现代建筑速写怎么画

现代建筑速写步骤教程如下：1、首先勾勒出建筑的大致轮廓线条，第一步的线条不要太重，尽可能的轻一些。2、第二步我们强化现代建筑外形轮廓，刻画此类房屋建筑的线条必须要直。3、检查画面，注意基本透视问题，同时要加强建筑的根基线。4、添加近处房屋的线条，初步表现房屋的质感，为后面的刻画奠定基础。5、加强建筑物的根基部分，同时注意房屋的协调性。6、刻画出画面的细节，强调阴影的表现突显画面的空间感，并延伸刻画右边建筑房屋的地基线。7、添加线条和阴影，表现出玻璃和墙体的质感。8、接着我们继续刻画右边的建筑，这里同样要注意线条的规整性。9、继续刻画右边的建筑物，注意画面透视关系的把握及画面细节的刻画。10、刻画出地面纹理的同时，刻画出地平线和水面。11、添加水面的波纹，用简单线条去表现，注意水面与地面的区分。12、继续细化并完善建筑物的部分，适当添加阴影，用来表现建筑物格子的不同质感。13、加强地平线刻画，突出表现水面与地面分界线。这样，绘画就完成了。

建筑速写灭点也叫什么?视点就是人视线的集中点，灭点就是画面上透视消失点。视平线是根据你画面的需要来定的，一般来说我们会要求定在画纸由下往上的四分之一到三分之一之间。定好灭点了，所有物体理论上是需要向一点...

速写偏写意、建筑手绘严谨点、这方面东西可以去九华山手绘网站看看

建筑速写相当于素描几级？答：建筑速写相当于素描8级，建筑速写能够直接反应画手的素描水平，艺术造诣，跟素描人物不同，素描建筑更能提现绘画功底。

练习线条。。。透视很重要~~

本书从建筑速写基础性知识入手，分别讲述了建筑速写在构图、线条练习、观察方法，临摹、实景速写、默写等方面的内容，并附有大量图例作品。让广大初学者和建筑设计的从业人员能够清晰地认识到，通过建筑速写这一方法的练习可以帮助他们在将来的设计工作中做到思维灵活，并激发他们的创造力和表现力，以至于系统地，形象地进行手绘表达。本书集科学性、人文性和艺术性于一体，适用于建筑学、环境艺术设计等专业读者亦可作为美术爱好者的参考书。

好的速写无论人物、风景、建筑、动物，型体上用线稳、准、狠。光影上面的处理过度自然，至于用线过乱则是相对的，高手用线乱中求理，乱而不乱。菜鸟用线乱中有乱，乱的一塌糊涂。

《建筑速写技法》对建筑速写加以分析和演示，由浅入深、循序渐进，并配有绘图步骤，详细介绍建筑速写的基础、透视、明暗、配景和风格等特点与表现技法，力求在较短的时间内，通过简便、实用的绘画方法，来达到最佳的学习效果。在表现风格上也做了多种探索，以示建筑速写不仅是一种基础训练课题，同时也可以是一件艺术作品。 《建筑速写技法》可以作为建筑学、城市规划、景观设计和室内设计专业的大学生的教科书，也可以作为相关设计人员的参考书。

建筑速写初学者最好使用铅笔，便于作画和修改，熟悉了可以使用专业的钢笔进行速写。1、建筑速写，指的是迅速描绘对象的临场习作。它要求在短时间内，使用简单的绘画工具，以简练的线条扼要地画出对象的形体特征、动势和神态；它可以记录形象，为创作收集素材。在这个意义上，它可视为写生的一种，同时建筑速写还可以作为一种独特的艺术表现形式或设计构思和表现。这是设计师对客观世界的艺术表达方式走出的第一步，好的建筑速写与其他绘画形式一样，都有独立存在的艺术价值。2、铅笔（Pencil），是一种用来书写以及绘画素描专用的笔类，也是初学者学习速写的不二之选。（1）铅笔铅芯的硬度标志，一般用“H”表示硬质铅笔，“B”表示软质铅笔，“HB”表示软硬适中的铅笔，“F”表示硬度在HB和H之间的铅笔。（2）排列方式（由软至硬）9B、8B、7B、6B、5B、4B、3B、2B、B、HB、F、H、2H、3H、4H、5H、6H、7H、8H、9H、10H等硬度等级。H前面的数字越大，表示它的铅芯越硬，颜色越淡；B前面的数字越大，表明颜色越浓、越黑。3、钢笔笔头由金属制成，书写起来圆滑而有弹性，相当流畅。在国产品牌中，较为人知的“英雄”、“永生”、“关勒铭”等老牌钢笔，均已归为英雄旗下，很多人选择“英雄”作为建筑速写工具。钢笔笔尖，可以说是钢笔的最关键的部分，从细到粗，各种变化都有，一般最常见的钢笔笔尖尺寸以“B（Broad粗）、M（Medium中粗）、FM（Fine-Medium中细）、F（Fine细）以及EF（Extra-Fine特细）”为主，由粗到细是 B > M > F > EF，笔尖尺寸每家笔厂在规格上也会都有些许的差异。

一、根据表现方法以线条为主的速写；以面（明暗调子）的速写；线面结合的速写。二、根据表现工具可分为：铅笔速写、钢笔速写、毛笔速写、还有水墨、水彩、油画三、根据描绘对象的不同人物速写、动物速写、风景速写、静物速写四、根据速写本身的表现特点；分为研究性速写和表现性速写

以普通钢笔或特制的金属笔灌注或蘸取墨水绘成的 画。所用的笔尖有粗、细、扁、圆等多种，不同的笔尖 可以产生不同的艺术效果。钢笔画属素描的一种，也是 通过单色线条的变化和由线条的轻重疏密组成的黑白调 子来表现物象的。但其特点是用笔果断肯定，线条刚劲 流畅，黑白调子对比强烈，画面效果细密紧凑，对所画 事物既能做精细入微的刻画，也能进行高度的艺术概括，有着较强的造型能力。举凡人物肖像、静物、风景等题 材都可以得到生动的表现，而且通过用笔的精细或奔放 可以形成鲜明的艺术风格。在西方有不少精于钢笔画创 作的画家。伦勃朗、P.毕加索、H.马蒂斯也有许多优秀 的钢笔画作品传世。 钢笔画是通过点、线及各种线的排列组合来表现和组合成不同的黑、白、灰块面，反映出所需要描绘对象的造型和由光线反射而形成的明暗关系，具有丰富的表现力。由于钢笔绘来源于西方，因此它与西方绘画中素描基础技法和表现叫有着十分密切的关系。当它与中国画的各种线条造型技法结合使用时，其表现空间将大为增强，由于钢笔画在创作过程中的确定性和不可更改性，在造型准确性的掌握上就显得十分重要了。 钢笔画用途广泛，可以作为收集创作素材的速写之用，也可以在美术创作中用于连环画、插图以及独立的钢笔画作品。我们知道，画好了钢笔画，可以培养细致的观察能力和准确大胆的造型能力。如果掌握了钢笔绘的基本技法而从事铜板画的创作也就比较容易了。 钢笔素描是通过单色线条的变化和由线条的轻重疏密组成的黑白调子来表现物象的。但其特点是用笔果断肯定，线条刚劲流畅，黑白调子对比强烈，画面效果细密紧凑，对所画事物既能做精细入微的刻画，也能进行高度的艺术概括，有着较强的造型能力。 但是对于一个钢笔画的爱好着和初学着来说，钢笔画的基本语言（技法）是线和排线，是靠线和线的排列与纸的白色形成的黑白对比来构成色彩感觉的。现实生活五彩斑斓，我们却可以用黑白两色来给以体现，线条在客观世界中是不存在的，而我们却可以运用线条和黑白规律造出一个令人十分着迷的艺术境界。其实，线条也是有“色彩”的，只是由于我们使用的作画工具是笔尖粗细不同，压笔的轻重不同，运笔的缓急不同，就可以呈现出细粗、肥瘦、浓淡畅滞不同的色调来。只要我们掌握了线与黑白对比的规律，线与线的排列，画面调子，色彩和表面的效果，所需要表现对象的质感和表层效果及线的排列中的节奏和韵律等关系，那么在以后转入实际创作中，就比较容易地把握住平面空间、错觉空间和体积（立体效果）的诸多要领了。 作为钢笔画中最美的线条上是心灵的流露，是表现，是抒发，也同样是说明和记录，具有高度的哲理性，在其中蕴藏着精神、潜象、韵律和节奏的美感，体现作者的气质和修养。并已经成为重要的素描造型手段之一。即使铅笔素描造诣不错的人也可能会掌握不好钢笔素描，因为它对“眼到、心到、手到”的要求更高，越是初学者，手越容易颤抖，它不存在橡皮的补救处理，所有线条必须真正一气呵成。 钢笔画强调线的表现力，注重用“程序化”的技法描绘客观物象。因此，初学钢笔画者大多从练习钢笔线条开始，要求达到熟练自如的程度，方可作写生或创作。 　　一幅优秀的钢笔画作品，不但与作者的绘画技巧有关，而且与作者的艺术素养有着紧密的联系。在以轮廓线或称之为单线的素描为主的世界优秀的画家中，线条素描对他们来讲只不过是为创造勾勒草图之用，但也有画家把线条素描看作是架上画的形式。

以上纯属废话。速写要交流，要有方法去abbs，学生区，一堆手绘帖子。讲方法，讲案例，匠人无寓啊，ak47啊，多了去了

针管笔

当然是建筑钢笔画适合淡彩喽，建筑速写是为了表现出建筑的特征，以及表达设计师的一些想法。建筑钢笔画要求较建筑速写更为严格，表现的也更加细腻。至于临界点，很难说，，每个人的水平不一样，对二者的认知不同，临界点也不一样，临界点会随着你的水平不断发生变化

首先，先说说彩铅大概分为两种：水溶性彩铅和油性彩铅。这主要还是看你个人爱好和习惯来选择。然后我们再来了解一下有哪些牌子：1、马可。价位平民，而且也挺实用的。（个人觉得国产彩铅做得还是挺不错的。）2、辉柏嘉。大众品牌，中规中矩，但也不算是特别好用。3、得韵Derwent。价位稍贵，但几乎无色差，就水溶性彩铅而言，它的晕染挺不错的。4、施德楼。价位中肯，就水溶性彩铅而言不太行，晕染之后还是看得出来彩铅痕迹。5、樱花。价位平民，适合新手上手。

1. 建筑速写 邹明 江西美术出版社 2. 手绘教学课堂u2022建筑速写 彭军、王强 天津大学出版社3. 景观快速表现与手绘速写 张晓晶 化学工业出版社 4. 建筑速写(第2版) 于亨 机械工业出版社 5. 建筑风景速写基础 夏克梁 北方联合出版传媒（集团）股份有限公司 6. 建筑速写与设计表现 刘玉立 同济大学出版社7. 建筑风景速写 江海涛、牛隽 天津大学出版社 8. 我的速写本 张路峰 中国建筑工业出版社 9. 园林创作与速写 叶金培 中国建筑工业出版社 10. 马克笔建筑速写表现 朱明 机械工业出版社

建议买建筑透视原理

本书从建筑速写基础性知识入手，分别讲述了建筑速写在构图、线条练习、观察方法，临摹、实景速写、默写等方面的内容，并附有大量图例作品。

作者：邹明出版社:江西美术出版社; 第1版 (2010年9月1日)丛书名:中国高等院校美术教材·环境艺术设计系列平装:192页正文语种:汉语开本:16ISBN:9787548003694, 7548003692条形码:9787548003694产品尺寸及重量:24.2 x 21.4 x 1.4 cm ; 1.4 Kg 邹明，1955年生于安徽，1983年毕业于无锡轻工大学造型美术系，留校任教。2008年至2009年中央美术学院访问学者。现为深圳大学艺术设计学院环艺系主任、教授、硕士研究生导师，中国美术家协会会员，南京市书画院特聘画家。其作品入选第二、三、五、六届深圳国际水墨画双年展，第九届全国美展，第三届北京国际美术双年展等国内外画展，曾获中国美术家协会主办的全国画展铜奖一个，优秀奖三个， “欧洲艺术家联盟”颁发的“欧洲艺术奖”，第二届中国艺术博览会优秀作品奖，2008年奥林匹克美术大会铜奖。自1991年起先后赴新加坡、北京、香港、台湾、英国、马来西亚等地举办个人画展，并赴美国、澳大利亚、捷克、印度、英国、埃及等国家参加联展和艺术考察，2002年在北京中国美术馆举办“邹明彩墨·陶艺作品展”。所作公共艺术作品几十件分别立于深圳、东莞、广州、北京、郑州、长春、安徽六安、湖南韶山、山东诸城等地。作品为中国美术馆、中国国家画院、深圳美术馆等海内外专业机构和个人收藏。个人出版画集《名家扇画——邹明山水扇面精品》《中国当代著名画家个案研究——邹明水墨西塘》《中国当代著名画家技法名典·邹明彩墨老屋》《邹明彩墨绘画》《泥性的物化——邹明陶艺作品》《邹明彩墨艺术》《中国当代艺术家画库·邹明画集》《邹明彩墨画集》 速写，对从事美术和艺术设计的人们来说，从初学入门到终其一生，应该都是不可缺少的伴侣。速写是训练造型艺术表现力的主要手段，敏感地捕捉对象和准确地表现对象是速写的首要任务，当入门渐行渐近后，速写则会成为诉说情感、表达对象的一种视觉语言，无论绘画还是艺术设计，速写既是学习造型艺术的一门表现技艺，也是提高文化和艺术修养的一种表现语言。从艺几十年，远去的已经淡忘，有的依稀可辨，有的刻骨铭心。偶尔翻开往日的速写本，打开的是一个个记忆，有的速写甚至可以让我想起当时的作画情景，生活在这里铺开的不只是一页页的纸，而是生命里的一个个脚印，从这里寻去，看自然，看人生，意味深长。我常带着学生外出写生，要求学生每天完成二幅色彩写生之外还要有适量的速写，我也身体力行，正因为如此，积累了一些速写习作。建筑学专业的学生画速写，重在技能，尤其是造型能力，面对景物能够把对象表现得较为完整，在此基础上强调对对象的体认，速写作为一种表达工具，为以后做设计时的徒手画做一个铺垫。而对环境艺术设计专业的学生，在基本具备一定造型能力的基础上，注重不同的表现方法，留意于画面的整体氛围。从绘画表现到设计表现，速写表达的是激情，是形象，感性与理性并存，不同的专业方向有不同的专业要求，而造型能力作为一门基础需要速写是相同的。速写作为一门艺术技能，其可以说是一种表现工具；而作为一门艺术语言，更在于表现情感，表现一种境界。著名评论家翟墨先生谈及速写，曾写道：“速写，是划开混沌宇宙的第一道闪电；速写，是倾吐画家感受的第一注喷泉；速写，是撷取天地场能的第一缕灵气；速写，是留存初恋印象的第一味甘甜。”仔细品味这段洋溢激情的文字，感受到速写的魅力光芒四射，其中四个“第一”，更让我们去认识速写作为万物之始的精彩之笔。绘画创作，首先要画草图，速写能力首当其冲；做艺术设计，也先要画创意草图，速写即可见效；即使是做建筑设计，建筑师也会先用徒手画的方式把构想表述出来，再去做进一步的发展。由此可见，速写的“第一”，可以是“闪电”的惊现，也会是“喷泉”的涌出；可以是“灵气”的进发，还会是“甘泉”的回味。我一直对老房子情有独钟，画了20多年的彩墨，大都在老房子的视域里游走，甚至做陶艺时，也离不开对老屋老门的表现。画速写，也多是以老房子为对象，回首往事，30年前开始画风景写生时，自己似乎就与老房子有了不解之缘，每次外出写生，一看见有兴趣的老房子，立即会产生一种作画的冲动，那种心情甚至有些按捺不住，急不可待，想用画笔与之倾诉。老房子本身就是一种文化存留，岁月沧桑在这里留下的痕迹，会令人怀旧。思想，可以表现的内涵很多很多，而老房子的不同外形，对塑造造型能力，训练表现能力又是一个丰富多彩的内容，尤其是对艺术设计专业的学生来说，宜于入门，适于表现，又可以提高。翻出几近尘封的一摞速写本，抖落出“陈年往事”，几多感触，在高校从事美术教育27年，深知基础教育之甘苦，速写，毕竟不同于创作作品，多是无声无息，默默无闻，然而对于莘莘学子来说，走进校门与踏出校门都是不可缺少的“看家本领”，必须勤学苦练，勤以补拙。画速写，重在积累，提高技艺，同时车富内心，潜移默化。画速写，画品为上，有意境，有想法，令人玩味。这需要一个长期修炼的过程。我经常在外出采风写生时画速写，即景记录一些文字，写写日记，画面与文字相融，记录生活的感受使之存留。对一个选择艺术为职业的人来说，绘画修养包括众多方面，多方面的文化滋养方可使绘画语言更为丰厚。当我抖落积压的速写本时，也翻出了当年的日记本，那是一个个难忘的心路，我从中选择一些，不只是对速写画面的补充，更在于表现真诚地对待生活、对待艺术。对当下正在学习的年轻学生来说，未必要重复我们的轨迹，提供一种方法或许会是一个借鉴。这本速写集搜集了我自1983年大学毕业留校任教之后直到现在在各地采风写生的习作，谓之建筑速写，大都是老房子，可以说是一种生活记录，但愿为在校的学生们画速写时提供一些借鉴与参考，是为心迹。 002 绪言005 岁月拾零006 岁月拾零035 西北留痕036 西部留痕048西北行1990075异域掠影076 异域掠影077布拉格084 泰姬陵即景087湘西风情088湘西风情101 黔桂云藏102 黔桂记游135江南水乡136 西塘记事149 皖南山村150 初识西递1991164 再逢西递1993179 学生习作180 学生习作192 后记

