈",16世纪的意大利舞蹈教师、《王后的喜剧芭蕾》的编导博若耶认为芭蕾是"几个人在一起跳舞的几何图案组合"。这种观点完全着眼于芭蕾的形式美，几乎完全不考虑芭蕾的内容或情节，往往导致单纯追求技巧的高超、华丽。18世纪中叶以前，这种观点在芭蕾创作中居统治地位。另一种观点强调芭蕾是"戏剧性舞蹈",诺韦尔的"情节芭蕾"理论最集中地代表这种观点。他认为在一部芭蕾作品中，上述两种主要观点至今仍在起作用，不少编导致力于创作戏剧性的或有情节的芭蕾作品，也有的编导热衷于无情节芭蕾，注重形式美，两类作品中的优秀剧目都是观众所欣赏的，并作为保留剧目经常上演。20世纪以来，各种文艺思潮对芭蕾创作的影响越来越明显，出现了许多不同风格的作品。创作一部芭蕾作品，编导是关键人物，他根据文学剧本（或一个故事、一首诗、一部音乐作品）构思出舞剧结构或舞蹈结构，再由演员来体现。编导和演员都必须掌握芭蕾语言（或芭蕾语汇)--芭蕾技术技巧，以及运用芭蕾语言表现特定内容或情绪的能力，编导应该深谙它们长于表现什么，不能表现什么；而演员则应该训练有素，能适应并创造性地体现编导的构思，只有具备这些基本条件，芭蕾创作才能进行和完成。芭蕾结构形式有：独舞、双人舞、三人舞、四人舞、群舞等，编导运用古典舞、性格舞（舞台化的民族舞蹈和民间舞蹈）、现代舞等，按上述形式可以编出多幕芭蕾（分场或不分场，如《天鹅湖》）、独幕芭蕾（如《仙女们》）、芭蕾小品（如《天鹅之死》)等。芭蕾的这种结构形式在19世纪后期发展到高度规范化和程式化，以致影响和限制了芭蕾的发展。在20世纪编导创作的大量芭蕾作品 中，这些规范和程式已被大大突破，不断出现新的探索和创造。

是的， "芭蕾"为法ballet 的音译。ballet一词，源于古拉丁语ballo。最初，这个词只表示跳舞，或当众表演舞蹈，并不具有剧场演出的含义。芭蕾舞孕育于十四世纪意大利文艺复兴时期，降生在十七世纪后期路易十四的法国宫廷，并开始在法国发展流行并逐渐职业化，十八世纪在法国日臻完美，到十九世纪末期，在俄罗斯进入最繁荣的时代。角色1、主角：主角是故事核心人物，舞者需有一定水准以上的技巧与体力，最重要是要 有高超舞蹈素养及品格，才能诠释剧中的人物。古典芭蕾双人舞是整个舞剧重心，大都由男女主角担任，古典芭蕾舞剧双人舞结构 次序是男女主角双人的慢板，然后是男主角独舞，女主角独舞，最后才是终曲coda双人快板，主角艺术素养与技巧水准将于双人舞中呈现。2、独舞者：具有主角技巧，而能单独或三、四人演出者。3、群舞者：群舞者虽然舞步较简单，但复杂的画面变化，整场气氛烘拖更是扮演举足轻重的地位，每一位群舞者均非常重要，只要有一人乱了脚步，整体的画面将被影响。

芭蕾起源于意大利、兴盛于法国、最后成为席卷世界的舞蹈艺术。“芭蕾”这个词来自法语的ballet的音译。而ballet又源自意大利的ballo(芭萝)。它最早的意思是跳舞，是指无任何情节内容的舞蹈。

类似于八罗 这样的发音 重音在a上面

　　芭蕾舞蹈动作有着很强的技巧性，跟随音乐的节奏，每一个动作稳步的旋转和固定，都需要经过长时间的训练才能够完成。下面我就来告诉你一些芭蕾舞的介绍吧。 　　芭蕾 　　法语音译。特指有一定动作规范、技巧、和审美要求的欧洲古典形式;或泛指以人体动作、姿态表现戏剧内容推动情节发展，以及表现一定的情绪、意境、心理状态和行为的舞蹈表现形式。前者有时译作“舞剧”。ballet一词源于古代拉丁语 ballo，原意为当众跳一定样式的舞蹈，并无剧场演出的含义。芭蕾作为舞台艺术形式，始见于文艺复兴时期意大利宫廷盛大的宴饮娱乐活动之中。后来由佛罗伦萨公主——美第奇的凯瑟琳将这一舞蹈形式带入了法国宫廷.1581年，法国宫廷表演的第一部芭蕾《王后的喜剧芭蕾》在欧洲引起极大反响，各国宫廷纷纷效仿，并把芭蕾视为宫廷娱乐的典范，1661年法国国王路易十四在巴黎创建了皇家舞蹈学院之后，又于1669年授权在巴黎成立了歌剧院，从此结束了“宫廷芭蕾”的黄金时代。芭蕾进入剧场之后，先后经历了“喜剧芭蕾”和“歌唱芭蕾”阶段。18世纪中叶，“情节舞”及相关的理论日趋完善，芭蕾才彻底改变了依附于戏剧和歌剧，仅仅在幕间表演插舞的地位，发展为用舞蹈和音乐推动剧情发展，具有严肃社会意义的剧场艺术形式。19世纪初是芭蕾发展史的又一个黄金时代，在内容与题材、技巧与表演及演出形式等方面均有重大突破。脚尖舞技巧逐渐成为女演员的主要表演手段，并积累了一套系统、科学的训练方法。受浪漫主义文化思潮影响，欧洲各国芭蕾的发展更加注重民族精神和气质的表现，形成了意大利学派、法国学派、俄罗斯学派和丹麦学派等不同的风格的芭蕾学派。20世纪以来，俄罗斯取代意大利和法国成为传统芭蕾发展的中心。而在欧美各国的舞台上，不同风格和不同流派的现代芭蕾逐渐显露出蓬勃的发展势头，从而为芭蕾艺术的发展注入了新的活力。 　　情节舞 　　芭蕾术语。原意指结构形势相对稳定，并与剧情发展有直接联系的舞蹈。浪漫主义时期，情节舞的基本结构形势是：“出场”、慢板双人舞、男女独舞和全体演员参加的的终场群舞。《雷蒙达》《天鹅湖》《睡美人》《舞姬》中的大型双人舞和《爱斯梅拉达》中的舞会场面都是比较典型的情节舞。20世纪以来，情节舞作为与娱乐性舞蹈相对立的概念，泛指一切表达人物心理情绪变化、推动剧情发展的舞蹈。 　　民间舞 　　泛指产生并流传于民间、受民俗文化制约，即兴表演但风格相对稳定、以自娱为主要功能的舞蹈形式。不同地区、国家、民族的民间舞蹈，由于受生存环境、风俗习惯、生活方式、民族性格、文化传统、宗教信仰等因素影响，以及受表演者的年龄、性别等生理条件所限，在表演技巧和风格上有着十分明显的差异。民间舞不乏朴实无华、形式多样、内容丰富、形象生动等特点，历来都是各国古典舞、宫廷舞和专业舞蹈创业不可或缺的素材来源。 　　群舞 　　(group dance)舞蹈样式之一。泛指源自民间舞蹈“集体舞”的舞台表演形式，即三人以上、人数不等的多人舞。群舞的画面、构图多变，要求表演者动作整齐，风格统一，配合默契，因而具有丰富的艺术表现力。(1)有独立的内容和主题，情节完整的舞蹈作品。中国舞蹈《摸螺》《草原女民兵》《葡萄架下》，俄罗斯《小白桦树》，朝鲜舞蹈《在泉边》《摘苹果的时候》，美国现代舞《意象》等均为群舞的成功之作。(2)在大型舞作品当中，有时因画面、构图的需要，或为突出主要人物形象和强化戏剧效果，群舞中常常穿插一些独舞，双人舞、三人舞的段落，如《仙女们》、《天鹅湖》等芭蕾场面中的独舞和双人舞。(3)舞剧和大型舞蹈中为烘托全局气氛而编排的群舞，如中国舞剧《红色娘子军》中的“女战士舞”、“斗笠舞”，俄罗斯芭蕾《天鹅湖》中的天鹅舞等等。 　　社交舞 　　亦称舞会舞(ballroom dance)泛指欧洲文艺复兴以来流行于宫廷舞会和近代流行于各种社交场所的舞蹈。名称和所用舞曲，以及基本舞步、队形、风格和舞蹈表演顺序多为因循意大利、英国、法国、德国、西班牙等国民间舞蹈的特点。 　　布朗特、小步舞、加沃特、波洛奈兹、连德勒、波尔卡、马祖卡、加洛普、华尔兹曾先后风靡过欧洲各国宫廷。法国大革命以后，宫廷舞会的形式已远远不能满足社会各阶层交往的需要，大众化的公共舞厅在欧洲大陆应运而生，并逐渐取代宫廷舞会成为社交活动中的主要场所。舞步简单易学，形式自由，便于即兴发挥和宣泄情感的舞蹈在公共舞厅备受青睐，社交舞因而很快融入了平民阶层的文化生活。 　　舞剧 　　(dance-drama)以舞蹈为主要表现手段，并综合音乐、美术、戏剧、文学等艺术形式，表现特定的戏剧内容、意境、人物形象、情绪、心理状态和行为，以及推动情节发展的舞台表演艺术。因剧情需要或时代风貌、人物形象不同，舞剧可选用或综合运用古典舞、民间舞、性格舞、现代舞、宫廷舞、或舞会舞等表演形式，并有编排有序的独舞、双人舞、三人舞、群舞、双人舞、三人舞、群舞、组舞等舞蹈样式组成。中国舞剧历史悠久，发源于奴隶社会的宫廷乐舞。欧洲舞剧与“芭蕾舞剧”在概念上没有明确的界说。

芭蕾要从小学好，身体也要有柔韧性，而拉丁没那么多要求，跳拉丁最好腰硬一点，这样跳双人舞的时候会有优势，还有就是芭蕾舞者要时刻保持体形，控制体重，拉丁舞则没有那么多要求。拉丁舞相比较芭蕾来说，技巧性的东西较少，要求比较低，但最好有一些芭蕾的基本功，但不需要太多芭蕾舞注重的是线条美，所以身体柔软度很重要，就是要下腰，劈叉等等，而拉丁舞不像芭蕾舞辛苦，拉丁舞主要培养的是激情，表情以及速度，加强转圈的质量，可以说是在基本功上宽松，但是，拉丁舞在情感表现上控制更辛苦

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那第一个部分给大家讲说文解字，什么意思呢?就是说芭蕾，芭蕾是什么?不知道诸位有没有想过，很多观众闭上眼睛说芭蕾，就是脚尖舞，闭上眼睛，在你眼前出现的一系列形象，“嗒嗒”那种感觉，脚尖上的舞蹈。但是用我们比较学术的这样一个概念说，芭蕾是什么?它是一种经过职业舞蹈家加工提炼得贵族化了的，这样一种欧洲的宫廷舞蹈。在最早的时候，慢慢地后来进入了剧场。 　　第二个要点就是什么?法语是芭蕾的世界语，为什么呢?一部芭蕾史，上下五百年。这五百年的过程中，我们说它是孕育在15世纪文艺复兴时期的意大利，然后成型并且兴盛于16世纪到19世纪中叶的法兰西，然后是鼎盛于19世纪末的俄罗斯，20世纪初从俄罗斯走向世界各地，大家注意，我刚才说一个要点，它成型于法兰西，所以它所有的术语到今天为止，它还是用法语来固定的、来概括的。 　　第三条就是芭蕾在法国之外的国家里，通常有几种译法呢?不知道大家关注过没有，我把它计算了一下，大致上有七种翻译的方式。第一就是纯粹的音译，Ballet芭蕾，接下来是芭蕾舞，然后是芭蕾舞剧，然后是舞剧，然后是舞蹈，然后是芭蕾舞团，然后是芭蕾音乐。这七种的在不同的非法语国家之外，它有七种不同的译法，简单给大家做一个交代。 　　那接下来我们讲讲，介绍一下芭蕾的起源。芭蕾这个东西，说起来是高雅艺术也好，严肃艺术也好，但最终它是一个贵族艺术，这样说是比较准确的。所谓贵族艺术，它起源于哪里?其实它还是起源于民间舞，为什么呢?它是起源于意大利。在意大利的时候，当时就是Ballo，用英文拼就是Ballo，Ballo意思是什么?就是跳，蹦蹦跳跳，那代表的是一种什么呢?是一种天真、纯朴、自娱自乐的一种民间舞。那么到了意大利的宫廷，后来又进入法国宫廷之后，经过宫廷舞蹈家的提炼之后，它上升为Ballet这个词，实际上就已经带着高度城市化的语言，把动作城市化了，加工提炼之后的这样一个结果。就是一句话，归结到起源的方面来讲的话，我们说芭蕾，实际上它的根还是民间的艺术，民间舞。 　　在世界各国，其实不仅仅是欧洲的艺术。在中国、在印度都是有这么一个共同的现象，舞蹈在戏剧的理想中，它是诗、乐、舞，它是三位一体的这样一个起源。那么芭蕾也是不例外的，实际上芭蕾舞或者芭蕾舞剧，它就是意大利和法兰西的这些艺术家们，他们想重建古希腊的那种诗、乐、舞三位一体这样一种形式。那么也就是在芭蕾舞剧上讲，我们可以说它首先要有文学剧本，那接下来要有音乐伴奏，然后是舞蹈动作，手势语言，面部表情，还有舞台的服装，灯光呀，布景呀等等。这些综合性的因素集大成，它才能够成就一部舞剧。因此我们常常说，舞剧也好，芭蕾舞剧也好，它是一个综合性的艺术，它是一个群体艺术，靠任何一个人的，无论你智商有多高，都很难成就的这样一种群体性的艺术。

5个基本脚位：1.一位脚：两脚完全外开，两脚跟相接形成一横线。两脚跟紧靠在一直线上，脚尖向外180度；2.二位脚：两脚根在一位基础，向旁打开一脚的距离。（根据自己脚的大小）两脚跟相距一足的长度，脚部向外扭开，两足在一直线上；3.三位脚：一脚位于另一脚之前。前脚跟紧贴后脚心。前脚盖住后脚的一半。两脚跟前后重叠放置，足尖向外张开；4.四位脚：一脚从五位向前打开，两脚相距一脚的距离。前脚跟与后脚趾关节成一条线。两脚前后保持一足的距离，两足趾踵相对成两直线，腿向外转；5.五位脚：两只脚紧贴在一起，一脚的后跟紧挨着另一只脚的脚尖，前脚完全遮盖住后脚。两脚前后重叠，两足趾踵互触，腿向外转。7个基本手位：1.一位手：手自然下垂，胳膊肘和手腕处稍圆一些。手臂与手成椭圆形，放在身体的前面，手的中指相对，并留有一拳的距离。双手在正面的腹前成自然圆；2.二位手：手保持椭圆型，抬到横隔膜的高度。（上半身的中部，腰以上，胸以下的位置）但在动作过程中，要注意保持胳膊肘和手指这两个支撑点的稳定。双手在旁侧伸，在视线范围内，手心向内；3.三位手：双手上举在头上方的视线内；四位手：在三位手的基础上左手不动，右手切回到二位，组成四位。它已是舞姿了。五位手：在四位手的基础上左手不动，右手保持弯度成椭圆形。六位手：在五位手的基础上右手不动，左手从三位手切回到二位，组成六位，形成舞姿。七位手：在六位手的基础上右手不动，左手打开到旁边，双手相同地放在身体的两边。拓展资料：舞蹈术语编辑形象以舞蹈艺术为手段塑造的人物形象动态形象，技人体的姿态、造型，步法等动作借助音乐、舞台美术、化妆、服饰等艺术因素产生的具有欣赏价值的视觉效果。具有可视性、流动性的审美性的特点，是舞蹈欣赏过程中被感知、认识的主要对象和体现舞蹈艺术审美价值的主体。表情根据现实生活中人的心理活动和流露表情的习惯特点，经过提炼和艺术加工，用不同的舞蹈形式加以概括并表现出的喜怒哀乐等内心情感变化。除了与动作相协调的面部表情外，有节奏的动作、姿态、手势和造型，亦可产生富有艺术感染了的舞蹈表情。塑形以芭蕾为形体塑形的教材有什么好处：训练孩子三长一小（三长：手长、腿长、脖子长；一小：脸小）可以最大程度的塑造和改变孩子的形体，帮助孩子拉长腿型挺拔身姿，并通过长期训练使孩子拥有优美的体态，增加自信。展现出与众不同的高贵气质。北京舞乐坊少儿舞蹈培训开设舞种多样，根据孩子不同成长时期设置不通过舞种，并通过不同的孩子与形体来培养孩子的综合素质与艺术气质。动作舞蹈艺术的基本表现手段。源于对人类情感动作和自然界各种动态事物的模仿。主要包括：1、单一动作，即以人体某一部位为主动，其他部位静止或随动的动作；2、复合动作，指人体各部位在同一时间按照一定的顺序、规格作出的动作；3、动作组合。一般指以训练舞蹈技巧为主要目的，有两个以上单一动作或复合动作按一定顺序、方向、速 度和幅度上的结合与变化组成的连续性动作滑步、屈伸、踢腿、跳跃、旋转等等。参考资料：百度百科 芭蕾舞

