装饰艺术

产品设计是一个将人的某种目的或需要转换为一个具体的物理形式或工具的过程，是把一种计划、规划设想、问 题解决的方法，通过具体的载体--以美好的形式表达出来的一种创造性活动过程。产品设计反映着一个时代的经济、技术和文化。---------------------------------------------------------------装饰艺术品是当前流行的时尚元素，这其实应有着更广阔的定义。如陶瓷饰品、水晶饰品、艺术雕塑饰品，树脂饰品，玻璃饰品、个人饰品 等等。。。。。

采用天然材料、把工业生产与手工业制作结合在一起的斯堪的纳维亚国家的设计，影响了战后欧美各国装饰艺术设计的发展。斯堪的纳维亚国家的纺织品设计、家具设计、玻璃器皿设计、金属器皿与陶瓷器具设计造型简洁抽象、图案装饰颇有特色，具有新鲜感和时代精神，极受西方国家中产阶级消费者的喜爱。1958年荷兰设计家雷瑞·维布朗特的绳纹雄鸡图案壁纸设计，设计借鉴了当时现代绘画艺术风格。50年代中期至60年代中期根据奥尔加·奥索尔设计生产的印花图案瓷盘，采用典型的蓝色花朵芬兰装饰风格设计，是国际市场重现的斯堪的纳维亚产品。丹麦设计家维斯加德1957年设计的陶瓷茶具，强调实用性，具有北欧国家陶瓷设计简朴的特点，又表现出浓厚的东方设计风格。瑞典设计家约瑟夫·弗兰克的家具和纺织品设计既强调现代主义设计的功能原则，又注重传统和自然的艺术形态，注重装饰艺术设计。这种现代主义的功能设计与装饰艺术设计的完美统一极大地影响到当时的室内设计发展趋势。30年代前期约瑟夫·弗兰克的瑞典家具设计是“现代瑞典家具设计”的典范作品，体现出严谨、雅致的装饰风格，对于50年代欧美国家家具设计产生了很大的影响。1944年约瑟夫·弗兰克树形图案织物设计在80年代投入生产。约瑟夫·弗兰克的设计经常运用明亮的色彩奇特地组合，数十年中这种设计风格在斯堪的纳维亚国家的设计当中一直保持极大的影响力。许多斯堪的纳维亚国家的制造厂商既聘请杰出的手工艺匠师，又聘请现代主义艺术家参与设计，如50年代中期瑞典斯德哥尔摩的斯托波公司便聘请抽象派艺术家完成了大量的产品设计。

教的都差不多吧，我觉得广告的比较广泛

1.植物装饰点缀绿意客厅　　客厅绿化，也是家居绿化的重点。客厅绿化，要力求赏心悦目、温馨自然。例如叶子大而简单的植物，可增加客厅富丽堂皇的感觉，形态复杂，色彩多变的观赏叶植物可使客厅的色彩变的丰富等。　　2.植物装点 体现家居风格　　客厅植物可以营造出家庭温馨，自由的气氛。 在营造出安宁温馨的氛围、返朴归真的情调同时，还可以展示主人的品位，使客厅洋溢出更多的人文色彩。在植物的选择上，一定程度可以体现出主人的性格特征，比方说：绿萝娇弱；百合清幽；君子兰高洁;文竹纤弱；兰花脱俗。　　3.植物摆放小技巧　　客厅植物摆放不宜过多，否则会对客厅的气流有影响，导致客厅产生阴气重。同时在摆放植物的时候，应该注意大小搭配适宜，已达到错落有致的装饰效果。例如比较大的植物，可摆放在客厅入口处、大厅角落、楼梯旁等不影响人们活动的地方；小型观叶植物，则可摆放在茶几、矮柜桌柜、转角沙发处等　　4.枯萎植物 要随时更换　　在客厅中摆放的植物，一定不要摆放枯萎的植物，因为枯萎的植物会对家居风水产生不良的负面影响。所以一定要保持旺盛的生长状态。如果客厅里的植物枯萎了，一定要及时的更换。

装饰艺术和雕塑艺术长期发展演变的结果，是战国时代社会、思想剧烈变化的反映。”实际上这也正是战国时代的艺术造型多表现为激昂跃动的特点所由来。

蒙古包是具有民族特色、地域特色的建筑设计语言，是我国建筑艺术中的一朵奇葩。蒙古包与蒙古草原恶劣的自然条件相适应，根据水草生长而迁移性居住，因此，蒙古包必须易拆，便于移动。因为蒙古族生活在大自然，非常崇拜自然，具有浓厚的宗教信仰，建筑装饰类型也表现的丰富多彩，体现了蒙古族豪放的特点。一、蒙古包建筑装饰艺术特点浅析1.丰富的图案类型及形式（1）图案类型丰富多样主要有动物、植物装、几何形、象征形等四种装饰类型。动物类装饰图案中，主要有龙、凤、蛇等多种动物类型图纹等。植物类装饰图案中，比较常见的有莲花、卷草纹、宝相花。几何形装饰图案中，基本图形为正方形、长方形和三角形，与其他元素巧妙结合变化后，主要有卍字、普斯贺、盘肠、渔网、回等多种纹，或单独，或组合。象征形装饰图案中，就是具有更多象征意义的图案，主要有云纹、特角纹和盘肠纹。如云纹蒙古语称为“哈木尔”，是牛鼻子的意思，盘肠纹为盘肠，是吉祥结，在佛语中有“回环贯彻，一切通明”之意。（2）图案组织形式灵活多样主要有单独、适合、连续纹样三种组织形式。其实，在蒙古包中的图案纹样是相互配合，交相辉映的，体现了蒙古包图案组织灵活多样的建筑装饰艺术特点。2.色彩及应用按照阴阳五行的哲学思想，蒙古族建筑色彩中体现了五行五色的理念，主要坚持以青涩、白色、红色为基础色调，这是蒙古族民族特色和生活习性的体现。（1）青色。青色即蓝色，在在蒙古语中叫“呼和”。青色是蓝天的颜色，是蒙古族天神的色彩，也是蒙古族的主要色彩，代表着永恒和忠贞。（2）白色。在蒙古语中叫做“查干”，代表着圣洁、吉祥和美好，给人一种纯洁、祥和的感觉，主要源于平时常见的白云、羊毛、毛毡、奶制品等。（3）红色。蒙古语叫做“乌兰”，是喜庆、胜利、幸福、快乐的意思，主要原因他们对火、太阳的崇拜，认为太阳、火给人光明和温暖。此外，还有象征华贵的金银色，还点缀一些黑、绿、古铜色和咖啡色等，构成了多元化的蒙古包建筑图案装饰的颜色。3.外、内部装饰表现（1）外部装饰特征。在蒙古包外部装饰结构中，主要对包裹蒙古包木框架的毛毡进行装饰，如盖毡、顶毡、围毡、毡门。然后是外部的结绳装饰。在蒙古包内部表现中，主要分为内部构件、毡制品、家具等装饰方面。其中内部构件装饰主要包括围壁装饰、柱装装饰、天窗装饰、项杆装饰。（2）内部装饰特征。首先是具有向心性。包内构成圆锥形空间，如日月放光，四周围绕中心火撑陈设，象征幸福美满。其次是具有同心圆的特点。再次是天窗、顶杆、围壁形成蒙古包的支撑。二、蒙古包建筑装饰艺术在现代建筑设计中的应用案例分析蒙古包建筑装饰艺术，对现场建筑设计具有十分重要的借鉴意义。在现代建筑装设计中，不仅需要应用原有的蒙古包装饰元素，还要在基础上进行加工、变化、提炼，与现代元素相整合，形成具有时代特征和蒙古包元素的建筑设计风格。蒙古包建筑艺术在现代建筑设计中得到了十分成功和广泛的应用，笔者仅举几个例子加以探析。1.在纪念性现代建筑设计中的应用——以成吉思汗陵为例成吉思汗陵是典型的蒙古包建筑装饰艺术在纪念性现代建筑设计中应用最为成功的典范之一。它是蒙古族历史和成吉思汗丰功伟绩的纪念性建筑，最为突出的风格是具有蒙古包特色的陵墓建筑，给人一种庄严肃穆之感。在成吉思汗陵中，蒙古包建筑元素比比皆是，到处都体现了蒙古包建筑的艺术特点。（1）成陵的建筑设计情况。陵园牌楼的图案是用历史伟人名字雕刻而成的，颜色是乳白色。乳白色大门就像圣洁的哈达，因为在蒙古包建筑艺术中，白色象征着圣洁、吉祥和美好，这是用最高的礼节迎接远方的贵宾。然后是成吉思汗的铜像圆形广场。成吉思汗骑马出征的铜像树立在广场中间，让人一下就联想到当年成吉思汗纵横驰骋草原的英姿。九十九级吉祥台阶象征着九十九重天。成陵主体建筑主要由三座蒙古包式的宫殿组成，呈一字型排开，用白色走廊相连。这三种宫殿的顶部均为蒙古包式的圆顶，其中琉璃瓦基色为黄色，而蓝色琉璃瓦为云纹图案。圆顶下的正殿、东西殿分别为重檐、单檐蒙占包式穹庐顶，平面分别成八角形、不等边形，都是用蓝色琉璃瓦进行装饰的。从建筑下部墙面来看，主要是白色，而大门、窗棂为朱红色。整个成陵飞檐翘角，如展翅高飞的草原雄鹰，应与白色沉稳的花岗岩基座相配合，体现了雄伟、霸气的特点。（2）蒙古包建筑艺术在成陵的建筑设计中的应用分析。从装饰色彩来，成陵主要以蓝、自、红为主，并以黄色为点缀。黄色作为顶部的基色，并以天蓝色相配合，房檐以蒙古族崇拜的蓝色和代表尊贵地位的黄色相结合，不仅体现了蒙古族对天空的崇拜，而且彰显了成吉思汗至高无上的皇家显赫地位和身份。白色墙面和基座，红色门窗，形成了鲜明亮丽的色彩搭配效果。特别是黄色的点缀，成为运用得恰到好处的神来点睛之笔。从成陵的入口到结束，都始终将蒙古包建筑装饰艺术贯穿、融入其中，特别是主殿的设计，不论是图案还是颜色，都充分体现了蒙古包建筑装饰的艺术特色，它向我们证实了民族元素与现代技术的完美结合，能够创造更加完美的建筑艺术经典。2.在现代酒店建筑中的应用一一以内蒙古饭店为例在呼和浩特市内有一座非常著名的饭店，它就是内蒙古饭店。草原文化是内蒙古饭店室内设计最想表达的文化，具有十分明显的民族特色和地域特色。整个色彩非常鲜艳、亮丽，具有很大的跳跃，不论是室内陈设、家具摆设，还是软装饰，都充分体现了蒙古包建筑装饰元素。正是坚持蒙古元素与现代酒店设计相结合的理念，加上颇具特色的蒙古餐饮文化，形成了典雅、大气、爽快的氛围，不仅能享受到五星级服务，而且能充分领略到独特神秘的蒙古族文化。（1）在内蒙古饭店中的应用方法内蒙古饭店主要是将蒙古族建筑装饰元素与现代建筑设计相结合而成的杰出佳作。在大厅设计中的应用。其主色调是金色，给人一种金碧辉煌、大气磅礴、君临天下的帝王霸气。厅内净高9m，非常开阔，有两个天窗造型的顶部吊灯，小圆灯居中，连接的放射状顶杆，构成了圆形图案，体现了蒙古包向心、同心的装饰艺术效果。顶部多个小筒灯，就像满天繁星，犹如星光灿烂的蒙古大草原上面的天空。从大厅支柱来看，其装饰独具匠心，风格独特，柱头是蒙古武士浮雕图案，下垂的哈达造型，充分体现了蒙古族尚武英勇的传统，又表达了豪放、好客的寓意，是蒙古包建筑中象征形图案的成功运用典范作品。成吉思汗白玉浮雕置于大厅之中，后为百鸟朝凤图，代表着成吉思汗名字的由来和寓意。从整个大厅看，具有大气磅礴、宏伟壮观的气势，直观体现了蒙古建筑图案、色彩等装饰艺术特色，充分彰显了蒙古族崇拜影响、骁勇善战、豪放好客的民族精神，正是马背上民族的生动演绎。（2）成吉思汗金顶大帐餐厅这个餐厅是内蒙古饭店中最豪华的，其金顶造型就刚好彰显了这一特点。餐厅吊顶为圆形，穹庐内为九层金色斗拱，寓意着成吉思汗升到了若干个碧龙玉组成的九重天。采用透雕手法，透光石作为其底部，将红金同石纹图案镶在其中，用透雕手法的镶嵌其中，整个以金黄色为主，光彩夺目，造型独特，手法细腻。九层圆同心同向，一起集中聚焦一处，构成了金碧辉煌、大气豪迈的金顶。（3）额尔古纳蒙古茶吧这是一个用蒙古族母亲河命名的茶吧，寓意是用母亲河之水煮出浓郁芳香的奶茶来招待远方的贵客。顶部主要是蓝色和红色，展现出奔腾不息的河流。吊灯位于中心诶之，与炉火相呼应。由此可见，现代建筑设计的核心就是蒙古族的文化和精神。其游牧特色，增加了蒙古包建筑艺术的独特性。我们发展来说，还应该充分调动所有的科研力量，尤其是要重点加强和高校之间的合作，充分利用高校资源来进行研发。六、结语综上所述，在建筑工程项目的施工过程中，充分应用虚拟仿真技术是极为关键的一种手段，这种虚拟仿真技术的应用不仅仅能够在较大程度上提升其施工的质量，对于可能存在的一些施工质量影响因素进行预判，并且采取恰当的措施进行预防和控制，进而确保后续施工的顺利进行，此外，这种虚拟仿真技术的应用还能够在较大程度上有助于施工过程中成本以及进度的控制和管理，但是就当前我国现阶段虚拟仿真技术的应用来说，在技术水平以及专业化人员方面仍然存在着较大的不足和缺陷，这也就需要相应的研究人员和施工技术人员加强研究，多加实践，进而更好地促进建筑工程项目施工中虚拟仿真技术的应用。更多关于工程/服务/采购类的标书代写制作，提升中标率，您可以点击底部官网客服免费咨询：https://bid.lcyff.com/#/?source=bdzd