不建议使用直尺，但可以使用一些曲尺或其他工具辅助计算投影线，另外，用笔是基本功，建议你多做一些用笔的基本练习。

成为一名优秀的建筑师或建筑设计师，需要的与美术有关的一些书《造型》、《透视》、《结构素描》《建筑速写》、《环境设计》1.《造型》是对物像的基本形体的理解，形体要求像与美观。2.《透视》是真实表现大自然中物体真实形象必须注意的事，平行透视、成角透视需要详细理解。3.《结构素描》是清晰地理解建筑物体的内部结构和外部形体结构。可以选择一些几何体石膏结构性素描（可以透视观察的）4.《建筑速写》，快速地把自己设计的图描绘出来，可以是素描稿，也可以是水彩稿，看看效果图如何。5.《环境设计》，明白设计的理念，了解民众的心理需求，并用通过电脑把自己的设计理念表现出来，这时候我们成熟阶段，可以适当地熟悉一些设计软件，通过电脑把图表现出来，比如3dmax(三维软件)和photoshop（平面软件）

环境艺术专业的毕业论文提纲模板 　　随着社会的发展，我们的生活水平有了极大的提升，但是也产生了严重的生态环境问题，在人类意识到环保工作的重要性之后，环境艺术设计这一概念应运而生。通过环境艺术设计，为人类营造更加和谐、更加宜居的生活空间，成为当前环境艺术设计的主要目标。可见环境艺术与我们的生活息息相关。以下是我收集整理了，供大家参考借鉴，希望可以帮助到有需要的朋友。 　　题目：建筑速写在环境艺术设计中的应用探析 　　目录 　　摘要 　　Abstract 　　目录 　　1环境艺术概述 　　1.1环境艺术的基本概念 　　1.2环境艺术设计的特性 　　1.2.1地域性 　　1.2.2民族性 　　1.2.3时代性 　　1.2.4实用性 　　1.2.5技术性 　　1.3环境艺术设计的主要内容 　　1.3.1园林景观设计 　　1.3.2城市规划设计 　　1.3.3广场设计 　　1.3.4环境雕塑设计 　　1.3.5室内空间设计 　　2环境艺术设计的程序与表现 　　2.1环境艺术设计生成的过程 　　2.1.1设计初期调查 　　2.1.2现场调查阶段 　　2.1.3方案设计阶段 　　2.1.4初步设计阶段 　　2.1.5技术设计阶段 　　2.1.6施工监理阶段 　　2.2环境艺术设计的成果形式 　　2.2.1设计规划说明书 　　2.2.2设计方案效果图 　　2.2.3立体模型和动态影像 　　2.3环境艺术设计效果图的表现手法 　　2.3.1电脑效果图的表现 　　2.3.2手绘效果图的表现手法与特点 　　2.3.3手绘效果图的作用和意义 　　2.3.4建筑速写与手绘效果图的关系 　　3建筑速写与环境艺术设计的关系 　　3.1建筑速写的概念 　　3.2建筑速写的特性 　　3.2.1建筑速写的灵活性 　　3.2.2建筑速写的快捷性 　　3.2.3建筑速写的生动性 　　3.2.4建筑速写的概括性 　　3.2.5建筑速写的艺术性 　　3.3建筑速写是环境艺术设计的基础 　　3.3.1建筑速写能够培养学习者的视觉形象表达能力 　　3.3.2建筑速写提高了环境艺术设计者的审美能力 　　3.3.3建筑速写为环境艺术设计收集素材 　　3.3.4建筑速写能够培养学生创造性思维 　　3.4建筑速写是环境艺术设计快速表现的有力手段 　　3.4.1建筑速写与园林景观设计 　　3.4.2建筑速写与城市规划设计 　　3.4.3建筑速写与广场设计 　　3.4.4建筑速写与环境雕塑设计 　　3.4.5建筑速写与室内空间设计 　　4在环境艺术设计中如何提高建筑速写能力 　　4.1提高环境艺术设计表现的多样性 　　4.2培养空间转换的思维训练 　　4.3建筑速写的基础要点与表现技法 　　4.3.1建筑速写的"特点 　　4.3.2建筑速写工具的选择 　　4.3.3透视的应用 　　4.3.4建筑速写的美学原则 　　4.3.5建筑速写的构图要点 　　4.3.6建筑速写中主体建筑的主要表现方法 　　4.4提高建筑速写能力的有效过程 　　4.4.1初期线条的练习 　　4.4.2临摹与照片的绘制 　　4.4.3室外写生的必要性 　　4.4.4在日常生活中培养建筑速写的习惯 　　结语 　　参考文献 ;

1、直线速写就是起形时用直线起形，要求简单概括，但是结构、形体等都要到位，在关节关键部位可以重复几次，我在西美学习时张起林教授就极力推荐这种画法，这种画法对于初学者也十分有用。但是缺点是画不好就容易呆板缺乏生气。2、勾线速写用线十分肯定，可以从自己最兴起的地方下笔，或从头到脚一次画完，也是画好了十分漂亮，西安美院张立宪教授给我们这样画，优点是流利生动，缺点是难度要求非常大，画不好，线条就容易空洞，没有表现力。尤其在高考考试中成千上万份试卷放在一起打分，勾线速写就显得没有冲击力.再者画时要求肯定准确,难度较大。所以初学者可以直线起形,再匀线,这样画时可以好画一些，在国画考试中多采用此法。3、线面速写画时用线面结合的方法来表现对象，一般是亮面贴体的地方线条细硬，虚的地方线条粗且轻，同时在结构大的转折之处辅助以面积不同的来加强体积，这种画法在高考考试中由于表现手法对比强烈，在考试打分中比较好拿分，因此教师给学生们平时示范时，较多采用的也是这种画法。通过几年学生专业考试后，专业分数总结分析来看，是得到了理想的分数，愿考生初学者可以尝试练习，一定会有一番惊喜的。4、明暗速写基本上与线面速写相同，但区别在于它更深入表现体积结构形体更严谨扎实。由于它用的时间相对于其它几种速写画法来说较少，故对学习者的手头功夫要求较高，要求快、准、狠。在考油画系时可以采用此法。