一、芭蕾5个基本脚位芭蕾中脚的5种基本位置，是学生最早要学习的动作。不只是因为简单，而是芭蕾课堂上大部分动作都是以这5种位置之一作为开始和结束姿态。外开并非易事，但也并非可怕，它需要时间和坚持不懈的刻苦锻炼。有些人的自然开度好，以下的动作他就能很轻易地完成。有些人开度较差些，但多练习就会逐渐达到要求。一位脚两脚完全外开。两脚跟相接形成一横线。二位脚两脚根在一位基础，向旁打开一脚的距离。（根据自己脚的大小）三位脚一脚位于另一脚之前。前脚跟紧贴后脚心。前脚盖住后脚的一半。四位脚一脚从五位向前打开，两脚相距一脚的距离。前脚跟与后脚趾关节成一条线。五位脚两只脚紧贴在一起，一脚的后跟紧挨着另一只脚的脚尖，前脚完全遮盖住后脚。二、芭蕾7个基本手位学习手的位置之前必须学好手的形态：大拇指尖要轻轻地碰到中指的指根处，其它的手指稍弯一些挨在一起放好。这种形态只是在初学时才要求这样做。因为那时学生还不能有意识地支配，控制自己的动作，因而手指容易紧张。以后，手的形态变得比较自然，大拇指不必碰中指，而是朝向手心既可。我国至今延用的是下面介绍的七个手位：一位手手自然下垂，胳膊肘和手腕处稍圆一些。手臂与手成椭圆形，放在身体的前面，手的中指相对，并留有一拳的距离。二位手手保持椭圆型，抬到横隔膜的高度。（上半身的中部，腰以上，胸以下的位置）但在动作过程中，要注意保持胳膊肘和手指这两个支撑点的稳定。三位手在二位手的基础上继续上抬，放在额头的前上方，不要过分的向后摆，三位手就象是把头放在椭圆形的框子里。四位手在三位手的基础上左手不动，右手切回到二位，组成四位。它已是舞姿了。五位手在四位手的基础上左手不动，右手保持弯度成椭圆形。从手指尖开始慢慢向旁打开。在过程中胳膊肘和手指两个支撑点要保持在一个水平面上。手要放在身体的前面一点，不要过分向后打开，起到一个延续双肩线条的作用。六位手在五位手的基础上右手不动，左手从三位手切回到二位，组成六位，形成舞姿。七位手在六位手的基础上右手不动，左手打开到旁边，双手相同地放在身体的两边。三、芭蕾舞起源“芭蕾 ”起源于意大利，兴盛于法国，“芭蕾”一词本是法语"ballet"的音译芭蕾舞 意为“跳”或“跳舞”。ballet一词，源于古拉丁语ballo。最初，这个词只表示跳舞，或当众表演舞蹈，并不具有剧场演出的含义。芭蕾的历史，最早的肇端可追溯自欧洲文艺复兴鼎盛时代的意年大宫廷，及法国南部的贝根弟处所的宫廷里。每当成婚喜庆，接见外国元首，或其他年夜庆典，即表演这种舞蹈以示祝或助兴。芭蕾成长史上第一部斗劲完整的芭蕾舞剧——《皇后喜剧芭蕾》上演于1581年，当洛蕾娜（Lorraine）的玛格丽特蜜斯和凡尔赛（Versaills）的姚幼斯公爵成婚瞬息，这场芭蕾舞的音乐曲谱迄今仍保留，可算是最古老的芭蕾音乐。

芭蕾起源于意大利、兴盛于法国、最后成为席卷世界的舞蹈艺术。“芭蕾”这个词来自法语的ballet的音译。而ballet又源自意大利的ballo(芭萝)。它最早的意思是跳舞，是指无任何情节内容的舞蹈。在欧洲，跳舞的概念与东方各国不同。东方国家多称谓舞蹈，也即手舞足蹈，手臂的舞动动作比脚下动作要多而复杂，身体呈下沉状态。而西方舞蹈则是以腿部的跳跃动作为主，西方舞蹈是跳和跃的综合体，舞蹈动势呈上升状态。

会燃烧的氢气

芭蕾五个基本脚位： 一位脚：基本站姿站好，双脚脚跟并拢，脚尖呈一字形打开，并与肩平行。二位脚：在一位脚的基础上，双脚直线向两旁打开，两脚之间相距一只脚的距离，重心在两脚中间。三位脚：在二位脚的基础上，一只脚的脚后跟与另一只脚的脚心靠拢，保持外开的状态，略像古典舞的丁字步。四位脚：以一只脚为定点，站好一位脚的姿态，两脚前后打开，前脚的脚后跟与后脚的脚尖相对，两脚形成“二字”的平行状，两只脚的前后距离大约为一只脚掌竖着的距离。五位脚：在四位脚的基础上，以后脚为定点，前脚向后脚靠拢并收紧，重心在两腿的中间。芭蕾七个基本手位： 一位手：手自然下垂，胳膊肘和手腕处稍圆一些。 手臂与手成椭圆形，放在身体的前面，手的中指相对，并留有一拳的距离。 双手在正面的腹前成自然圆；二位手：手保持椭圆型，抬到横隔膜的高度。 （上半身的中部，腰以上，胸以下的位置）但在动作过程中，要注意保持胳膊肘和手指这两个支撑点的稳定。 双手在旁侧伸，在视线范围内，手心向内；三位手：双手上举在头上方的视线内；四位手：在三位手的基础上左手不动，右手切回到二位，组成四位。 它已是舞姿了。五位手：在四位手的基础上左手不动，右手保持弯度成椭圆形。六位手：在五位手的基础上右手不动，左手从三位手切回到二位，组成六位，形成舞姿。七位手：在六位手的基础上右手不动，左手打开到旁边，双手相同地放在身体的两边。起源： 芭蕾起源于意大利，兴盛于法国，“芭蕾”一词本是法语"ballet"的音译，意为“跳”或“跳舞”。 芭蕾舞ballet一词，源于古拉丁语ballo。 最初，这个词只表示跳舞，或当众表演舞蹈，并不具有剧场演出的含义。 扩展资料 芭蕾舞形式： 1、一种舞台舞蹈形式，即欧洲古典舞蹈，通称芭蕾舞。 这是在欧洲各地民间舞蹈的基础上，经过几个世纪不断加工、丰富、发展而形成的，具有严格规范和结构形式的欧洲传统舞蹈艺术。 19世纪以后，技术上的一个重要特征是女演员要穿特制的足尖鞋用脚趾尖端跳舞，所以也有人称之为脚尖舞。 2、舞剧最初专指以欧洲古典舞蹈为主要表现手段，综合音乐、哑剧、舞台美术、文学于一体，用以表现一个故事或一段情节的戏剧艺术，称古典芭蕾（或古典舞剧）。 20世纪出现了现代舞以后，以现代舞结合古典舞蹈技术为主要表现手段来表现故事内容或情节的称现代芭蕾。 逐渐地，芭蕾一词也用来泛指用其他各种舞蹈为主要表现手段的舞剧作品，尽管在舞蹈风格、结构特征、表现手法等方面均不同于古典芭蕾或现代芭蕾。 3、在现代编导创作的舞蹈作品中，有相当一部分没有故事内容，也没有情节，编导运用欧洲古典舞蹈或现代舞蹈，或使两者相结合，用以表现某种情绪、意境，或表现作者对某个音乐作品的理解等等，这些也称为芭蕾。 芭蕾的发展： 芭蕾的历史，最早的肇端可追溯自欧洲文艺复兴鼎盛时代的意年大宫廷，及法国南部的贝根弟处所的宫廷里。 每当成婚喜庆，接见外国元首，或其他年夜庆典，即表演这种舞蹈以示祝或助兴。 芭蕾成长史上第一部斗劲完整的芭蕾舞剧——《皇后喜剧芭蕾》上演于1581年，当洛蕾娜（Lorraine）的玛格丽特蜜斯和凡尔赛（Versaills）的姚幼斯公爵成婚瞬息，这场芭蕾舞的音乐曲谱迄今仍保留，可算是最古老的芭蕾音乐。

1、芭蕾舞在诞生之初表演的演员全都是男性。 2、这种艺术形式起源于15世纪的意大利宫廷。当芭蕾舞最早的赞助人之一凯瑟琳德美第奇嫁给法国国王亨利二世时，法国成为其发展的中心。在最初的几个世纪里，作品通常由朝臣来表演，大多数表演者都是男性。第一位女首席舞蹈演员直到1681年才出现，直到40年后女性才开始与男性的技术相匹敌。 3、一般认为，芭蕾舞起源于意大利，芭蕾（Ballet）一词，来源于意大利语的Ballare（即跳舞）和古拉丁语的Ballo，最后用法语的Ballet确定下来，并沿用至今。

RobertLouisRaballo外文名：RobertLouisRaballo职业：演员代表作品：Rampage合作人物：威廉·弗莱德金

芭蕾(Ballet)一词,来源于意大利语的Ballare(即跳舞)和古拉丁语的Ballo,最后用法语的Ballet确定下来,并一直沿用至今。 　　早在文艺复兴时期,人文主义思潮影响下的人们开始重视人体本身的价值和作用,从而推动了社会的经济、科学和文化的迅猛发展。而在文艺复兴的摇篮“意大利”,王公贵族竞相把艺术做为炫耀自己的权势与扩大政治影响的工具和手段,他们不惜巨资相互攀比,相互竞争,因此这一时期的文化艺术得到了空前的发展。芭蕾就是在这样的一个历史背景下,在古朴的民间舞的基础上,从一种游戏性质的舞蹈开始在意大利宫廷中逐渐形成一种具有确定风格、舞步与技巧的艺术形式。 　　那时的芭蕾作为一种简单的娱乐形式由王公贵族在各种宫廷庆祝活动和宴会上亲自表演,因此也叫“席间芭蕾”。1489年,米兰公爵的婚礼上演出的《宴会芭蕾》就是他的代表。与此同时宫廷里出现了一种新的职业——舞蹈大师。 　　15世纪末法兰西国王理查八世率军来到意大利时惊喜地发现了这种优美、豪华的“席间芭蕾”,于是法国人将芭蕾艺术连同意大利的艺术家一起“引进”到了法国,1581年法国王后路易丝妹妹的婚庆上演出的《皇后喜剧芭蕾》是历史上第一部大型芭蕾舞剧。此剧由意大利音乐家和舞蹈教师贝尔焦约索编导的。 　　芭蕾舞在17世纪成为法国宫廷生活的一个重要组成部分。路易十三、路易十四都酷爱芭蕾,并亲自参加演出,特别是“太阳国王”路易十四对芭蕾的喜爱简直到了如痴如醉的程度。他先后在26部大型芭蕾中担任主角,并组织了三位艺术大师——吕利、莫里哀和博尚专门负责芭蕾艺术的创作和演出,并形成了新的芭蕾形式“幕间芭蕾”。1661年他下旨创办了芭蕾史的第一所舞蹈学府————皇家舞蹈学院,开始对舞蹈训练进行规范化的研究整理工作。芭蕾舞的脚位及手位都是那时确定下来并一直沿用至今的。 　　17世纪后半叶,芭蕾艺术走出宫廷,登上舞台,开始成为剧场艺术。于是首批专业芭蕾舞演员也应运而生了。但那时的女主角都是由男演员扮演的,直到1681年在巴黎歌剧院上演吕利的《爱情的胜利》中,芭蕾舞女演员才首次登台亮相,而扮演女主角的简·芳登成为了历史上第一位女芭蕾演员(Ballerina)。

芭蕾舞剧中的白天鹅， PS看命中注定我爱你学会的，嘿嘿

俄罗斯，中国，蒙古

芭蕾舞是一种欧洲古典舞蹈，孕育于意大利文艺复兴时期，十七世纪后半叶开始在法国发展流行并逐渐职业化，在不断革新中风靡世界。“芭蕾”起源于意大利，兴盛于法国，“芭蕾”一词本是法语ballet的音译，意为“跳”或“跳舞”。ballet一词，源于古拉丁语ballo。最初，这个词只表示跳舞，或当众表演舞蹈，并不具有剧场演出的含义。芭蕾的历史，最早的肇端可追溯自欧洲文艺复兴鼎盛时代的意年大宫廷，及法国南部的贝根弟处所的宫廷里。每当成婚喜庆，接见外国元首，或其他年夜庆典，即表演这种舞蹈以示祝或助兴。芭蕾成长史上第一部斗劲完整的芭蕾舞剧——《皇后喜剧芭蕾》上演于1581年，当洛蕾娜（Lorraine）的玛格丽特蜜斯和凡尔赛（Versaills）的姚幼斯公爵成婚瞬息，这场芭蕾舞的音乐曲谱迄今仍保留，可算是最古老的芭蕾音乐。芭蕾舞最重要的一个特征即女演员表演时以脚尖点地，故又称脚尖舞。其代表作品有《天鹅湖》、《仙女》、《胡桃夹子》等，芭蕾舞是用音乐、舞蹈手法来表演戏剧情节。芭蕾艺术孕育在意大利，降生在十七世纪后期路易十四的法国宫廷，十八世纪在法国日臻完美，到十九世纪末期，在俄罗斯进入最繁荣的时代。芭蕾在近四百年的持久历史成长过程中，对世界列国影响很大,传布极广，至今已成为世界列国都全力成长的一种艺术形式了。