1、埃及等古代装饰风格的实用性借鉴；2、原始艺术的影响；3、舞台艺术的影响；4、汽车设计样式的影响；5、现代艺术流派的影响。（考试写这个绝对没问题啦！！）

法国“装饰艺术”运动的绘画、海报和时装插图装饰艺术运动风格在形式上是受到以下几个非常特别的因素影响而形成： 1898年前后，汽车被发明出来，很快成为重要的交通工具。20世纪初期，汽车被不少前卫人士视为未来的象征，速度感即是时代感。特别是第一次世界大战之后，对干汽车的热爱在设计师当中非常流行。不少20到30年代的海报、广告都采用汽车大赛作为主题，色彩鲜艳，构图明快，有强烈的时代感。汽车作为20世纪文明的新象征，启发了装饰艺术运动的设计师们大胆地采用现代工业文明的成果，作为自己的设计动机，在形式上和思想上都具有相当重要的启迪作用。形成自己独特的色彩系列装饰艺术具有鲜明强烈的色彩特征，与讲究典雅的以往各种设计风格的色彩计划大相径庭。在前述各种因素影响之下，形成了自己独特的色彩计划，特别重视强烈的原色和金属色彩，其中包括鲜红、鲜黄、鲜蓝、桔红和金属色系列（包括古铜、金、银等色彩）。装饰艺术风格的酒店设计，融合了很多阿拉伯元素装饰艺术运动在20世纪20年代兴起，到30年代成为一个国际性的流行设计风格，影响到建筑设计、室内设计、家具设计、工业产品设计、平面设计、纺织品设计和服装设计等等几乎设计的各个方面，是本世纪非常重要的一次设计运动。虽然主要的发展国家只是法国、美国和英国，但是这种风格却成为世界流行风格，甚至到远在东方的上海都可以找到装饰艺术风格的建筑和室内设计，可见其流行的广度。相比之下，“新艺术”运动虽然也遍及欧美，但是从影响的范围来看，地区性非常强，并且在很大程度上只是设计界的探索，很难成为一个比较统一的流行风格。可见，对装饰艺术风格的研究有特别重要的意义。装饰艺术风格之所以如此普及，原因之一是因为它本身的折衷立场为大批量生产提供了可能性。“新艺术”运动没有可能广泛普及，也正因为它的曲线、非几何形态造成了只能手工生产，不能大批量机械生产的状况。20世纪开始，人们己经注意到，如果希望某种风格能够得到普及，成为流行风格，批量生产的考虑是不能忽视的一个重要因素。装饰艺术运动是装饰运动在20世纪初的最后一次尝试，它采用手工艺和工业化的双重特点，采取设计上的折衷主义立场，设法把豪华的、奢侈的手工艺制作和代表未来的工业化特征合二为一，产生一种可以发展的新风格来。这场运动与世界的现代主义设计运动几乎是同时发生，也几乎同时于30年代后期在欧洲大陆结束，因而，在各个方面都受到现代主义的明显影响。但是，由于它主要强调为上层顾客服务的出发点，使得它与现代主义具有完全不同的意识形态立场，也正因为如此，所以装饰艺术运动没有能够在第二次世界大战之后再次得到发展，而基本成为史迹，只有现代主义成为真正的世界性设计运动。装饰艺术运动在装饰和设计手法上为我们提供了大量可资参考的重要资料，从材料的运用，到装饰的动机，直到产品的表面处理技术，无论哪一个方面，这个风格都有不少可以借鉴和学习的地方，它的东方和西方结合、人情化与机械化的结合的尝试，更是80年代的后现代主义时期重要的研究中心。从形式上看，20、30年代的这个设计运动的风格与80年代的后现代主义风格有千丝万缕的联系，从意识形态方面来说，也有类似的地方。因而，对于它的了解和研究，就更具有重要意义了。

很多,包括屋主的个人喜爱,地方风土人情,异国风情,历史文化艺术装饰,情调装饰,美化装饰,可以时尚也可以朴素大方,具体都要亲自咨询好屋主的性格要求特点去设计

　　装饰艺术运动是一个装饰艺术方面的运动，但同时影响了建筑设计的风格，它的名字来源于1925年在巴黎举行的世界博览会。当其在1920年代初成为欧洲主要的艺术风格时并未在美国流行，大约1928年，快到现代主义流行的1930年代前才在美国流行。ArtDeco这个词虽然在1925年的博览会创造，但直到1960年代对其再评估时才被广泛使用，其实践者并没有像风格统一的设计群落那样合作。　　Art Deco演变自十九世纪末的Art Nouveau（新艺术）运动，当时的Art Nouveau是资产阶级追求感性（如花草动物的形体）与异文化图案（如东方的书法与工艺品）的有机线条。Art Deco则结合了因工业文化所兴起的机械美学，以较机械式的、几何的、纯綷装饰的线条来表现，如扇形辐射状的太阳光、齿轮或流线型线条、对称简洁的几何构图等等，并以明亮且对比的颜色来彩绘，例如亮丽的红色、吓人的粉红色、电器类的蓝色、警报器的黄色，到探戈的橘色、及带有金属味的金色、银白色以及古铜色等等。同时，随着欧美帝国资本主义向外扩张，远东、中东、希腊、罗马、埃及与马雅等古老文化的物品或图腾，也都成了Art Deco装饰的素材来源，如埃及古墓的陪葬品、非洲木雕、希腊建筑的古典柱式等等。　　总之，Art Deco的装饰有下列几个主要的特征： 1.放射状的太阳光与喷泉形式：象征了新时代的黎明曙光。 2.摩天大楼退缩轮廓的线条：二十世纪的象征物。 3.速度、力量与飞行的象征物：交通运输上的新发展。 4.几何图形：象征了机械与科技解决了我们的问题。 5.新女人的形体：透露了女人赢得了社会上的自由权利。 6.打破常规的形式：取材自爵士、短裙与短发、震撼的舞蹈等等。 7.古老文化的形式：对埃及与中美洲等古老文明的想象。 8.明亮对比的色彩