速写``对素描要求不高不过有些东西多学学比较好` 呵呵````反正素描 速写 基础色彩一般都是一起教的

买派克的笔，贵点但就是好用，有签字笔和特细的两种就够用了。

问题一：怎样画好速写默画 要画好速写因素很多，但在众多因素中我认为“适合自己的方法”是最首要的。当面对物象不知所措、无从下手时，那么不妨从与速写形式接近的线描连环画中去吸取经验和处理手法，如：线条的运用和方向、疏密及虚实对比、黑、白、灰的分布配置等等。在这里特别要提醒一下选取临摹范本一定要结合自己的爱好，从自身出发，这样可以结合自己的偏爱及性情，易取得事半功倍之成效，俗称“容易上手”。临摹时要有目的性、针对性，解决自己面临的问题，只要仔细体会、感悟、实践，那么你的速写定会有很大进步和起色。 其次是“取舍”处理，它是衡量速写是否成熟和优劣的关键所在。速写因时间制约，要在短时间内表现出对象的特征，必须要有整体观察能力，表现什么和如何表现？要做到意在笔先和胸有成竹，就能有的放矢，才会做到取舍和概括，下笔才能克服盲目性方可得神助，否则看一眼画一笔是画不好速写的，画出来不是呆板就是琐碎。好的速写都是统筹画面，对事物做到恰到好处一气呵成，不多一笔不少一笔，笔笔生辉，从而使画面充满感染力。 再有就是黑、白、灰层次处理也很重要。速写一般是单色（素描范畴），黑、白、灰铺垫在画面形成反衬对比关系显得尤为重要。黑通过白才能达到极致，而白也需要黑的存在才体现其价值，在黑白二色之间有着广阔丰富的灰面层次，这是绘者要着重刻画深入的地方，这一层次的递进处理如何直接导致画面的丰富性和深入性即是否耐看，画面能否出彩主要就靠灰这一层次来展现。 速写中人物是很重要的内容，也是美术考试中必考的题材。在进行人物速写前，最好能找些摄影画报一类的刊物，对作品先进行临摹，一是画报中照片人物动态千姿百态、形象丰富多彩且生动，同时人物都是静止的，随你用多少时间对象都保留着完整的造型，并能克服因水平有限而产生怕人围观的胆怯心理。当你有了一定基础后，面对真人速写就有了一定底气，自信心也增强了，用笔也更加大胆果断肯定，从而形成良性循环，进步也更加显著。 速写是最能锻炼作者眼、脑、手相互协调配合能力的，任何技能都是由生到熟、从量到质的转变过程，古人说：“废纸三千”，可以这么说：“没有画不好速写的画家”，速写是人们认识画家面貌最直接最本质最准确的镜子。只有长期坚持速写并从中不断体会感悟，速写时就会越发感到表现对象越来越顺手，画面也越来越美妙，速写兴趣也越来越高涨，此时的你面对事物就会情景交融，在你的手中自然而然就描绘出形与神、情与理、物与我和谐精彩的优美速写。 问题二：如何画好速写-画速写用线的技巧（速写如何画线） 导读：要想画好速写我们需要研究速写中线的方法，其具体表现为：一是主次线条的应用；二是穿插线条的应用：三是疏密线条的应用。一幅速写我们只要把这三个方面把握的得当，那么你的速写作品就是一幅好的作品。 在画速写的时候主要用线和次要用线，要分清楚，那么什么是主要用线？什么又是次要用线呢？一般情况下人物动势和主要结构可视为主要用线表现的部位，其他是次要用线表现；主要线条可画慢和收紧，次要线条可以画松动一些。疏密用线是画面更有层次和效果。画速写应该注意的几个问题：? 画速写应注意的问题一：线的穿插 表现好线与线之间的穿插和呼应关系，是使画面富有节奏感的重要因素。同时，线的穿插呼应关系和透视关系对表现物象的空间感、层次感起着重要的作用。不同方向的线的组织穿插，给人前后方向感是不一样的，它可以直接表现物体的透视方向。但速写又不同等于线描，如果每一处的刻画都象线描一样那么注意衣纹，线与线之间的穿插呼应又失去了速写富有节奏、流畅淋漓的韵味。 画速写应注意的问题二：线的取舍提炼 速写训练中，基本形肯定之后，对于线的处理应注意以下几点：“衣纹线”应注意忌平行，注意疏密对比，体现结构。“结构线”要准确，贴皮肤处要实一点，线要准。“惯性线”刻画时不要画得太多，且不宜画得太重。 画速写应注意的问题三：线的对比? 在速写中，通过对比发现物体形体比例、透视关系的正确与否。而速写中强调在形体比例、动态、透视等几方面准确的前提下，利用和强调线的对LL，通常有以下几种对比手法：? 线的曲直对比、线的浓淡对比、? 线的虚实对比、线的长短对比、? 线的疏密对比、线的粗细对比。 画速写应注意的问题四：关于结构? 速写的目的在于培养正确的观察方法及严格的造型能力。写生者必须具备扎实、熟练的人体解剖知识，这样在写生中才能做到游刃有余，人体的内部结构是没有变化的，变化的只有随着人体运动的动态、衣纹等。因此，线的运用与结构有着密不可分的关系，表现方法要为表现结构服务。 另外除了上面四点我们应该注意的用线方法外还有一点必须注意，就是要强调观察的重要。因为绘画画面表现的是同一时空的形象，绝对不能让想象代替观察，在同一时空，作为一个人只有一条视平线，一个视觉心点，只能感知同一视点的一个视觉形象，所以大脑中关于一个事物的知识，不可能代替某一时空这个事物的视觉形象。要提出明确的要求，即：要观察，不要想象，看到的一定是合理的，原理的合理并不是视觉的事实，视觉的事实一定符合视觉的真理。绘画是视觉的艺术，视觉一定是对的，绘画的能力的训练，就是模拟自然的能力的培养，有了很完美的模拟自然的能力，就等于有了完美的绘画基本功。画速写时对用线的具体要求：? 画速写用线的具体要求是：不描，不接，不重老线；画长线；眼不离模特，手不停挥；绝不要使用橡皮去涂擦修改。要抛开一切用铅笔无法表达的内容，既不要花费精力去观察，也不要费力气去表现，提出一个口号，叫做：看形状，不看颜色，因为颜色，即使是黑颜色，铅笔也不善于表达。与其花长时间去涂一块黑，不如利用这段时间去刻画更多的其他内容。 不描，就是要动作快，笔尖移动要快，不要犹豫，要快速画，放的开，要让肘关节，肩关节活动起来。 不接，就是不用短线条接成长线条，再长的线条，只要画面需要，都要一笔画到头，中间不要停顿，一气呵成，这样线条才有生动的感觉。 不重老线，就是画过的线条，决不再重它，即便画错了也是哪错改哪，另画一条线就是了。错误的线条，再重一百次，画的再粗，再黑，仍然是错误的，不如不重，手不要停，反而更快，更连贯，更好。 画长线，是对描，接，重老线而言的。线条无论长短......>> 问题三：如何才能快速的画好速写？ 首先要理解人物骨骼结构和比例 因为速写并不要求你把人物的衣服面孔刻画的十分仔细 反之对骨骼 结构 线条 比例这种概括性的理解要求比较高 最好先从比例入手，了解人体各部分所占比例 然后理解人体重要的部分骨骼衔接 练好线条才能将速写刻画的深入。 经常有学生画出的人物速写问我为什么看起来很别扭 而高手画出的速写尽管不是像的美观的 甚至很粗糙的，看起来整体却很和谐很舒服 问题就是对人体不了解，对骨骼的衔接和运动不理解 对人不同的姿势不同的角度的透视不清楚 所以画出来的人感觉很生硬很刻板甚至很扭曲 建议楼主看看艺用的人体解剖书籍 时间紧急虽然不必要把每块骨头都临摹 但是起码要了解人体骨骼肌肉的走向，人体各部分的比例 各种动作姿势的透视以及重心要领掌握好 然后多加练习线条的流畅 节奏的间疏 画画毕竟不是一日速成的一件事 想要画好 除了天分，就需要楼主在有限的时间内多揣摩上面的知识 并且在练习中有效的体现在画面上！ 问题四：怎样画好速写？ 我速写是省内联考的第一，国美前几.起初的时候我的状况和你是一样的，首先最主要的是从人物的比例开始，我认为头和身体的比例在1：7.5~8比较合适，其次注意人物龚动态 看你的画面生动与否 然后你可以从局部头 手 脚 关节等地方开始练起，同时注意服饰和形体的关系 用笔的时候注意要稳，画错了没关系 尽量少用橡皮，最后要注意细节，我用的是纯线条，细节往往会让你的画面很丰富，如果你用面的话 要注意它的体积。不过最最重要的还是量，那时候我们画室里一个晚上要交20多张速写还都是写生 只有这样持之以恒手才不会生，过去半年多没动笔现在我带学生的时候都直接来的. 速写这东西费时费力费神，耐心练就行 问题五：速写时如何画好人物面部？ 人物速写： 物速写主要是抓动态，注意人体构造，肌肉骨骼在每个动作表现的形态。 想要画好人物速写，不单只在人物上下功夫，关键是你的造型能力，可以画一些你喜欢的东西呀！ 多多临摹，不但去临摹人家的动态还有就是表现技法，重要的是坚持。我们学画的时候早自习和晚自习都画速写，使自己养成一个习惯，即使在随意的时候也可勾勒一个造型。 建议你平时对人体结构 美学 物理学 数学等学科多加用心 并且要善于观察 多观察～再加上练习～就能够事倍功半～ 速写只要经常画就会好.你要做到的是随时随地都可以画.随身去哪都带上可以绘画的纸和笔,看到想画的东西就画下来.做绘画日记是练习速写的最好方法,又可以记录身边的事情. 刚开始的话建议你对着照片画画看,或叫人固定一个动作让你画.不要介意画得慢,虽然叫速写,但也不要求快.而且速写要宁繁莫简,就是不要可以去简化看到的东西. 速写不同素描.画的时候尽量用曲线去画,不要出现直线,而且线最好连贯. 我跟你说,速写不是别人教就可以画得好的,一定要练.如果你可以坚持每天画满10页A4纸以上,那么不出一个月你一定突飞猛进. 另外,速写多素描的构图很有帮助！ 问题六：速写有什么作用？ 怎么学好画好速写？(zhuan) 速写能培养我们敏锐的观察能力，使我们善于捕捉生活中美好的瞬间。速写能培养我们的绘画概括能力，使我们能在短暂的时间内画出对象的特征。速写能为创作收集大量素材，好的速写本身就是一幅完美的艺术品。速写能提高我们对形象的记忆能力和默写能力。速写能探索和培养具有独特个性的绘画风格。经常练习速写，能使我们迅速掌握人体的基本结构，熟练地画出人物和各种动物的动态和神态，对创作构图安排和情节内容的组织会有很大的帮助。速写可分为人物速写、风景速写、建筑速写。下面是对速写的浅谈，希望能给你带来帮助！速写一般只要有一支笔、一张纸就可随时随地进行，它能及时定格下作者对事物的观察和感受，具有很强的记录性和生动性，是作者保持敏锐状态的最佳手段，所以凡有成就的画家，均在速写上有不俗的表现。但在当下影像技术高度发达普及的背景下，很多绘画作者对速写的重视已不如过去，主要原因是搜集素材可借助现代媒体手段轻松获得，当然利用科技成果于绘画有其独到之处也无可非议，但绘画毕竟是以手上功夫作为前提的，那些平时“拳不离手”而养成眼手快捷、下笔有神的作者还是显示出在绘画领域独特的优势。所以提醒当下青年学子不管是为了美术考试，还是今后想在美术方面发展下去，千万不要轻视速写这门手艺，它在写生和创作中呈现出的价值将使您终生收益。要画好速写因素很多，但在众多因素中我认为“适合自己的方法”是最首要的。当初学者面对物象不知所措、无从下手时，那么不妨从与速写形式接近的线描连环画中去吸取经验和处理手法，如：线条的运用和方向、疏密及虚实对比、黑、白、灰的分布配置等等。在这里特别要提醒初学者选取临摹范本一定要结合自己的爱好，从自身出发，这样可以结合自己的偏爱及性情，易取得事半功倍之成效，俗称“容易上手”。临摹时要有目的性、针对性，解决自己面临的问题，只要仔细体会、感悟、实践，那么你的速写定会有很大进步和起色。其次是“取舍”处理，它是衡量速写是否成熟和优劣的关键所在。速写因时间制约，要在短时间内表现出对象的特征，必须要有整体观察能力，表现什么和如何表现？要做到意在笔先和胸有成竹，就能有的放矢，才会做到取舍和概括，下笔才能克服盲目性方可得神助，否则看一眼画一笔是画不好速写的，画出来不是呆板就是琐碎。好的速写都是统筹画面，对事物做到恰到好处一气呵成，不多一笔不少一笔，笔笔生辉，从而使画面充满感染力。再有就是黑、白、灰层次处理也很重要。速写一般是单色（素描范畴），黑、白、灰铺垫在画面形成反衬对比关系显得尤为重要。黑通过白才能达到极致，而白也需要黑的存在才体现其价值，在黑白二色之间有着广阔丰富的灰面层次，这是绘者要着重刻画深入的地方，这一层次的递进处理如何直接导致画面的丰富性和深入性即是否耐看，画面能否出彩主要就靠灰这一层次来展现。速写中人物是很重要的内容，也是美术考试中必考的题材。在进行人物速写前，最好能找些摄影画报一类的刊物，对作品先进行临摹，一是画报中照片人物动态千姿百态、形象丰富多彩且生动，同时人物都是静止的，随你用多少时间对象都保留着完整的造型，并能克服初学者因水平有限而产生怕人围观的胆怯心理。当你有了一定基础后，面对真人速写就有了一定底气，自信心也增强了，用笔也更加大胆果断肯定，从而形成良性循环，进步也更加显著。速写是最能锻炼作者眼、脑、手相互协调配合能力的，任何技能都是由生到熟、从量到质的转变过程，古人说：“废纸三千”，可以这么说：“没有画不好速写的画家”，速写是人们认识画家面貌最直接最本质最准确的镜子。 问题七：关于画手的速写怎么才能画好? 主要是将手的关节准确表现出来就好，画手时先用直线将手的外形画出来然后在刻画细节 还有平时要多观察各式各样的手 问题八：速写初学入门如何学得更好 很多初学绘画者，包括有些已经进行过一些素描训练的学画青少年想画速写，总感到无从下手。在与这些初学绘画者的接触中，我总是尽量告诉他们一些速写方面的训练方法，但是有更多同样需要这方面知识和技法的初学绘画者，我无法接触到。他们中有许多人由于学习条件所限，没有机会接触这方面的老师。为此，我想借这次出版机会，将自己十几年来的一些速写教学心得和方法整理编写出来，献给那些有志于学画的青少年，为他们的学习助一臂之力，使他们在速写学习的过程中少走弯路，掌握正确的学习方法，接受到较为科学的速写正规训练指导。 学画难吗？美术教育家徐悲鸿先生曾说过，有中等以上智力的人，通过努力，都能学好绘画。看来只要肯努力，钻进去，逐渐摸到规律，原来感到难的问题也就变得不难了。在初学绘画的青少年中，有的人儿童时代就画过儿童画，有的临摹过卡通画、连环画等，有的虽然没有动手画过速写，但一直对速写很感兴趣。这些都是通向速写专业训练的良好开端。 速写是在较短时间内迅速将对象描绘下来的一种绘画形式，它具有收集绘画素材、训练造型能力两大方面的功能。速写最能表现出绘画者敏锐的观察能力和对物质世界的新鲜感受，画面生动感人，是速写的一个显著特征。因作画时间短，在描绘对象时，放笔直取，它可随时描绘我们周围生活中的任何物象，特别擅长描写运动中的对象和转瞬即逝的动态。速写描绘的题材远远超出课堂上素描练习内容的范围。所以，常画速写能使我们养成注意观察周围生活的良好习惯。长期坚持画速写，可为日后搞美术创作和美术设计积累下丰富的艺术素材。速写又是一种锻炼动手能力的良好训练方法。我们提倡从学画阶段开始就养成画速写的良好习惯。有些内容的速写训练又可以理解为素描的短期作业形式，在进行相对长时间的素描训练的同时，多画速写，做到长、短期作业穿 *** 行，是绘画基础训练的一种良好方法，因此，速写又是一种对素描训练的辅助练习形式。 有些绘画大师，如十七世纪荷兰画家伦勃朗、十八世纪英国画家荷加斯、十九世纪德国画家门采尔等都是速写方面的高手，我国许多著名画家在速写领域也取得了很高成就，形成了独特的个人风格。如叶浅予、阿老、黄胄、刘文西、周思聪等。他们中间有的从没有机会进入正规美术院校学习，而是以速写作为绘画训练的基本形式走上成功之路的。有志于学习绘画的青少年，只要肯努力，保持高度热情，勤学苦练，多动脑筋，方法得当，持之以恒，就一定能画好速写，为绘画学习打下坚实的基础。 速写要求在较短的时间内画出所需要表现的对象。所以，以线条形式来描绘形象，是速写表现中最直截了当的一种方法。线条除了具有描绘对象形体的功能外，其自身还具有艺术表现功能，它可体现出丰富的内涵，如力量、轻松、凝重、飘逸等美感特征。作者在画速写的时候，会不知不觉将自己的艺术个性，通过线条的运用而流露出来。以线造型是速写中最常用的表现形式。除此之外，线面结合也是常见的形式之一。有时在结构转折处衬些明暗调子，能增加速写艺术的表现力，使画面的气氛更加变幻丰富。除以上两种形式外，纯明暗的速写较少见。当然有些画家因追求自己画风的需要而作这样的形式探索也是有的。但这不能成为初学速写者训练过程中追求的目标。 问题九：怎样画好速写简便方法 先观察对象，迅速勾出感受，理智分析并加以调整，回归感受。 在这之前要勤加练习，多画，多临摹，当速写纸画堆到脚背高时就离入门不远了，当堆到腰你已经是一个速写高手了，当速写纸堆到一人高你就小有名气了。 开始学画一般是做加法，画的充实完整，画到最后一般都是做减法，精简往上多画一笔都多余，那时候就是大师了。 速写只是在中国这么叫，其实都是素描，中国人喜欢分类，速写在中国就是短期的素描， 想画出简便的速写，首先要思路清晰，知道自己要画什么，表现什么，把你想强调的部分通过画笔记录下来，其他位置简单概括就可以了，几个线条稍微带过就可以了。 问题十：怎样画好速写？？ 你好啊 我是今年艺术类的考生 考了素描 速写 和水粉 素描和水粉都不是很高 但是靠速写的分把我整个成绩提上去了 其实开始接触速写时我也很头疼 画出来的人就不是人 不管是五官 还是人物比例 还是衣纹 都很难看 由于速写重在衣纹 五官不用描述太多 所以开始画的时候可以先不画五官 只打出大概的轮廓 先把衣纹练好 练习衣纹 可能开始时你没有能力去写生 我建议你最好找些杂志上面的人物去临摹 要找些便装 还有生活上常有的姿势 但切记不要找各种大家画好得去临摹 那样你还是不知道该怎么画 只会照猫画虎 有些人可能会给你讲 一些关键部位的衣纹要去背 但我觉得不需要 联系得多了 自然就知道哪有了 一边照着书上或杂志上的画 一边练习写生 进步会很快的 并且记住 主衣纹深 副衣纹浅 至于人物比例 你开始的时候可以用笔量一下模特是几头身 然后轻轻的在速写纸上分几等分 等分时 上下都要留有一定位置 一般上少下多 但也不能留的太多 画面要饱满 然后照着你分得再来画就不会错了 到后来画的熟练了 掌握速写纸的大小后 就可以量完直接画了 当然如果你不是已经熟练到一定境界了 最好不要省略此步 开始时 不要觉得要等分纸会很慢 要记住 到后面你是可以摆脱他的 虽然说无关不是很重要 但是还是避免不了要画五官 但是你要记住 这个真的不是特别的重要 不用描绘的和原模特有多么的相像 毕竟不是在画人物头像 你可以找一张纸 专门用来练习类似简笔画的五官 具体地说 你可以先找一个你自己认为好看的五官 或者自己想象出来的五官 眉 眼 鼻 嘴的练习 如果你是要考试 那就练习一种就够了 如果是要给不同的人作画 那就在你练的基础上稍改一些 像我画的五官 画正面 鼻子就是一个竖勾 然后左右各一半类似括号的两笔当作鼻翼就好了 嘴也就3、4笔 眼镜更是好画 还有手和脚 开始时 我手画的和鸡爪子一样 同样 你可以先不练习这些 等先把人物比例练习准确 人物衣纹画的自然了 再练习手和脚也没什么不可以 手脚的练习 就像衣纹的练习一样 找些照片来临摹 也要找那些常有的姿势 练练就好了 其实速写很简单 我开始学的时候也觉得很难 衣纹都不知道该怎么走 但是你画多了就知道 其实不看模特 知道他怎么站的 就能画出来 总的来说就是 画的不要生硬 你自己看着自然 舒服就可以了 另外 我建议你用铅笔画的差不多后 可以改用炭笔 我刚开始 由于听说炭笔不能改 所以一直不敢用 后来用了同学的发现特别的好用 比用铅笔画的有力度 而且用好些得橡皮 还是可以擦掉的 这是我画速写的经验 希望可以帮到你