本赛季，切尔西和莱比锡RB都需要在左后卫位置上引援，兰帕德对于寻找一位新的左后卫的需求可谓由来已久，纳格尔斯曼的球队也希望能补强这一位置以备不时之需。据报道，23岁的法国青年国脚巴洛-图雷（Fode Ballo-Toure）进入了两支球队的视野，那么图雷适合蓝军或者莱比锡RB吗？他有哪些特质？本文正是对图雷技术特点的介绍。 图雷加盟摩纳哥（图片：摩纳哥官网） 球员简介 1997年1月3日出生的福德-巴洛-图雷，2005年8岁时就加入了巴黎圣日耳曼的青训系统，他一直在这家法甲豪门效力了长达12年之久，并在各级别青年队都是球队的主力人选。在巴黎青训营期间，图雷担任过左后卫，左边前卫和中卫等多个位置。2017年，图雷自由转会到了里尔，并在里尔效力了一个半赛季，在里尔效力期间，他也入选了法国U21国家队。 图雷的转会记录（transfermarkt） 2019年1月，急需引援来走出泥潭的摩纳哥签下了当时22岁的图雷，他们为法国人支付了1100万欧元，而图雷加盟之后也成为了球队在左后卫位置上的主力，并帮助球队保级成功。在夏天举行的欧青赛上，图雷也入选了法国U21的大名单并出场两次。本赛季图雷由于防守欠佳一度失去了主力位置，不过在新帅莫雷诺手下，他又重新成为了球队的先发。 图雷本赛季的表现和评分（Whoscored） 技术特点 身高182cm的图雷能担任左边后卫和左边前卫的位置，这位前法国U21国脚的优缺点都相当鲜明，他是一位攻强守弱的边后卫。 图雷的个人资料（transfermarkt） 虽然此前笔者在评论区批评了图雷的表现，但是平心而论，图雷还是有着一些闪光的特质的。其最大的优势无疑是出色的速度和爆发力，作为一名进攻型边后卫，图雷的趟球无疑是一大特色，在边路持球之后，突然起速的他往往能直接超车完成突破，虽然看上去并不强壮，但图雷的冲击力其实非常强，这让他往往能挤开对手，突破后的传中不管是线路还是质量也都不错。2018-19赛季，图雷在联赛中送出了5次助攻。 上赛季图雷在联赛中送出4次助攻和1次间接助攻 此外，图雷也善于利用二过一配合完成边路的推进，早在里尔时期，他和班巴在左路的二过一配合就非常默契，在进攻端图雷善于寻求和队友的配合，这也是他的优势所在。此外，图雷的脚下技术不算非常细腻，不过他也有一定的拿球摆脱能力，扭身频率不算快，不过结合球技术和突然转身加速的时机掌握的非常好。总体来说，图雷的进攻能力和速度能给球队带来不小的帮助。 图雷助攻马丁斯破门（Ligue 1官方YouTube） 图雷加速扛倒对手后助攻（Ligue 1官方YouTube） 不过说到防守，图雷的问题就非常大了，防守甚至可以说是他的短板，因此他镇守的左路也往往会成为对手攻击的突破口。 作为边后卫，图雷的防守硬件是不错的，出色的速度让他拥有不俗的回追能力，而不错的身体素质也让他的抢断成功率颇高，防守非常勇猛的他能完成一系列的正面断球，喜欢顶防对手的他的断球数据也较为漂亮。此外，他也有一定的拦截球路能力。 图雷的抢断成功率还是不错的 不过他的防守意识和位置感可以说非常糟糕。在比赛中，他常常会因为向前助攻的幅度太过靠前而失位，身后的巨大空挡也经常被对手所利用。作为后卫，图雷的防守技巧也相当一般，喜欢身体对抗，但时常会陷入犯规的怪圈。 Whoscored对图雷注意力的评价是“弱” 总体来说，图雷是一位攻强守弱的边后卫，爆发力是他最大的优势，冲击力让他在边路的进攻能制造威胁，不过他在防守细节上存在的问题也非常多，并不能算一位优秀的防守者。因此，目前来说，他还暂时没有达到切尔西和莱比锡主力的水平。

芭蕾术语的阿拉贝斯克是一种芭蕾舞姿（独脚站立， 手前伸， 另一脚一手向后伸）；这个舞姿中文称“阿拉倍斯”。阿拉贝斯克是芭蕾舞的3种基本舞姿之一，另外还有两种分别是：阿提秋（attitude）和伊卡特（ecarte）。腿部技巧：各种巴特芒（battements）—包括腿的伸展、打开以及ronddejambo（腿的划圆圈）等；各种幅度和舞姿的跳跃；各种旋转；击腿技巧；各种舞步和连接动作；女子的脚尖舞技巧；双人舞的扶持和托举等技巧；以及泼德布拉（portdebras）等。古典芭蕾的这些基本动作（元素），就像字母一样，编导运用这些字母写出不同角色的个性、身份、情绪以及角色在剧情发展中的地位和作用，把这些元素按特定的结构手法加以编排、组合、组成形象化的舞蹈语汇来表达剧情，创造出各种富有艺术魅力的舞蹈形象。

芭蕾舞起源于意大利。芭蕾舞（ballet）是欧洲古典舞蹈，是一种轻盈，舒缓，优雅的舞蹈，它起源于意大利文艺复兴时期，十七世纪后半叶开始兴盛于法国，于十九世纪末期在俄罗斯进入最繁荣的时代。芭蕾舞最重要的一个特征即女演员表演时以脚尖点地，故又称脚尖舞，著名的芭蕾舞作品有《天鹅湖》《仙女》《胡桃夹子》等。芭蕾舞是一种无氧运动，其健美力度是一般健身运动无法比拟的，开、绷、直芭蕾三因素，具有收缩纤维的功能，使人练后身材更修长，在动静结合的运动中有效地消耗多余脂肪，造就形体美，因而吸引了众多爱好者。芭蕾(Ballet)一词，来源于意大利语的Ballare(即跳舞)和古拉丁语的Ballo，最后用法语的 Ballet确定下来，并一直沿用至今。发展历史：芭蕾最初是欧洲的一种群众自娱或广场表演的舞蹈，在发展进程中形成了严格的规范和解构形式、其主要特征是女演员要穿上特制的足尖鞋立起脚尖舞。作为一门综合性的舞台艺术，芭蕾发源于意大利、17世纪在法国宫庭形成。法国宫廷芭蕾是在统一的主题下，把歌唱、舞蹈、音乐、朗诵和戏剧情节融为一体。1661年，法国国王路易十四下令在巴黎创办了世界第一所皇家舞蹈学校，确立了芭蕾的五个基本脚位和七个手位，是芭蕾动作有了一套完整的动作和体系。这五个基本脚位一直沿用至今。无论在练功教室还是在舞台，舞蹈者穿的都是专门设计的服装练功服。虽然某些服装可能会随时尚变换样式，但对舞蹈者来说，练功服绝不仅仅是为了好看，它们中每一件都有其切实的作用。紧身衣和紧身裤袜是舞蹈者最基本的练习服。在古典芭蕾领域，女孩子通常穿黑色紧身衣，配上粉色的紧身裤袜。有的学校则喜欢让他们的姑娘穿短袜和各种带色的紧身衣。发式也是舞蹈服饰的一部分。古典芭蕾的姑娘们爱把他们的头发在脑后挽成一个髻，这样脖子和头部的线条就显得十分清晰。芭蕾软鞋是女孩子练足尖前，男女学生都穿的练功用柔软的薄皮革或帆布制成。女孩子穿粉色，男孩子穿黑色或白色。鞋子须以较紧的包住脚为宜。

“芭蕾 ”起源于意大利，兴盛于法国，“芭蕾”一词本是法语"ballet"的音译，意为“跳”或“跳舞”。ballet一词，源于古拉丁语ballo。最初这个词只表示跳舞，或当众表演舞蹈，并不具有剧场演出的含义。芭蕾的历史，最早的肇端可追溯自欧洲文艺复兴鼎盛时代的意年大宫廷，及法国南部的贝根弟处所的宫廷里。每当成婚喜庆，接见外国元首，或其他年夜庆典，即表演这种舞蹈以示祝或助兴。芭蕾舞的特点芭蕾舞演员的足尖技巧和脚尖技巧的使用，是芭蕾舞区别与其他舞蹈的显著特点。它突出了演员修长的双腿和轻盈感，而且增加了技巧和表现力，使芭蕾成为最生动、最典雅高尚，最美丽的艺术。芭蕾的技巧在舞蹈中被公认为是难度最高、最难练。主要技巧包括旋转、跳跃、双人舞技巧等。

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芭蕾舞是法国传来的一个外来语，“芭蕾”这个词是法语“ballet”的英译，意思为跳或者跳舞。Ballet一次来源于古拉丁语ballo。最开始这个词只表示跳舞或者当众表演跳舞，并没有在剧场中演出的意思。芭蕾舞一个重要的特征就是女演员在表演的时候脚尖点地，所以又称为脚尖舞。芭蕾舞是用音乐、舞蹈等的手法来表演戏剧的情节。芭蕾是在意大利起源，在法国兴盛。芭蕾舞即使欧洲古典舞蹈，这是在欧洲各地民间舞蹈的基础经过几个世纪的丰富和发展形成的，有着比较严格的规范。

RianaBalloRianaBallo是一名演员，主要作品有《沉睡者》。外文名：RianaBallo职业：演员代表作品：《沉睡者》合作人物：JustinRussell

开宗明义，先对ballet(芭蕾）一词作点解释。在我国舞蹈文献中，一般把Ballet译为“芭蕾”、“舞剧”，而在中译外----把汉语“舞剧”一词译为英文或其他西文时，译者往往不用Ballet这个对应译名，而绕弯子译成dance drama。其实，这样译反而不确切----dance drama在英语中是“舞蹈剧”的意思，通常是指戏剧化的舞蹈，或者说是“戏多于舞”的作品，往往带有一点贬味。之所以这样，可能是由于译者对英语Ballet一词的涵义了解不够，以为它专指“芭蕾舞剧”的缘故吧。英语Ballet一词源于法语Ballet，更远一些词源可以推溯到15世纪，意大利初次出现“芭蕾”时将它命名为balletto,词源是晚期拉丁语的ballo（动词baller，“跳”）。也就是说，从词源上来考察，广义地说，ballet本来泛指各种舞蹈或舞剧，凡以人体动作和姿态表现戏剧故事内容的或者某种情绪心态的舞蹈演出，都可以称之为ballet，即“舞剧”。狭义的说ballet是西方的一种特定的舞种，是classical ballet(古典芭蕾）的略称，专指15世纪出现于意大利，经300年的发展而成的，有特定的审美标准和技术规范的欧洲古典舞蹈，亦即通常所说的“古典芭蕾”或“芭蕾舞（剧）。所以，我觉得芭蕾舞基本功的训练目的，是为了最后的舞蹈展示，传统芭蕾舞蹈的真正意义是有戏剧情节的，用肢体要展现人物的内心，它是具有情感化的唯美舞蹈，绝不是单纯展现自己身体条件的方式，在芭蕾舞的课堂里一定要注重“美”这个字，千万别单纯的做动作，用你的内心和音乐做一个交流，将情感抒发在你的身体上，这样才能真正做到芭蕾舞的韵味……