　　“装饰艺术”运动（Art Deco）是在20 世纪20 到30 年代在法国、美国和英国等国家开展的一次风格非常特殊的设计运动。因为这场运动与欧洲的现代主义运动几乎同时发生与发展，因此，“装饰艺术”运动受到现代主义运动很大的影响，无论从材料的使用上，还是从设计的形式上，都可以明显看到这种影响的痕迹。但是，从思想发展的背景来看，从意识形态的角度来看，现代主义运动的民主色彩、社会主义背景，都从来没有在“装饰艺术”运动中发生过。“装饰艺术”，特别是法国的“装饰艺术”运动，在很大程度上依然是传统的设计运动，虽然在造型上、在色彩上、在装饰动机上有新的、现代的内容，但是它的服务对象依然是社会的上层，是少数的资产阶级权贵，这与强调设计民主化、强调设计的社会效应的现代主义立场是大相径庭的。因此，虽然这两场运动几乎同时发生，互相也有影响，特别是现代主义对于“装饰艺术”运动在形式上和材料上的影响，但是，它们属于两个不同的范畴，有各自的发展规律。　　20 世纪初，一批艺术家和设计师敏感地了解到新时代的必然性，他们不再回避机械形式，也不回避新的材料（比如钢铁、玻璃等等）。他们认为，英国的“工艺美术”运动和产生于法国，影响到西方各国的“新艺术”运动有一个致命缺陷，就是对于现代化和工业化形式的断然否定态度。时代已经不同了，现代化和工业化形式已经无可阻挡，与其回避它，还不如适应它。而采用大量的新的装饰动机使机械形式及现代特征变得更加自然和华贵，可以作为一条新的探索途径。这种认识，普遍存在于法国、美国、英国的一些设计家之间，特别是20 年代西方的普遍繁荣，美国更是高速发展，造成新的市场，为新的设计和艺术风格提供了生存和发展的机会。这一历史条件，促使新的试验的产生，其结果便是20 世纪初的另外一场重要的设计运动―“装饰艺术”运动。　　“装饰艺术”运动的名称出自1925 年在巴黎举办的一个大型展览：“装饰艺术”展览（The exposition des Arts Decoratifs）。这个展览旨在展示一种“新艺术”运动之后的建筑与装饰风格。该展览的名称，后常被用来特指一种特别的设计风格和一个特定的设计发展阶段。但是，“装饰艺术”这一术语，实际所指的并不仅是一种单纯的设计风格。和“新艺术”运动一样，它包括的范围相当广泛，从20 年代的色彩鲜艳的所谓爵士图案（Jass Patterns) ，到30 年代的流线型设计式样，从简单的英国化妆品包装到美国纽约洛克菲勒中心大厦的建筑，都可以说是属于这场运动的。它们之间虽有共性，但是个性更加强烈。因此，把“装饰艺术”单纯看作一种统一的设计风格是不恰当的。　　从思想和意识形态方面来看，“装饰艺术”运动是对矫饰的“新艺术”运动的一种反动。“新艺术”强调中世纪的、哥德式的、自然风格的装饰，强调手工艺的美，否定机械化时代特征；而“装饰艺术”运动恰恰是要反对古典主义的、自然（特别是有机形态）的、单纯手工艺的趋向，主张机械化的美。因而，“装饰艺术”风格具有更加积极的时代意义。另一方面，“装饰艺术”运动开展的时期，正是现代主义开展的时期，因此，无论这场运动多么强调装饰的效果-装饰正是现代主义反对的主要设计内容之一-但是，在设计上依然受到现代主义的很大影响。无论是在材料的运用上，还是设计主题的选择上，乃至于设计本身的特点上，这两种设计运动都有不少的内在关联。以往常常把“装饰艺术”视为与现代主义对立的设计运动来看，但现在的研究表明，它们之间有着千丝万缕的联系，特别是美国的工业设计与“装饰艺术”运动，有时简直难以截然划分开来。比如美国设计家雷蒙·罗维( Raymond Loewy) 1937 年为纽约世界博览会设计的“工业设计师办、公室”，就很难说是单纯的现代主义，还是“装饰艺术”风格；法国现代主义大师勒·科布西耶（Le corbusier）在20 世纪20 年代中期设计的家具，也是两种风格兼有。这都表明：“装饰艺术”与“现代主义”之间并不完全是矛盾的关系，在形式特征上，它们有着密切而复杂的关联。　　至于两者的区别，主要在于它们的产生动机和它们所代表的意识形态上。“装饰艺术”禀承了以法国为中心的欧美国家长期以来的设计传统立场：为富裕的上层阶级服务，因此它仍然是为权贵的设计，其对象是资产阶级；“现代主义”运动则强调设计为大众服务，特别是为低收入的无产阶级服务，因此它是左倾的、小知识分子理想主义的、乌托邦式的。　　西方有些设计理论家把“装饰艺术”运动称为“流行的现代主义”，或者“大众化的现代主义”，原因是因为它的风格在某些方面被用来设计大众化的流行的产品，比如批量化生产的钢管家具、汽车和摩天大楼等等。这种称谓很容易造成误解，因为“装饰艺术”风格的主要服务对象依然是社会中的权贵，而并不是大众。　　20 世纪60 年代以来，开始有越来越多的设计理论家把“装饰艺术”运动视为英国“工艺美术”运动和欧美的“新艺术”运动的延伸与发展。从装饰动机来看，或者从它强调的服务方向来看，这种观点当然无可厚非。但复杂性在于，这场运动主要的发展时期是第一次世界大战和第二次世界大战之间，而这也正是现代主义运动发展的主要阶段，因此，往往有混淆的情况。从名称上看，也有一定的混淆，比如在法国有人称这场运动和设计风格为“现代主义”( moderne ) ，也有人因为影响到这个风格的因素之一是美国的爵士音乐和表演，而把它称为爵士现代主义。但是，如果从意识形态的立场来看，“装饰艺术”运动强调为权贵服务的立场和现代主义运动强调为大众服务的社会主义立场之间依然是径渭分明的。　　“装饰艺术”运动风格在形式上是受到以下几个非常特别的因素影响而形成：　　l ）埃及等古代装饰风格的实用性借鉴　　英国产生的“工艺美术”运动和源起法国的“新艺术”运动都从中世纪风格、特别是哥德风格，以及日本装饰和自然风格当中寻找形式借鉴的营养，而“装饰艺术”则从古代埃及华贵的装饰特征中寻找借鉴。以前的两个设计运动，都以有机的、平面的、和谐的色彩为中心，基本否定单纯的几何形式和所谓的机械色彩-黑白色系列。1922 年，英国考古学家豪瓦特·卡特在埃及发现一个完全没有被扰乱过的古代帝王墓-图吞哈蒙（Tutankhamun）墓，大量的出土文物展示出一个绚丽的古典艺术世界，震动了欧洲的新进设计师们。那些3 ,300 年前的古物，特别是图坦卡蒙的金面具，具有简单的几何图形，使用金属色系列和黑白色彩系列，却达到高度装饰的效果，这给予设计师们强而有力的启示。古埃及时代非常普遍的建筑装饰图案，比如盛开的纸草形式的柱头（公元前1250 年卢索宫的柱子设计）、纸草和莲花交织组成的柱头（公元前106 年菲拉克岛皇室建筑），都是简单明快的从自然抽象出来的几何图案加以变形处理，相当壮观。这些设计动机是自日本风格传入欧洲以来的又一次重要的外来影响。　　2 ）原始艺术的影响　　20 世纪初以来，原始艺术的影响，特别是来自非洲和南美洲的原始部落艺术对于欧洲前卫艺术界的影响是非常大的。毕加索的《亚维农的少女》 就受到非洲原始艺术的影响；挪威艺术家爱德华·蒙克则在很大程度受到南美洲的原始部落文化影响。这种影响，同样在设计界得到深刻的反映。非洲部落舞蹈面具的象征性和夸张特点，非洲雕塑特别是木雕的明快简练，给了西方的艺术家和设计师们很大的启发。　　3 ）简单的几何外型　　自19 世纪中期的“工艺美术”运动以来，大部分的设计探索都是从有机的自然形态中找寻装饰的动机。因此，与大工业生产联系比较密切、具有强烈时代特征的简单几何外型自然就成为20 世纪20 年代设计家们热衷研究的中心。这些几何动机，究其来源依然是古典埃及、中美洲和南美洲的古代印第安人文化（比如玛雅、阿兹台克、印加文化），常用的几何图案包括有阳光放射型（sunbursis）、闪电型（lightning zuggyrates）、曲折型、重叠箭头型（chevrons）、星星闪烁型（starbursts）、阿兹台克放射型（Aztec-shape Plinths）、埃及金字塔型等等。　　4 ）舞台艺术的影响　　20 世纪初期，舞蹈，特别是芭蕾舞开始出现了与传统决裂的重大改革。这种改革，在芭蕾舞重要的中心之一的俄国己经有所发展。改革的内容体现在音乐、舞蹈编导、舞台设计、服装设计等等各个方面，俄国芭蕾舞团出国演出，也就把这种改革的影响带到外国。对于西方国家来说，影响主要是20 世纪初期来自俄国芭蕾舞团（Ballets Russes）的影响。俄国芭蕾舞的改革当时并不完善，由于这个芭蕾舞团来到巴黎以后，受到西方现代艺术大改革的气氛的影响，加速了变革，而这个变革又反应回设计上，导致新的设计风格的出现。这个俄国的芭蕾舞团在其领袖迪亚基列夫的领导下，于1902 年前后来到巴黎演出，并且从此定巴黎为基地。1909年该团演出了一系列非常前卫的芭蕾舞剧，包括斯特拉文斯基的《火鸟》、《春之祭》、《彼德罗什卡》，还有《蛇舞》（La nanse du Serpent）等。这些芭蕾舞的舞台设计和服装设计都非常前卫，大量采用金属色彩和强烈的色彩计划。比如由吉色尔编导的《蛇舞》，舞台服装是由这个芭蕾舞团的服装设计师设计的，服饰紧凑贴身，古铜色，效果非常强烈。俄国芭蕾舞团的总设计师是列昂·巴克斯特（Leon Bakst) ，他的设计不但影响到各国设计师，并且导致了法国时装设计的开始：法国第一位时装设计师保罗·布瓦列特的设计就是从他的舞台设计和服装设计中得到灵感的，布瓦列特成为法国1915 年到1925 年时装设计最重要的人物。事实上，法国时装设计，特别是布瓦列特设计的个性特征，对于“装饰艺术”运动也产生了非常强烈的影响。　　另外一种造成影响的舞台艺术风格是美国的爵士乐。20 年代和30 年代是美国黑人爵士音乐的高峰期，这种强烈的、节奏鲜明而特殊的美国民间音乐和它的表演方式，对于设计家来说是极为新鲜和富于感染力的。因此，它的节奏与特殊的韵律感，它的强烈的色彩，都通过设计得到一定的体现。　　5 ）汽车的影响　　1898 年前后，汽车被发明出来，很快成为重要的交通工具。20 世纪初期，汽车被不少前卫人士视为未来的象征，速度感即是时代感。特别是第一次世界大战之后，对干汽车的热爱在设计师当中非常流行。不少20 到30 年代的海报、广告都采用汽车大赛作为主题，色彩鲜艳，构图明快，有强烈的时代感。汽车作为20 世纪文明的新象征，启发了“装饰艺术”运动的设计师们大胆地采用现代工业文明的成果，作为自己的设计动机，在形式上和思想上都具有相当重要的启迪作用。　　6 ）形成自己独特的色彩系列　　“装饰艺术”具有鲜明强烈的色彩特征，与讲究典雅的以往各种设计风格的色彩计划大相径庭。在前述各种因素影响之下，形成了自己独特的色彩计划，特别重视强烈的原色和金属色彩，其中包括鲜红（brilliant reds）、鲜黄、鲜蓝( Lighting blue）、桔红和金属色系列（包括古铜、金、银等色彩）。　　“装饰艺术”运动是一场国际性设计运动，不少欧美国家都卷入其中，尤以法国、英国和美国的设计成果较具代表性。它同时还影响到许多欧洲国家，从大约1910 年前后开始，一直发展到1935 年前后为止，是20 世纪延续时间比较长的一个设计运动。　　"装饰艺术"运动是一场承上启下的运动，它既对"工艺美术"运动、"新艺术"运动的自然装饰、中世纪复古表示反对，而对于单调的工业化风格也加以批评。因此，虽然在装饰趋向上与前两个运动有相似之处，但是从承认工业化的角度来看，已很难说是它们的延续了；又由于强调装饰化，因此与同期开始在德国发起的现代主义也具有很大的区别。它是"新艺术"运动和现代主义运动之间的一场衔接，双方的特征都兼而有之，但却不是简单的重复或再现。"装饰艺术"的装饰特点，在20 世纪80 年代得到重新认识，并在后现代主义风格中再次受到重视。　　"装饰艺术"运动发起于法国巴黎，主要集中在豪华和奢侈的产品与艺术品设计上，比如家具、纺织品、金属制品、玻璃器皿、陶瓷、装饰雕塑、绘画、平面设计与海报、首饰设计等等。　　而当这种风格传入美国后，却比较多地应用在建筑设计、室内设计等规模比较宏大的公众性质的项目上。从纽约开始，逐步波及中西部和西海岸地区，对20 和30 年代的美国设计产生了巨大的影响，涵盖了汽车设计、工业产品设计、平面设计、舞台设计、电影设计等各个设计领域。　　"装饰艺术"运动在欧洲其它国家的发展则比较微弱，并且也没有能够产生它在法国和美国那样全面的影响力。由于"装饰艺术"风格因国而异，因此，必须对各个国家的运动发展状况和风格分布进行介绍，才能对它有一个总体的认识。下面就对卷入过这场设计运动的各国进行具体阐述。　　小结　　“装饰艺术”运动在20 世纪20 年代兴起，到30 年代成为一个国际性的流行设计风格，影响到建筑设计、室内设计、家具设计、工业产品设计、平面设计、纺织品设计和服装设计等等几乎设计的各个方面，是本世纪非常重要的一次设计运动。虽然主要的发展国家只是法国、美国和英国，但是这种风格却成为世界流行风格，甚至到远在东方的上海都可以找到“装饰艺术”风格的建筑和室内设计，可见其流行的广度。相比之下，“新艺术”运动虽然也遍及欧美，但是从影响的范围来看，地区性非常强，并且在很大程度上只是设计界的探索，很难成为一个比较统一的流行风格。可见，对“装饰艺术”风格的研究有特别重要的意义。　　“装饰艺术”风格之所以如此普及，原因之一是因为它本身的折衷立场为大批量生产提供了可能性。“新艺术”运动没有可能广泛普及，也正因为它的曲线、非几何形态造成了只能手工生产，不能大批量机械生产的状况。20 世纪开始，人们己经注意到，如果希望某种风格能够得到普及，成为流行风格，批量生产的考虑是不能忽视的一个重要因素。　　“装饰艺术”运动是装饰运动在20 世纪初的最后一次尝试，它采用手工艺和工业化的双重特点，采取设计上的折衷主义立场，设法把豪华的、奢侈的手工艺制作和代表未来的工业化特征合二为一，产生一种可以发展的新风格来。这场运动与世界的现代主义设计运动几乎是同时发生，也几乎同时于30 年代后期在欧洲大陆结束，因而，在各个方面都受到现代主义的明显影响。但是，由于它主要强调为上层顾客服务的出发点，使得它与现代主义具有完全不同的意识形态立场，也正因为如此，所以“装饰艺术”运动没有能够在第二次世界大战之后再次得到发展，而基本成为史迹，只有现代主义成为真正的世界性设计运动。　　“装饰艺术”运动在装饰和设计手法上为我们提供了大量可资参考的重要资料，从材料的运用，到装饰的动机，直到产品的表面处理技术，无论哪一个方面，这个风格都有不少可以借鉴和学习的地方，它的东方和西方结合、人情化与机械化的结合的尝试，更是80 年代的后现代主义时期重要的研究中心。从形式上看，20 、30 年代的这个设计运动的风格与80 年代的后现代主义风格有千丝万缕的联系，从意识形态方面来说，也有类似的地方。因而，对于它的了解和研究，就更具有重要意义了。