动态、比例

学习当然是要的，但是平常工作就不一定了，现在都用软件工作了，看你在什么环境了吧！

把感受用 手笔 传达出来·

学速写就可以了，建筑主要还是cad

即是将图板倾斜约10-20。。渲染时用笔将水或墨水从上涂在纸上后用笔引导墨水平行往下流淌。笔的作用不是直接画在纸上，而是引导墨水。渲染之前要先调好墨汁水，只用一种墨汁水完成的渲染，称无退晕的渲染，又称平涂。如在用笔引导图纸上积着的墨汁逐渐淌下，同时在小杯内稍加浓墨使杯中墨水颜色加深。再将这加深的墨水调匀后用笔涂不在图纸上的积水墨中调匀，使积水颜色加深，再用笔引导使之平行淌下。如此重复，图面上的墨水逐渐变深，慢慢平行淌下。每加深一次，往下淌约30mm。此即从明至暗的渲染方法，叫做退晕，从浅到深、从明到暗的退晕。反之，如果开始用杯中较深的墨水，用笔涂在图纸上，而后用水冲淡杯中的墨水，再用笔把冲淡的墨水加在纸上原积的较深的墨水中调匀，使积水颜色减浅，用笔引导使之平行淌下。如此反复，图纸上留下了从深到浅的墨色，即是从深到浅、从暗到明的退晕。要注意渲染用笔不用作调深调浅用的笔。一支笔专用作调杯中墨水之用，另一支笔则只用于渲染。 （2）分格叠加法 在狭长面上要作一退晕，或在小曲面上表现明暗变化，不可能采用“洗”的方法。可以顺长面绘出一条条狭长条，根据受光强弱，用浅墨水平涂，亮面少几遍，暗面多几遍，最亮面或高光所在，则平涂遍数最少。退晕是一格格的变化，但相对来说是十分均匀的。 （三）水墨渲染的程序 1、 线稿：用铅笔绘线稿。总的轮廓线应稍粗并刻画稍深些，以便多次渲染天空时靠线准确，渲染前应把阴影全部画清楚。 2、 用浅土黄色（或淡茶水）清洗图面，再用清水洗一遍。 3、 浅墨平涂或极微弱退晕一遍，不留高光。这一层水墨即是高光色。 4、 渲染天空，开始应浅，使图纸纤维吸墨几遍后，再逐渐加深。天空渲染到一定程度，开始渲染建筑物及地面退晕。 5、 渲染主体建筑 （1） 分层、分面，将建筑各组成部分按远近层次分出，远墨色深近墨色浅。必须留出高光。 （2） 渲染阴影，远处阴影墨色浅，近处墨色深，注意阴影边缘的墨色深，接近地面墨色浅。 （3） 渲染反阴影，注意留出反高光。 （4） 协调天空与建筑的明暗关系。 （5） 渲染细部，注意表现不同质感。 （6） 渲染建筑墙面上影子。 二、水彩渲染 水彩颜料是透明的绘画颜料，因此，在渲染时可以采用多层次重叠覆盖以取得多层次色彩组合的、比较含蓄的色彩效果。 （一） 水彩渲染基本技法 一般说，水彩颜料透明度高，可以和水墨渲染一样采用“洗”的方法渲染。多次重复用几种颜色叠加即可出现既有明暗变化、又有色彩变化的退晕。 具体退晕操作方法请参考水墨渲染，在此不在赘述。下面介绍一下操作过程中的注意事项。 1、 前一遍未干透不能渲染第二遍。 2、 透明度强的颜色可后加，如希望减弱前一遍的色彩，可用透明度弱的颜色代替透明度强的颜色，如用铬黄代替柠檬黄。 3、 多次叠加应注意严格靠线。 4、 大面积渲染后立即将板竖起，加速水分流下，以免在纸湿透出现的沟内积存颜色。 5、 沉淀出现后可以多次清水渲染以清洗沉淀物，但必须在前一遍干透后才能清洗。 （二） 水彩渲染程序 1、 清洗画面：用浅土黄水洗图。 2、 渲染底色：不同材料、不同部位用不同底色。底色应有微弱退晕，底色作为高光色。 3、 渲染天空：可用叠加法，可用清水开始，从明到暗，从地面到天空。接近地面部分用红、黄带有暖色的颜色，接近天顶时加紫色或群青。 4、 渲染建筑、建筑周围环境（建筑群及地面）：将建筑群与主体拉开距离。渲染主体建筑，渲染阴影。 5、 调整建筑与天空的明暗关系。 6、 刻画建筑的细部。 7、 渲染配景、树丛和地面、水面等。远处树丛可以先画，可再加最后一遍天空，使远景与天空溶合。 8、 调整天空和建筑后，画汽车、街道设施、人物、近处树木、草丛。 三、水粉渲染 水粉是一种不透明的水彩颜料，用于绘建筑表现图已有很久的历史。由于其覆盖力强，绘画技法便于掌握。下面介绍一下水粉渲染退晕技法。 建筑表现图中退晕是表现光照和阴影的关键。水粉和水彩渲染主要区别在于运笔方式和覆盖方法。大面积的退晕用一般画笔不宜均匀，必须用小板刷把十分稠的水粉颜料迅速涂布在画纸上，往返反复地刷。面积不大的退晕则可用水粉画扁笔一笔笔将颜色涂在纸上。在退晕过程中，可以根据不同画笔的特点，运用多种笔同时使用，以达到良好的效果。 水粉退晕有以下几种方法： （一）直接法或连续着色法 这种退晕方法多用面积不大的渲染，这种画法是直接将颜料调好，强调用笔触点，而不是任颜色流下。大面积的水粉渲染，则是用小板刷刷，往复地刷，一边刷一边加色使之出现退晕。必须保持纸的湿润。 （二）仿照水墨水彩“洗”的渲染方法 水粉虽比水墨、水彩稠，但是只要图板坡度陡些也可以缓缓顺图板倾斜淌下。因此，可以借用“洗”的方法渲染大面积的退晕。方法和水墨、水彩完全相同。在此不再赘述。 （三）点彩渲染法 这种方法是用小的笔点组成画面，需要很长时间，耐心细致地用不同的水粉颜料分层次先后点成。天空、树丛、水池、草坪都可以用点彩的方法，所表现的对象色彩丰富、光感强烈。 （四）喷涂渲染法 喷涂是利用压缩空气把水粉或一种特殊颜料从喷枪嘴中喷出，形成颗粒状雾。喷涂之前要准备刻制遮板，以做遮盖之用。所以这种方法比较复杂，费时、费事。 总之，制作建筑表现图的目的是为了更好地表现建筑，表达建筑师的设计意图，至于选用哪种表现手法，就依各人掌握的程度和喜好而定。建筑表现图只不过是建筑师某一作品的“说明书”而已。 一） 西方建筑画的历史变迁 建筑作为一门学问，如其他现代自然科学一样源自欧洲。所以研究建筑画的发展历史也必须从西方开始。 建筑画经历一个从无到有、有兴有衰的发展过程，这个过程体现以下几处基本规律： 1、 建筑画内容和风格的变迁是和建筑学内容和风格的变迁一致的。 2、 建筑画的发展是和建筑师的特征和变化相一致的。 3、 建筑画是随应绘画和印刷工具的发展而变化的。 4、 建筑画对建筑设计本身的影响是巨大的。 在中世纪早期的欧洲，建筑画不是用于建筑设计的。当时工匠直接在地上钉上木桩作为设计的依据，而不用我们今天的平面图或透视图。有少数工匠在游历欧洲诸国同时，记录了一些建筑的营造方法，细部装饰，比例系统，几何图例和雕像等，这些资料证明最早的建筑图是用于记录的，最多作为一种设计思想的源泉。它的功能和开工类似于今天建筑师的随身速写。 到了中世纪晚期，意大利早期文艺复兴画家对于建筑画的形成起了最关键的作用。中世纪的绘画都是平面的，没有透视效果。吉奥托（Giotto，1267-1336）将透视的进深感引入宗教绘画，既做画家又当建筑师的吉奥托在画中不仅加入了建筑造型，而且画中的建筑空间造型后来体现在布鲁耐列斯基（Brunelleschi）和阿尔伯蒂（Alberti）等文艺复兴时期的建筑大师的建筑设计中。 达·芬奇（Leonardo da Vinci，1452-1519）对透视的问题及其潜力非常感兴趣。他早先学习阿尔伯蒂的单线条一点透视法，但不久发现了这种画法的问题。首先，它不能体现材料随着距离的远近在视觉上的不同质感；其次它给予的形象仅局限于一个视点，破坏了建筑的整体感和空间比例。尽管他没有系统地留下关于透视的论述，但他的建筑画则明显倾向于鸟瞰和解剖相结合的一种新画法。在文艺复兴时期，人体和建筑被认为是相通的。精于人体解剖学的达·芬奇用人体解剖画法来画建筑自然得心应手。在建筑设计过程中，解剖图能表现空间和体量的结构组织，鸟瞰图能表现完整的形体，鸟瞰和解剖相结合的画法形成一种建筑思想，即将建筑设计和结构设计在三维空间中结合成一个整体。 这种绘画达·芬奇只用于设计过程，而不是最终的表现图。因为它虽然提高了设计人的设计自由度和空间上的把握能力，但它没有高远比例，如不加上人物，也没法体现尺度。对于工人来说既没有尺寸，也难以看懂。这种图类似于今天常见的斜角轴侧图。 布莱蒙特（Donato Bramante，1444-1514）是文艺复兴时期进行透视图革新的一位关键人物。他认为画家与建筑师的各自优劣是可以结合的。他主张绘画应如建筑一般的准确，比例完美，也认为建筑应如一幅画一样，有个好的视觉形象，是一个对画的再表现。他创造一种“插图”透视，表现理想中的建筑形象。“插图”中既有古代建筑实例，又结合自己的发明和想象，将实践和创造结合成一体。布莱蒙特同样用鸟瞰图表现建筑，这种方法最适用于表现中堂式建筑的室内空间。通过切割建筑空间，将剖面图引入透视图。这种方法适合于表现单一的整体空间——这种空间只需看一眼就可以理解。对于复杂的空间会在图面上重叠而减弱的表现力。 当古典主义大师拉菲尔（Raphael,1483-1520）当上了罗马圣·彼得教堂的建筑主持时，在建筑绘图的系统性方面又迈出一步。他首先将基本建筑图分为平面、立面和剖面三类，而对中心一点透视的扬弃，表现他主张的建筑应是一个整体的体现，而不是在一个视点看出去的一个画面。布莱蒙特将视点拉得很远，而拉菲尔将视点放在建筑内，他的画面表现的不是来自一个视点的画面，而是多重透视效果，形成介于立面和透视之间的形象。这不仅表现空间的体量，而是表现了墙面细部雕饰。他使看画人仿佛被三维空间环抱，体会到空间的整体形象。 佩鲁西（Peruzzi,1481-1536）的建筑画有同样多重视点的效果。在他的被称为“圣·彼得的最佳视点”的画中，平面、立面和剖面合并一体。尽管它在表现空间的印象同时，没有描绘内空间真实面貌，也没能提供建筑正确尺寸，但它有机地将平面、外空间和内空间联系起来，在某种程度上继承了达·芬奇的主张。 从这一时期的建筑表现中可以看到，平立剖面图和透视图是同时产生的，都是将设计思想用图表现出来的一种手段。直到18世纪透视和立剖面图还往往出现在一张图中。 拉菲尔的图证明透视图与立面图的结合，并没有减弱视图的魅力。从一开始透视图的理论就与几何视觉原理和比例数学原理结合在一起。观者与被观的建筑的关系也是透视图的关键问题。尽管此时的透视画和今天的透视画有很大不同，但这些画都表明当时的建筑师关注的是建筑画和建筑的深层关系：建筑画的真实性问题。 米开朗基罗（Michelanggelo,1475-1564）反对文艺复兴的所有观念，同时对建筑语言也进行创新。他的画体现了对建筑空间新的解释：建筑是活的结构。他喜用模型来研究建筑，而且对完整的建筑图和工人施工图并不重视，他往往在建筑的过程中不停地修改设计，因为此时还没有作为表现建筑设计最终方案的建筑画。米开朗基罗还开创了另一个先例：他的建筑画本身被作为艺术收藏品，而且在其在世时就开始了。 到了15世纪30年代，平立剖面图再次受到重视，同时建筑师和艺术家的分化开始出现，尽管真正的职业建筑师到19世纪才形成。透视图和“半”透视图一直和平立剖面图并存。 16世纪，铜板印刷取代了木刻，成为又一次印刷史上的革命，同时促进了建筑出版业的发展。被认为是历史上第一个职业建筑师的帕拉蒂奥（Ardrea Palladio）发表了影响深远的《建筑法式》一书。和其他古典主义建筑师一样，他认为要准确表达建筑比例尺度以及细部与整体的关系，只有用平立剖面图。在他的画和书的插图中没有透视，空间的进深感用剖面图配合阴影来表现。书中的插图是关于他自己的设计作品，但他没有严格按照实际建筑的作品画。不是尺寸改变了，就是形式改变了。此书论述的是他所希望达到的东西，而不是他所能达到的东西。他的建筑意图不可避免地受到造价、场地、工匠和时间等条件的限制。没有这些图，帕蒂奥看来，建筑画是传达建筑师意图的一种方式，有时比建筑本身更有价值。 贝尔尼尼（Glanlorenzo Bernini,1598-1680）是意大利巴洛克建筑大师，他既是画家又是雕塑家，他在雕塑方面更著名，而且他的基本训练也是从雕塑开始的。他的雕塑是以视点为依据的：作品往往从某一角度看最佳。这种以视点为依据的设计也带入了他的建筑设计和建筑画。他的透视图的目的是创造一个在 某一视点上的强烈的印象。为了达到这个效果，他总是要画大量研究草图。他的建筑立面也倾向于透视，如他的巴黎卢浮宫的东立面设计图。与帕拉蒂奥为代表的古典主义相比，巴洛克建筑，这种以视觉形象为基准的风格，可能更适合用透视图来研究其真正的空间和光影效果。 意大利巴洛克建筑师对透视图的发展作出了巨大贡献。如：增加灭点，增加物体层次和明暗对比等，但在17世纪透视图与平立面剖面图谁劣谁好的争论还没有结果。建筑师莫德诺（Carlo Moderno,1556-1629）将修改过的圣·彼得教堂西立面图送给教皇过目。这个设计是以立面图来表现的，作为教堂一部分的中的中央穹顶（米开朗基罗设计）在图中央高高矗起。教皇认为图不准确，因为当人在下面时，穹顶看起来不应那么高。莫德罗的解释是，把穹顶和西立面放字放在一张透视图中来表现是画家的事情，不是建筑师的任务，因为透视图没有表现建筑的尺寸。他认为设计的根据是事实性，而不是直觉。这并不是说他不注意建筑的形象，而是对于处理建筑的视觉问题的措施不同。莫德罗认为，几何规律比经验更重要，因为经验来自个人的视点，而每个人的视点可能不一样。尽管立面图上的形象是看不到的，但至少在几何上是正确的。与透视图相比，立面图提供的是一个真实的设计。不管当今透视图发展到了一个怎样程度，莫德罗的疑问永远存在，透视图的真实性总是随视点而变化。 1670年开创的意大利圣·路卡学会成为真正的建筑画走向规范化的开始，它在建筑画风格技法的发展方面起了极大的推动作用。它的影响后来传播到了法国，成为19世纪的法国学院派风格的基础。在路卡学会早期还有少量的鸟瞰透视，后来全让位于固定模式的平面、立面和剖面图，因为古典主义又占上风。 建筑中心转到法国时，法国正处在贵族和皇权统治下，建筑和建筑画都是为皇帝服务的。为了记录路易十六世的丰功伟绩，职业的建筑绘图家垄断了建筑画。他们的建筑画技法世代相传。除了在平立剖面图中技法更加纯净清晰外，在透视图上也有不少成就。鸟瞰图除了表现建筑，也极其详细地描画周围环境。一般来说，巴洛克建筑师都用一系列的透视图研究建筑，这和巴洛克建筑追求丰富的动感和光影效果的目的是一致的。帕拉蒂奥的古典学派和后古典学派（Neoclassical）则常用平、立、剖面图和仔细刻画的阴影来表现建筑，这和古典建筑追求平衡宁静、和谐完美的取向是一致的。到了法国洛可可时期，建筑风格和建筑画风格又发生变化。洛可可的室内装饰的主题是旋涡花饰。在建筑画方面屏弃了古典主义的建筑比例和数学逻辑的束缚，每个花饰都是独特的。这种独特性不是来自不同的内容：如树叶、动物、自然形态等，而是开自对于建筑设计新的理解。洛可可设计强调的是短暂的和发展的艺术行为特征。一个形象是整个艺术过程中的一个时刻，这和古典主义追求的最终的、完美的形象是完全不同的。以线条装饰为基础的洛可可风格建筑画表现的是诗意般的空间和光线。 记录和测绘古代建筑一直是建筑画的重要组成部分。18世纪新古典建筑风格一统天下，大量的学者和学生来到意大利研究和测绘古罗马建筑。谁也没有料到一个意大利人的建筑画影响了半个世纪的欧洲建筑思潮。皮瑞耐西（Giovanni Battista Piranesi,1720-1778）是一个侵蚀印刷专家，同时也是一个考古专家和建筑师。他画古代和近代建筑的目的是为了卖画给旅游者，或作导游书的插图。这些画表现了生动的和高度主观色彩和罗马建筑形象。他根据考古发现和个人想象，塑造了古代罗马城的形象。和一般建筑画不同的是，这些画不是考古学上的复原图，而是加进了对未来建筑的许多构想。被他的画激起兴致，到罗马看那些遗迹的人都会发现，现实中的建筑比他的画中建筑要小得多。他表现了他对建筑的观点：即情感和理智两方面的结合。由此他实际上站在浪漫主义运动的前列。当时欧洲建筑师的作品都受到影响，这也是有史以来，第一次由建筑画家领导建筑潮流。 当时建筑师都在自己作品吕通过事例新旧优秀设计达到醒目振奋的视觉效果。“如画”一词已被采用为建筑标准，这在后帕拉蒂主义的约定俗成中加进“变化”，皮瑞耐西对建筑的影响还表现在建筑设计中对光影的兴趣、对尺度的夸张和对建筑的历史感的追求皮瑞耐西使建筑师认识到建筑画的真正作用；传达建筑师的设计意图和理想。当时，许多建筑师都是优秀的建筑画家，而许多建筑画家也参与到建筑设计当中。怀勒（Charles de Wailly，1730-1798）被认为是当时最优秀的建筑画家，他和皮瑞（Joseph Peyre，1730-1785）一起设计了巴黎歌剧院。他们在庄严的建筑外表内，设计了绚丽辉煌的室内空间，这个空间淋漓尽致地体现在怀勒所画的剖面图中，它不仅表现了建筑结构和室内装饰，而且还画了在观众厅、舞台和街道上的人物形象。这幅画是一个新突破，即建筑画可以表现一个从外到内的空间序列。 庄严成为一种美学思想和建筑的目标。它通过建筑手段表现极端的震撼力和意气风发的情感。超人的尺度往往用来形成这种庄严之美。真正的建筑难以实现这种理想，但建筑画可以。皮瑞耐西的画提供达到这种效果的语汇。勃利（Efienne-Louis Boullee）将这些语汇极端化到了超越现实的境地。他在法国革命前从事一些小型建筑设计，当革命把建筑业带入低谷，他干脆以建筑画表达自己的理想。他认为建筑作为艺术，应具有和美术作品一样的感染力。他用绘画的技巧、尺度的效果和建筑的光影，表现自己的观。他用简单的几何形－如圆柱、立方体、圆锥体和立锥体等――塑造建筑形体。辛克勒（Karl Friedrich Shinkel，1781-1841）是19世纪德国的著名建筑师和建筑画师。当时德国正受战火蹂躏，辛克勒以他的绘画天才，作了大量极富幻想的建筑风景画。在建筑工程表现图中，他运用轮廓线和水彩渲染结合方法，表现了“画”的气氛，也不失建筑本身的重量感。 由于建筑画在表现建筑师意图方面的重要性，建筑师不仅自己画，而且还雇用了大批专业建筑画师在事务所工作。许多建筑画作品已很难分辨出是出自于建筑师之手还是画师之手。英国著名建筑师索耐（Sir John Soane，1753-1833）所以能够风云一时，部分原因是他的画师哥朗蒂（J.M.Grandy）具有杰出的绘画才能。 巴黎艺术学院的建筑教育（Ecole des Beau Arts），在建筑史和建筑画史都占有重要的地位。它的新古典主义建筑风格在19世纪末对西方建筑有极大影响，它也是第一个系统性的建筑教育体系。它的建筑画也有独特之处。首先 它非常注重建筑画本身的艺术价值，建筑画本身就是一个艺术作品；其次，它的建筑画仅有平面、剖面和立面，没有透视。平面作为一个造型设计的基础，建筑的成功或失败取决于平面，而其他都是次要的。这表明它的建筑教育在某种程度上是进步的。由于在建筑图中取消了透视图，使建筑设计更趋于追求几何形体和比例尺度的精确完美。艺术学院派摒弃了透视图所表现的浪漫自由的建筑观，建筑表现得更真实。为在立面剖面图中表现空间的深度，所有阴影都用渲染技法仔细构画。建筑的环境背景也往往包括在立面图中。 但这些图完全是以教学为目的的，也就是说这些图中的建筑不是为了建造的。这些图没有表现建筑结构，建筑的各个部分都是用一种技法表现，看起来好像是一种材料。建筑学习好坏的标准的建筑设计，这种建筑观在19世纪末成为建筑风格，在很大程度上阻碍对建筑空间本身的进一步探索。 造成19世纪建筑画十分盛行的另一个因素是建筑设计竞赛。大量的国家公共建筑，从大市政厅到小规模图书馆，往往都是通过设计竞赛选出优秀方案后建造的。 大多数竞赛图都包括透视图，表现整个建筑形象，并给予评委和公众一个易懂的建筑视觉印象。一个好的透视图是参赛的必不可少的条件，而许多建筑师因为没有能力或没有时间画透视，所以不得不清“画师”来承担这一任务。这些画师一般不注明姓名，这些在设计背后的重要角色在英国称为“画鬼”。一个平庸的设计可以因“画鬼”的一幅透视图而增色不少。当然设计竞赛不是形成专业画师的唯一原因。19世纪职业环境的改变也使建筑师成为一个管理人或经济人。而画师的工作从画设计竞赛图，发展到了为建筑师出版专籍，甚至直接参与建筑的立面设计。 由于建筑在画师的笔下成了一幅画，建筑本身的空间、体量和建筑技术的发展不可避免受到“画”的限制。19世纪末建筑本身并没有形成任何新的概念，这和建筑画的消极影响不无关系。 但19世纪后期艺术起了革命性的变化，印象派和后印象派的绘画拓开了人们的艺术视野。后印象派融入装饰风格于绘画，在建筑上也出现了以装饰风格为主的新艺术运动。如英国的建筑师麦金陶什（Mackintosh）奥地利的瓦格纳阳（Otto Wagner）等，他们的建筑画色彩清新，但没有空间和光影效果。他们的建筑画有鲜明的装饰风格，这说明建筑的风格和建筑画的风格是紧密相连的。建筑的概念变了，建筑画的风格也会转变；或者反之，建筑画风格的转变，也会影响到建筑本身的转变。到了20世纪我们也将看到这一现象：建筑画不仅是建筑风格的表现，而且是建筑师个人风格的表现。作为意大利未来主义建筑师代表的桑代利亚（Antonio Sant"Elia，1888-1916），由于英年早逝，几平没有留下建筑作品。但他的思想通过他的建筑画影响了后来许多现代建筑师。他的画笔触雄劲，透视角度奇特宏伟，表现了未来主义建筑风格的内涵和精神。 莱特（Frank lloyd Wight，1869－1959）的建筑画和其建筑一样具有一种独特的东方风格：建筑图没有体量感，图上加少量色彩，构图上留出大片空白。他在建筑画技法上独开彩色铅笔画的新画种。这种画法不需特别画纸，速度快而且效果强。 现代建筑大师密斯（Mies van der Robe，1886－－1969）和勒·柯布西埃（ie Cothusier，188M1966）都在建筑上反对装饰，主张“机器”美学和建筑功能的重要性，他们主张在建筑中采用现代建筑材料和技术，体现建筑时代感。他们的建筑画也和以往的建筑画不同。密斯善长于表现玻璃的透明的效果，内外融为一体，建筑如浮云，所以他的画没有重量感。柯布西埃则表现建筑的空间和分隔空间的元素的关系，他采用钢笔线描法，朴素而直接，没有渲染和雕饰。他的画的另一个特点是表现空间概念。他描绘的空间不是看到的空间，而是在对建筑了解后，一个人能体会到的空间。正是这种空间感才是一个建筑师所想创造的。他一生画了大量草图、建筑表现图和建筑写生。除了他的立体主义绘画和雕塑外，他有关建筑的图没有一幅是为了画本身而做的。他的建筑画与他的建筑理论和建筑设计一样，成为后人学习的典范。 在两次世界大战期间还出现了表现主义（Expressionism）建筑思潮，其建筑画在历史上也具有重要地位。与包豪斯（Bauhaus）的建筑教育注重模型、贬低建筑画不同的是，表现主义对建筑画情有独钟。他们的画注重装饰风格而不顾建筑本身的内容。建筑被视为外表和内空间两部分，画面表现凝重的建筑体积感。门德尔松（Erich Mendelson，1887-1953）用粗而黑的线条体现建筑中的运动感和力量感。另一位著名的建筑师和建筑画家沙里宁（Eliel Saarinen，1873-1950）则贡献了这一时期最精彩的建筑渲染作品，他用铅笔和石灰笔加淡彩，渲染建筑和环境气氛。 20世纪还有一些著名的建筑画家，如加克布（Hellnut Jacoby），阿尔瓦·阿尔托（Alvar Aalto）和路易斯·康（louis Kahn）。以画为职的建筑师加克布表现了一种与建筑大师，如阿尔托和康等完全不同的风格。加克布的画清晰严谨，但稍嫌机械，全部天才仅体现在构图和布局上。阿尔托大量的绘画则体现完全的个人风格，他往往用软铅笔不停顿地在纸上画，目的是寻找建筑设计的问题和答案。同佯，路易斯·康在旅行中画的大量建筑速写直接与其建筑设计相联系，他落笔之重好像要穿入画纸，和阿尔托一样，他的画不是对建筑和结构的记录，而是一个建筑师创造性思维的图式化表现。将加克布和康比较，可以清楚地看出画师和建筑师对建筑画的不同目的、不同方法和不同心态。前者是把建筑向社会推销，而后者才真正反映了建筑师的自我交流，心绪过程和建筑艺术真谛。 实际上，在20世纪。建筑画，特别是以描绘建筑形象为目的的建筑画已受到来自其他媒体的冲击，如摄影、模型、计算机制图等。建筑师往往并不擅长干这些新媒体。即使在传统绘画领域，建筑师的纯绘画技术也早已远逊干专业画师。建筑师的建筑画的艺术魅力已不在干“形”，而在于与建筑艺术之间相关的“情”。这一点在六七十年代出现的后现代建筑师的建筑画中表现得尤为明显。文丘里（Venturi），格雷夫斯（Michale Graves）和林克利尔（Leon Krier）等人都是当代建筑画代表者。他们不仅在建筑上加人传统语汇，在绘画方法上也力求有传统遗韵，如格雷夫斯用的是莱特用过的彩色铅笔。由干这些人在刚出道之际没有多少工程可做，建筑画成了表达建筑思想的工具，他们的建筑画表现的是建筑概念，而不仅是“形”。正因为如此，他们的画成