哈喽大家好！我是莫少音乐旅程！很高兴回答这个问答。 世界三大男高音是：卢恰诺u2022帕瓦罗蒂（意大利）、普拉西多u2022多明戈（西班牙）、何塞u2022卡雷拉斯（西班牙） 他们三人联袂首演于1990年意大利世界杯，第一次以“世界三大男高音”带有慈善性质的演出，此后两届世界杯上，“三高”也都有出场献艺，1998年世界杯之后，作为“三高”这一集体品牌，且他们共同拥有一位经纪人——美国鲁道斯。正是鲁道斯把跟世界杯联系在一起的世界三大男高乐演唱会做成了全球性的演出项目。 帕瓦罗蒂去世了，多明戈被封杀，三高只剩下何塞u2022卡雷拉斯，那新世界三大男高音另两位，认为是亚当u2022洛佩兹（澳大利亚）与莫华伦（华裔）。 亚当u2022洛佩兹，2003年创吉尼斯高音纪录达D7（以下均按照科学音高记录法标记），2005年自己又打破了这个纪录，飈到了C#8的4435赫兹的超高音频。 音乐作品[玫瑰] 1.Showstopper 2.Listen to me 3.Ain"t that the way 4.Always 5.Gotta get it 不一一列出 所获奖项[赞] 世界上目前得到金氏世界纪录（Guinness World Records）认证的【史上最高音男歌手（Highest Vocal Note in History by a Male Singer）】就是这位来自澳洲的Adam Lopez！ 莫华伦（华裔）祖籍广东珠海会同，毕业于美国夏威大学音乐系和曼哈顿音乐学院。世界歌剧舞台上能够和西方歌唱家同台较技的为数不多的中国男高音歌唱家。曾是第一个登上最负盛名的伦敦歌剧院的世界华人，这个签约德国柏林歌剧院任首席男高音的华人，拥有一副优美特殊的戏剧性抒情男高音歌喉。他能演唱的角色超过五十个，演出的足迹遍及世界各地，英俊洒脱、气质非凡、风格独具，并且有着极强的开拓性和创造力。2008年，意大利政府授予莫氏“意大利团结之星骑士勋章”，法国政府授予“文化骑士勋章”，表彰他为中意和中法文化交流所作的推动及突出贡献。莫华伦是我们华人的骄傲。他的祖家是珠海会同非常古色古香，大院非常大，建筑似厦门鼓浪屿风格，近来也有很多电视剧来拍戏，现在也是我们莫家联谊地方，本人也到过好几次。大家有机会可以过来会同参观[玫瑰] 现在新的世界三大男高音：何塞u2022卡雷拉斯、亚当u2022洛佩兹、莫华伦，大家认为怎样，希望互动下，谢谢关注。首先要明白什么叫男高音。 男高音不是说你音高或高音就叫男高音。在音乐上，男高音指西洋歌剧男高音，是唱歌剧咏叹调的男高音。帕瓦罗蒂、多明戈都是唱歌剧咏叹调的男高音。不是流行歌曲的男高音。维塔斯（Vitas）算不算男高音另说。 男高音（Tenor）指声乐曲中女高音、女低音与男低音之间的一个声部。在歌剧发展史上，男高音占有十分重要的地位，第一男主角多为男高音歌唱家扮演。当中世纪阉人歌手还霸占歌剧舞台时，一位男歌手以真正的声音唱出高音C，被讥笑像是“被阉掉的公鸡”，但如今男高音却是最能激发戏剧高潮的看点。尤其杰出的男高音非常珍贵。 帕瓦罗蒂、多明戈、卡雷拉斯被称为世界公认的三大男高音。他们都出生于意大利或西班牙，这些西语系的歌剧之乡。三四十年代的人。 Pavarotti（1935年10月12日-2007年9月6日），生于意大利摩德纳，意大利最有名的当代男高音歌唱家。帕瓦罗蒂具有十分漂亮的音色，在两个八度以上的整个音域里，所有音均能迸射出明亮、晶莹的光芒。被一般男高音视为畏途的“高音c”也能唱得清畅、圆润而富于穿透力，因而被誉为“高音c之王”。 多明戈演唱嗓音丰满华丽，坚强有力，从抒情到戏剧型的各类男高音角色。他塑造的奥赛罗、拉达美斯等形象，气概不凡，富于强烈的戏剧性和悲剧色彩。多明戈出演北京奥运会闭幕式主题曲《爱的火焰》。 帕瓦罗蒂、多明戈等来中国演出过，为国人熟知。但大多数有实力的世界顶级男高音，国人很陌生。 世界所有男高音真正的大神是卡鲁索。卡鲁索（ Caruso , 1873--1921）的歌唱成就是有史以来的最高水平，古往今来，无与伦比。他的声音音质优美，音域宽广，音量强大，音色丰富，表现力强。他的声音包括了男高音领域中所有各种类型的男高音(抒情的、Spinto的、戏剧性的)。 克鲁索的呼吸能量惊人，运用得也很巧妙，气息的流出与声音的发出配合得异常好，善于把所有的气息变成声音发出来，而且多用上部共鸣。他的高音Close，起音强烈，发声果断，力度刚劲，爆发力强，声如洪钟，金声玉振，无不显示出他那音质的美与力，具有美学价值。他的半轻声(Mezzo Voice)唱法，运用得自然、轻柔、饱满、柔美且富有 情感 。他的突发性的哭腔唱法，运用得稳重、适度、传神、微妙。 也有评出世界十大男高音歌唱家。但大多数都是二三十年代出生的男高音，多一不在了。 卡鲁索、斯苔芳诺和帕瓦罗蒂分别代表了20世纪早、中、后期男高音歌唱艺术的顶峰。 当帕瓦罗蒂已然仙逝、卡雷拉斯退出舞台，多明戈专事指挥或偶尔唱点男中音角色之时，谁能接“三大男高音”的班？谁能成为“第四大男高音”？有一位崛起于上世纪90年代的阿根廷男高音的名字被提及，何塞·库拉（Jose Cura）。 现在的著名男高音还包括胡安·迭戈·弗洛列兹演唱的《军中女郎》。 意大利男高音Daniele Barioni（1930年9月6日出生于意大利费拉拉）。 男高音皮埃泰罗.巴洛（Pietro Ballo ) 1952年8月10日出生于 巴勒莫，意大利著名男高音歌剧大师。 美国大都会歌剧院首席男高音歌唱家劳尔·赫尔南德兹。意大利墨西哥籍世界男高音歌唱家：劳尔u2022赫尔南德兹（Raúl Hernández）被称为最具才华的美声歌唱家，也是西方美声唱法的诠释者与代表者。 瓦格纳英雄男高音Jon vickers演唱威尔第歌剧奥赛罗选段，跟雄狮一样的咆哮，震撼人心。1973年奥赛罗中扮演奥泰罗，卡拉扬指挥。这个问题太简单了，现在国外疫情严重，国外那几个男高音死的死，封杀的封杀，躲病疫的躲病疫，只有中国最安全，只有中国的男高音才有心思去唱歌，所以现在世界三大男高音在中国。戴玉强，魏松，廖昌永当属世界三大男高音，个人看法有没有赞同的，谈谈你们看法。多帅的三大男高音 卡夫曼、弗伦佐、维拉宗现在只有卡雷拉斯了 世界上大家公认的 三大男高音 帕瓦罗蒂去世了、多明戈 卡雷拉斯 无人能超越他们，就算有，影响力也不如他们，就像之前红的发紫的四大天王，以后再有好的小天王什么的也不能超越他们，因为人们总喜欢对比，总是喜欢把新来的和以前的作对比，有了对比就知道谁好谁坏，就像咱们的第一感觉是最好的，一旦心里认定了他们是最好的，后面什么都不能超过他们，这就是第一印象的作用。 他们也只能成为 历史 ，过去的辉煌不会再来。咱们只能把他们当做最好的回忆，记得曾经这个世界上有他们三个 男高音就行了，当然不敢保证以后会不会在出现新的男高音，咱们也只能希望能够出现吧。你好，很高兴回答这个问题 三大高音： 1.卢恰诺·帕瓦罗蒂 2.普拉西多·多明戈 3.何塞·卡雷拉斯 新世界三大高音： 我还真不太清楚 欧洲的艺人经纪公司一直在寻找新一代的世界三大男高音，也挖掘到一些有潜力的新人，可是都没能成功。世界三大男高的经济公司曾经面对媒体采访同样的问题，他说因为如今 社会 娱乐 化更严重，发掘的新人要去参加比如综艺节目，各种应酬酒会，熬夜，长久下来把嗓音拖垮了，仕途也就此结束，要么就是新人心理更加浮躁，不能沉下来心来钻研声乐。而且，帕瓦罗蒂，多明戈，卡雷拉斯，这三位的三大男高形象已经深入人心，想要找到他们的替代者，难上加难！种种原因，新世界三大男高一直没问世！而我认为目前有可能且有能力担当这头衔的歌剧演员还是有一些的，排名不分先后，比如：1.维拉宗 Rolando Villazón 2.阿兰尼亚 roberto alagna 3.弗洛雷兹 Juan Diego Flórez 4.考夫曼 jonas kaufmann 为了回答这个问题，弄清实际情况，我翻阅了大量的祖关资料与大家一起来分享。 据相关资料统计世界上公认的3大男高音，老帕，多明戈，卡雷拉斯， 在他们以后 还没有听说过新的三大男高，就算有，也不是世界公认的，打个不恰当的比方，原来有四大天王，他们以后也出现了很多四小天王，说谁的都有，但是影响力远不及原版，三大男高只是一个辉煌的过去，也是一次成功的商业包装，并不是每一个时期都非要凑齐三个人的。 世界三大男高音卢恰诺·帕瓦罗蒂、普拉西多·多明戈、何塞·卡雷拉斯。他们的国籍分别是意大利、西班牙、西班牙。 其中帕瓦罗蒂去世了，曾经有人问多明戈，是不是想重组世界高音，他说了句，世界高音中帕瓦罗蒂的位置不可替代。可见三人的感情是很不错的哦，所谓的知音就是这个道理。 即将放歌紫禁城的帕瓦罗蒂全名叫卢恰诺.帕瓦罗蒂，1935年10月12日生于意大利的摩德纳。令人惊奇的是，这位号称“高音C之王”和“世界首席男高音”的歌唱家并不识谱。他自己在一次演出结束后透露说，他是依靠他的耳朵和他自己的符号替代音符系统来学习歌曲的。 现目前世界上还没有公认统计新的三大世界男高音排名，但是现目前这十位影响力最的世界高音嗓子哟！ 1. 卡罗·贝尔贡济（Carlo Bergonzi） 2.鲁契亚诺·帕瓦罗蒂（Luciano Pavarotti） 3.普拉西多·多明戈（Placido Domingo） 4.尤西·毕约林（Jussi Bjorling） 5.弗兰科·科莱里（Franco Corelli） 6.吉乌塞比·迪·斯岱法诺（Giuseppe di Stefano） 7.詹姆斯·金（James King） 8.尼科莱·盖达（Nicolai Gedda） 9.杰姆斯·麦克莱肯（James Mccracken） 10.马里奥·德尔·莫纳科（Mario del Monaco 今天的回答分享就告一个断落了，希望能给大家带来帮助。 现在新世界三大男高音分别是：卡夫曼、弗伦佐、维拉宗，他们都过而立之年，外貌俊朗，是如今纽约大都会、伦敦皇家等世界各大歌剧院的台柱子和顶级大牌。 现在还不好说

锋线中AC米兰目前身价最高的球员拉斐尔·莱奥（Rafael Leo）当之无愧入选葡萄牙国家队。对于莱奥来说，这是他的第一届世界杯比赛，身为葡萄牙阵中几乎是唯一的一个爆点边锋，他和坎塞洛能否联线成功，是决定葡萄牙能走多远的因素之一。锋线上另一个参加世界杯的是老当益壮的吉鲁（Olivier Giroud），他凭借近2个赛季高效的发挥入选了法国国家队。法国队的世界杯名单仅有25人，却仍然可以称作豪华，中前场配置让他们有种能“无坚不摧”的感觉。相对于新星莱奥，吉鲁在坐拥姆巴佩、本泽马等世界级前锋的法国队更像是一个奇兵，他的入选也可以为德尚提供更多的战术选择。中场方面这个赛季刚刚转会而来的德凯特莱尔（Charles De Ketelaere）意外入选了比利时国家队。作为被俱乐部寄予厚望的新星，他赛季开始以来的表现没有达到预期。在本赛季一共出场了18次仅收获了1个助攻，也让其受到了媒体和球迷的口诛笔伐。但主帅马丁内斯仍将他以前锋位置招入国家队，这与他在俱乐部时踢的位置不同，恐怕对球员和教练双方都是一场赌博。米兰在后防线上参加世界杯的球员最多，一共有4位。分别是法国队的特奥（Theo Hernández）、丹麦队的克亚尔（Simon Kjaer）、塞内加尔的图雷（Fodé Ballo-Touré）以及美国队长的德斯特（Sergio Dest）。图雷和德斯特两人在米兰则是纯粹的替补球员，两人在俱乐部都因为各种原因不能得到重用。但历史上也有很多球员相对俱乐部的表现来说在国家队更亮眼，远点的有98年法国世界杯主力门将巴特兹，回到曼联就成了著名的“黄油手”。而近点的则是英格兰队的中卫马奎尔，在俱乐部比赛中贡献了“航母调头”这样的名场面，只是这些都无法掩盖他们在各自国家队中的出色表现。除了确定参加世界杯的，也有因各种因素没有参加的，比如因伤缺席世界杯的迈尼昂，以及因状态问题没有被选入的托莫里。对于每一个职业球员而言世界杯都是终极目标，但足球是圆的，注定会有人留下遗憾，只是作为球迷，希望这一届世界杯过后，我们能看到更多球员的兑现自己的天赋，迎来蜕变。

芭蕾源于意大利，却兴盛于法国。“芭蕾”一词本是法语“ballet”的音译，而它的词源则是意大利语“ballo”(芭萝)和由它发展出来的小词“balletto”(芭蕾托)，意为“跳”或“跳舞”。

肯定不是中国

　　19世纪下半叶，《天鹅湖》成为了芭蕾中不朽的经典。从此俄罗斯芭蕾也成了天鹅的故乡。回顾芭蕾的历史，20世纪在俄罗斯诞生了一批优秀的舞蹈艺术家，他们用优美的形体语言将芭蕾带入了鼎盛时期。 那第一个部分给大家讲说文解字，什么意思呢?就是说芭蕾，芭蕾是什么?不知道诸位有没有想过，很多观众闭上眼睛说芭蕾，就是脚尖舞，闭上眼睛，在你眼前出现的一系列形象，“嗒嗒”那种感觉，脚尖上的舞蹈。但是用我们比较学术的这样一个概念说，芭蕾是什么?它是一种经过职业舞蹈家加工提炼得贵族化了的，这样一种欧洲的宫廷舞蹈。在最早的时候，慢慢地后来进入了剧场。 　　第二个要点就是什么?法语是芭蕾的世界语，为什么呢?一部芭蕾史，上下五百年。这五百年的过程中，我们说它是孕育在15世纪文艺复兴时期的意大利，然后成型并且兴盛于16世纪到19世纪中叶的法兰西，然后是鼎盛于19世纪末的俄罗斯，20世纪初从俄罗斯走向世界各地，大家注意，我刚才说一个要点，它成型于法兰西，所以它所有的术语到今天为止，它还是用法语来固定的、来概括的。 　　第三条就是芭蕾在法国之外的国家里，通常有几种译法呢?不知道大家关注过没有，我把它计算了一下，大致上有七种翻译的方式。第一就是纯粹的音译，Ballet 芭蕾，接下来是芭蕾舞，然后是芭蕾舞剧，然后是舞剧，然后是舞蹈，然后是芭蕾舞团，然后是芭蕾音乐。这七种的在不同的非法语国家之外，它有七种不同的译法，简单给大家做一个交代。 　　那接下来我们讲讲，介绍一下芭蕾的起源。芭蕾这个东西，说起来是高雅艺术也好，严肃艺术也好，但最终它是一个贵族艺术，这样说是比较准确的。所谓贵族艺术，它起源于哪里?其实它还是起源于民间舞，为什么呢?它是起源于意大利。在意大利的时候，当时就是Ballo，用英文拼就是Ballo，Ballo意思是什么?就是跳，蹦蹦跳跳，那代表的是一种什么呢?是一种天真、纯朴、自娱自乐的一种民间舞。那么到了意大利的宫廷，后来又进入法国宫廷之后，经过宫廷舞蹈家的提炼之后，它上升为Ballet这个词，实际上就已经带着高度城市化的语言，把动作城市化了，加工提炼之后的这样一个结果。就是一句话，归结到起源的方面来讲的话，我们说芭蕾，实际上它的根还是民间的艺术，民间舞。 　　在世界各国，其实不仅仅是欧洲的艺术。在中国、在印度都是有这么一个共同的现象，舞蹈在戏剧的理想中，它是诗、乐、舞，它是三位一体的这样一个起源。那么芭蕾也是不例外的，实际上芭蕾舞或者芭蕾舞剧，它就是意大利和法兰西的.这些艺术家们，他们想重建古希腊的那种诗、乐、舞三位一体这样一种形式。那么也就是在芭蕾舞剧上讲，我们可以说它首先要有文学剧本，那接下来要有音乐伴奏，然后是舞蹈动作，手势语言，面部表情，还有舞台的服装，灯光呀，布景呀等等。这些综合性的因素集大成，它才能够成就一部舞剧。因此我们常常说，舞剧也好，芭蕾舞剧也好，它是一个综合性的艺术，它是一个群体艺术，靠任何一个人的，无论你智商有多高，都很难成就的这样一种群体性的艺术，这是第一 什么样的舞者才是最合适的，我们称他为三长。 　　我有四句话，我们随便就给介绍一下，叫三长一小一个高;二十公分顶重要;三长一小不言而喻;长胳膊、长腿、长脖子，外加一个小脑袋，大头不成，大头找不着重心;一个高是什么呢?高脚背，脚出来以后，这个脚背非常高，这样适合平衡，因此才美;二十公分顶重要，是指腿部要比躯干长出二十公分来，这个是最严酷的这样一个标准，对于芭蕾舞演员来讲。男变奏二，通常都有两次，让男演员出尽风头，这是最难的;二十四个击脚小跳，我有很多版本，比较一下，这个版本是没有偷工减料的，老老实实二十四个;然后第三句话叫做开绷直立爹妈给，轻高快稳师傅教，一会儿我们来细讲。开，是指我们一般说两脚打开，老百姓大家熟悉的八字脚;绷，是脚背绷起来，然后直是膝盖，在很多腿部直立的动作的时候，膝盖必须绷起来;直，膝盖是直的;立，是脊椎要跟地面呈垂直的状态，那样才像贵族，那么这是身体的要求;还有第四句话叫做轻高快稳师傅教，轻，轻盈飘逸;高，是爆发力的高;快，速度的快;稳，是最后不管你完成的小圈跳得多高，所以说最后收不不住，前功尽弃，最后收要收得稳。八个字，“开绷直立，清高快稳”，回头我们再细说。