依附于某一主体的绘画或雕塑工艺。使被装饰的主体得到合乎其功利要求的美化。装饰艺术与人的日常生活联系广泛，结合紧密，如环境艺术设计、工业造型设计，日常用品装饰如服装、首饰、商品包装等等，几乎一切工艺领域均与装饰艺术有关。从其与装饰主体的关系看，它有双重性质。一方面它必须从属于主体，即装饰是从美感的角度来标明主体的特征、性质、功用以及价值。另一方面装饰艺术亦可从主体当中独立而出，显示出自己的审美价值，如中国古代汉墓中作为装饰的画像石、画像砖，它附属于整个墓室，与其浑然不可分离，然而，其精美、恢宏、古拙的画面完全可视为完美的艺术品。事实证明，其审美的意味有能超脱于主体性能和使用价值观念的趋向，从而具备了纯欣赏性的因素，导致了这些装饰性绘画与雕塑的独立。　　在区别于工艺设计的狭义的绘画与雕塑中使用或汲取装饰艺术的形式特点创作的作品，通常称为装饰风格或装饰风。它们是自成主体、有自己内涵的独立型艺术，其强烈的特征是其欣赏性更强，造型上有一定幅度的夸张变形，并呈图案化趋向，色彩上多重视平面空间的对比关系，与强调三维空间的透视、光影的性质相左。

　　“装饰艺术”运动（Art Deco）是在20 世纪20 到30 年代在法国、美国和英国等国家开展的一次风格非常特殊的设计运动。因为这场运动与欧洲的现代主义运动几乎同时发生与发展，因此，“装饰艺术”运动受到现代主义运动很大的影响，无论从材料的使用上，还是从设计的形式上，都可以明显看到这种影响的痕迹。但是，从思想发展的背景来看，从意识形态的角度来看，现代主义运动的民主色彩、社会主义背景，都从来没有在“装饰艺术”运动中发生过。“装饰艺术”，特别是法国的“装饰艺术”运动，在很大程度上依然是传统的设计运动，虽然在造型上、在色彩上、在装饰动机上有新的、现代的内容，但是它的服务对象依然是社会的上层，是少数的资产阶级权贵，这与强调设计民主化、强调设计的社会效应的现代主义立场是大相径庭的。因此，虽然这两场运动几乎同时发生，互相也有影响，特别是现代主义对于“装饰艺术”运动在形式上和材料上的影响，但是，它们属于两个不同的范畴，有各自的发展规律。　　20 世纪初，一批艺术家和设计师敏感地了解到新时代的必然性，他们不再回避机械形式，也不回避新的材料（比如钢铁、玻璃等等）。他们认为，英国的“工艺美术”运动和产生于法国，影响到西方各国的“新艺术”运动有一个致命缺陷，就是对于现代化和工业化形式的断然否定态度。时代已经不同了，现代化和工业化形式已经无可阻挡，与其回避它，还不如适应它。而采用大量的新的装饰动机使机械形式及现代特征变得更加自然和华贵，可以作为一条新的探索途径。这种认识，普遍存在于法国、美国、英国的一些设计家之间，特别是20 年代西方的普遍繁荣，美国更是高速发展，造成新的市场，为新的设计和艺术风格提供了生存和发展的机会。这一历史条件，促使新的试验的产生，其结果便是20 世纪初的另外一场重要的设计运动―“装饰艺术”运动。　　“装饰艺术”运动的名称出自1925 年在巴黎举办的一个大型展览：“装饰艺术”展览（The exposition des Arts Decoratifs）。这个展览旨在展示一种“新艺术”运动之后的建筑与装饰风格。该展览的名称，后常被用来特指一种特别的设计风格和一个特定的设计发展阶段。但是，“装饰艺术”这一术语，实际所指的并不仅是一种单纯的设计风格。和“新艺术”运动一样，它包括的范围相当广泛，从20 年代的色彩鲜艳的所谓爵士图案（Jass Patterns) ，到30 年代的流线型设计式样，从简单的英国化妆品包装到美国纽约洛克菲勒中心大厦的建筑，都可以说是属于这场运动的。它们之间虽有共性，但是个性更加强烈。因此，把“装饰艺术”单纯看作一种统一的设计风格是不恰当的。　　从思想和意识形态方面来看，“装饰艺术”运动是对矫饰的“新艺术”运动的一种反动。“新艺术”强调中世纪的、哥德式的、自然风格的装饰，强调手工艺的美，否定机械化时代特征；而“装饰艺术”运动恰恰是要反对古典主义的、自然（特别是有机形态）的、单纯手工艺的趋向，主张机械化的美。因而，“装饰艺术”风格具有更加积极的时代意义。另一方面，“装饰艺术”运动开展的时期，正是现代主义开展的时期，因此，无论这场运动多么强调装饰的效果-装饰正是现代主义反对的主要设计内容之一-但是，在设计上依然受到现代主义的很大影响。无论是在材料的运用上，还是设计主题的选择上，乃至于设计本身的特点上，这两种设计运动都有不少的内在关联。以往常常把“装饰艺术”视为与现代主义对立的设计运动来看，但现在的研究表明，它们之间有着千丝万缕的联系，特别是美国的工业设计与“装饰艺术”运动，有时简直难以截然划分开来。比如美国设计家雷蒙·罗维( Raymond Loewy) 1937 年为纽约世界博览会设计的“工业设计师办、公室”，就很难说是单纯的现代主义，还是“装饰艺术”风格；法国现代主义大师勒·科布西耶（Le corbusier）在20 世纪20 年代中期设计的家具，也是两种风格兼有。这都表明：“装饰艺术”与“现代主义”之间并不完全是矛盾的关系，在形式特征上，它们有着密切而复杂的关联。　　至于两者的区别，主要在于它们的产生动机和它们所代表的意识形态上。“装饰艺术”禀承了以法国为中心的欧美国家长期以来的设计传统立场：为富裕的上层阶级服务，因此它仍然是为权贵的设计，其对象是资产阶级；“现代主义”运动则强调设计为大众服务，特别是为低收入的无产阶级服务，因此它是左倾的、小知识分子理想主义的、乌托邦式的。　　西方有些设计理论家把“装饰艺术”运动称为“流行的现代主义”，或者“大众化的现代主义”，原因是因为它的风格在某些方面被用来设计大众化的流行的产品，比如批量化生产的钢管家具、汽车和摩天大楼等等。这种称谓很容易造成误解，因为“装饰艺术”风格的主要服务对象依然是社会中的权贵，而并不是大众。　　20 世纪60 年代以来，开始有越来越多的设计理论家把“装饰艺术”运动视为英国“工艺美术”运动和欧美的“新艺术”运动的延伸与发展。从装饰动机来看，或者从它强调的服务方向来看，这种观点当然无可厚非。但复杂性在于，这场运动主要的发展时期是第一次世界大战和第二次世界大战之间，而这也正是现代主义运动发展的主要阶段，因此，往往有混淆的情况。从名称上看，也有一定的混淆，比如在法国有人称这场运动和设计风格为“现代主义”( moderne ) ，也有人因为影响到这个风格的因素之一是美国的爵士音乐和表演，而把它称为爵士现代主义。但是，如果从意识形态的立场来看，“装饰艺术”运动强调为权贵服务的立场和现代主义运动强调为大众服务的社会主义立场之间依然是径渭分明的。　　“装饰艺术”运动风格在形式上是受到以下几个非常特别的因素影响而形成：　　l ）埃及等古代装饰风格的实用性借鉴　　英国产生的“工艺美术”运动和源起法国的“新艺术”运动都从中世纪风格、特别是哥德风格，以及日本装饰和自然风格当中寻找形式借鉴的营养，而“装饰艺术”则从古代埃及华贵的装饰特征中寻找借鉴。以前的两个设计运动，都以有机的、平面的、和谐的色彩为中心，基本否定单纯的几何形式和所谓的机械色彩-黑白色系列。1922 年，英国考古学家豪瓦特·卡特在埃及发现一个完全没有被扰乱过的古代帝王墓-图吞哈蒙（Tutankhamun）墓，大量的出土文物展示出一个绚丽的古典艺术世界，震动了欧洲的新进设计师们。那些3 ,300 年前的古物，特别是图坦卡蒙的金面具，具有简单的几何图形，使用金属色系列和黑白色彩系列，却达到高度装饰的效果，这给予设计师们强而有力的启示。古埃及时代非常普遍的建筑装饰图案，比如盛开的纸草形式的柱头（公元前1250 年卢索宫的柱子设计）、纸草和莲花交织组成的柱头（公元前106 年菲拉克岛皇室建筑），都是简单明快的从自然抽象出来的几何图案加以变形处理，相当壮观。这些设计动机是自日本风格传入欧洲以来的又一次重要的外来影响。　　2 ）原始艺术的影响　　20 世纪初以来，原始艺术的影响，特别是来自非洲和南美洲的原始部落艺术对于欧洲前卫艺术界的影响是非常大的。毕加索的《亚维农的少女》 就受到非洲原始艺术的影响；挪威艺术家爱德华·蒙克则在很大程度受到南美洲的原始部落文化影响。这种影响，同样在设计界得到深刻的反映。非洲部落舞蹈面具的象征性和夸张特点，非洲雕塑特别是木雕的明快简练，给了西方的艺术家和设计师们很大的启发。　　3 ）简单的几何外型　　自19 世纪中期的“工艺美术”运动以来，大部分的设计探索都是从有机的自然形态中找寻装饰的动机。因此，与大工业生产联系比较密切、具有强烈时代特征的简单几何外型自然就成为20 世纪20 年代设计家们热衷研究的中心。这些几何动机，究其来源依然是古典埃及、中美洲和南美洲的古代印第安人文化（比如玛雅、阿兹台克、印加文化），常用的几何图案包括有阳光放射型（sunbursis）、闪电型（lightning zuggyrates）、曲折型、重叠箭头型（chevrons）、星星闪烁型（starbursts）、阿兹台克放射型（Aztec-shape Plinths）、埃及金字塔型等等。　　4 ）舞台艺术的影响　　20 世纪初期，舞蹈，特别是芭蕾舞开始出现了与传统决裂的重大改革。这种改革，在芭蕾舞重要的中心之一的俄国己经有所发展。改革的内容体现在音乐、舞蹈编导、舞台设计、服装设计等等各个方面，俄国芭蕾舞团出国演出，也就把这种改革的影响带到外国。对于西方国家来说，影响主要是20 世纪初期来自俄国芭蕾舞团（Ballets Russes）的影响。俄国芭蕾舞的改革当时并不完善，由于这个芭蕾舞团来到巴黎以后，受到西方现代艺术大改革的气氛的影响，加速了变革，而这个变革又反应回设计上，导致新的设计风格的出现。这个俄国的芭蕾舞团在其领袖迪亚基列夫的领导下，于1902 年前后来到巴黎演出，并且从此定巴黎为基地。1909年该团演出了一系列非常前卫的芭蕾舞剧，包括斯特拉文斯基的《火鸟》、《春之祭》、《彼德罗什卡》，还有《蛇舞》（La nanse du Serpent）等。这些芭蕾舞的舞台设计和服装设计都非常前卫，大量采用金属色彩和强烈的色彩计划。比如由吉色尔编导的《蛇舞》，舞台服装是由这个芭蕾舞团的服装设计师设计的，服饰紧凑贴身，古铜色，效果非常强烈。俄国芭蕾舞团的总设计师是列昂·巴克斯特（Leon Bakst) ，他的设计不但影响到各国设计师，并且导致了法国时装设计的开始：法国第一位时装设计师保罗·布瓦列特的设计就是从他的舞台设计和服装设计中得到灵感的，布瓦列特成为法国1915 年到1925 年时装设计最重要的人物。事实上，法国时装设计，特别是布瓦列特设计的个性特征，对于“装饰艺术”运动也产生了非常强烈的影响。　　另外一种造成影响的舞台艺术风格是美国的爵士乐。20 年代和30 年代是美国黑人爵士音乐的高峰期，这种强烈的、节奏鲜明而特殊的美国民间音乐和它的表演方式，对于设计家来说是极为新鲜和富于感染力的。因此，它的节奏与特殊的韵律感，它的强烈的色彩，都通过设计得到一定的体现。　　5 ）汽车的影响　　1898 年前后，汽车被发明出来，很快成为重要的交通工具。20 世纪初期，汽车被不少前卫人士视为未来的象征，速度感即是时代感。特别是第一次世界大战之后，对干汽车的热爱在设计师当中非常流行。不少20 到30 年代的海报、广告都采用汽车大赛作为主题，色彩鲜艳，构图明快，有强烈的时代感。汽车作为20 世纪文明的新象征，启发了“装饰艺术”运动的设计师们大胆地采用现代工业文明的成果，作为自己的设计动机，在形式上和思想上都具有相当重要的启迪作用。　　6 ）形成自己独特的色彩系列　　“装饰艺术”具有鲜明强烈的色彩特征，与讲究典雅的以往各种设计风格的色彩计划大相径庭。在前述各种因素影响之下，形成了自己独特的色彩计划，特别重视强烈的原色和金属色彩，其中包括鲜红（brilliant reds）、鲜黄、鲜蓝( Lighting blue）、桔红和金属色系列（包括古铜、金、银等色彩）。　　“装饰艺术”运动是一场国际性设计运动，不少欧美国家都卷入其中，尤以法国、英国和美国的设计成果较具代表性。它同时还影响到许多欧洲国家，从大约1910 年前后开始，一直发展到1935 年前后为止，是20 世纪延续时间比较长的一个设计运动。　　"装饰艺术"运动是一场承上启下的运动，它既对"工艺美术"运动、"新艺术"运动的自然装饰、中世纪复古表示反对，而对于单调的工业化风格也加以批评。因此，虽然在装饰趋向上与前两个运动有相似之处，但是从承认工业化的角度来看，已很难说是它们的延续了；又由于强调装饰化，因此与同期开始在德国发起的现代主义也具有很大的区别。它是"新艺术"运动和现代主义运动之间的一场衔接，双方的特征都兼而有之，但却不是简单的重复或再现。"装饰艺术"的装饰特点，在20 世纪80 年代得到重新认识，并在后现代主义风格中再次受到重视。　　"装饰艺术"运动发起于法国巴黎，主要集中在豪华和奢侈的产品与艺术品设计上，比如家具、纺织品、金属制品、玻璃器皿、陶瓷、装饰雕塑、绘画、平面设计与海报、首饰设计等等。　　而当这种风格传入美国后，却比较多地应用在建筑设计、室内设计等规模比较宏大的公众性质的项目上。从纽约开始，逐步波及中西部和西海岸地区，对20 和30 年代的美国设计产生了巨大的影响，涵盖了汽车设计、工业产品设计、平面设计、舞台设计、电影设计等各个设计领域。　　"装饰艺术"运动在欧洲其它国家的发展则比较微弱，并且也没有能够产生它在法国和美国那样全面的影响力。由于"装饰艺术"风格因国而异，因此，必须对各个国家的运动发展状况和风格分布进行介绍，才能对它有一个总体的认识。下面就对卷入过这场设计运动的各国进行具体阐述。　　小结　　“装饰艺术”运动在20 世纪20 年代兴起，到30 年代成为一个国际性的流行设计风格，影响到建筑设计、室内设计、家具设计、工业产品设计、平面设计、纺织品设计和服装设计等等几乎设计的各个方面，是本世纪非常重要的一次设计运动。虽然主要的发展国家只是法国、美国和英国，但是这种风格却成为世界流行风格，甚至到远在东方的上海都可以找到“装饰艺术”风格的建筑和室内设计，可见其流行的广度。相比之下，“新艺术”运动虽然也遍及欧美，但是从影响的范围来看，地区性非常强，并且在很大程度上只是设计界的探索，很难成为一个比较统一的流行风格。可见，对“装饰艺术”风格的研究有特别重要的意义。　　“装饰艺术”风格之所以如此普及，原因之一是因为它本身的折衷立场为大批量生产提供了可能性。“新艺术”运动没有可能广泛普及，也正因为它的曲线、非几何形态造成了只能手工生产，不能大批量机械生产的状况。20 世纪开始，人们己经注意到，如果希望某种风格能够得到普及，成为流行风格，批量生产的考虑是不能忽视的一个重要因素。　　“装饰艺术”运动是装饰运动在20 世纪初的最后一次尝试，它采用手工艺和工业化的双重特点，采取设计上的折衷主义立场，设法把豪华的、奢侈的手工艺制作和代表未来的工业化特征合二为一，产生一种可以发展的新风格来。这场运动与世界的现代主义设计运动几乎是同时发生，也几乎同时于30 年代后期在欧洲大陆结束，因而，在各个方面都受到现代主义的明显影响。但是，由于它主要强调为上层顾客服务的出发点，使得它与现代主义具有完全不同的意识形态立场，也正因为如此，所以“装饰艺术”运动没有能够在第二次世界大战之后再次得到发展，而基本成为史迹，只有现代主义成为真正的世界性设计运动。　　“装饰艺术”运动在装饰和设计手法上为我们提供了大量可资参考的重要资料，从材料的运用，到装饰的动机，直到产品的表面处理技术，无论哪一个方面，这个风格都有不少可以借鉴和学习的地方，它的东方和西方结合、人情化与机械化的结合的尝试，更是80 年代的后现代主义时期重要的研究中心。从形式上看，20 、30 年代的这个设计运动的风格与80 年代的后现代主义风格有千丝万缕的联系，从意识形态方面来说，也有类似的地方。因而，对于它的了解和研究，就更具有重要意义了。