我从圆珠笔速写开始尝到了速写的甜头，觉得这是一种从来没有过的感觉，很高效、很成就的样子，然后我开始慢慢接触到了建筑速写。建筑，特别是那些欧式风格的建筑，绝对是我的菜，没有想到，我也能这样一支笔就画了下来，特别自豪。 从速写的初期崇拜，到现在的完全投入，我开启了静物速写的道路。其实也没有那么高大上，就是跟着崇拜的老师，画了几幅我自认为还不错的画，渐渐的，我才刚刚开始进入速写的殿堂。 这期的绘画重点都是鞋子，从休闲鞋，到跑步鞋，再到高跟鞋、拖鞋、皮鞋，我硬着头皮算是全部完成了。 这过程中我想过放弃的，因为有些实在让我看不下去了，这鞋搁谁的脚上都会穿得不舒服。虽然最后我坚持画完了五双鞋，后面一段时间也不会再去画鞋，但是我突然有了一种领悟。 速写的精华，在于明暗的把握，这点和素描是异曲同工的 一旦你知道哪里应该亮，哪里应该暗，你的画面感就出来了，即使一开始你的形还有很大的问题，但是我能看出来你要表达的意思了。明暗关系找对了，再提高一下对形体的捕捉能力，多练几次，你的画也就能出师了。 这次的速写算是我画了比较久的了，我也希望可以在速写这条路上能走出点样子来，所以我还在坚持。 突然想起来之前立志要画完的几幅高难度建筑速写还只有个铅笔稿呢，我应该回去补功课了。

建筑物的画法如下：材料准备：画笔、白纸。1、以老房子为例，首先在心里规划好要画的房子的位置，然后开始着手画。画出一个房顶，也就确定好了最高点。2、然后画出房子左边的墙体，并画出远处的树的轮廓。3、接着画出右边的房顶位置，已经中间连接的房顶的青瓦。4、然后画出房子的小门，以及台阶（包括台阶上的一些杂草），用线条来表现一些明暗关系。5、然后在台阶左边画出一些小的灌木丛。画的时候以轮廓为主。6、再画出房子侧面的两个窗户，用一些线条来表现出明暗关系。7、继续画出右边的房子的两面墙转折的墙角。重点刻画一下接近地面位置墙面因年久失修裸露出的墙砖。8、然后再画出右边的墙上的两扇窗户，注意刻画下老房子窗户的一些细节。9、再画出最后边的墙的边缘线，以及房顶的一点青瓦。最后再刻画一些地面的植物，就大功告成了。这样老房子建筑速写画就全部完成。建筑物的简介：概念：建筑是建筑物与构筑物的总称。是人们为了满足社会生活需要，利用所掌握的物质技术手段，并运用一定的科学规律、风水理念和美学法则创造的人工环境。建筑物有广义和狭义两种含义。广义的建筑物是指人工建筑而成的所有东西，既包括房屋，又包括构筑物。分类：按使用性质分类：居住建筑：是指供家庭或个人较长时期居住使用的建筑，又可分为住宅和集体宿舍两类（住宅分为普通住宅、高档公寓和别墅；集体宿舍分为单身职工宿舍和学生宿舍）。公共建筑：是指供人们购物、办公、学习、医疗、旅行、体育等使用的非生产性建筑，如办公楼、商店、旅馆、影剧院、体育馆、展览馆、医院等。按层数或总高度分类房屋层数是指房屋的自然层数，一般按室内地坪±0以上计算；采光窗在室外地坪以上的半地下室，其室内层高在2.20m以上的，计算自然层数。

速写能培养我们敏锐的观察能力，使我们善于捕捉生活中美好的瞬间。 速写能培养我们的绘画概括能力，使我们能在短暂的时间内画出对象的特征。 速写能为创作收集大量素材，好的速写本身就是一幅完美的艺术品。 速写能提高我们对形象的记忆能力和默写能力。 速写能探索和培养具有独特个性的绘画风格。 经常练习速写，能使我们迅速掌握人体的基本结构，熟练地画出人物和各种动物的动态和神态，对创作构图安排和情节内容的组织会有很大的帮助。 速写可分为人物速写、风景速写、建筑速写。下面是对速写的浅谈，希望能给你带来帮助！速写一般只要有一支笔、一张纸就可随时随地进行，它能及时定格下作者对事物的观察和感受，具有很强的记录性和生动性，是作者保持敏锐状态的最佳手段，所以凡有成就的画家，均在速写上有不俗的表现。但在当下影像技术高度发达普及的背景下，很多绘画作者对速写的重视已不如过去，主要原因是搜集素材可借助现代媒体手段轻松获得，当然利用科技成果于绘画有其独到之处也无可非议，但绘画毕竟是以手上功夫作为前提的，那些平时“拳不离手”而养成眼手快捷、下笔有神的作者还是显示出在绘画领域独特的优势。所以提醒当下青年学子不管是为了美术考试，还是今后想在美术方面发展下去，千万不要轻视速写这门手艺，它在写生和创作中呈现出的价值将使您终生收益。 要画好速写因素很多，但在众多因素中我认为“适合自己的方法”是最首要的。当初学者面对物象不知所措、无从下手时，那么不妨从与速写形式接近的线描连环画中去吸取经验和处理手法，如：线条的运用和方向、疏密及虚实对比、黑、白、灰的分布配置等等。在这里特别要提醒初学者选取临摹范本一定要结合自己的爱好，从自身出发，这样可以结合自己的偏爱及性情，易取得事半功倍之成效，俗称“容易上手”。临摹时要有目的性、针对性，解决自己面临的问题，只要仔细体会、感悟、实践，那么你的速写定会有很大进步和起色。 其次是“取舍”处理，它是衡量速写是否成熟和优劣的关键所在。速写因时间制约，要在短时间内表现出对象的特征，必须要有整体观察能力，表现什么和如何表现？要做到意在笔先和胸有成竹，就能有的放矢，才会做到取舍和概括，下笔才能克服盲目性方可得神助，否则看一眼画一笔是画不好速写的，画出来不是呆板就是琐碎。好的速写都是统筹画面，对事物做到恰到好处一气呵成，不多一笔不少一笔，笔笔生辉，从而使画面充满感染力。 再有就是黑、白、灰层次处理也很重要。速写一般是单色（素描范畴），黑、白、灰铺垫在画面形成反衬对比关系显得尤为重要。黑通过白才能达到极致，而白也需要黑的存在才体现其价值，在黑白二色之间有着广阔丰富的灰面层次，这是绘者要着重刻画深入的地方，这一层次的递进处理如何直接导致画面的丰富性和深入性即是否耐看，画面能否出彩主要就靠灰这一层次来展现。 速写中人物是很重要的内容，也是美术考试中必考的题材。在进行人物速写前，最好能找些摄影画报一类的刊物，对作品先进行临摹，一是画报中照片人物动态千姿百态、形象丰富多彩且生动，同时人物都是静止的，随你用多少时间对象都保留着完整的造型，并能克服初学者因水平有限而产生怕人围观的胆怯心理。当你有了一定基础后，面对真人速写就有了一定底气，自信心也增强了，用笔也更加大胆果断肯定，从而形成良性循环，进步也更加显著。 速写是最能锻炼作者眼、脑、手相互协调配合能力的，任何技能都是由生到熟、从量到质的转变过程，古人说：“废纸三千”，可以这么说：“没有画不好速写的画家”，速写是人们认识画家面貌最直接最本质最准确的镜子。