芭蕾舞的认识 　　芭蕾，一个令人陶醉的名词，在人们的心目中，她是优雅与高贵的象征。芭蕾起源于15世纪充满着人文气息的意大利。成型并兴盛于16至19世纪上半叶的法兰西。19世纪足尖舞的出现使浪漫主义的芭蕾更加的轻盈、飘逸，超凡脱俗。形成了高雅诗意的风格。下面是我为您收集整理的芭蕾舞的相关知识，喜欢芭蕾舞的可以看看，希望对你有帮助! 　　19世纪下半叶，《天鹅湖》成为了芭蕾中不朽的经典。从此俄罗斯芭蕾也成了天鹅的故乡。回顾芭蕾的历史，20世纪在俄罗斯诞生了一批优秀的舞蹈艺术家，他们用优美的形体语言将芭蕾带入了鼎盛时期。 那第一个部分给大家讲说文解字，什么意思呢?就是说芭蕾，芭蕾是什么?不知道诸位有没有想过，很多观众闭上眼睛说芭蕾，就是脚尖舞，闭上眼睛，在你眼前出现的一系列形象，“嗒嗒”那种感觉，脚尖上的舞蹈。但是用我们比较学术的这样一个概念说，芭蕾是什么?它是一种经过职业舞蹈家加工提炼得贵族化了的，这样一种欧洲的宫廷舞蹈。在最早的时候，慢慢地后来进入了剧场。 　　第二个要点就是什么?法语是芭蕾的世界语，为什么呢?一部芭蕾史，上下五百年。这五百年的过程中，我们说它是孕育在15世纪文艺复兴时期的意大利，然后成型并且兴盛于16世纪到19世纪中叶的"法兰西，然后是鼎盛于19世纪末的俄罗斯，20世纪初从俄罗斯走向世界各地，大家注意，我刚才说一个要点，它成型于法兰西，所以它所有的术语到今天为止，它还是用法语来固定的、来概括的。 　　第三条就是芭蕾在法国之外的国家里，通常有几种译法呢?不知道大家关注过没有，我把它计算了一下，大致上有七种翻译的方式。第一就是纯粹的音译，Ballet 芭蕾，接下来是芭蕾舞，然后是芭蕾舞剧，然后是舞剧，然后是舞蹈，然后是芭蕾舞团，然后是芭蕾音乐。这七种的在不同的非法语国家之外，它有七种不同的译法，简单给大家做一个交代。 　　那接下来我们讲讲，介绍一下芭蕾的起源。芭蕾这个东西，说起来是高雅艺术也好，严肃艺术也好，但最终它是一个贵族艺术，这样说是比较准确的。所谓贵族艺术，它起源于哪里?其实它还是起源于民间舞，为什么呢?它是起源于意大利。在意大利的时候，当时就是Ballo，用英文拼就是Ballo，Ballo意思是什么?就是跳，蹦蹦跳跳，那代表的是一种什么呢?是一种天真、纯朴、自娱自乐的一种民间舞。那么到了意大利的宫廷，后来又进入法国宫廷之后，经过宫廷舞蹈家的提炼之后，它上升为Ballet这个词，实际上就已经带着高度城市化的语言，把动作城市化了，加工提炼之后的这样一个结果。就是一句话，归结到起源的方面来讲的话，我们说芭蕾，实际上它的根还是民间的艺术，民间舞。 　　在世界各国，其实不仅仅是欧洲的艺术。在中国、在印度都是有这么一个共同的现象，舞蹈在戏剧的理想中，它是诗、乐、舞，它是三位一体的这样一个起源。那么芭蕾也是不例外的，实际上芭蕾舞或者芭蕾舞剧，它就是意大利和法兰西的这些艺术家们，他们想重建古希腊的那种诗、乐、舞三位一体这样一种形式。那么也就是在芭蕾舞剧上讲，我们可以说它首先要有文学剧本，那接下来要有音乐伴奏，然后是舞蹈动作，手势语言，面部表情，还有舞台的服装，灯光呀，布景呀等等。这些综合性的因素集大成，它才能够成就一部舞剧。因此我们常常说，舞剧也好，芭蕾舞剧也好，它是一个综合性的艺术，它是一个群体艺术，靠任何一个人的，无论你智商有多高，都很难成就的这样一种群体性的艺术，这是第一 什么样的舞者才是最合适的，我们称他为三长。 　　我有四句话，我们随便就给介绍一下，叫三长一小一个高;二十公分顶重要;三长一小不言而喻;长胳膊、长腿、长脖子，外加一个小脑袋，大头不成，大头找不着重心;一个高是什么呢?高脚背，脚出来以后，这个脚背非常高，这样适合平衡，因此才美;二十公分顶重要，是指腿部要比躯干长出二十公分来，这个是最严酷的这样一个标准，对于芭蕾舞演员来讲。男变奏二，通常都有两次，让男演员出尽风头，这是最难的;二十四个击脚小跳，我有很多版本，比较一下，这个版本是没有偷工减料的，老老实实二十四个;然后第三句话叫做开绷直立爹妈给，轻高快稳师傅教，一会儿我们来细讲。开，是指我们一般说两脚打开，老百姓大家熟悉的八字脚;绷，是脚背绷起来，然后直是膝盖，在很多腿部直立的动作的时候，膝盖必须绷起来;直，膝盖是直的;立，是脊椎要跟地面呈垂直的状态，那样才像贵族，那么这是身体的要求;还有第四句话叫做轻高快稳师傅教，轻，轻盈飘逸;高，是爆发力的高;快，速度的快;稳，是最后不管你完成的小圈跳得多高，所以说最后收不不住，前功尽弃，最后收要收得稳。八个字，“开绷直立，清高快稳”，回头我们再细说。 ;

俄罗斯

芭蕾(Ballet)一词,来源于意大利语的Ballare(即跳舞)和古拉丁语的Ballo,最后用法语的Ballet确定下来,并一直沿用至今。 芭蕾”起源于意大利,兴盛于法国,十八世纪传入俄国,二十世纪二十年代传入中国。“芭蕾”一词本是“法语”ballet的英译

芭蕾舞知识之角色、肢体语言以及脚位手位 　　芭蕾舞，欧洲古典舞蹈，孕育于意大利文艺复兴时期，十七世纪后半叶开始在法国发展流行并逐渐职业化，在不断革新中风靡世界。芭蕾舞最重要的一个特征即女演员表演时以脚尖点地，故又称脚尖舞。芭蕾舞是用音乐、舞蹈手法来表演戏剧情节。 　　一、起源 　　“芭蕾 ”起源于意大利，兴盛于法国，“芭蕾”一词本是法语"ballet"的音译芭蕾舞 意为“跳”或“跳舞”。 　　ballet一词，源于古拉丁语ballo。最初，这个词只表示跳舞，或当众表演舞蹈，并不具有剧场演出的含义。 　　芭蕾的历史，最早的肇端可追溯自欧洲文艺复兴鼎盛时代的意年大宫廷，及法国南部的贝根弟处所的宫廷里。每当成婚喜庆，接见外国元首，或其他年夜庆典，即表演这种舞蹈以示祝或助兴。 　　芭蕾成长史上第一部斗劲完整的芭蕾舞剧——《皇后喜剧芭蕾》上演于1581年，当洛蕾娜(Lorraine)的玛格丽特蜜斯和凡尔赛(Versaills)的姚幼斯公爵成婚瞬息，这场芭蕾舞的音乐曲谱迄今仍保留，可算是最古老的芭蕾音乐。 　　二、角色 　　古典芭蕾舞剧演出主要由下列三种角色组成： 　　1、主角：主角是故事核心人物，舞者需有一定水准以上的技巧与体力，最重要是要 有高超舞蹈素养及品格，才能诠释剧中的人物。古典芭蕾双人舞是整个舞剧重心，大都由男女主角担任，古典芭蕾舞剧双人舞结构 次序是男女主角双人的慢板，然后是男主角独舞，女主角独舞，最后才是终曲 (coda)双人快板，主角艺术素养与技巧水准将于双人舞中呈现。 　　2、独舞者：具有主角技巧，而能单独或三、四人演出者。 　　3、群舞者：群舞者虽然舞步较简单，但复杂的画面变化，整场气氛烘拖更是扮演举足轻重的地位，每一位群舞者均非常重要，只要有一人乱了脚步，整体的画面将被影响。 　　三、肢体语言 　　传统的古典芭蕾技术建筑在外开、伸展、绷直的审美基础之上的。它包括：脚的5种基本位置、3种基本舞姿：如阿拉贝斯(arabesque)、阿提秋(attitude)和伊卡特(ecarte);腿部技巧：各种巴特芒(battements)--包括腿的伸展、打开以及ronddejambo(腿的划圆圈)等;各种幅度和舞姿的跳跃;各种旋转;击腿技巧;各种舞步和连接动作;女子的脚尖舞技巧;双人舞的扶持和托举等技巧;以及泼德布拉(portdebras)等。 　　四、脚部的.五个基本位置： 　　第一位：两脚跟紧靠在一直线上，脚尖向外180度; 　　第二位：两脚跟相距一足的长度，脚部向外扭开，两足在一直线上; 　　第三位：两脚跟前后重叠放置，脚尖向外张开; 　　第四位：两脚前后保持一足的距离，两足趾踵相对成两直线，腿向外转; 　　第五位：两脚前后重叠，两足趾踵互触，腿向外转; 　　五、手部基本位置： 　　1.瓦卡诺娃派(俄国派) 　　第一位：双手在正面的腹前成自然圆; 　　第二位：双手在旁侧伸，在视线范围内，手心向内; 　　第三位：双手上举在头上方的视线内; 　　2.却革底派(意大利派) 　　第一位：双手垂下成自然圆，手指轻触在大腿旁的位置; 　　第二位：双手在旁侧伸; 　　第三位：一手在身体前手心向内，另一手在旁侧伸; 　　第四位：一手在身体前与横隔膜保持相同的高度，然后同时上举在头的上方。 　　(在做这些动作时，臀部不得扭动，不然会被认为失礼，不优雅) 　　六、形体芭蕾与专业芭蕾的区别 　　形体芭蕾是由芭蕾延伸而来的。健身方式的芭蕾，大家习惯称为形体芭蕾。专业的芭蕾训练是很枯燥的，而形体芭蕾则以健身为目的，难度较低，它不要求腿踢多直，脚抬多高，做得多么规范，它只是教会你如何把芭蕾特有的那种优雅内涵融会到自己的生活方式中。而且从运动学角度讲，芭蕾的“开、蹦、直”三要素具有收缩肌肉纤维的功能，在动静结合的运动中有效地消耗多余脂肪，使人练后身材会变得更修长。因此虽然也有体力上的消耗，也是做运动，但它的动作更强调肌肉的耐力、身体的柔韧性，运动强度不是很大，一般人都能接受。 ;

芭蕾艺术孕育在意大利，诞生在十七世纪后期路易十四的法国宫廷，十八世纪在法国日臻完美，到十九世纪末期，在俄罗斯进入最繁荣的时期。 早在文艺复兴时期，人文主义思潮影响下的人们开始重视人体本身的价值和作用，从而推动了社会的经济、科学和文化的迅猛发展。而在文艺复兴的摇篮“意大利”，王公贵族竞相把艺术做为炫耀自己的权势与扩大政治影响的工具和手段，他们不惜巨资相互攀比，相互竞争，因此这一时期的文化艺术得到了空前的发展。芭蕾就是在这样的一个历史背景下，在古朴的民间舞的基础上，从一种游戏性质的舞蹈开始在意大利宫廷中逐渐形成一种具有确定风格、舞步与技巧的艺术形式。那时的芭蕾作为一种简单的娱乐形式由王公贵族在各种宫廷庆祝活动和宴会上亲自表演，因此也叫“席间芭蕾”。1489年，米兰公爵的婚礼上演出的《宴会芭蕾》就是他的代表。与此同时宫廷里出现了一种新的职业——舞蹈大师。 15世纪末法兰西国王理查八世率军来到意大利时惊喜地发现了这种优美、豪华的“席间芭蕾”，于是法国人将芭蕾艺术连同意大利的艺术家一起“引进”到了法国，1581年法国王后路易丝的妹妹的婚庆上演出的《皇后喜剧芭蕾》是历史上第一部大型芭蕾舞剧。此剧由意大利音乐家和舞蹈教师贝尔焦约索（15？？——1587）后改名“博洛耶”编导的。芭蕾舞在17世纪成为了法国宫廷生活的一个重要组成部分。路易十三、路易十四都酷爱芭蕾，并亲自参加演出，特别是“太阳国王”路易十四对芭蕾的喜爱简直到了如痴如醉的程度。他先后在26部大型芭蕾中担任主角，并组织了三位艺术大师——吕利、莫里哀和博尚专门负责芭蕾艺术的创作和演出并形成了新的芭蕾形式“幕间芭蕾”。1661年他下旨创办了芭蕾史的第一所舞蹈学府————皇家舞蹈学院，开始对舞蹈训练进行规范化的研究整理工作。芭蕾舞的脚的5位及其手位都是那时确定下来的并一直沿用至今。17世纪后半叶芭蕾艺术走出宫廷，登上了舞台，开始成为剧场艺术。于是首批专业芭蕾舞演员也应运而生了。但那时的女主角都是由男演员扮演的，直到1681年在巴黎歌剧院上演吕利的《爱情的胜利》中，芭蕾舞女演员才首次登台亮相，而扮演女主角的拉·芳登成为了历史上第一位女芭蕾演员（Ballerina）。而后慢慢的便出现了我们所现在见到的女演员所穿的“足尖鞋”. 法语 ballet一词，源于古拉丁文 bal-lo，原只有跳舞或当众表演舞蹈的意思，并不具有剧场演出的含义。芭蕾作为一种舞台艺术，孕育于文艺复兴时期的意大利，形成于17世纪的法国宫廷，芭蕾史上称之为宫廷芭蕾。它实际上是在一个统一的主题下，具有松散结构的舞蹈、歌唱、音乐、朗诵和戏剧的综合表演，由专职的宫廷舞师设计，国王和贵族大臣担任演员，女角色也由男子扮演，演员戴有皮制面具，故又称假面芭蕾。1661年，法王路易十四下令建立巴黎皇家舞蹈学院，大大促进了芭蕾的发展。此前宫廷芭蕾是在皇宫中央大厅表演，宫廷显贵和贵妇环绕在大厅周围观看。17世纪70年代的芭蕾演出开始使用黎塞留主教宫廷剧场，这使演出场地和观众角度发生了变化，舞蹈技术、审美观点也发生了变化。由于演员要面向观众，故而站立的姿势越来越外开，因此而确定了脚的 5个基本形态和位置，这成为芭蕾技术发展的基础。专业演员这时也应运而生，并逐步取代了王公贵族业余演员，职业女演员也开始出现。芭蕾已从一种自娱性的社交活动变为剧场表演艺术。一直到18世纪中叶，芭蕾的演出一般是加在歌剧中的场面，是比较单纯的表演，被史学家称为歌唱芭蕾。J.-G.诺韦尔在1760年发表的《舞蹈与舞蹈书信集》首次提出“情节芭蕾”的主张，强调芭蕾不只是形体的技巧，应该是戏剧表演和思想感情交流的手段。这一理论推动了芭蕾的全面改革，芭蕾在内容、题材、音乐、结构形式和服饰等方面都发生了重大变化，成为一种独立的以舞蹈为主要表现手段的舞台艺术。这使芭蕾能完整地表现戏剧作品，塑造人物形象。19世纪后期，芭蕾已出现交响化的发展倾向，20世纪现代舞发展起来之后，受其影响，芭蕾中也涌现出大量表现情绪、哲理或解释音乐的作品。 芭蕾发展史上，有两种主要美学观点一直在起作用。一种观点认为，芭蕾是“纯粹的舞蹈”。它完全着眼于芭蕾的形式美，几乎完全不考虑其内容，这导致追求高超的技巧和场面的华丽。18世纪中叶以前，这一观点占统治地位。而另一种观点则强调芭蕾是“ 戏剧性舞蹈 ”，它始于诺韦尔。这种观点认为，“情节和舞蹈设计要保持统一，有合乎逻辑、明白易懂的故事作为中心主题，和情节无关的独舞和舞蹈片断都得取消”，舞剧“不仅是舞蹈技术光辉夺目，更须通过戏剧性表现，从情绪方面感动观众”。这一观点至今仍具有主导作用。20世纪以来，在不断涌现优秀的戏剧性芭蕾的同时，也出现了不少注重形式美的无情节芭蕾。随着人们审美趣味的提高与多样化，这两类作品都受到观众的欢迎。在各种现代文艺思潮的影响下，芭蕾的风格日益多样化，各类作品日益丰富多采。 一部芭蕾作品，首先要求编导根据剧本（也可能是一首诗、一部音乐作品）构思出舞剧或舞蹈的结构，再通过演员的表演来体现。编导的构思和演员的表演应深刻反映剧本（诗、音乐）的思想和感情。编导和演员都必须掌握芭蕾语汇--芭蕾的技术技巧，以及运用它们表现特定内容的能力。编导应深谙它们长于表现什么，不能表现什么。而演员则应训练有素，能适应并创造性地体现编导的构思和意图。此外，编导和演员应与作曲、美术设计通力合作，使舞蹈、音乐、美术有机融合，实现整体艺术效果。芭蕾中包括独舞、双人舞、三人舞、群舞等，编导通过古典舞、性格舞（舞台化民间舞）、现代舞等形式编排上述各种舞蹈可以编出多幕芭蕾、独幕芭蕾或芭蕾小品。 芭蕾（Ballet）一词，源自意大利文Ballare，意思就是跳舞，专指“足尖舞”，是欧洲古典舞蹈的一种形式。在其发展过程中，因常以这种舞蹈来叙述表演故事，而逐渐形成了一种特殊的演出形式。1772年，查理·狄德罗（CharlesDidelot）在法国大百科全书中说“芭蕾系用跳舞解释行动……特别要求剧场性的赏心悦目……”芭蕾艺术孕育在意大利，诞生在17世纪后期路易十四的法国宫廷，18世纪在法国日臻完美，到19世纪末期，在俄罗斯进入最繁荣的时期。芭蕾在近400年的长期历史发展过程中，对世界各国影响很大流传极广，至今已成为世界各国都努力发展的一种艺术形式了。到了19世纪，先后在巴黎出现了“浪漫芭蕾”这个芭蕾史上的黄金时代，推出了以《仙女》（1832）、《吉赛尔》（1841）和《葛蓓莉娅》（1870）为代表的传世之作，然后在俄国进入“古典芭蕾”这个整部芭蕾史上的鼎盛时期，留下了以《睡美人》（1890）、《胡桃夹子》（1892）和《天鹅湖》（1895）这“三大舞剧”为首的一大批经典剧目，从而促使人们形成了“舞剧是舞蹈的最高形式”的观念。欣赏芭蕾有学问传统的欣赏思路，要求观众提前半小时左右到达剧场，以便能将日常生活中的琐事和烦恼统统留在剧场的大门外，然后静下心来，全身心地投入剧场这样一个非常特殊的审美场。现代欣赏思路认为，剧情到底是怎么“写”的无足轻重，芭蕾舞剧说到底，还是以舞为主，以剧为辅的，否则，怎么解释芭蕾舞剧中的主演们在跳完双人舞后，甚至在跳完其中的变奏后，便向观众频频施礼的现象？在欣赏芭蕾的过程中，“第六感觉”——动觉应该是观众最重要的工具。假如你真的不懂如何去欣赏芭蕾的话，那就什么也别想，只管走进剧场，从“感觉”芭蕾开始做起好了。因此芭蕾观众最好轻装上阵，两手空空，以便能够随时对芭蕾舞者的动作做出自己的、自由的、松弛的和即刻的动觉反应和理解。四个间接判别质量高低的视角：1．芭蕾舞者的表演是否引人入胜，使观众无法懒散地或靠或躺在椅子里，而只能坐在椅子的前半部分，伸直脖梗、睁大眼睛、目不转睛地看；2．芭蕾舞者的表演是否达到了随心所欲的境界，或至少给观众留下了从容不迫的印象；3．芭蕾舞者在表演中，是否达到了忘却细节，只管顺着动作本身的逻辑向前发展之境界；4．芭蕾舞者在表演中，是否留下了只管带着身体在空间中运行，而忘却了一切世俗间的烦恼之印象。