追求浪漫对吗

空间装饰艺术研究与探讨 　　随着人类生活方式、追求文化的理念不同，材料的艺术性以不同的工艺手段表现出来。那么，空间装饰艺术有什么发展与创新呢？ 　　早在远古时代，人们就意识到装饰性和功能性同样重要。随着时间的推移和时代的变化，现在装饰的含义已经从美化自身扩展到美化周边环境和美化公共空间环境，人们已经离不开装饰，这其中装饰材料是装饰的主要载体，它能体现艺术的表达效果和人们的精神向往，其重要性不言而喻。 　　一、认识公共空间装饰艺术材料 　　材料在公共空间装饰艺术既是功能性又是审美性的体现主体。装饰材料是指装修各类建筑物以提高其功能性和美观性，保护主体结构在各种环境因素下的稳定性和耐久性的建筑材料及其制品，又称装修材料、饰面材料。主要有木、石、砖、瓦、水泥、玻璃、陶瓷、油漆涂料、纸、金属、塑料、织物等，还包括各种复合制品。不同的材料给公共空间装饰艺术带来了无穷的变幻和无尽的魅力。 　　1、公共空间装饰艺术的发展演变 　　人类最早的装饰是从原始社会就开始了的，最早的艺术行为就是在日常使用石器上雕刻上飞禽走兽的图案，也是人类最早的装饰行为。公共空间装饰艺术经历了不同时期的由简到精的变化，这种变化可以从材料中体现出来。 　　2、从墙面装饰材料的演变看装饰艺术材料的发展 　　以墙面装饰材料的演变为例，人类文明初期，泥、土、石等是最原始、自然的建筑墙材。后来白灰的出现解决了泥、土、石等材料会使房间暗淡的缺点。但是，由于白灰易掉粉，经常弄脏衣物，人们开始发现新的材料，仿瓷成为代替白灰的墙面装饰物。但是仿瓷不耐水，脏之后无法处理，于是，耐水性的水性漆、乳胶漆、液态涂料等墙面装饰物逐渐生产出来，进入了人们的视野。随着人们环保意识的不断提高，以及现代工业、电子科技的不断进步，天然的健康涂料无机干粉硅藻泥、海藻泥涂料等成为人们对墙面装饰材料的更高要求。此外，天然、健康的装饰材料也将成为今后一段时间的发展方向。 　　二、对公共空间装饰艺术的材料分析 　　发挥每种材料的长处，根据环境条件恰当选择所需材料，做到才尽其用，才能满足公共空间装饰艺术的设计要求并达到预期效果。材料的审美性。材料的功能性决定了材料的审美性，审美性在一定程度上又加强了材料的功能性。材料的审美性就是要重视视觉、听觉，质地的手感(触觉)的美感，尤其要满足人们愉悦和舒适的体验。为此，可以利用材料的审美性巧妙地分割空间，如根据材质软硬，纹理的粗细，或者利用错觉，在实用中体现一种艺术性的巧妙。对材料进行雕刻、镶嵌、绘画等工艺手段也会使空间熠熠生辉，给人们带来视觉的美感和韵味。各种材质形状、纹理、色泽、质感不同，能引起不同的联想，产生不同的视觉效果。材料通过设计师赋予其丰富和多变的意境，可以利用各种不同的装饰工艺材料来塑造、加工成多种多样形式的装饰形体，用以优化调节和丰富空间环境，与空间构成虚与实、分与散、动与静的实体空间和视觉空间。现代装饰材料丰富多样，工艺创意多姿多彩，提供了更多的意境表现。例如，木质装饰材料给人以淳朴、典雅、温馨的质感，它作为一种天然材料，给人清新、自然的意境感受。金属材料具有刚强、冷峻的高科技现代感，表现出的是前卫、时尚的意境，与木质材料形成对比感觉。装饰塑料制品使用面广，造型能做到复杂中不失变化，有一种随行的`意境。石头坚硬，锐利的特质，给人以神圣、永恒的意境。有些材料给人冰冷和坚毅的感觉，如大理石、不锈钢等;有些材料给人亲切柔和的感觉，如地毯、纺织面料等。有些材料在视觉上给人以硬度上的差异感，如金属和水泥材料与木材和塑料的硬度对比。此外，材料的色彩、质感、线条的不同，也会呈现出不同的装饰效果。 　　三、公共空间装饰艺术的构成中的材料选择 　　材料是实现空间装饰艺术艺术性和实用性的基础。古语有云“工欲善其事，必先利其器”，也就是说要达到好的装饰艺术效果，就必须熟悉每种材质的特性，然后选择合适的材质进行创作和加工，最后制定出综合材质的创作设计方案，用来表达自己的创作思想。随着人类社会生产力提高以及人们知识经验的不断积累，自然材料的使用范围已经越来越广泛。 　　四、公共空间装饰艺术材料的现状及发展趋势 　　目前，艺术与实用、经济、人性化的关系有待更好处理;城市建设不同程度地破坏了自然原生环境与人文环境;我国新型环保材料的运用与欧美国家还存在很大差距。这些都是我国公共空间装饰艺术中的现状问题，这些问题的出现和改善都被体现在材料上。随着科学技术的进步，新材料越来越多的涌现出来。新材料的出现看似掩盖了旧材料的存在，其实不然，那些原始材料的性能还是被保留下来，只是在原有材料基础上有了新的改进，使其能更加与时俱进地体现现代人的生活理念和构想。 　　1、公共空间装饰艺术中材料的实用性趋势 　　新的材料在原有的基本功能上有了新突破。在能够满足人们基本生存需要的基础上，正在向智能性、科技性和时代性的趋势发展。例如，液体壁纸、天然无水粉刷石膏、仿古琉璃轻质屋面瓦等，都是在原有旧材料功能的基础上通过科技手段创造出新的功能，从而更加适应现代生活和活动环境，给人类带来新的享受和乐趣。 　　2、公共空间装饰艺术中材料的审美性趋势 　　随着人类生活方式、追求文化的理念不同，材料的艺术性以不同的工艺手段表现出来。从过去简单的机械、统一风格，逐渐向多元化、自然化风格过渡。法国家具设计师萨穆尔宾的作品具有强烈的自然主义倾向，模仿植物形态和结构。这样的作品将成为今后一段时间材料审美趋向的方向。 　　3、装饰材料的选择趋势 　　随着社会多元化的发展，信息交流无距离，文化发展无国界，从而，对装饰材料的选择也趋于多元化，在兼具实用性和审美性的同时，还会考虑材料的以下性能。 　　首先，就目前现状，城市建设不同程度地破坏了自然原生环境与人文环境，决定了人们在选择材料上将更注重对生态环境的保护和身体健康的关注，材料选择多以环保和舒适、健康为准。其次，随着人们对空间装饰要求的不断提升以及信息技术的发展，对材料的选择趋于自动化和智能化。 　　由于现代人生活节奏较快，生活压力较大，渴望在日趋繁忙的工作中和工作之余享受一份放松和简单，所以，对装饰艺术追求一种简洁的、能回归自然的风格。在公共空间装饰艺术中，对材料的审美性要求也趋于简洁、自然，以简洁来弥补生活过于充实的空间，追求简单和自然的心理。 　　【参考文献】 　　[1]王淮梁.装饰材料应用与设计[M].中国建筑工业出版社,2007,9. ;