建筑速写常见透视画法不包括圆的透视。根据查询相关公开信息显示：建筑速写常见透视画法有平行透视，成角透视，斜角透视。

真巧，我也是考研的，就分享一些经验吧：徒手画首先应该是量的积累，找一本好的建筑速写书（有很多，陈新生的书。。）每天坚持练2到3张，练完要总结，可以请高手老师指出问题。。。经过半个月肯定有进步。。。然后可以看一些快题设计的实例，网上资料也很多，也可以买书。先可以临摹人家的快题作业，但是也要限定一定的时间。。。刚开始练，肯定是会超时间的，一般都会超一倍的时间。你现在这样的情况可以先临摹人家的快题，一周2练（时间不多了因为）之后可以练所报考学校快题的真题，（一周1到2次吧）注意时间的分配，刚开始肯定是会超很多时间的，但是一定的量积累后会慢慢快起来的，还有就是要要善于总结，最好有老师能帮你看图，设计表现形成自己的一套东西，马克笔也形成固定的搭配，这样速度才会上去。。。要知道自己要报考学校老师喜欢怎样的快题风格，然后针对性地去练，快题没有量的积累是根本不行的！最后祝你好运啊！

包图网今天为什么近不去了换新域名了这种情况可能是换新域名了,或者是因为服务器接受不了这么多用户进入,有一部分进不去。包图网是上海包图网络科技有限公司旗下素材在线交易网站,于2016年7月上线运营。主要服务是提供图片、视频、音频、psd源文件等形式的素材。包图网内容版块已有广告设计、摄影图、字体、UI设计、电商淘宝、多媒体、办公文档、装饰·模型、插画配图九大类别。广告设计类目:海报、展板、宣传单、画册、名片、证书、简历等分类;摄影图类目:自然风景、商务办公、餐饮美食、建筑空间、金融科技、人物形象、教育文化等分类;字体类目:广告设计、电商设计、新媒体等分类;UI设计类目:icon图标、移动应用界面、网页界面等分类;电商淘宝类目:淘宝海报、淘宝首页、淘宝详情页、淘宝节日活动、淘宝综合模板等分类;多媒体类目:AE模板、宣传片、实拍视频、影视配乐音效、游戏配乐音效等分类;办公文档类目:工作汇报、毕业答辩、企业介绍、计划总结、求职简历等PPT/Excel/Word模板分类;装饰·模型类目:背景墙、装饰画、玄关、婚礼效果图、模型库等分类;插画配图类目:情感表达、节日节气、教育文化、风光建筑插画及手机海报、新媒体配图等分类。如何从零开始绘制线性插画风景？来看高手的设计思路总结！一直研究线条,就会发现,线条除了表现我们普通日常所见的图标化的个体以外,还可以表现更大更复杂的风景。但是后者会有一定难度,如果线条比较粗的情况下,尤其无法更好去展示细节(比如要表现云朵或者空中漂浮的柳絮等)。当时我有点卡在这个思路上没有进展。过两天,我突然凭空有了灵感,想到了「简化」这一条路。尝试用简化的方法,虽然看起来粗糙,但又进入到新的层面。我想我们不是要单单造景,而是要传递景色。因此,景色用线和色块的组合,就这样一步步展开。灵感来源于是我有了这一组作品大千之镜,这一组作品就是基于粗线+景色的方式来创作,其中重点的表现是「色」(渐变组合)。提示:本操作注重设计思维的过程,不涉及到软件的具体详细操作,如果对软件操作生疏的小伙伴,可以移步到这里看看这个简单的快速上手AI的操作视频。△得到形状的四种方法:拼、减、裁、画参考照片不等于临摹照片外景的绘制,需要非常概括化。由于这里我们的规划是把景物画在一个小圆矩形的框内,其实空间是很有限的。因此线条的设置也就要趋于简单。简化是一个非常重要的思路,你可以用照片开始研究。当然,我在创作的时候,不止借鉴了一张照片,而是把多张照片进行结合参考。参考照片里的布局、构图、透视然后提炼最基本的形状。如果有兴趣你可以看下面这支视频:△灵感怎么来?参考照片的几点技巧构建基础线条如果在细节并不累赘的情况下,简化的图案可以采用网格来帮助表达。当然这取决于你的习惯。STEP01打开AI,新建一个1600*1600px的文档。在这个文档中画出一个圆角矩形,然后在这个圆角矩形当中谋篇布局。首先用几个线条把最大的基础形勾勒出来。外框线条采用30px,而内部的线条可以稍微减小,变为25px,再细可以变为20px。线条的粗细设置原则就是让其遵循一定的韵律感,比如都是5的倍数。图案犹如搭积木那样建立起整个画面。STEP02继续以搭积木的逻辑来填满左边建筑群的画面。这时我们要学会跳出「技」的思维层面,这在我的授课经验当中也反复和学生强调:我们并不是在学会如何画这个对象,比如这里我们在绘制小镇风景。我们学会的是背后的创作思维。这里我引用一段丰子恺在《认识绘画》这本书里的原话:「图画就同数学和体育一样。人生不一定要画苹果、香蕉、花瓶、茶壶。原不过是借这种研究来训练人的眼睛,使眼睛正确而又敏感,真而又美。」用在这里,就是通过画小镇、建筑的过程来训练自己对线条造型的能力。而这个能力表现出来就是既符合建筑的外形,又能让它看起来美观自然。STEP03继续往下,就是把我们的形状再一次优化。优化形状有两个层面需要注意:形状衔接是否闭合整体的形状是否均匀这是宏观和微观的两个方向。然后再适当调整增删形状。STEP04增加细节一般来说是最后一步的框架工作。这时我们又要切换一个角度:刚开始我们把线的作用看作是建立轮廓,这时,需要拿线来当作细节的描绘担当。比如下面用一个苹果作例子,你就能理解了。线的两个作用:勾勒和描绘,在这里就能体现出来。因此这里增加的细节(窗户、门、波浪、海鸟等)都是发挥线的描绘作用。到这一步我们的轮廓线就完成了。这时可以将它们扩展外观。在很多LOGO设计当中,到这一步其实就可以告一段落了,因为大部分扁平风格的LOGO都只需要一个轮廓,色彩可以是一个随机的单色。色彩框架建立色彩框架,其实就是找到一种观察色彩的角度。利用两个色彩间的关系演化成一个色彩阵列。在下面这个视频中,你可以了解更多关于色彩阵列。△色彩阵列:给初学者的色彩框架图STEP01依据上面的理论,我获得了这个色彩阵列。我们的色彩就从这里开始。主色确定为蓝色(这从我们的照片里获得了灵感),次色为粉色和薄荷绿。STEP02当然,色彩阵列的作用并不是要让我们用上所有的色彩,仍然根据实际的情况去繁化简。在关键的色彩上进行不断的尝试,找到最好的组合。运用形状生成器工具来进行上色,把主色进行分布。STEP03继续运用上次色薄荷绿,这时大家要注意色彩的微妙变化,在单一色彩出现的时候,看起来一切都很完美,一旦加入了第二种颜色情况就开始变复杂了。这也和我们平时生活是一样的,一个人的时候什么都好,两个人就会出现人际关系。复杂的让人头疼也让人欢喜的关系,就带来了更多的生机和起伏。我们看到虽然我们运用次色,但也在部分色块上带来了更多的色彩上的变化,这也是有了色彩阵列后可以轻易做到的。STEP04第三种色彩是红色,我们可以继续运用在图形中。STEP05主要的色彩控制在三种,剩下的色彩可以继续在现有色彩基础上再微调,比如调整色彩的明度或者饱和度来获取更为细腻的变化。注意在这里的白色的运用。光影渐变由于有光,我们才得已看见不同的色彩。根据这个真理,如果要想获得更为丰富的光感,渐变也是一个非常重要的上色要素。STEP1在运用渐变前,我的建议就是先做好平涂的工作。平涂是建立整体的色彩均衡,然后再根据光线的情况进行微调。而且对于渐变,我们需要加以克制,只需要选取其中一种色彩,然后在这个色彩比较窄的范围内进行微调。比如在这里我们将红色用上渐变,使红色产生一些微妙的变化。STEP2然后给建筑补上阴影,阴影的出现根据「美且真」的原则来安排。这里可能很多人会问什么是「美且真」原则,下面同样是出自丰子恺的《认识绘画》的一段描述:图画兼有欣赏与实用两种效果。欣赏是美的,实用是真的,故图画练习必须兼顾「真」和「美」这两个条件。具体地说:譬如描一瓶花,要仔细观察花、叶、瓶的形状、大小、方向、色彩,不使描错。这是「真」方面的功夫。同时又须巧妙地配合,巧妙地布置,使它妥帖。这时「美」方面的功夫。了解了这个原则,就在练习中去试探画面这两个要素的平衡。阴影的制作需要注意的是三点:找到光源阴影颜色的配置不必完全写实这三点可以通过下面这个视频中详细给大家演示:△线条插画中增加阴影的三步技法完成后的效果如下:点状高光创作最后一步,这里我们增加了一个小细节,也是突然想到的点睛之笔,给画面增加点状高光。STEP1在平面构成中,一个点可以是一个圆点,也可以是一个小方块。在这个画面当中,我们就利用白色的小方块来制造画面的高光部分。增加了点状高光的画面,就会让画面更加活泼。最终效果:后记:背后的思路写这篇文章我整理出了三段视频,通过视频也许会给初学者更多启发。我之前一直纠结在是做视频还是写文章两条路子,本来想文章+视频是最好的方式,各取所需。但是后来操作过程发现两条路没办法并行。只能在文章当中,穿插更多我认为值得展开的部分。视频作为文章的补充,而文章又作为视频的补充。虽然现在大家都说没时间看文字,视频也更加直接,但是我始终觉得潜心学习的东西,用文字是更易于查询和记录的。视频和文章都无法取代彼此。哪款彩铅适合画风景、建筑速写的？风景和建筑类的速写,一般不要求彩铅颜色太鲜艳,偏自然、写实的颜色会比较好,建议看看得韵艺术家油性(24、36、72)色,英国产,笔芯偏硬较粗,笔触噪点小,适合大面积铺色也适合细节刻画。如果喜欢稍稍鲜艳的,可以选择红盒辉柏嘉(48、60、72)色,经济条件允许可以选择绿盒辉柏嘉(24、48、72)色,德国产,这套不仅可以画风景、建筑,也适合静物、人物写实,以及动漫插画。如果喜欢日系清新风格的,可以选择蜻蜓、荷尔拜因这类彩铅,日产。

在现实中，很多的教学里速写与素描的大多是分开来教学的，课程安排上也是把速写和素描当成是两种课程来安排的，其实它们两者之间是存在着很多的统一性和互补性的。应该充分利用二者的关联性，素描是一种正式的艺术创作，以单色线条来表现直观世界中的事物，亦可以表达思想、概念、态度、感情、幻想、象征甚至抽象形式。它不像色彩那样重视总体和彩色，而是着重结构和形式。速写，顾名思义是一种快速的写生方法。速写是中国原创词汇，属于素描的一种。速写同素描一样，不但是造型艺术的基础，也是一种独立的艺术形式。1 速写何为速写？对于它的定义，单从字面意思上来看，速写就是快速的完成绘画的过程，强调的是一个“快”字，这是对于一个外行单单从字面意思上来解释的。那在专业角度上，速写，通常是指在较短的时间内，用较快的速度概括地表现、记录生活中所见所感的一种绘画方式。它不但是造型艺术的基础，也是一种独立的艺术形式。速写是要求快速度的完成创作，快速度的对眼前的景物做记录。强调的还是一个“快”字。就是要求绘画者对于形体的速成表现力，对于绘画者就要求很高的一种造型能力、观察能力、表现能力。速写对于你的角色设定起到了铺垫，练习作用。比如画女的，设计出的任务肯定是有点女性化特点，由于线条是速写的最主要的表现手段，所以以线条为主的速写非常多，有其特有的韵律和强烈艺术感染力，其风格各异，样式纷杂.由于工具不同，线条也各具特色：铅笔、炭笔的线可有虚实、软硬、深浅变化；毛笔可有粗细、浓淡变化；而钢笔最单纯，一般不可有虚实、粗细、深浅、浓淡变化；由于画家追求不同，表现对象的不同，有的线刚健，有的线柔弱，有的线拙笨，有的线流畅；有的画家的线条注重素描关系，以粗的、实的、重的、硬的线表现物象的前面及突出的地方，以细的、虚的、轻的、软的线起后退、减弱的作用；有的画家则只是用粗细较重均同的线，不考虑细微的空间关系，用线的透视位置来决定形体的前后。以线条为主的速写有时也并不完全排斥点和面，有些画家常喜用一些点来活跃画面，用一些面(色调)来辅助形体。这是站在专业的角度上，通过专业的教师的教学实践所总结出来的一条教学模式，也是一条不错的教学方式。2 素描何为素描？广义上的素描，涵指一切单色的绘画；狭义上的素描，专指用于学习美术技巧、探索造型规律、培养专业习惯的绘画训练过程。素描被称为“造型艺术的基础”，素描是绘画的一种形式。如果说绘画是使用一定的物质材料，通过线条、色彩、明暗、透视及构图等手段，在平面上创造出可视的、具有一定形式、体积、质感和空间感的艺术形象，那么从广义来讲，素描则是指“单色”的绘画。速写与素描一样，是绘画艺术的基本功，但速写又有别于素描。画素描所用的时间比较充裕，对象又处于比较静止的状态，画时可以从容观察、深入刻画。速写却相反，画速写所用的时间较短促，对象有时甚至处于瞬息变化的状态中，画速写时须快速敏捷地感受对象的整体关系，捕捉对象主要的特征并简捷概括地进行表现。速写艺术从题材上分有人物速写、建筑速写、风景速写、动物速写等。而人物速写则是速写艺术中的重中之重，是每一个绘画者的必经之路。人物速写能培养我们敏锐的观察能力，使我们善于捕捉生活中人物美好的瞬间，能培养我们的绘画概括能力，使我们能在短暂的时间内画出人物对象的特征，能提高我们对人物形象的记忆能力和默写能力；能探索和培养具有独特个性的绘画风格，能为以后人物绘画的创作收集大量素材，一幅好的人物速写本身就是一幅完美的艺术品。对于素描的学习不是说在一朝一夕就可以完成的，素描是需要一个长时间的练习和自己去不断领悟的，它和速写是不一样的，速写是讲求的是—— 速度，而素描讲求的是—— 精细，两个看似是一个反方向的，但其实二者是要有很大量长期练习的，可以说是相辅相成的。速写与素描都是训练造型能力的方式，一般认为速写是一种构思简洁快速的素描，属于素描的概念范畴，指在较短时间内，以简练概括的笔法迅速地记录对象的主要特征，表现画者对对象强烈鲜明的感受。速写不是“快画”。“速”是相对于长期素描而言，有时间短、画幅小、表现形式简略、手法肯定的意思。要在短时间内，以简练、生动的线条表现物象最本质的形、神、意、韵，其难度不亚于素描。顺便在此推荐大家可以搜一下：奇天cg学院，或者在B站或者抖音上面观看大佬的视频学习更多画画方法。素描偏重理性的控制分析，速写偏重感性的表现；素描偏重全因素的深入塑造，速写偏重灵性的多角度捕捉。练的线条在短时间内扼要地画出人和物体的动态或静态形象，及其神韵，一般用于创作的素材。而对于素描来说又是一个“精工出细活”的过程，讲求的是个“慢”，简而言之，速写是应该包含在素描之中的，二者是拥有相同性的，速写能否得心应手，素描的训练在其中占很大作用的！