芭蕾舞的发展时期 　　芭蕾舞是一种优雅的舞蹈，是一种高雅的艺术，下面我为您收集整理了芭蕾舞的发展史，感兴趣的可以看看哦！ 　　芭蕾舞（ballet）一词，源于古拉丁语ballo。最初，这个词只表示跳舞，或当众表演舞蹈，并不具有剧场演出的含义。芭蕾作为一门舞台艺术，孕育于文艺复兴时期意大利盛大的宴饮娱乐活动，17世纪形成于法国宫廷，这种宫廷芭蕾实际上是在一个统一的主题下，具有松散结构的舞蹈、歌唱、音乐、朗诵和戏剧的综合表演，由专业的舞蹈教师设计，国王和贵族担任演员，女角也由男子扮演，表演场地在皇宫大厅中央，观众则围绕在大厅周围观看；演员戴皮制面具标志不同角色，故又称假面芭蕾。 　　1661年，路易十四下令在巴黎建立皇家舞蹈学院。17世纪70年代芭蕾演出开始使用黎塞留主教宫廷剧场。演出场地和观众观看角度的改变，引起了舞蹈技术和审美观点的变化，演员站立的姿势越来越外开，由此正式确定了脚的5个基本位置，这5个外开的位置成为发展芭蕾舞技术的基础。专业芭蕾演员应运而生，并逐步取代了贵族业余演员，职业女芭蕾演员也开始登台演出，舞蹈技术得以较迅速地发展。芭蕾演出从基本上是一种自娱性的社交活动逐步转变为剧场表演艺术。这个时期的芭蕾是从属于歌剧的，宫廷作曲家J。？B。吕利在歌剧中加入芭蕾场面，实际上是一连串舞蹈表演，剧情反而显得无关紧要，这时称为歌唱芭蕾或芭蕾歌剧。这种状况一直持续到18世纪中叶。18世纪的芭蕾大师J。G。诺韦尔是芭蕾史上最有影响的舞蹈革新家。他在1760年出版的《舞蹈与舞剧书信集》中首次提出了"情节芭蕾"的主张，强调舞蹈不只是形体的技巧，而属于戏剧表现和思想交流的工具。诺韦尔的理论推动了芭蕾的革新浪潮，在他和其他许多演员、编导的持续努力下，芭蕾从内容、题材、音乐、舞蹈技术、服饰等方面都进行了一系列改革，这些改革使芭蕾终于能够与歌剧分离，形成一门独立的剧场艺术。 　　在芭蕾发展史上，主要有两种美学观点一直在起作用。一种观点认为，芭蕾是"纯粹的舞蹈"，16世纪的意大利舞蹈教师、《王后的喜剧芭蕾》的编导B。de博若耶认为芭蕾是"几个人在一起跳舞的几何图案组合"。这种观点完全着眼于芭蕾的形式美，几乎完全不考虑芭蕾的内容或情节，往往导致单纯追求技巧的高超、华丽。18世纪中叶以前，这种观点在芭蕾创作中居统治地位。另一种观点强调芭蕾是"戏剧性舞蹈"，诺韦尔的"情节芭蕾"理论最集中地代表这种观点。他认为在一部芭蕾作品中，舞蹈要表现戏剧性内容，"情节和舞蹈设计要保持统一，有合乎逻辑的、明白易懂的故事作中心主题，和情节无关的独舞及舞蹈片段都得取消"，舞剧中"不仅是舞蹈技术光辉夺目，更须通过戏剧性表现，从情绪方面感动观众"。上述两种主要观点至今仍在起作用，不少编导致力于创作戏剧性的或有情节的芭蕾作品，也有的编导热衷于无情节芭蕾，注重形式美，两类作品中的优秀剧目都是观众所欣赏的，并作为保留剧目经常上演。20世纪以来，各种文艺思潮对芭蕾创作的影响越来越明显，出现了许多不同风格的作品。 　　创作一部芭蕾作品，编导是关键人物，他根据文学剧本（或一个故事、一首诗、一部音乐作品）构思出舞剧结构或舞蹈结构，再由演员来体现。编导和演员都必须掌握芭蕾语言（或芭蕾语汇）——芭蕾技术技巧，以及运用芭蕾语言表现特定内容或情绪的能力，编导应该深谙它们长于表现什么，不能表现什么；而演员则应该训练有素，能适应并创造性地体现编导的构思，只有具备这些基本条件，芭蕾创作才能进行和完成。芭蕾结构形式有：独舞、双人舞、三人舞、四人舞、群舞等，编导运用古典舞、性格舞（舞台化的民族舞蹈和民间舞蹈）、现代舞等，按上述形式可以编出多幕芭蕾（分场或不分场，如《天鹅湖》）、独幕芭蕾（如《仙女们》）、芭蕾小品（如《天鹅之死》）等。芭蕾的这种结构形式在19世纪后期发展到高度规范化和程式化，以致影响和限制了芭蕾的发展。在20世纪编导创作的大量芭蕾作品 中，这些规范和程式已被大大突破，不断出现新的探索和创造。 　　 宴会芭蕾 　　芭蕾出现于15—16世纪文艺复兴全盛时期的意大利，艺术家极力模仿古希腊的艺术风格。最早的芭蕾表演是在宫廷宴会上进行的，1489年在意大利的一个小城里，为庆祝米兰公爵和西班牙阿拉贡公主伊达贝尔的.婚礼，演出了《奥菲士》。当时的表演形式与我们今天所见到的芭蕾演出绝然不同，它的每一段表演大致都与上菜联系在一起，比如模拟狩猎的表演开始以后就吃野猪肉；海洋、河流神灵出场开始吃鱼。然后，许多神话人物上场献上许多菜肴和水果，最后客人们也都参加到热闹狂欢的表演中去。这是一种把歌、舞、朗诵、戏剧表演综合起来的表演形式，可以说是芭蕾的雏形，后人称它为“宴会芭蕾”。 　　 宫廷芭蕾 　　随着意大利贵族与法国宫廷的通婚，意大利的“芭蕾”演出被带入法国，1581年，在亨利三世皇后妹妹——玛格丽特的结婚庆典上演出了《皇后的喜剧芭蕾》。当时没有舞台，观众坐在三面墙壁的两层楼廊里。国王和显贵们坐在坛台上，表演则在大厅的地板上进行。编导者博若瓦叶就是受聘于法国的意大利人。内容表现女妖西尔瑟如何征服了阿波罗，但不得不向法兰西国王陛下屈服。表演是戏剧、音乐、舞蹈、朗诵、杂技的混合体。路易十四时期（1643—1715），法国芭蕾发展到它的鼎盛时期，路易十四本人喜爱舞蹈，并受过良好训练。15岁即参加宫廷芭蕾《卡珊德拉》的演出，扮演阿波罗神。 　　 情节芭蕾 　　18世纪欧洲启蒙运动深刻地影响着法国芭蕾的发展。它的革新思想表现在反对把芭蕾当作供贵族消遣的装饰品，要使芭蕾象戏剧一样，表现现实生活，提倡芭蕾要有社会内容和教育意义，这就是“情节芭蕾”产生的时代背景。诺维尔代表了欧洲芭蕾革新的主流，集中体现了启蒙运动的民主主义精神，他在《舞蹈和舞剧书信集》中，提出了他对芭蕾的革新主张。诺维尔的学生——让·多贝瓦尔所创作的舞剧《无益谨慎》至今还在上演，成为当代各大芭蕾舞团的保留剧目。 　　浪漫主义芭蕾 　　浪漫主义芭蕾是芭蕾发展史上“黄金时代”，在舞蹈技巧，编导艺术以及演出形式方面都经历了一个灿烂辉煌的阶段。《仙女》、《吉赛尔》、《爱斯梅拉尔达》、《海盗》等舞剧的产生，造就了一批芭蕾人才，如佩罗、布农维尔、塔尼奥尼、艾尔斯勒等。这个时期的芭蕾特点概括如下： 　　1、内容和题材的变化。超凡脱俗的仙女、幽灵代替了神话传说和古代英雄故事中的人物。反映一种对现实不满和失望的情绪，一种追求超越尘世的对另一世界的情趣，或以死亡摆脱对现实的失望，或以一种不切实际的追求代替对生活的愿望。其中代表作有《仙女》（1832）和《吉赛尔》（1841）。《吉赛尔》汇集法兰西风格，成为浪漫主义芭蕾的顶峰，此后逐渐出现了浪漫主义和现实主义相结合的现象。 　　2、舞蹈技巧和表演都有了重大发展，脚尖舞技巧成为女舞蹈家表现手段的一个重要因素出现，男子舞蹈技巧也有了进一步的提高。 　　3、在演出形式上，采用了瓦斯灯的照明和大幕，改革了芭蕾服装和舞鞋，产生一种诗意轻盈的风格。 　　浪漫主义芭蕾的黄金时代极其短暂，从19世纪30——40年代，仅仅10多年就出现停滞枯萎的局面。从19世纪下半叶开始，欧洲芭蕾的中心逐渐移致俄国。 　　 俄罗斯芭蕾 　　19世纪下半叶欧洲浪漫主义芭蕾走向衰落，复兴芭蕾的使命历史地落在俄国肩上。从40年代起，外国舞蹈家们频繁访俄。塔利奥尼父女、佩罗、圣·莱昂等人的表演和编导活动，特别是布农维尔的学生约翰逊（在圣彼德堡）和布拉斯（在莫斯科）的教学活动，向俄国舞蹈界传授了法兰西、意大利两大舞派的精华，并逐渐形成了新的学派——俄罗斯舞派。在剧目建设上，玛蒂帕和伊凡诺夫起了决定性的作用。柴可夫斯基通过《天鹅湖》、《睡美人》、《胡桃夹子》实现了舞剧音乐的革新，使音乐成为舞剧中塑造形象、叙述事件的基础，启发和丰富了舞剧编导的舞蹈交响化的思想。《天鹅湖》第二幕达到了舞蹈诗的高峰，被奉为交响化舞蹈的范例。以后又有格拉祖诺夫写出的《雷蒙达》（1898）、《四季》（1900），这些作品在继承浪漫主义芭蕾传统的同时体现了俄国现实主义传统。 　　20世纪初，俄国芭蕾已在世界芭蕾舞坛中占据主导地位，拥有自己的保留剧目，表演风格和教学体系，也涌现了一批编导和表演人才。此后，一批俄国芭蕾舞界的年轻人要求革新、探索新的表演手段和发展道路。戈尔斯基和福金就是他们的带头人。福金的革新思想不可能在帝国剧院内实现，他的主要作品都是在国外为佳吉列夫芭蕾团排练上演的。佳吉列夫从1909年起连续3年组织俄罗斯演出季，并于1913年成立以蒙特卡罗为基地的永久性剧团——“佳吉列夫俄罗斯芭蕾团”，在欧美各地巡回演出，影响巨大，把由俄国保存的古典传统剧目送回欧洲，促成欧洲芭蕾的复兴。该团解散后，它的成员流散欧美各国，利法尔在法国，德瓦卢娃在英国，巴兰钦和福金在美国，对各国芭蕾复兴或创建做出了重要贡献。 　　 当代芭蕾 　　1929年末，利法尔成了巴黎歌剧院芭蕾舞团的常任舞蹈编导和主要舞蹈演员，一直到1958年离开，实际上进行了一次改革，例如废除了赞助人可以在芭蕾演出之前到后台去与舞蹈家们闲聊有一个世纪的古老权利。还有每周举行一次开幕式。1932年重演《吉赛尔》时，利法尔饰演阿尔伯特，他是一个才华横溢的人。法国两大编导家，罗朗·佩蒂1965年根据雅勒的音乐编导了《巴黎圣母院》，获得了辉煌的成功。莫里瑟·贝雅尔1970年编导的《火鸟》是一个最别致的作品。巴黎歌剧院芭蕾舞团的保留剧目还有《吉赛尔》、《葛蓓莉娅》、《西尔维娅》等。 　　英国芭蕾主要归功于三个伟大女性的毕生经营：在皇家剧院担任多年首席女芭蕾舞蹈家的阿德莉娜·热奈夫人；妮娜特·德·瓦卢娃夫人的不朽功业是皇家芭蕾舞团；玛莉·兰伯特夫人，是以她的名字命名的芭蕾舞团的创始人。此外还有节日芭蕾舞团、苏格兰芭蕾舞团。 　　美国没有国家芭蕾舞团，巴兰钦与林肯·柯斯坦在1933年一次会见，应邀主办美国舞蹈学校。1948年转化为纽约市芭蕾舞团，巴兰钦任艺术指导和主要编舞家，副艺术顾问是杰罗姆·罗宾斯。已经形成了一种典型的美国舞蹈风格。另一重要芭蕾舞团是美国芭蕾剧院，1940年开始活动。先后担任编导的有福金、马辛、安东尼·都铎等。还有乔弗里芭蕾舞团，阿瑟·米切尔的哈莱姆舞蹈剧院，是第一个黑人古典芭蕾舞团。 　　丹麦皇家芭蕾舞团是丹麦民族传统的优秀继承者，布农维尔一百年前创作的舞剧，仍然在哥本哈根以纯正的风格进行演出。（实际上是旧式法国风格）在丹麦芭蕾中，传统意识一向是非常强烈的。1932年哈拉尔德·兰德尔被任命为皇家剧院芭蕾指导，一直到1952年，他为法国、英国重排的《练习曲》，是对芭蕾舞技巧的一次辉煌的展览。 　　20世纪初有影响的俄国编导有戈尔斯基、普尼和福金。安娜·芭甫洛娃理想的体现了福金的构思，1905年有《天鹅之死》。 　　在俄国，十月革命后，高尔斯基坚持戏剧的表现性，使它的舞蹈演员们采取史坦尼斯拉夫斯基的方式生活于角色之中，原本产生于宫廷的芭蕾舞并没灭亡。谢苗诺娃和乌兰诺娃首次登台，新创作的舞剧注重戏剧结构，更多地运用民间舞蹈来丰富舞蹈编导的语汇。俄国芭蕾开始了复兴。 　　从1581年法国演出《皇后的喜剧芭蕾》至今四百多年，芭蕾舞已遍及全世界，被公认为人类文化遗产的重要部分，成为世界性的艺术，五大洲的众多国家都建立了自己的专业的芭蕾舞学校和芭蕾舞演出团体。在当今世界上，芭蕾艺术繁华似锦，古典芭蕾和现代芭蕾，戏剧芭蕾和交响芭蕾等不同流派争奇斗艳，涌现出大批人才和剧目，很多国家逐步形成了自己的风格特色，在芭蕾舞的艺术表现上不断出现新的探索和创造。 ;