基本分为室内装饰和室外装饰。一般大学课程里这两种都要学习的。

装饰艺术decoration art 依附于某一主体的绘画或雕塑工艺。使被装饰的主体得到合乎其功利要求的美化。装饰艺术与人的日常生活联系广泛，结合紧密，如环境艺术设计、工业造型设计，日常用品装饰如服装、首饰、商品包装等等，几乎一切工艺领域均与装饰艺术有关。从其与装饰主体的关系看，它有双重性质。一方面它必须从属于主体，即装饰是从美感的角度来标明主体的特征、性质、功用以及价值。另一方面装饰艺术亦可从主体当中独立而出，显示出自己的审美价值，如中国古代汉墓中作为装饰的画像石、画像砖，它附属于整个墓室，与其浑然不可分离，然而，其精美、恢宏、古拙的画面完全可视为完美的艺术品。事实证明，其审美的意味有能超脱于主体性能和使用价值观念的趋向，从而具备了纯欣赏性的因素，导致了这些装饰性绘画与雕塑的独立。 在区别于工艺设计的狭义的绘画与雕塑中使用或汲取装饰艺术的形式特点创作的作品，通常称为装饰风格或装饰风。它们是自成主体、有自己内涵的独立型艺术，其强烈的特征是其欣赏性更强，造型上有一定幅度的夸张变形，并呈图案化趋向，色彩上多重视平面空间的对比关系，与强调三维空间的透视、光影的性质相左。现代主义 “现代主义”这个术语常常被用来谈论19世纪末到20世纪的文学艺术。它标明了一种不同于以往任何时期的文学精神气质或“现代的感受性”，是象征主义、未来主义、意象主义、表现主义、意识流、超现实主义等诸种流派的总称。与许多文论术语的演变相似，最早的“现代主义”也是一个带有批评和嘲讽意味的贬义词。根据卡林内斯库的研究，1755年，塞缪尔·约翰逊把现代主义作为斯威夫特创造的新词收入《英语语言词典》里。斯威夫特在致蒲柏的一封信中说：“蹩脚文人以拙劣的减省和古怪的现代主义，带给我们这些用散文和诗写成的垃圾。”到19世纪末，这个词的使用从贬义转向中性化，在20世纪20年代之后被广泛接受并获得了合法性。鲁文·达里奥是把“现代主义”作为褒义词使用并用以指称现代美学革命的第一人，早在1888年，他就用“表现手法彻底现代主义”来赞扬墨西哥作家卡里多·贡特雷拉斯。[1]在现代西方的文论与批评中，现代主义这个术语大致有五种用法：①一种美学倾向；②一种创作精神；③一场文学运动；④一个松散的流派的总称；⑤一种创作原则或创作方法。这些用法有各自的偏重，但共同之处均把现代主义的含义界定为现实主义的反动。正如彼得·福克纳所说：“现代主义是艺术摆脱19世纪诸种假定的历史进程的一部分，那些假定似乎随着时光移易已经变为僵死的常规了。”[2] 在20世纪中国文学史中，曾经出现四次引进与发展现代主义文学的高潮：即五四时期、30、40年代、50、60年代台湾时期和80年代的新时期。五四时期没有“现代主义”这个语词，甚至“现代”一词也很少见。人们普遍用“新”字来表达现代性的诉求，如《新青年》、《新潮》或者“新文学”、“新文化”等等，而最初现代主义正是以“新浪漫主义”的名义进入中国文论的视野和论域的。周作人、茅盾、郭沫若、田汉和胡适等人都不约而同地把19世纪末20世纪初的象征主义、表现主义、神秘主义等文学流派统称为“新浪漫主义”。这个命名有三点值得注意：①它显然是五四进化论文学史观的一个产品。在周作人的《欧洲文学史》(1918)里，文艺复兴以来的欧洲文学史被描述为：从重情思的第一传奇主义到偏重理性的第一古典主义(Classicism)；从十九世纪初，传奇主义的复兴到写实主义的反动，19世纪末到20世纪初出现的自然是反写实主义的“新传奇主义”了。茅盾同样把西洋文学史概括为：古典——浪漫——写实——新浪漫……的变迁。在《我对于介绍西洋文学的意见》中，茅盾在文学进化论的框架里找到了“新浪漫主义”的位置：“西洋古典主义的文学到卢骚方才打破，浪漫主义到易卜生告终，自然主义从左拉起，新表象主义是梅德林开起头来。一直到现在的新浪漫派，……从主观到客观，又从客观变回到主观，却已不是从前的主观，这期间进化的次序不是一步可以上天的。”在他的视野中，新出现的事物就是进步的好的，所以“能帮助新思潮的文学该是新浪漫的文学，能引我们到真切人生观的文学该是新浪漫的文学。”[3] ②五四文论把现代主义看作浪漫主义的现代变奏，认为两者都偏重主观，但时人对新浪漫主义的“新”并没有深刻的理解。田汉有些含糊地说：“新罗曼主义的文学，是不执着于现实，而又离不开现实的文学。”与旧浪漫主义相比，它“不在天国，而在地上；不在梦乡，而在现实。”[4] ③从个性主义与人的解放的启蒙语境出发关注新浪漫主义。在鲁迅的早期文论《文化偏至论》、《摩罗诗力说》中，拜伦、雪莱等浪漫主义精神和尼采、叔本华、施蒂纳以及基尔克郭尔的新浪漫哲学融为一炉，都被视为重振“社会元气”、“立人”然后“立国”的重要思想支援。总之，在五四文论中，现代主义大抵被置于启蒙现代性的框架里给予理解与阐释。同时，现代主义的诸种流派和表现方法如象征主义、表现主义、为美主义、心理分析等得到较为充分的关注。却忽视了现代主义反启蒙现代性以及抽象超验的一面。人们对“新浪漫主义”神秘、空虚和脱离社会现实也有所警惕。胡适曾经提醒人们注意，西方新浪漫主义只有经过写实主义的洗礼才不会产生“空虚的坏处”；鲁迅在《热风》中也对尼采产生太过渺茫的感觉。“事实上，在20年代的中国，现代主义各流派所挣得的不过是某种方法或技法的地位。”[5] “现代”一词在20年代出现，30至40年代流行。如陈西滢编的《现代评论》、叶灵凤、穆时英编辑的《现代小说》、《现代文艺》和施蛰存的《现代》杂志等等。陈源的《闲话》一书的广告言“徐丹甫先生在《学灯》里说：‘北京究是新文学的策源地，根深蒂固，隐隐然执全国文艺界的牛耳。"究竟什么是北京文艺界？质言之，前一两年的北京文艺界，便是现代派和语丝派交战的场所。鲁迅先生（语丝派首领）所仗的大义，他的战略，读过《华盖集》的人，想必已经认识了。但是现代派的义旗，和它的主将――西滢先生的战略，我们还没有明了。现在我们特地和西滢先生商量，把《闲话》选集起来，印成专书，留心文艺界掌故的人，想必都可以先睹为快。”鲁迅为此写了《革“首领”》予以回应：“现代派的文艺，我一向没有留心，《华盖集》里从何提起。只有某女士窃取‘琵亚词侣"的画的时候，《语丝》上（也许是《京报副刊》）上有人说过几句话，后来看‘现代派"的口风，仿佛以为这话是我写的。”[6]在陈源和鲁迅的论争中，“现代派”一词已经正式出现。 施蛰存在谈到《现代》中的诗歌时说：“他们是现代人在现代生活中所感受到的现代的情绪，用现代的词藻排列成的现代的诗行。所谓现代生活，这里面包含着各式各样独特的形态：汇集着大船舶的港湾，轰响着噪音的工场，深入地下的矿坑，奏着Jazz乐的舞场，摩天楼的百货店，……甚至连自然景物也与前代的不同了。”[7]从“新”到“现代”的语词转换表明人们对现代主义概念有了进一步的理解:①现代主义被看作“现代情绪”、“现代感兴”和“都市感性”的表征，它与现代人对现代都市生活和物质文明的主观体验相关；②对西方现代主义精神特征和产生的社会背景有了较深入的了解。现代主义“对科学渐起怀疑，而趋向到主观的感觉上去求一切的解决。”“世纪末，一般小有产者愈受资本主义发达及都市发展的威胁，而在生活上诱起了极端的神经行，这种不安的神经性遂幻想出背后另有一种不可抗衡的力量在支配着他们，而使他们无法摆脱……”因此产生出与自然主义色调不同的新浪漫派来；[8] ③施蛰存的“现代的诗形”、穆木天的“心境主义”、梁宗岱的“纯诗”、穆时英的“都市蒙太奇”以及徐訏的“唯美主义”等论述都从各个层面具体阐释了“现代”概念。1935年孙作云《论“现代派”诗》把新诗发展分为三个阶段：郭沫若时代，闻一多时代和戴望舒时代。他把《现代》杂志的诗歌称为“现代派诗”：戴望舒、施蛰存等代表的“这一派的诗还在生长，只有一种共同的倾向，而无显明的旗帜，所以只好用‘现代派诗"名之，因为这一类的诗多发表于现代杂志上。”[9] 四十年代的“九叶诗派”自称为“一群自觉的现代主义者”。陈敬容说“目前中国新诗还在捡拾浪漫派、象征派的渣滓”，这显然表达了九叶诗人超越象征主义而向成熟的现代主义推进的自我期许；九叶的诗论家袁可嘉提出“新诗现代化”的主张，从诗的本体论、有机综合论、诗的戏剧化等方面阐释诗歌现代主义的内涵。后来他这样理解中国新诗史：从浪漫主义经过象征主义然后推进到“中国式的现代主义”。[10]的确，这一时期的现代主义要更贴近中国现实融入更多的中国传统因素，如钱钟书的《围城》以及张爱玲的小说等等。 然而，50年代以后，这种有益的探索完全停止了，现代派被称为“资产阶级颓废主义”而遭到了排斥和批判，人们普遍把现代主义视为资产阶级的洪水猛兽。袁可嘉1960年发表《托·史·艾略特――美英帝国主义的御用文阀》等文从政治上否定现代派就是其中一个个案。茅盾的《夜读偶记》不仅确立了现实主义的绝对权威，而且把现代主义彻底打入冷宫。在他看来，现代主义的形式是“抽象的形式主义”，哲学基础则是非理性的“主观唯心主义”，而且是19世纪末以来“主观唯心主义”中最反动的流派。这代表了那一时期人们对现代主义概念的基本态度。但“现代主义”却在海峡彼岸获得了充分的发展。《现代》杂志诗人之一的路易士易名为纪弦从大陆带去现代派的种子，50年代在台湾创办《现代诗》和现代派诗社，提出了现代主义的“六大信条”，并宣称：“我们是有所扬弃并发扬光大地包含了自波德莱尔以降一切新兴诗派之精神与要素的现代派之一群。”[11]《与现代诗派“横的移殖”和知性主义相对，覃子豪领导的“蓝星”则摄取了现代派较温和的一面，合并大陆当时较抒情的新月派的风格。从纪弦的西化现代主义到“创世纪”的超现实主义与禅宗美学的结合以及80年代后的大中国诗观，“现代主义”概念的中国化在现代诗领域有了更深入的实践。在小说领域，1960年创刊的《现代文学》强调艺术实验和创新，认为旧有的艺术形式和风格不足于表现现代人的艺术感情，所以必须实验、摸索、创造新的艺术形式和风格。白先永、王文兴推进了中文小说的现代主义进程，前者延续了张爱玲古典与现代结合的传统，后者是一个艺术的世界主义者，并且把现代主义的实验精神推向某种极端。 在70年代中后期的乡土文学论战中，海峡彼岸的现代主义概念也受到广泛的置疑和批判，许多人认为现代主义脱离现实、民族传统，是对西方现代派模仿的模仿、亚流的亚流，陈映真甚至嗅出西方文化殖民主义的意味。80年代以后，现代主义概念融入多元化的文学思潮中逐渐消退，却又在大陆新时期文学中重新登场亮相并在激烈的论争中获得了美学合法性。在与世界隔绝了多年以后，人们急切地把目光投向世界文学尤其是西方的现代派文学，许多作家也开始引进一些新的表现形式。这些开放的尝试必然触动整个美学意识形态，引发关于现代主义的论争。徐迟的《文学与“现代化”》（1978）和《现代化与现代派》（1982年）提出与现代化建设相适应的“文学现代化”概念，认为现代派是新时期文学发展的道路：“不久将来我国必然要出现社会主义的现代化建设，最终仍将给我们带来建立在革命的现实主义和革命的浪漫主义的两结合基础上的现代派文艺。”[12]这是使“现代主义”合法化的最初尝试，它把“中国要不要现代主义”问题摆在人们面前。谢冕、孙绍振的“崛起”有力地挑战了长期占统治地位的现实主义诗学成规；高行健的《现代小说技巧初探》和冯骥才、李陀、刘心武关于现代派的通信共同认为：“现代派是历史的反映和时代的产物”，“中国文学需要现代派”，现代派具有文学革命的意义。尽管这些观念受到现实主义美学意识形态的猛烈抵抗，但现代主义这个概念还是在“朦胧诗”大潮和意识流小说的实践中感性地出现在人们面前。随后的一些争论，如现代主义的技巧与内容是否可以剥离、“伪现代派”之争等等都是80年代初论战的余韵与深化。当刘索拉被一些人称为“真正的现代派小说”《你别无选择》发表，残雪把非理性超现实推到极端，而马原开始玩弄“叙述圈套”时，现代主义概念也就完全合法化、正典化了。它已经成为“中国新文学的一脉传统”。[13] [1]卡林内斯库《现代性的五副面孔》第77－79页，顾爱彬、李瑞华译，商务印书馆2002年版 [2]彼得·福克纳《现代主义》第5页，付礼军译，昆仑出版社1989年版 [3]《茅盾全集》第18卷，第44页，人民出版社1989年版 [4]田汉《新罗曼主义及其他》《少年中国》第一卷第一二期 [5][13]朱寿桐《中国现代主义文学史》上卷第116页，第2页，江苏教育出版社1998年版 [6] 鲁迅《而已集·革“首领”》《鲁迅全集》第三卷，第471－472页人民文学出版社1998年版） [7]《现代》第4卷第一期 [8]沈起予《什么是新浪漫主义》《文学百题》生活书店1935年版[9] [10]袁可嘉《欧美现代派文学概论》第95页上海文艺出版社1993年版 [9] 孙作云《论“现代派”诗》《清华周刊》43卷1期1935年5月15日 [11]《现代诗》1956年2月第13期 [12]徐迟《现代化与现代派》《西方现代派文学问题论争集》下第399页，人民文学出版社1984年版 艾琳·格瑞（Eileen Gray,1879-1976）作为20世纪的一位先驱建筑师，对现代家具设计贡献非常突出，格瑞生于爱尔兰一个富足而又充满艺术气氛的家庭，幼年即表现出强烈个性和和对自己喜欢事情的顽强执着精神。格瑞19岁时进入当地的艺术学校学习绘画，4年后随全家移居巴黎，继续学习绘画。在巴黎格瑞很快对漆艺发生浓厚的兴趣，在几位著名的漆艺家的指导下，尤其是一位日报旅法的漆艺家的高超技艺对她影响都很大，格瑞很快就掌握了漆艺基本技法，随后成为第一代现代漆艺著名大师之一，近几年的收藏市场对格瑞早年的漆艺作品表现出了超常规的狂热。在制作漆艺作品的同时，格瑞几乎完全通过自学，并时常与当代设计运动的先锋人物如柯布西耶等交往，最后成为非常杰出的家具设计师。第一次世界大战期间，格瑞主要在伦敦度过，并于1918年回到巴黎。从1919年开始格瑞的设计领域扩展到室内，并于1922年开办了自己的展示厅，同年又与荷兰“风格派”艺术设计团体时有接触，1923年，格瑞的家具及室内设计受到荷兰著名建筑师奥德（J.J.P.oud）和包豪斯首任校长格林皮乌斯的高度赞扬，由此引起世界的注意。此后格瑞又将她的设计领域扩展到建筑设计，很快成为一名优秀的女建筑师，并于1937年在柯布西耶主办的巴黎建筑展览会上展出她的家具设计和建筑设计的作品，引起轰动，尤其她的几件高雅而独特的家具作品自此成为现代家具设计史上里程碑式的作品。格瑞的家具设计几乎完全摈弃了历史因素而成为传达现代家具设计的强烈信号，他坚信机器时代的设计应该有它全新的面目，她20年代设计的两件面目独特的折叠椅与所有的历史先例毫无联系，完全是一种独立思考的创新。同当时的大多数现代设计师一样，格瑞的许多家具都是为他人的现代建筑空间专门设计的。以上希望有你想要找的.......