环境艺术设计专业主要学:素描、色彩、建筑速写、构成学、测量学、室内制图、环境景观设计、植物配置、模型制作、园林规划与设计、景观设计表现技法等。

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学习速写的时间取决于个人的天赋和努力程度，但以下是一些一般性的指导：1. 对于初学者来说，通常需要花费几个月到一年的时间来掌握速写的基本技能。这包括学习速写的技巧、掌握基本的透视原理、练习不同的表现手法、培养观察和绘画的能力等。2. 如果你已经有一定的绘画基础，那么你可能需要更短的时间来掌握速写。但要记住，速写需要不断的练习和实践，才能达到熟练的水平。3. 速写是一个需要持续学习和不断提高的过程。即使你已经掌握了基本技能，也需要不断练习和探索更高级的表现手法和技巧。总之，学习速写需要持之以恒的努力和耐心。如果你保持练习并持续不断地提高自己的技能，你将在几个月到一年内掌握速写的基本技能，并在接下来的时间里逐渐提高自己的水平。

吴祥忠吴祥忠（1972年－），安徽池州人，现任职于南京工程学院艺术与设计学院，副教授，环境艺术系主任(2003-2013)，研究方向为环境设计及绘画。吴祥忠目前已经出版《景观设计》及《建筑速写解析》等适用于高等院校环境艺术、景观设计、园林工程等专业的教材，发表多篇学术论文。吴祥忠师承水彩画名家柳新生，绘画及设计作品侧重文化建筑、自然原生态及人的内心，具有较高的艺术价值。水彩和油画作品入选国内展览十多次，画作被意大利、法国、美国与国内机构及其个人等收藏。为长篇小说《傩神》创作系列插图。中文名：吴祥忠国籍：中国出生日期：1972年职业：南京工程学院艺术与设计学院环境艺术教研室主任主要成就：全国高校毕业设计优秀奖代表作品：《水暖鸭知》艺术成就2019年10月作品《太和观潮》入展祖国礼赞“庆祝新中国成立70周年”江苏省美术作品展；主办：省委宣传部、省文旅厅、省文联、省美协等；2018年7月在金陵美术馆举办《笔底晴雨家山再绘---吴祥忠水彩作品展》，主办：南京市书画院；2018年9月江苏卫视休闲频道老当家栏目制作《吴祥忠的水彩画》，主办：江苏广播电视总台；2017年12月作品《奶茶飘香》入选省直美协展览，主办：江苏美术家协会、江苏省直美术家协会；2015年11月《傩神》小说三幅作品入选首届中国插图艺术展，主办：中国美术家协会广州美术学院；2014作品《霾之殇》入选第二届以画说话美术新青年作品展，并荣获“以画说话·美术新青年”全国50强；主办：中国美术学院、浙江日报报业集团、《美术报》；2014年11月水彩作品《祁连山牧场》入选南京市江宁区庆祝中华人民共和国成立65周年展览，主办：南京江宁区政府、文联、南京东晋博物馆；2013年12月水彩作品《渔歌唱晚》入选“心语自然”作品展，主办：江苏省美术家协会、江苏省直美术家协会，承办：南京工程学院；2013年11月水彩作品《卓玛》入选《江苏省高校第11届教工书画摄影优秀作品展》，主办：江苏省教育科技工会、江苏省高校教工书画摄影联谊会、南京艺术学院；2013年3月荣获山东美术馆标志设计优秀奖，主办：山东美术馆；2012年12月水彩作品《祁连山牧场》入选中韩水彩画家交流展暨黑龙江双年展；主办单位：黑龙江省文学艺术界联合会、黑龙江省美术家协会；承办单位：黑龙江省美术家协会水彩画专业委员、哈尔滨师范大学美术学院、韩国韩南大学2012年11月作品《秋》入选“时代丹青”美术作品展，主办：江苏省美术家协会、省直美术家协会、南京晓庄学院；2012年11月水彩作品《雪山》入选丹青颂丹青江宁庆祝党的十八大书画展；主办：中共南京江宁区委宣传部，江宁区文联；承办：江宁区美术家协会、江宁区书法家协会、东晋书画院、东晋博物馆；2012年7月水彩作品《元阳梯田》入选盛夏光年----南京奔驰公司中青年画家绘画展；主办：南京奔驰公司2012年4月水彩作品《雪夜》、《秋之蕴3》入选大九华山西来禅寺大雄宝殿奠基仪式书画作品展；主办：安徽省大九华山西来禅寺；2012年1月水彩作品《色域》入选中央数字书画频道“第二届迎新春书画作品展”展播，并获专业组优秀奖；2011年12月水彩作品《淡泊2》入选江苏省高校第九届教工书画摄影作品展，主办：江苏省教育科技工会江苏省高校教工书画摄影联谊会；2011年11月水彩作品《秋之蕴》入选“独持偏见——探索的艺术空间”绘画作品展，主办：江苏省美术家协会，江苏省直美协；2011年11月景观雕塑作品《飞翔》入选“独持偏见——探索的艺术空间”绘画作品展，主办：江苏省美术家协会，江苏省直美协；2011年10月粉画《域》入选江苏省首届粉画艺术展，主办：江苏省文联、省美协，金坛市政府；2011年10月水彩《蓝调水长》入选全国“夜画周庄”主体创作展览并获优秀奖，主办：江苏省文联、美协、昆山市政府、昆山美协、周庄镇政府；2011年6月水彩《高原人家》入选第六届江苏省水彩与粉画作品展览，主办：江苏省文联、美协、金坛市政府；2010年10月水彩《扎西德勒》、《老家记忆》等5副水彩入选2010年第一届深圳大梅沙海岸线当代艺术展；2010年10月水彩《守》入选江苏省“春华秋实，在宁高校教师优秀作品展”，主办：江苏省美协、省直美协；2010年8月水彩《淡泊1》入选江苏省高校反腐倡廉作品展；2009年9月水彩《林曦》入选江苏省庆祝中华人们共和国60周年大展，主办：江苏省省委宣传部、省文化厅、省文联、省美协；2009年9月水彩《水暖鸭知1》、《月挂树梢》等多幅作品被巴黎十一大学校长、巴黎高校俱乐部主席等人收藏2009年5月《乡村》系列8幅作品被南京企业个人收藏；2009年出版《景观设计》及《建筑速写解析》专业教材；2009年指导的景观设计作品《安庆菱湖南路城市改造设计》荣获全国高校毕业设计优秀奖；2008年指导的景观设计作品《红豆生态园景观设计》荣获全国高校毕业设计优秀奖；作品介绍吴祥忠先生的绘画主要关注乡村、郊野以及天籁情境中的大自然，注重内心的真切感悟，寻找意象的风景。水彩色调淡雅、宁静、空灵，用国画表现语言诠释水彩画的景致。着力捕捉与宣泄内心瞬间的感动，其画风气韵生动，轻灵的画面中凝聚着一种稳定和深沉的力量。《月儿在林梢》、《水暖鸭知》等多幅作品被巴黎十一大学校长等人收藏。《秋之蕴1》是吴祥忠先生在暖色调水彩作品创作初期的代表作之一，该作品是作者在清凉的秋日见一行大雁南飞，远方山林秋意正浓，倍感广阔无比变幻万千的大自然中生命之倔强，心中不禁生出一片暖意，作品通过用冷色调和暖色调的面积对比表达出这种强烈的情感，简练但内涵丰富的色彩语言直入人心。《祁连山牧场》这幅作品是吴祥忠先生2011年5月去西部艺术采风回来后创作的系列作品之一，作者结合收集来的图片资料与感受，将空寂的雪山与近景动态的马群强烈对比，凸显出西部自然的奇妙和荒凉，灰色调中体现出一种恢弘的静谧和神秘。丝丝入扣的牧曲和醇香的奶茶，似乎在萧瑟的风中飘散。《夕阳下的小村庄》表达吴祥忠先生对自然生态山村生活深深眷念，也是自己对年少经历山村美好时光抒情呈现。有牛羊的陪伴，有炊烟袅袅，有劳作淳朴的乡民，有阡陌交错的田埂。夕阳映照的小村庄不焦躁，几户安详生活的农家享受着恬淡简单的生活。色调充满着温情，树、田野、山峦虚实情境的表现，加入橘黄色调里的淡淡玫瑰红，带给观者无限的享受和愉悦。《暖》是一幅整开纸的大幅水彩作品，吴祥忠先生采用传统中国画的表现技法与西洋画的光影技法结合，一气呵成，色彩迷幻。这幅作品是在2013年初完成，正值天气寒冷，吴先生在翻阅一幅摄影图片作品时，怦然心动。在冰雪的世界里，有温暖阳光的普照，那遍本已凋零的树丛，熠熠生辉，温情万丈。有温暖心灵感受，天寒地冻的场景都可以在笔下彰显出如此温情暖人。作品赏析