“芭蕾”这个词来自法语的ballet的音译。而ballet又源自意大利的ballo(芭萝)。它最早的意思是跳舞，是指无任何情节内容的舞蹈。在欧洲，跳舞的概念与东方各国不同。东方国家多称谓舞蹈，也即手舞足蹈，手臂的舞动动作比脚下动作要多而复杂，身体呈下沉状态。而西方舞蹈则是以腿部的跳跃动作为主，西方舞蹈是跳和跃的综合体，舞蹈动势呈上升状态。意大利的芭萝和法国芭蕾的两词的读音不同，也暗示了两种不同的舞蹈风格。意大利的芭萝是流行于意大利民间社会的群众自娱性舞蹈，它具有浓郁的乡土气息。而法国的芭蕾是经过艺术加工、修整过的，是有一定的规范和技术表演的观赏性艺术，是具有高雅气派的贵族式舞蹈。

一、芭蕾5个基本脚位芭蕾中脚的5种基本位置，是学生最早要学习的动作。不只是因为简单，而是芭蕾课堂上大部分动作都是以这5种位置之一作为开始和结束姿态。外开并非易事，但也并非可怕，它需要时间和坚持不懈的刻苦锻炼。有些人的自然开度好，以下的动作他就能很轻易地完成。有些人开度较差些，但多练习就会逐渐达到要求。一位脚两脚完全外开。两脚跟相接形成一横线。二位脚两脚根在一位基础，向旁打开一脚的距离。（根据自己脚的大小）三位脚一脚位于另一脚之前。前脚跟紧贴后脚心。前脚盖住后脚的一半。四位脚一脚从五位向前打开，两脚相距一脚的距离。前脚跟与后脚趾关节成一条线。五位脚两只脚紧贴在一起，一脚的后跟紧挨着另一只脚的脚尖，前脚完全遮盖住后脚。二、芭蕾7个基本手位学习手的位置之前必须学好手的形态：大拇指尖要轻轻地碰到中指的指根处，其它的手指稍弯一些挨在一起放好。这种形态只是在初学时才要求这样做。因为那时学生还不能有意识地支配，控制自己的动作，因而手指容易紧张。以后，手的形态变得比较自然，大拇指不必碰中指，而是朝向手心既可。我国至今延用的是下面介绍的七个手位：一位手手自然下垂，胳膊肘和手腕处稍圆一些。手臂与手成椭圆形，放在身体的前面，手的中指相对，并留有一拳的距离。二位手手保持椭圆型，抬到横隔膜的高度。（上半身的中部，腰以上，胸以下的位置）但在动作过程中，要注意保持胳膊肘和手指这两个支撑点的稳定。三位手在二位手的基础上继续上抬，放在额头的前上方，不要过分的向后摆，三位手就象是把头放在椭圆形的框子里。四位手在三位手的基础上左手不动，右手切回到二位，组成四位。它已是舞姿了。五位手在四位手的基础上左手不动，右手保持弯度成椭圆形。从手指尖开始慢慢向旁打开。在过程中胳膊肘和手指两个支撑点要保持在一个水平面上。手要放在身体的前面一点，不要过分向后打开，起到一个延续双肩线条的作用。六位手在五位手的基础上右手不动，左手从三位手切回到二位，组成六位，形成舞姿。七位手在六位手的基础上右手不动，左手打开到旁边，双手相同地放在身体的两边。三、芭蕾舞起源“芭蕾 ”起源于意大利，兴盛于法国，“芭蕾”一词本是法语"ballet"的音译芭蕾舞 意为“跳”或“跳舞”。ballet一词，源于古拉丁语ballo。最初，这个词只表示跳舞，或当众表演舞蹈，并不具有剧场演出的含义。芭蕾的历史，最早的肇端可追溯自欧洲文艺复兴鼎盛时代的意年大宫廷，及法国南部的贝根弟处所的宫廷里。每当成婚喜庆，接见外国元首，或其他年夜庆典，即表演这种舞蹈以示祝或助兴。芭蕾成长史上第一部斗劲完整的芭蕾舞剧——《皇后喜剧芭蕾》上演于1581年，当洛蕾娜（Lorraine）的玛格丽特蜜斯和凡尔赛（Versaills）的姚幼斯公爵成婚瞬息，这场芭蕾舞的音乐曲谱迄今仍保留，可算是最古老的芭蕾音乐。

问题一：重头戏 同义词 解释 指唱工和做工很重的戏。 重头戏的同义词 核心 中心 重心 本位 重点 基点 主脑 主导 主体 主心骨 关键性 着重点 基本点 第一性 侧重点 当轴处中 择要 问题二：重头戏 近义词 重头戏 重头戏的读音 zhòngtóuxì 重头戏的解释 指唱工和做工很重的戏。 重头戏的同义词 核心 中心 重心 本位 重点 基点 主脑 主导 主体 主心骨 关键性 着重点 基本点 第一性 侧重点 当轴处中 择要 问题三：压轴的 近义词 呵呵，大概跟压台、重点的意思差不多，压轴戏，压台戏，重头戏 问题四：重头戏的重拼音 重头戏的重拼音 重拼音 [zhòng，chóng] [释义]：[zhòng]：1.分（fèn）量较大，与“轻”相对：～负。～荷。～量（liàng）。～力。举～。负～。 2.程度深：～色。～病。～望。～创。 3.价格高：～价收买。 4.数量多：～金聘请。眉毛～。～兵。 5.主要，要紧：～镇。～点。～任。～托（国家重大的托付）。～柄。 6.认为重要而认真对待：～视。尊～。器～。隆～。 7.言行不轻率：慎～。自～。 [chóng]：1.再：～复。～申。～版。～沓（重复繁冗）。～阳。～逢。 2.〔～庆〕地名，中国四个直辖市之一，地处中国西南。 3.层：～叠。～霄。～洋。～唱。～峦叠嶂。 问题五：odette是什么意思 白天鹅奥黛塔，是芭蕾舞剧《天鹅湖》中的角色。 芭蕾（Ballet）一词，源自古拉丁语的『Ballo』，它最初只表示跳舞而已，并没有剧场演出的含义。现在我们所知的芭蕾孕育於文艺复兴时代的义大利，并在17世纪初期成形於法国官廷，成为一种舞台艺术。 现代芭蕾重要的奠基人柴可夫斯基，写了三部知名的芭蕾舞剧，分别是《天鹅湖》（Op.20）、《睡美人》（Op.66）和《胡桃钳》（Op.71），其中最有名的当属这首《天鹅湖》了，被誉为世界上最有名的芭蕾舞剧，同时也是古典芭蕾舞团的必备曲目。 《天鹅湖》这首四幕芭蕾舞剧写於1876年，距今已经有一百多年了。此外柴可夫斯基也有将它改编为在音乐会上演奏用的组曲版（作品编号为Op.20a），并於1900年11月出版。 本曲剧情部份的原作者是谁，已经无从考证。根据后世的研究，本曲应该是取材自俄罗斯古老的童话，以及一部1786年出版的童话集《德国民间童话》里，一篇名叫《被施魔法的面纱》的故事，作者为卡尔?奥古斯都?姆赛斯。 《天鹅湖》於1877年2月20日，在莫斯科的波修瓦大剧院首演，不过这次首演由於种种原因，导致首演失败。直到1895年1月15日，两位编导大师彼季帕（Marius Petipa）和伊凡诺夫（Lev Ivanoich Ivanov）再次重新编导了《天鹅湖》，并在圣彼得堡的马林斯基剧院演出后，世人才得以真正认识这部钜作。这个版本通称为『圣彼得堡版』，后世在演出《天鹅湖》时，用的大多都是这个版本。 根据记载，《天鹅湖》著名的重头戏『黑天鹅三十二挥鞭转』就是从这个版本开始出现，第一位演出这项高难度绝技的，是马林斯基剧院的首席女芭蕾舞者莱尼亚尼（Pierina Legnani，1863-1923）。 补充说明一下，挥鞭转（Fouetts）是一个芭蕾术语，意指一腿不停像鞭子一样挥动，身体则有规律地在另一腿的支撑下旋转。而『黑天鹅三十二挥鞭转』除了舞者要一口气连转32圈之外，而且整个过程脚尖的移动范围不能超过一条皮带围成的圈圈，才算是优秀的表演，这项绝技对女演员的腿力要求非常大。 『黑天鹅三十二挥鞭转』by Gillian Murphy 《天鹅湖》演出时，通常都是由一人同时演出黑白天鹅两角，但偶尔也有例外，据说曾有舞者原本被选为演出女主角白天鹅，但为了挑战这项绝技，放弃演出白天鹅而去演黑天鹅，由此可见『黑天鹅三十二挥鞭转』在芭蕾舞者心目中的地位有多高了。 由於《天鹅湖》实在太有名了，应该没多少人不知道它的剧情才对，不过在下还是在最后附上各幕的剧情简介，以供各位参考。《天鹅湖》剧中最主要的角色是王子齐格夫（Siegfride）、白天鹅奥黛塔（Odette）和黑天鹅奥黛儿（Odile），不管是哪个版本，这三位基本上都是在的，但由於本剧经过许多次改编，所以结局的话，就不只一种了。1877年初演时，用的是悲剧的结尾，而1895年的圣彼得堡版虽然结尾音乐还是一样悲愁，不过剧情却变成了喜剧收尾。 除此之外，还有一个《马修?博内的天鹅湖》算是比较另类的版本，里面全体演员都是男的，而且剧情跟原版的《天鹅湖》差异颇大，并带有浓浓的BL味。柴可夫斯基要是能看到的话，应该会很欣慰吧，因为据说他也是个同性恋嘛～ 《天鹅湖》中最有名的旋律，当属贯串全剧的主题『天鹅』了，太鼓达人六代里有名的难曲《天鹅湖》，就是Remix自这个旋律。此外在《交响情人梦》第六集里，也有出现《天鹅湖》第一幕的旋律，不过很搞笑的是，它竟然变成吃回转寿司时的配乐。想起芭蕾舞者在舞台上团团转，然后再看看那个回转寿司台，这…这是不是在恶搞啊～XD 太......>> 问题六：应聘时的答辩是怎样的? 十万火急!!!!!!!!!!! 面试成功不仅需要深厚的文化知识功底、善辩的口才技巧和良好的心理素质，还需要认清面试的误区和禁忌，以免滑入误区、违犯禁忌，给面试带来不应有的负面影响。 招聘面试是用人单位以目测和问答为主要方式，选拔所需要的优秀人才的特殊考核形式。通常安排在笔试和其他考核之后进行，面试的成败对应试者来说，往往具有“一锤定音”的作用。这里集中讲述一些面试时考生应注意的一些问题和禁忌，使考生明确在面试时应该怎样做，不应该怎样做，以求取得更佳的面试成绩。 一、面试中应注意的问题 面试答辩者要想在面试答辩中获得成功，必须注意如下几个问题： 1?在思想上应注意淡化成败意识 面试答辩者对于答辩的成败，要有一种对成功不惊喜，对失败不沮丧的心态。如果在答辩中有这样的心态，那么就会应付各种情况，即使在答辩中遇到了意想不到的情况，也会情绪稳定。如果只想到成功，不想到失败，那么在答辩中一遇到意外情况，就会惊慌失措，情绪沮丧。例如，一位答辩者在答辩前自认为各方面都比其他竞争者优越，因此，认定答辩一定能取得成功。谁知主考官在答辩中给他提了一个他未想到的问题，顿时，他像丢了魂似的，情绪十分低落。等到后来主考官给他提了他完全能够回答的问题时，他再也无法回答了。由此可见，如果这位面试答辩者淡化了答辩的成败意识，显然就不可能出现这种情况了。他只要认真回答后面提出的问题，仍然有获胜的可能性。 2?要注意保持坚强的自信心 面试答辩者在面试答辩前树立了坚强的自信心，那么在面试答辩中要始终保持坚强的自信心，因为自信心建立在丰富的学识的基础上，建立在顽强的毅力的基础上，建立在良好心理素质的基础上。所以，只有保持了坚强的自信心，就有可能在答辩中始终保持高度的注意力、敏锐的思维力、充沛的精力，夺取答辩的胜利。 3?愉快的精神状态，能够充分地反映出人的精神风貌 作为面试答辩者来说，保持了愉快的精神状态，那么面部表情就会和谐自然，语言也会显得得体流畅。反之，就会给人一种低沉、缺乏朝气和活力的感觉，那么首先就会给主考官或者主持人一种精神状态不佳的印象。由此可见，面试答辩者在答辩中一定要注意保持一种愉快的精神状态，给人一种“人逢喜事精神爽”的感觉。 4?要注意树立对方意识 面试答辩者始终处于被动地位，考官或面试主持人始终处于主动地位。他问，你答，一问一答。正因为如此，面试答辩者要注意树立对方意识。首先要尊重对方，对考官和主持人要有礼貌，尤其是考官或主持人提出一些难以回答的问题时，答辩者脸上不要露出难看的表情，甚至抱怨考官或主持人。如果这样，考官或主持人会认为你没有修养或缺乏修养。当然，尊重对方并不是要一味地奉迎对方，看对方的脸色行事，对考官的尊重是指人格上的尊重。其次，在答辩中不要一味地“我”字当头：“我”的能力，“我”的水平，“我”的学识，“我”的文凭，“我”的抱负，“我”的要求等等。“我”字太多，会给主考官或主持人一种目中无人的感觉。因此，要尽量减少“我”字，要尽可能地把对方单位摆进去，“贵单位向来重视人才，这一点大家都是清楚的，这次这么多人来竞争就说明了这一点。”这种语言既得体，又确立了强烈的对方意识，考官或主持人是很欢迎的。其次是考官或主持人提问，你才回答，不要没有提问，你就先谈开了，弄得考官或主持人要等你停下来才提问，既耽误了时间，同时也会给考官或主持人带来不愉快。另外，答辩完后，千万不要忘记向考官或主持人道声“谢谢”和“再见”。 5?要注意答辩语言的简洁流畅性 答辩者一定要注意答辩语言的简洁性和流畅性。答辩有着严格的时间限制，因此，答辩语言要尽可能简洁，要抓住......>> 问题七：英语考研，救命啊～～～～ 我先说时间安排吧，不管对于任何人，时间非常紧的。因为出题人明确放话，他们出考研的题量根本就是没想让大多数考生能做完的。 首先不要以为3个小时，时间长，真正你模考以后就会发现，3个小时甚至不够用，如果你觉得是件很充裕，说明你肯定有没有读懂或者看明白的地方，因为那些题目出的都是模棱两可。就拿阅读来说，这可是重头戏，而且一个分值可是2分啊，你用的时间太短了，控制在70-75分钟。考研阅读文章本身并不难，难的是题目，经常是细节性的错误，往往需要认真比对，很容易出错的。很多同学为了提高阅读正确率，挤出其他题型的时间去做阅读，虽然正确率上去了，但是其他题型没时间做，也是不可取的做法。 原则上是多少分的题目用多少百分比的时间，所以就是阅读70-75，翻译完型新题型各20，小作文15，大作文30。如果作文背熟了，完型新题型掌握技巧了，做的熟练的话，可以给阅读腾时间，那几个题型是偏技巧性比较多的。但是要以做好那几个题型为前提，要不然得不偿失。翻译5分，完型新题型各6分，这么高的分数，丢了多可惜，况且你还不能保证阅读是对的呢。 再说说复习，还是要结合真题复习，每一次研究真题我想你都会有收获的，即使再熟悉的东西重新看，感觉还是不一样的。 模拟题适当做当做模考用，掌握时间分配，考场上面不会慌张，而不是用来检测水平的。 9几年的特别是96年之前的题，由于太早，有的技巧难免用不上的。也不要着急啊，只要这几年的用上就可以了啊， 问题八：帮我分析成绩，提中考复习建议 我和你一样，也上初三，不过我们这里满分120。 说实话，你的成绩不怎么样， 学习，除了刻苦没什么好的方法，哪一个状元也是拼出来的. 数学只有多做题才能开拓思维，见多识广嘛！我有个小姑，她数学特别好，还在全国竞赛中获过奖，她就是做的题很多，还给我带来了一些数学资料，全是什么发散思维，奥数的。不过我最烦数学，那些书我看了就头疼。 语文的基础知识，就是死记硬背喽！有空就看一下生词。名著只有耐起性子读，其实如果真读的烦，那就只了解重点。其实考名著，翻来覆去也就那几本，记住书名，作者，几个情节，会写感受，也什么了。 物理有空的时候多看看以前的，自然不会忘了，一年多的东西从来不看，不忘才怪。 英语听力每天听，耳朵磨出来自然就行了，不过我还是很佩服你啊，听力才扣3.5，我错了一堆，不知要减多少……，哎 中考化学，也没听说多难，不过常会靠一些不注意的细节，有一年，问漏斗上面的滤纸怎么折，很多人明白，就是不会说。像这样的细节题很多的，每年都有，我们老师记得特别清，常讲。不过应该超不过10分的，化学就是要细，中考的压轴题都很简单的。 政治你考的挺好的，政治很难考高分的，因为你不可能把试卷答案全搬来，即使比着课本抄，也不可能满分，就像作文。能找到中心，说点废话，就能得分。 奇怪！“政治历史都是闭卷的，中考也是”是什么意思？你们那里还有开卷？？！！！我们这里可从来没有啊！ 可以找一些学习网站，找点方法，不过离开努力还是不行啊。 你打你的那些问题花了多少时间？本人打字速度超慢，打这些字可累死了，希望它对你有帮助。你可一定看仔细点，不认我不白费劲了！！好了，希望这些对你有帮助，祝中考成功！ 问题九：怎样备考大学英语四级 四级我最初也买了词汇书，后来没翻两页，第一次考试的时候逃了，第二次也没准备，硬着头皮考了，过了。六级的时候同样买了单词书，结果重蹈覆辙，也没看，第一次也逃了，第二次考了，也过了。不思悔改，考研还去买了单词书，朱泰祺的，星火的，结果，还是没看…… 经过多年的摸爬滚打，我总结出经验来，单词书，没用，那是给那些适合打坐念经的人看的，我们……坚持不下去。最有效的办法是做阅读，然后查生词，每一单元做一个小卡片，每天记新的，再复习以前的，我这样做了200篇阅读，记下了考研词汇的80%，考研，也过了。 我只能说，真题，很重要，真题做得得心应手了，题已经不是生词的问题了，只剩下逻辑构架 四级，一点都不可怕，我们班通过率百分百 问题十：关于英语学习的建议征集 70分 这是我自己写给表弟的，比较适合在校学生，凭借这个我很轻松通过了4、6级。 英语学习方法 英语是世界上最广泛使用的语言，对于中国学生来说，很多人都梦想讲一口流利的英语，学好英语对将来有很大的帮助，但是由于教育体制的落后和教学方法的不得当，给学习英语带来很多的困难。这篇文章是根据你老哥10年的英语学习经验，针对当前学校英语教育的弊端，提出的解决方案。 1．明确英语学习的目的 ? 可以和很多外国人沟通，学习他们的文化。 ? 有两套思维体系（英语和和汉语），享受其中的乐趣 ? 能看懂英文电影、阅读英文书籍等。 ? 大学毕业有更大的机会进入外企，获得高薪工作 ? 如果以后创业，便于和外国企业沟通。 ? 可以在考试中获得高分，得到同学的羡慕、老师的器重和家长的表扬（其实这很无聊，^_^）。 2．了解英语学习的障碍（从大到小） ? 汉语干扰 因为是不同的思维体系，根深蒂固的汉语会严重影响到英语学习 解决方案：尽量营造全英文学习环境，听说读写全方位，尽量用英语思考，这是最难的。 ? 自信心 很多人不敢开口说英语，怕犯错误，怕丢脸 解决方案：其实不用怕，我们又不是说英语国家，说不好很正常的，没人会笑话；英语是很简单的语言，只需要2岁小孩的智商就可以学好。 ? 毅力 任何事情都需要毅力，学习英语也不例外，而且英语这东西，就需要每天不断联系，日积月累，才能学好。 解决方案：没有，只能靠兴趣和自律。 ? 英语好的标准 尤其不要把考得好当成英语好的标准，能考满分的 *** 数都数不清。 解决方案：英语是门语言，只能用沟通的顺畅来做为标准。 ? 学校教育 只会用中文交英语的老师，多半都不怎么样，所以想学好，还得看自己。解决方案：记住，人才都是自学成才的。 （以上内容只需要做一定了解） 是不是觉得很难学啊?那个，怎么能营造全英语学习环境？怎么能加强自信？怎么能保持旺盛的势头啊？ 我们一一来解决。 3．如何才能学好英语? 准备充分：词典、录音机和磁带、英语教材，一个都不能少！ ? 单词 首先要攻克的难关，包括音标、解释、拼写等 解决方案： 1.早期靠大声朗读拼写，通过听觉来记忆，记忆没有诀窍，只有重复重复再重复，不管用什么方法，记住就行 2.等词汇量有一定积累时，靠海量阅读（记住是海量），什么都读。 ? 语法和句型 解决方案：靠学校老师交的方法就基本可以解决了。 ? 听 听是一种感觉，是一种意识，是建立在词汇量基础上的能力。 解决方案：重复听，什么都听，建议从听英语歌曲开始。 ? 说 解决方案：最难掌握的技巧，没有捷径，只能靠反复说。 ? 读 解决方案：早期跟着磁带大声朗读就行了，尽量去模仿语音、语调，口语也可以得到加强。 ? 写 解决方案：还是靠阅读，读得多了，自然有感觉。 总之，听说读写是一个环环相扣的整体，只要一个方面提高，其他也会相应加强。建议从最简单的阅读入手，循序渐进，切记切记是海量阅读，多读英语课外读物。 以上的是大多数人都知道的，一下是大多数人都不知道的。 呵呵，培养兴趣和成就感积累是学好英语的关键。 你老哥我，没有理论知识，只有实践经验。 ? 海量阅读－再次强调，最最重要，多读英语课外读物。 ? 英语课堂上，不要把发言机会让给任何人，每次都要把给手举直了，可以积累你的自......>>