装饰艺术派善于运用多层次的几何线型及图案，重点装饰于建筑内外门窗线脚、檐口及建筑腰线、顶角线等部位。上海早年建造的老锦江宾馆及和平饭店等建筑的内外装饰，均为装饰艺术派的手法。室内设计不同艺术风格和流派的产生、发展和变换，既是建筑艺术历史文脉的延续和发展，具有深刻的社会发展历史和文化的内涵，同时也必将极大地丰富人们与之朝夕相处活动于其间时的精神生活。

以简洁的表现形式来满足人们对空间环境那种感性的、本能的和理性的需求，这是当今国际社会流行的设计风格－－简洁明快的简约主义。而现代人快节奏、高频率、满负荷，已让人到了无可复加的接受地步。人们在这日趋繁忙的生活中，渴望得到一种能彻底放松、以简洁和纯净来调节转换精神的空间，这是人们在互补意识支配下，所产生的亟欲摆脱繁琐、复杂、追求简单和自然的心理.关于更多装饰艺术风格和家装方面的问题可以上武汉家装在线网。武汉家装在线网创建于2008年，现已是湖北最大的装饰、建材、家居行业门户网站，开设有：装饰公司、建材企业、样板房、装修指南、设计指南、建材商城、装饰专区、供求信息、装饰论坛、设计师、招标信息、客户服务等栏目。致力于为装饰、建材、家居行业提供全方位、专业化的网络服务。

中国古建筑的装饰艺术，如木雕、石刻、砖雕、琉璃、彩画、壁画、塑饰、镶嵌、堆叠等等，皆独具一格，成就很高。这些都是古代艺术遗产的一部分，对于研究艺术发展史创造社会主义新艺术，都有重要的价值，其中许多技艺、技巧和经验，千百年来不断地为人们所继承和借鉴。

我国传统装饰艺术很多，除了卷草纹，还有回字纹、卐字纹、如意纹、祥云纹、梅兰竹菊、五福捧寿、喜上眉梢、凤穿牡丹、龙纹、凤纹、西番莲纹、麒麟纹、八仙过海纹、灵芝纹、冰裂纹等等。传统装饰艺术对现代装饰艺术设计风格有哪些影响传统装饰艺术对现代设计的影响是深远的，主要体现在以下四个方面：传统装饰艺术奠定了现代设计的基础，提供了现代设计的元素，丰富了现代设计的内涵，指引了现代设计的潮流。

以简洁的表现形式来满足人们对空间环境那种感性的、本能的和理性的需求，这是当今国际社会流行的设计风格－－简洁明快的简约主义。而现代人快节奏、高频率、满负荷，已让人到了无可复加的接受地步。人们在这日趋繁忙的生活中，渴望得到一种能彻底放松、以简洁和纯净来调节转换精神的空间，这是人们在互补意识支配下，所产生的亟欲摆脱繁琐、复杂、追求简单和自然的心理.更多地表现了地域文化、习俗，引向多元化风格。 后现代主义特别有一种现代主义纯理性的逆反心理，后现代风格强调建筑及室内设计应具有历史的延续性，但又不拘泥于传统的逻辑思维方式，探索创新造型手法，讲究人情味，常在室内设置夸张、变形、柱式和断裂的拱券，或把古典构件的抽象形式以新的手法组合一起，即采用非传统的混合、叠加、错位、裂变等手法和象征、隐喻等手段，以期创造一种融感性与理性、集传统与现代、糅大众和行家于一体的即“亦此亦彼”的建筑和室内环境。

以简洁的表现形式来满足人们对空间环境那种感性的、本能的和理性的需求，这是当今国际社会流行的设计风格－－简洁明快的简约主义。而现代人快节奏、高频率、满负荷，已让人到了无可复加的接受地步。人们在这日趋繁忙的生活中，渴望得到一种能彻底放松、以简洁和纯净来调节转换精神的空间，这是人们在互补意识支配下，所产生的亟欲摆脱繁琐、复杂、追求简单和自然的心理.

原始社会(远古至约4000年前)的装饰艺术，大体分为旧石器时代的装饰艺术和新石器时代的装饰艺术。旧石器时代的装饰艺术主要体现在人体装饰上，如文身、绘身和体外装饰等。新石器时代的装饰艺术则表现在玉器、彩陶及各类原始雕塑和岩画的纹饰上。从旧石器时代到新石器时代的漫长发展过程中，许多原始艺术多被历史的烟尘所淹没，保存下来的只是凭借坚硬和不易腐烂变质的物质材料为依托的艺术。

以简洁的表现形式来满足人们对空间环境那种感性的、本能的和理性的需求，这是当今国际社会流行的设计风格－－简洁明快的简约主义。而现代人快节奏、高频率、满负荷，已让人到了无可复加的接受地步。人们在这日趋繁忙的生活中，渴望得到一种能彻底放松、以简洁和纯净来调节转换精神的空间，这是人们在互补意识支配下，所产生的亟欲摆脱繁琐、复杂、追求简单和自然的心理. 关于更多装饰艺术风格和家装方面的问题可以上武汉在线装修网。 武汉在线装修网创建于2008年，现已是湖北最大的装饰、建材、家居行业门户网站，开设有 ：装饰公司、建材企业、样板房、装修指南、设计指南、建材商城、装饰专区、供求信息、装饰论坛、设计师、招标信息、客户服务等栏目。致力于为装饰、建材、家居行业提供全方位、专业化的网络服务。