建筑作为一门学问，如其他现代自然科学一样源自欧洲。所以研究建筑画的发展历史也必须从西方开始。建筑画经历一个从无到有、有兴有衰的发展过程，这个过程体现以下几处基本规律： 到了中世纪晚期，意大利早期文艺复兴画家对于建筑画的形成起了最关键的作用。中世纪的绘画都是平面的，没有透视效果。吉奥托（Giotto，1267-1336）将透视的进深感引入宗教绘画，既做画家又当建筑师的吉奥托在画中不仅加入了建筑造型，而且画中的建筑空间造型后来体现在布鲁耐列斯基（Brunelleschi）和阿尔伯蒂（Alberti）等文艺复兴时期的建筑大师的建筑设计中。达·芬奇（Leonardo da Vinci，1452-1519）对透视的问题及其潜力非常感兴趣。他早先学习阿尔伯蒂的单线条一点透视法，但不久发现了这种画法的问题。首先，它不能体现材料随着距离的远近在视觉上的不同质感；其次它给予的形象仅局限于一个视点，破坏了建筑的整体感和空间比例。尽管他没有系统地留下关于透视的论述，但他的建筑画则明显倾向于鸟瞰和解剖相结合的一种新画法。在文艺复兴时期，人体和建筑被认为是相通的。精于人体解剖学的达·芬奇用人体解剖画法来画建筑自然得心应手。在建筑设计过程中，解剖图能表现空间和体量的结构组织，鸟瞰图能表现完整的形体，鸟瞰和解剖相结合的画法形成一种建筑思想，即将建筑设计和结构设计在三维空间中结合成一个整体。这种绘画达·芬奇只用于设计过程，而不是最终的表现图。因为它虽然提高了设计人的设计自由度和空间上的把握能力，但它没有高远比例，如不加上人物，也没法体现尺度。对于工人来说既没有尺寸，也难以看懂。这种图类似于今天常见的斜角轴侧图。布莱蒙特（Donato Bramante，1444-1514）是文艺复兴时期进行透视图革新的一位关键人物。他认为画家与建筑师的各自优劣是可以结合的。他主张绘画应如建筑一般的准确，比例完美，也认为建筑应如一幅画一样，有个好的视觉形象，是一个对画的再表现。他创造一种“插图”透视，表现理想中的建筑形象。“插图”中既有古代建筑实例，又结合自己的发明和想象，将实践和创造结合成一体。布莱蒙特同样用鸟瞰图表现建筑，这种方法最适用于表现中堂式建筑的室内空间。通过切割建筑空间，将剖面图引入透视图。这种方法适合于表现单一的整体空间--这种空间只需看一眼就可以理解。对于复杂的空间会在图面上重叠而减弱的表现力。 当古典主义大师拉菲尔（Raphael,1483-1520）当上了罗马圣·彼得教堂的建筑主持时，在建筑绘图的系统性方面又迈出一步。他首先将基本建筑图分为平面、立面和剖面三类，而对中心一点透视的扬弃，表现他主张的建筑应是一个整体的体现，而不是在一个视点看出去的一个画面。布莱蒙特将视点拉得很远，而拉菲尔将视点放在建筑内，他的画面表现的不是来自一个视点的画面，而是多重透视效果，形成介于立面和透视之间的形象。这不仅表现空间的体量，而是表现了墙面细部雕饰。他使看画人仿佛被三维空间环抱，体会到空间的整体形象。佩鲁西（Peruzzi,1481-1536）的建筑画有同样多重视点的效果。在他的被称为“圣·彼得的最佳视点”的画中，平面、立面和剖面合并一体。尽管它在表现空间的印象同时，没有描绘内空间真实面貌，也没能提供建筑正确尺寸，但它有机地将平面、外空间和内空间联系起来，在某种程度上继承了达·芬奇的主张。从这一时期的建筑表现中可以看到，平立剖面图和透视图是同时产生的，都是将设计思想用图表现出来的一种手段。直到18世纪透视和立剖面图还往往出现在一张图中。拉菲尔的图证明透视图与立面图的结合，并没有减弱视图的魅力。从一开始透视图的理论就与几何视觉原理和比例数学原理结合在一起。观者与被观的建筑的关系也是透视图的关键问题。尽管此时的透视画和今天的透视画有很大不同，但这些画都表明当时的建筑师关注的是建筑画和建筑的深层关系：建筑画的真实性问题。米开朗基罗（Michelanggelo,1475-1564）反对文艺复兴的所有观念，同时对建筑语言也进行创新。他的画体现了对建筑空间新的解释：建筑是活的结构。他喜用模型来研究建筑，而且对完整的建筑图和工人施工图并不重视，他往往在建筑的过程中不停地修改设计，因为此时还没有作为表现建筑设计最终方案的建筑画。米开朗基罗还开创了另一个先例：他的建筑画本身被作为艺术收藏品，而且在其在世时就开始了。到了15世纪30年代，平立剖面图再次受到重视，同时建筑师和艺术家的分化开始出现，尽管真正的职业建筑师到19世纪才形成。透视图和“半”透视图一直和平立剖面图并存。16世纪，铜板印刷取代了木刻，成为又一次印刷史上的革命，同时促进了建筑出版业的发展。被认为是历史上第一个职业建筑师的帕拉蒂奥（Ardrea Palladio）发表了影响深远的《建筑法式》一书。和其他古典主义建筑师一样，他认为要准确表达建筑比例尺度以及细部与整体的关系，只有用平立剖面图。在他的画和书的插图中没有透视，空间的进深感用剖面图配合阴影来表现。书中的插图是关于他自己的设计作品，但他没有严格按照实际建筑的作品画。不是尺寸改变了，就是形式改变了。此书论述的是他所希望达到的东西，而不是他所能达到的东西。他的建筑意图不可避免地受到造价、场地、工匠和时间等条件的限制。没有这些图，帕蒂奥看来，建筑画是传达建筑师意图的一种方式，有时比建筑本身更有价值。 贝尔尼尼（Glanlorenzo Bernini,1598-1680）是意大利巴洛克建筑大师，他既是画家又是雕塑家，他在雕塑方面更著名，而且他的基本训练也是从雕塑开始的。他的雕塑是以视点为依据的：作品往往从某一角度看最佳。这种以视点为依据的设计也带入了他的建筑设计和建筑画。他的透视图的目的是创造一个在某一视点上的强烈的印象。为了达到这个效果，他总是要画大量研究草图。他的建筑立面也倾向于透视，如他的巴黎卢浮宫的东立面设计图。与帕拉蒂奥为代表的古典主义相比，巴洛克建筑，这种以视觉形象为基准的风格，可能更适合用透视图来研究其真正的空间和光影效果。意大利巴洛克建筑师对透视图的发展作出了巨大贡献。如：增加灭点，增加物体层次和明暗对比等，但在17世纪透视图与平立面剖面图谁劣谁好的争论还没有结果。建筑师莫德诺（Carlo Moderno,1556-1629）将修改过的圣·彼得教堂西立面图送给教皇过目。这个设计是以立面图来表现的，作为教堂一部分的中的中央穹顶（米开朗基罗设计）在图中央高高矗起。教皇认为图不准确，因为当人在下面时，穹顶看起来不应那么高。莫德罗的解释是，把穹顶和西立面放字放在一张透视图中来表现是画家的事情，不是建筑师的任务，因为透视图没有表现建筑的尺寸。他认为设计的根据是事实性，而不是直觉。这并不是说他不注意建筑的形象，而是对于处理建筑的视觉问题的措施不同。莫德罗认为，几何规律比经验更重要，因为经验来自个人的视点，而每个人的视点可能不一样。尽管立面图上的形象是看不到的，但至少在几何上是正确的。与透视图相比，立面图提供的是一个真实的设计。不管当今透视图发展到了一个怎样程度，莫德罗的疑问永远存在，透视图的真实性总是随视点而变化。1670年开创的意大利圣·路卡学会成为真正的建筑画走向规范化的开始，它在建筑画风格技法的发展方面起了极大的推动作用。它的影响后来传播到了法国，成为19世纪的法国学院派风格的基础。在路卡学会早期还有少量的鸟瞰透视，后来全让位于固定模式的平面、立面和剖面图，因为古典主义又占上风。 建筑中心转到法国时，法国正处在贵族和皇权统治下，建筑和建筑画都是为皇帝服务的。为了记录路易十六世的丰功伟绩，职业的建筑绘图家垄断了建筑画。他们的建筑画技法世代相传。除了在平立剖面图中技法更加纯净清晰外，在透视图上也有不少成就。鸟瞰图除了表现建筑，也极其详细地描画周围环境。一般来说，巴洛克建筑师都用一系列的透视图研究建筑，这和巴洛克建筑追求丰富的动感和光影效果的目的是一致的。帕拉蒂奥的古典学派和后古典学派（Neoclassical）则常用平、立、剖面图和仔细刻画的阴影来表现建筑，这和古典建筑追求平衡宁静、和谐完美的取向是一致的。到了法国洛可可时期，建筑风格和建筑画风格又发生变化。洛可可的室内装饰的主题是旋涡花饰。在建筑画方面屏弃了古典主义的建筑比例和数学逻辑的束缚，每个花饰都是独特的。这种独特性不是来自不同的内容：如树叶、动物、自然形态等，而是开自对于建筑设计新的理解。洛可可设计强调的是短暂的和发展的艺术行为特征。一个形象是整个艺术过程中的一个时刻，这和古典主义追求的最终的、完美的形象是完全不同的。以线条装饰为基础的洛可可风格建筑画表现的是诗意般的空间和光线。记录和测绘古代建筑一直是建筑画的重要组成部分。18世纪新古典建筑风格一统天下，大量的学者和学生来到意大利研究和测绘古罗马建筑。谁也没有料到一个意大利人的建筑画影响了半个世纪的欧洲建筑思潮。皮瑞耐西（Giovanni Battista Piranesi,1720-1778）是一个侵蚀印刷专家，同时也是一个考古专家和建筑师。他画古代和近代建筑的目的是为了卖画给旅游者，或作导游书的插图。这些画表现了生动的和高度主观色彩和罗马建筑形象。他根据考古发现和个人想象，塑造了古代罗马城的形象。和一般建筑画不同的是，这些画不是考古学上的复原图，而是加进了对未来建筑的许多构想。被他的画激起兴致，到罗马看那些遗迹的人都会发现，现实中的建筑比他的画中建筑要小得多。他表现了他对建筑的观点：即情感和理智两方面的结合。由此他实际上站在浪漫主义运动的前列。当时欧洲建筑师的作品都受到影响，这也是有史以来，第一次由建筑画家领导建筑潮流。当时建筑师都在自己作品吕通过事例新旧优秀设计达到醒目振奋的视觉效果。“如画”一词已被采用为建筑标准，这在后帕拉蒂主义的约定俗成中加进“变化”，皮瑞耐西对建筑的影响还表现在建筑设计中对光影的兴趣、对尺度的夸张和对建筑的历史感的追求。皮瑞耐西使建筑师认识到建筑画的真正作用；传达建筑师的设计意图和理想。当时，许多建筑师都是优秀的建筑画家，而许多建筑画家也参与到建筑设计当中。怀勒（Charles de Wailly，1730-1798）被认为是当时最优秀的建筑画家，他和皮瑞（Joseph Peyre，1730-1785）一起设计了巴黎歌剧院。他们在庄严的建筑外表内，设计了绚丽辉煌的室内空间，这个空间淋漓尽致地体现于怀勒所画的剖面图中，它不仅表现了建筑结构和室内装饰，而且还画了在观众厅、舞台和街道上的人物形象。这幅画是一个新突破，即建筑画可以表现一个从外到内的空间序列。庄严成为一种美学思想和建筑的目标。它通过建筑手段表现极端的震撼力和意气风发的情感。超人的尺度往往用来形成这种庄严之美。真正的建筑难以实现这种理想，但建筑画可以。皮瑞耐西的画提供达到这种效果的语汇。勃利（Efienne-Louis Boullee）将这些语汇极端化到了超越现实的境地。他在法国革命前从事一些小型建筑设计，当革命把建筑业带入低谷，他干脆以建筑画表达自己的理想。他认为建筑作为艺术，应具有和美术作品一样的感染力。他用绘画的技巧、尺度的效果和建筑的光影，表现自己的观。他用简单的几何形－如圆柱、立方体、圆锥体和立锥体等――塑造建筑形体。辛克勒（Karl Friedrich Shinkel，1781-1841）是19世纪德国的著名建筑师和建筑画师。当时德国正受战火蹂躏，辛克勒以他的绘画天才，作了大量极富幻想的建筑风景画。在建筑工程表现图中，他运用轮廓线和水彩渲染结合方法，表现了“画”的气氛，也不失建筑本身的重量感。由于建筑画在表现建筑师意图方面的重要性，建筑师不仅自己画，而且还雇用了大批专业建筑画师在事务所工作。许多建筑画作品已很难分辨出是出自于建筑师之手还是画师之手。英国著名建筑师索耐（Sir John Soane，1753-1833）所以能够风云一时，部分原因是他的画师哥朗蒂（J.M.Grandy）具有杰出的绘画才能。巴黎艺术学院的建筑教育（Ecole des Beau Arts），在建筑史和建筑画史都占有重要的地位。它的新古典主义建筑风格在19世纪末对西方建筑有极大影响，它也是第一个系统性的建筑教育体系。它的建筑画也有独特之处。首先 它非常注重建筑画本身的艺术价值，建筑画本身就是一个艺术作品；其次，它的建筑画仅有平面、剖面和立面，没有透视。平面作为一个造型设计的基础，建筑的成功或失败取决于平面，而其他都是次要的。这表明它的建筑教育在某种程度上是进步的。由于在建筑图中取消了透视图，使建筑设计更趋于追求几何形体和比例尺度的精确完美。艺术学院派摒弃了透视图所表现的浪漫自由的建筑观，建筑表现得更真实。为在立面剖面图中表现空间的深度，所有阴影都用渲染技法仔细构画。建筑的环境背景也往往包括在立面图中。但这些图完全是以教学为目的的，也就是说这些图中的建筑不是为了建造的。这些图没有表现建筑结构，建筑的各个部分都是用一种技法表现，看起来好像是一种材料。建筑学习好坏的标准的建筑设计，这种建筑观在19世纪末成为建筑风格，在很大程度上阻碍对建筑空间本身的进一步探索。造成19世纪建筑画十分盛行的另一个因素是建筑设计竞赛。大量的国家公共建筑，从大市政厅到小规模图书馆，往往都是通过设计竞赛选出优秀方案后建造的。大多数竞赛图都包括透视图，表现整个建筑形象，并给予评委和公众一个易懂的建筑视觉印象。一个好的透视图是参赛的必不可少的条件，而许多建筑师因为没有能力或没有时间画透视，所以不得不清“画师”来承担这一任务。这些画师一般不注明姓名，这些在设计背后的重要角色在英国称为“画鬼”。一个平庸的设计可以因“画鬼”的一幅透视图而增色不少。当然设计竞赛不是形成专业画师的唯一原因。19世纪职业环境的改变也使建筑师成为一个管理人或经济人。而画师的工作从画设计竞赛图，发展到了为建筑师出版专籍，甚至直接参与建筑的立面设计。由于建筑在画师的笔下成了一幅画，建筑本身的空间、体量和建筑技术的发展不可避免受到“画”的限制。19世纪末建筑本身并没有形成任何新的概念，这和建筑画的消极影响不无关系。 但19世纪后期艺术起了革命性的变化，印象派和后印象派的绘画拓开了人们的艺术视野。后印象派融入装饰风格于绘画，在建筑上也出现了以装饰风格为主的新艺术运动。如英国的建筑师麦金陶什（Mackintosh）奥地利的瓦格纳阳（Otto Wagner）等，他们的建筑画色彩清新，但没有空间和光影效果。他们的建筑画有鲜明的装饰风格，这说明建筑的风格和建筑画的风格是紧密相连的。建筑的概念变了，建筑画的风格也会转变；或者反之，建筑画风格的转变，也会影响到建筑本身的转变。到了20世纪我们也将看到这一现象：建筑画不仅是建筑风格的表现，而且是建筑师个人风格的表现。作为意大利未来主义建筑师代表的桑代利亚（Antonio Sant"Elia，1888-1916），由于英年早逝，几平没有留下建筑作品。但他的思想通过他的建筑画影响了后来许多现代建筑师。他的画笔触雄劲，透视角度奇特宏伟，表现了未来主义建筑风格的内涵和精神。莱特（Frank lloyd Wight，1869－1959）的建筑画和其建筑一样具有一种独特的东方风格：建筑图没有体量感，图上加少量色彩，构图上留出大片空白。他在建筑画技法上独开彩色铅笔画的新画种。这种画法不需特别画纸，速度快而且效果强。现代建筑大师密斯（Mies van der Robe，1886－－1969）和勒·柯布西埃（ie Cothusier，188M1966）都在建筑上反对装饰，主张“机器”美学和建筑功能的重要性，他们主张在建筑中采用现代建筑材料和技术，体现建筑时代感。他们的建筑画也和以往的建筑画不同。密斯善长于表现玻璃的透明的效果，内外融为一体，建筑如浮云，所以他的画没有重量感。柯布西埃则表现建筑的空间和分隔空间的元素的关系，他采用钢笔线描法，朴素而直接，没有渲染和雕饰。他的画的另一个特点是表现空间概念。他描绘的空间不是看到的空间，而是在对建筑了解后，一个人能体会到的空间。正是这种空间感才是一个建筑师所想创造的。他一生画了大量草图、建筑表现图和建筑写生。除了他的立体主义绘画和雕塑外，他有关建筑的图没有一幅是为了画本身而做的。他的建筑画与他的建筑理论和建筑设计一样，成为后人学习的典范。 在两次世界大战期间还出现了表现主义（Expressionism）建筑思潮，其建筑画在历史上也具有重要地位。与包豪斯（Bauhaus）的建筑教育注重模型、贬低建筑画不同的是，表现主义对建筑画情有独钟。他们的画注重装饰风格而不顾建筑本身的内容。建筑被视为外表和内空间两部分，画面表现凝重的建筑体积感。门德尔松（Erich Mendelson，1887-1953）用粗而黑的线条体现建筑中的运动感和力量感。另一位著名的建筑师和建筑画家沙里宁（Eliel Saarinen，1873-1950）则贡献了这一时期最精彩的建筑渲染作品，他用铅笔和石灰笔加淡彩，渲染建筑和环境气氛。20世纪还有一些著名的建筑画家，如加克布（Hellnut Jacoby），阿尔瓦·阿尔托（Alvar Aalto）和路易斯·康（louis Kahn）。以画为职的建筑师加克布表现了一种与建筑大师，如阿尔托和康等完全不同的风格。加克布的画清晰严谨，但稍嫌机械，全部天才仅体现在构图和布局上。阿尔托大量的绘画则体现完全的个人风格，他往往用软铅笔不停顿地在纸上画，目的是寻找建筑设计的问题和答案。同佯，路易斯·康在旅行中画的大量建筑速写直接与其建筑设计相联系，他落笔之重好像要穿入画纸，和阿尔托一样，他的画不是对建筑和结构的记录，而是一个建筑师创造性思维的图式化表现。将加克布和康比较，可以清楚地看出画师和建筑师对建筑画的不同目的、不同方法和不同心态。前者是把建筑向社会推销，而后者才真正反映了建筑师的自我交流，心绪过程和建筑艺术真谛。实际上，在20世纪。建筑画，特别是以描绘建筑形象为目的的建筑画已受到来自其他媒体的冲击，如摄影、模型、计算机制图等。建筑师往往并不擅长干这些新媒体。即使在传统绘画领域，建筑师的纯绘画技术也早已远逊干专业画师。建筑师的建筑画的艺术魅力已不在干“形”，而在于与建筑艺术之间相关的“情”。这一点在六七十年代出现的后现代建筑师的建筑画中表现得尤为明显。文丘里（Venturi），格雷夫斯（Michale Graves）和林克利尔（Leon Krier）等人都是当代建筑画代表者。他们不仅在建筑上加入传统语汇，在绘画方法上也力求有传统遗韵，如格雷夫斯用的是莱特用过的彩色铅笔。由干这些人在刚出道之际没有多少工程可做，建筑画成了表达建筑思想的工具，他们的建筑画表现的是建筑概念，而不仅是“形”。正因为如此，他们的画成了艺术收藏品，同时为当代的建筑画开辟了新路。

环境艺术专业需要学习：Photoshop图像处理基础、构成基础：平面构成、色彩构成、立体构成、手绘效果图技法、AutoCAD图形设计建筑、环境艺术设计、天正建筑、室内设计原理、SketchUp草图大师、材料及施工工艺、Photoshop效果图处理、3ds max建筑效果表现技法、Vray效果图渲染、工程预算、中外建筑史、建筑风水学、展示空间设计、商业空间设计等。

作画者眼睛的高度就是视平线， 视平线以上的东西是近高远低，视平线以下的东西是近低远高。正对着视平线的位置透视是：向纵深延伸的线落到视平线上，向心点消失。这些高低是按视平线的高度来判断的。一般情况下，俯视时视平线高；仰视时视平线低，比如：作画者在高层建筑顶层往下看视平线就高，下到一楼到对面超市买东西回头看这栋建筑视平线就低了。如果你此刻画一张建筑速写，视平线就几乎压到画纸底边了。

清华大学的课程一般是分必修课和选修课的，必修课里有美术基础课，其他的选修课都可以选的建筑设计课是清华大学建筑学专业的主干课程，包括建筑，规划，住区，景观，保护，建造设计等十个设计专题，贯穿本科一至四年级，依托建筑学一级学科，覆盖建筑设计及其理论、城市规划与设计、建筑历史与理论、建筑技术科学、景观规划与设计五个二级学科，在课程设置上具有很强的连续性。

Frank Owen Gehry，盖瑞，美国的结构主义建筑大师，他画建筑速写相当厉害。不过画建筑的大师活跃年代都比较早了，那时候没有这么多高楼大厦，因此高楼大厦的作品也相对少了。现在的建筑师画高楼大厦很多了，但作品都比较平庸，比不上前辈们。

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学室内装修，可以从以下六部分学习：第一部分(基础美术)：结构素描、光影素描、户外写生、建筑速写、色彩构成、透视原理(一点/二点/三点)第二部分(手绘部分)：手绘效果图：手绘技法、铅笔白描、钢笔白描、彩铅、马克笔、室内手绘表现；手绘施工图：手绘技法、平面图、立面图、节点大样图、施工材料概要。第三部分(电脑辅助)：PhotoshopCS2图像处理：Photoshop操作基础、图象优化处理、经典实例分析与制作CAD初级：CAD基础及简单施工图、建筑剖面图、立面图、机械剖面、立面图等绘制3DSMAX8.0效果图：3dsmax建模、灯光、材质、室内、外效果图设计、展示、展台设计第四部分(电脑高级辅助)：PhotoshopCS2后期处理：讲解室内外效果图后期处理、灯光的外理,植物,人物的添加.等方面的应用CAD高级平面制图：室内、室外平面施工图、制图标准、节点大样图、三维橱卫绘制、家具设计3dsmax8.0高级效果图：高级建模、高级材质使用、高级灯光应用、室内方案设计、室外综合效果图制作