MassitanBallo外文名：MassitanBallo职业：演员代表作品：云合作人物：苏莱曼·西塞

一般都是在家用药粉反应生成氢气后灌装入瓶内然后一个个充好气球拿出来卖。 如果要再用的话，自己可以试试，不过要小心；也可以用吹的，效果是差了点，至少安全。

一、芭蕾5个基本脚位芭蕾中脚的5种基本位置，是学生最早要学习的动作。不只是因为简单，而是芭蕾课堂上大部分动作都是以这5种位置之一作为开始和结束姿态。外开并非易事，但也并非可怕，它需要时间和坚持不懈的刻苦锻炼。有些人的自然开度好，以下的动作他就能很轻易地完成。有些人开度较差些，但多练习就会逐渐达到要求。一位脚两脚完全外开。两脚跟相接形成一横线。二位脚两脚根在一位基础，向旁打开一脚的距离。（根据自己脚的大小）三位脚一脚位于另一脚之前。前脚跟紧贴后脚心。前脚盖住后脚的一半。四位脚一脚从五位向前打开，两脚相距一脚的距离。前脚跟与后脚趾关节成一条线。五位脚两只脚紧贴在一起，一脚的后跟紧挨着另一只脚的脚尖，前脚完全遮盖住后脚。二、芭蕾7个基本手位学习手的位置之前必须学好手的形态：大拇指尖要轻轻地碰到中指的指根处，其它的手指稍弯一些挨在一起放好。这种形态只是在初学时才要求这样做。因为那时学生还不能有意识地支配，控制自己的动作，因而手指容易紧张。以后，手的形态变得比较自然，大拇指不必碰中指，而是朝向手心既可。我国至今延用的是下面介绍的七个手位：一位手手自然下垂，胳膊肘和手腕处稍圆一些。手臂与手成椭圆形，放在身体的前面，手的中指相对，并留有一拳的距离。二位手手保持椭圆型，抬到横隔膜的高度。（上半身的中部，腰以上，胸以下的位置）但在动作过程中，要注意保持胳膊肘和手指这两个支撑点的稳定。三位手在二位手的基础上继续上抬，放在额头的前上方，不要过分的向后摆，三位手就象是把头放在椭圆形的框子里。四位手在三位手的基础上左手不动，右手切回到二位，组成四位。它已是舞姿了。五位手在四位手的基础上左手不动，右手保持弯度成椭圆形。从手指尖开始慢慢向旁打开。在过程中胳膊肘和手指两个支撑点要保持在一个水平面上。手要放在身体的前面一点，不要过分向后打开，起到一个延续双肩线条的作用。六位手在五位手的基础上右手不动，左手从三位手切回到二位，组成六位，形成舞姿。七位手在六位手的基础上右手不动，左手打开到旁边，双手相同地放在身体的两边。三、芭蕾舞起源“芭蕾 ”起源于意大利，兴盛于法国，“芭蕾”一词本是法语"ballet"的音译芭蕾舞 意为“跳”或“跳舞”。ballet一词，源于古拉丁语ballo。最初，这个词只表示跳舞，或当众表演舞蹈，并不具有剧场演出的含义。芭蕾的历史，最早的肇端可追溯自欧洲文艺复兴鼎盛时代的意年大宫廷，及法国南部的贝根弟处所的宫廷里。每当成婚喜庆，接见外国元首，或其他年夜庆典，即表演这种舞蹈以示祝或助兴。芭蕾成长史上第一部斗劲完整的芭蕾舞剧——《皇后喜剧芭蕾》上演于1581年，当洛蕾娜（Lorraine）的玛格丽特蜜斯和凡尔赛（Versaills）的姚幼斯公爵成婚瞬息，这场芭蕾舞的音乐曲谱迄今仍保留，可算是最古老的芭蕾音乐。

一、芭蕾5个基本脚位芭蕾中脚的5种基本位置，是学生最早要学习的动作。不只是因为简单，而是芭蕾课堂上大部分动作都是以这5种位置之一作为开始和结束姿态。外开并非易事，但也并非可怕，它需要时间和坚持不懈的刻苦锻炼。有些人的自然开度好，以下的动作他就能很轻易地完成。有些人开度较差些，但多练习就会逐渐达到要求。一位脚两脚完全外开。两脚跟相接形成一横线。二位脚两脚根在一位基础，向旁打开一脚的距离。（根据自己脚的大小）三位脚一脚位于另一脚之前。前脚跟紧贴后脚心。前脚盖住后脚的一半。四位脚一脚从五位向前打开，两脚相距一脚的距离。前脚跟与后脚趾关节成一条线。五位脚两只脚紧贴在一起，一脚的后跟紧挨着另一只脚的脚尖，前脚完全遮盖住后脚。二、芭蕾7个基本手位学习手的位置之前必须学好手的形态：大拇指尖要轻轻地碰到中指的指根处，其它的手指稍弯一些挨在一起放好。这种形态只是在初学时才要求这样做。因为那时学生还不能有意识地支配，控制自己的动作，因而手指容易紧张。以后，手的形态变得比较自然，大拇指不必碰中指，而是朝向手心既可。我国至今延用的是下面介绍的七个手位：一位手手自然下垂，胳膊肘和手腕处稍圆一些。手臂与手成椭圆形，放在身体的前面，手的中指相对，并留有一拳的距离。二位手手保持椭圆型，抬到横隔膜的高度。（上半身的中部，腰以上，胸以下的位置）但在动作过程中，要注意保持胳膊肘和手指这两个支撑点的稳定。三位手在二位手的基础上继续上抬，放在额头的前上方，不要过分的向后摆，三位手就象是把头放在椭圆形的框子里。四位手在三位手的基础上左手不动，右手切回到二位，组成四位。它已是舞姿了。五位手在四位手的基础上左手不动，右手保持弯度成椭圆形。从手指尖开始慢慢向旁打开。在过程中胳膊肘和手指两个支撑点要保持在一个水平面上。手要放在身体的前面一点，不要过分向后打开，起到一个延续双肩线条的作用。六位手在五位手的基础上右手不动，左手从三位手切回到二位，组成六位，形成舞姿。七位手在六位手的基础上右手不动，左手打开到旁边，双手相同地放在身体的两边。三、芭蕾舞起源“芭蕾 ”起源于意大利，兴盛于法国，“芭蕾”一词本是法语"ballet"的音译芭蕾舞 意为“跳”或“跳舞”。ballet一词，源于古拉丁语ballo。最初，这个词只表示跳舞，或当众表演舞蹈，并不具有剧场演出的含义。芭蕾的历史，最早的肇端可追溯自欧洲文艺复兴鼎盛时代的意年大宫廷，及法国南部的贝根弟处所的宫廷里。每当成婚喜庆，接见外国元首，或其他年夜庆典，即表演这种舞蹈以示祝或助兴。芭蕾成长史上第一部斗劲完整的芭蕾舞剧——《皇后喜剧芭蕾》上演于1581年，当洛蕾娜（Lorraine）的玛格丽特蜜斯和凡尔赛（Versaills）的姚幼斯公爵成婚瞬息，这场芭蕾舞的音乐曲谱迄今仍保留，可算是最古老的芭蕾音乐。