装饰艺术不是艺术门类 而是一种大众的说法

装饰艺术与现代主义几乎同时诞生，与现代主义的发展一样，也有许多事件影响着装饰艺术的发展。立体主义、后印象派、未来派及野兽派与壮观的俄国芭蕾艺术一起，为装饰艺术的形成起了推波助澜的作用。1922年发现的杜唐卡蒙（Tutankhamen）墓葬和墨西哥台阶式的玛雅神庙，对装饰艺术的成形也起着重要作用。现代主义和装饰艺术都强调几何造形，但其区别在于工艺。装饰艺术运用传统橱柜制作技术，使其代表作被现代派标榜为精萃，只有富人才买得起手工如此精湛的作品。法国在新艺术消亡后，经过一段时间的空白才出现了新的风格。法国人对包括理查德·利莫切米德（Richard Riemerschmid）在内的慕尼黑设计师于1910年举行的展览印象深刻，他们所展示的室内作品融合了美术与实用美术，并将目标指向更广泛的观众群，所有设计作品的机器制造具有很高水准。从此一些法国设计师开始追循现代派的路线，而其他设计师吸纳了美术与实用美术综合使用产生和谐的室内设计思想，并在当时的几何风格基础上运用传统的手工艺技术。这个阶段的一个主要人物之一就是建筑师安德烈维拉(And r6 Ve ra）。他认为法国应继承路易十六的风格，并将之与20世纪的简练和18世纪的图案结合起来。而此时与传统的燃烧的火炬和弓箭图案不同，基本图案变成花朵、果篮和垂花饰。1925年巴黎装饰艺术与现代工业国际展是这种法国风格（后称装饰艺术）向世界展示的一个轴心点。这个展览原定于1912年，但延期到了1925年才展出。美国设计师虽受到参展邀请，却因自认为没有“现代”的作品而谢绝前往。但后来到美国的各个博物馆的一次巡回展以及各家商店自办的展览皆为美国公众带来了这种新风格，从而促进美国开始探索自己的风格。他们与未来派一样，受到机器、汽车和飞机的启发，设计是几何形的，但美国设计关键的因素是流线造型。科技对于设计产生了不可估量的影响。由于空气动力学的发展，汽车及飞机皆具流线特点，那么何不将其他物品也设计成流线型呢?当时几乎家家有电用，收音机是新鲜事物，家用电器处在蓬勃兴起的变革当中，加上摩天大楼，你会看到美国装饰艺术的多面性。与现代主义设计师不同，装饰艺术的成员倡导装饰。他们虽然使用抽象，但并不致力于纯几何形，他们也不追求人造材料的革新，而偏好使用诸如象牙和鲨鱼皮这样旧的欧洲殖民地才有的材料。 装饰艺术运动是在20世纪20到30年代在法国、美国和英国等国家开展的一次风格非常特殊的设计运动。因为这场运动与欧洲的现代主义运动几乎同时发生与发展，因此，装饰艺术运动受到现代主义运动很大的影响，无论从材料的使用上，还是从设计的形式上，都可以明显看到这种影响的痕迹。但是，从思想发展的背景来看，从意识形态的角度来看，现代主义运动的民主色彩、社会主义背景，都从来没有在装饰艺术运动中发生过。装饰艺术，特别是法国的装饰艺术运动，在很大程度上依然是传统的设计运动，虽然在造型上、在色彩上、在装饰动机上有新的、现代的内容，但是它的服务对象依然是社会的上层，是少数的资产阶级权贵，这与强调设计民主化、强调设计的社会效应的现代主义立场是大相径庭的。因此，虽然这两场运动几乎同时发生，互相也有影响，特别是现代主义对于装饰艺术运动在形式上和材料上的影响，但是，它们属于两个不同的范畴，有各自的发展规律。20世纪初，一批艺术家和设计师敏感地了解到新时代的必然性，他们不再回避机械形式，也不回避新的材料（比如钢铁、玻璃等等）。他们认为，英国的工艺美术运动和产生于法国，影响到西方各国的新艺术运动有一个致命缺陷，就是对于现代化和工业化形式的断然否定态度。时代已经不同了，现代化和工业化形式已经无可阻挡，与其回避它，还不如适应它。而采用大量的新的装饰动机使机械形式及现代特征变得更加自然和华贵，可以作为一条新的探索途径。这种认识，普遍存在于法国、美国、英国的一些设计家之间，特别是20年代西方的普遍繁荣，美国更是高速发展，造成新的市场，为新的设计和艺术风格提供了生存和发展的机会。这一历史条件，促使新的试验的产生，其结果便是20世纪初的另外一场重要的设计运动―装饰艺术运动。装饰艺术运动的名称出自1925年在巴黎举办的一个大型展览：装饰艺术展览。这个展览旨在展示一种“新艺术”运动之后的建筑与装饰风格。该展览的名称，后常被用来特指一种特别的设计风格和一个特定的设计发展阶段。但是，装饰艺术这一术语，实际所指的并不仅是一种单纯的设计风格。和新艺术运动一样，它包括的范围相当广泛，从20年代的色彩鲜艳的所谓爵士图案，到30年代的流线型设计式样，从简单的英国化妆品包装到美国纽约洛克菲勒中心大厦的建筑，都可以说是属于这场运动的。它们之间虽有共性，但是个性更加强烈。因此，把装饰艺术单纯看作一种统一的设计风格是不恰当的。从思想和意识形态方面来看，装饰艺术运动是对矫饰的新艺术运动的一种反动。“新艺术”强调中世纪的、哥德式的、自然风格的装饰，强调手工艺的美，否定机械化时代特征；而装饰艺术运动恰恰是要反对古典主义的、自然（特别是有机形态）的、单纯手工艺的趋向，主张机械化的美。因而，装饰艺术风格具有更加积极的时代意义。另一方面，装饰艺术运动开展的时期，正是现代主义开展的时期，因此，无论这场运动多么强调装饰的效果-装饰正是现代主义反对的主要设计内容之一-但是，在设计上依然受到现代主义的很大影响。无论是在材料的运用上，还是设计主题的选择上，乃至于设计本身的特点上，这两种设计运动都有不少的内在关联。以往常常把装饰艺术视为与现代主义对立的设计运动来看，但研究表明，它们之间有着千丝万缕的联系，特别是美国的工业设计与装饰艺术运动，有时简直难以截然划分开来。比如美国设计家雷蒙·罗维1937年为纽约世界博览会设计的“工业设计师办、公室”，就很难说是单纯的现代主义，还是装饰艺术风格；法国现代主义大师勒·科布西耶在20世纪20年代中期设计的家具，也是两种风格兼有。这都表明：装饰艺术与“现代主义”之间并不完全是矛盾的关系，在形式特征上，它们有着密切而复杂的关联。至于两者的区别，主要在于它们的产生动机和它们所代表的意识形态上。装饰艺术禀承了以法国为中心的欧美国家长期以来的设计传统立场：为富裕的上层阶级服务，因此它仍然是为权贵的设计，其对象是资产阶级；“现代主义”运动则强调设计为大众服务，特别是为低收入的无产阶级服务，因此它是左倾的、小知识分子理想主义的、乌托邦式的。西方有些设计理论家把装饰艺术运动称为“流行的现代主义”，或者“大众化的现代主义”，原因是因为它的风格在某些方面被用来设计大众化的流行的产品，比如批量化生产的钢管家具、汽车和摩天大楼等等。这种称谓很容易造成误解，因为装饰艺术风格的主要服务对象依然是社会中的权贵，而并不是大众。20世纪60年代以来，开始有越来越多的设计理论家把装饰艺术运动视为英国“工艺美术”运动和欧美的“新艺术”运动的延伸与发展。从装饰动机来看，或者从它强调的服务方向来看，这种观点当然无可厚非。但复杂性在于，这场运动主要的发展时期是第一次世界大战和第二次世界大战之间，而这也正是现代主义运动发展的主要阶段，因此，往往有混淆的情况。从名称上看，也有一定的混淆，比如在法国有人称这场运动和设计风格为“现代主义”，也有人因为影响到这个风格的因素之一是美国的爵士音乐和表演，而把它称为爵士现代主义。但是，如果从意识形态的立场来看，装饰艺术运动强调为权贵服务的立场和现代主义运动强调为大众服务的社会主义立场之间依然是径渭分明的。装饰艺术运动纺的织品、墙纸图案其线条大多取自花梗、花蕾、藤蔓等自然界优美、具有曲线的形体。 从人类艺术的诞生时，就没有离开过“装饰”这个名词。人类的艺术起源与原始的装饰有着某种不可割舍的关系。著名的美术史学者沃尔夫林就认为“美术史主要是一部装饰史”。装饰在原始社会是人们所创造的艺术的审美核心。各种彩陶纹样成为各种装饰美、形式美的标本。装饰是一种有意味的形式。它不但是审美的形式，而且有更深层次的含义。它包含着特定的社会感情和文化意识。它不仅是“装饰性”的，从秩序、线条、形式、色彩等方面带给人们以审美愉悦，而且是“文化性”的，从文化、理想、象征、历史等方面满足人们更深层次的需要。沃林格在《抽象与移情》中说到：装饰艺术的本质特征在于：一个民族的艺术意志在装饰艺术中得到了最纯真的表现。……装饰艺术必然构成了所有对艺术进行美学研究的出发点和基础，装饰对于现代设计同样具有十分重要的研究意义。从装饰的角度出发，可以清晰的看到现代设计的发展脉络。贡布里希在其著作《秩序感》第二版序言中写有这样的句子：“大胆地说，我的目的是为了解释。本书到副标题中宣布的‘装饰艺术的心理学研究"是为了建立和检验主标题中宣称的理论：有一种‘秩序感"的存在，它表现在所有的设计风格中，而且，我相信它的根在人类的‘生物遗传之中"”。现代设计是工业化文明的产物。现代设计是为现代人、以及现代经济、现代社会的生活方式提供服务的艺术活动。在现代主义设计运动的过程中，有一些重要的设计运动，这些设计运动每次都与装饰的扬弃有一定关系。或者是运用装饰，或者是抛弃装饰，很大程度上都是围绕装饰对现代设计作新的发展。 ⑴“新手工艺美术运动”与装饰从18世纪工业革命开始，直到19世纪末期，工业技术改变着人们的生活方式，产品设计在这种变革与混乱中发展。人们在生活习惯与心理上对旧有产品的形式与风格有很顽固的留恋，这反映在设计上表现为装饰化的特点，注重传统装饰趣味。装饰与机械生产的要求之间的矛盾不可避免地产生。许多设计师不愿意参与对工业产品进行设计，而大多数工业产品单方面追求标准化、批量化生产，对产品本身却忽略了装饰美、形式美的因素，造型粗糙、丑陋，产品的审美品味与格调不高。1851年，在英国伦敦海德公园内举行的世界工业博览会上，集中暴露了一些矛盾。展品以工业产品居多，外型粗陋。许多产品上加了些不伦不类的纹样为装饰，想以装饰弥补其形式上的丑陋。但事实证明，其结果更加糟糕。因此，以约翰·拉斯金和威廉·莫里斯为首的一批有识之士进行了一场名为“新手工艺美术运动”的设计风格改革运动，主张艺术家走入生活，创造为大众理解和接受的作品，它反对维多利亚矫饰之风，倡导中世纪的纯朴装饰，并吸收日本的装饰，从自然中汲取素材，创出新的设计风格，这是一种可贵的探索。它的影响遍及欧洲多国，使“新艺术运动”在欧洲蓬勃兴起，从这个意义上来讲，“新手工艺美术运动”以新的装饰反对矫饰，主张精致、合理的设计，并保存了手工艺，对现代设计思想的形成有重要影响。⑵“新艺术运动”与装饰在英国“新手工艺美术运动”的感召下，19世纪末20世纪初，在欧洲和美国产生和发展了规模宏大、影响广泛的“新艺术运动”具体地在建筑、家具、工业品、服装、首饰、书籍插图等，甚至雕塑与绘画的纯艺术领域内部也出现一种新的设计风格与艺术面貌。它涉及了法国、荷兰、比利时、西班牙、美国等十几个国家和地区，直到1910年左右，才逐渐被“装饰艺术运动” 和“现代主义运动”取代。这场运动反对矫饰风格，主张回归自然，极大地发展了植物、动物纹样在图案设计上的运用，创出一种唯美主义装饰风格。法国家具设计师萨穆尔·宾在1895年开办了名为“新艺术之家”的工作室及设计事务所，主张设计师创造新风格。1900年，他们展出了“新艺术之家”的家具作品，获得很大成功，“新艺术”之名从此传开。展出的作品有强烈的自然主义倾向。模仿植物形态和结构。这与萨穆尔·宾的“回到自然去”的口号相一致。“新艺术运动”创造了非常特殊的装饰风格。“从亨利·凡德威尔德的室内，到基玛德的巴黎地下铁入口设计，从安东尼·高蒂的建筑，到穆卡的大张海报，都呈现出从来没有过的非历史主义的新装饰风格探索力量。” 这场设计运动运用了装饰、自然主义风格把艺术和手工艺与产品设计结合，造就了在19世纪和20世纪之交时期的典型设计风格，成为现代主义时代即将来临的前奏。⑶“装饰艺术”运动与装饰“装饰艺术”运动是在20世纪20－30年代在法国、英国、美国等国家展开的设计运动，它与欧洲的现代主义运动几乎同时发生，彼此都有一定的影响。随着现代化与工业化逐渐改变了人们的生活方式，艺术家们也尝试着寻找一种新的装饰使产品形式符合现代生活特征。1925年在巴黎举办了大型展览“装饰艺术展览”，该展览向人们展示了“新艺术”运动后的建筑与装饰风格，在思想与形式上是对“新艺术”运动的矫饰的反动，它反对古典主义与自然主义及单纯手工艺形态，而主张机械之美，从现代设计发展历程看，它是具有积极的时代意义的。“装饰艺术”运动并非单纯的一种风格式样运动，它在很大程度上还属于传统的设计运动。即以新的装饰替代旧的装饰，其主要贡献是在造型与色彩上表现现代内容，显出时代特征。无论是“新手工艺美术”运动、“新艺术”运动，还是“装饰艺术”运动，它们都是从装饰出发去发展新的、合理的、完善的设计风格，也从而扩展了“装饰”的艺术价值。这其中对装饰的肯定与发扬直接形成现代设计改革的动力因素。 我们都知道，现代主义设计风格是受到现代艺术运动以及“新建筑”运动的影响发展起来的，它具有一定的社会民主主义色彩，强调机械美、功能美、主张理性化的设计，主张简洁、实用，否定装饰的作用，把形式与功能的关系对立起来，从而发展出与以前不同的设计风格。早在1892年，美国芝加哥学派的建筑师沙利文便提出：“如果我们能在一段时期内完全放弃装饰，以使我们的思想敏锐地集中于形式完美的建筑和漂亮的裸体上，这对我们的审美情趣一定大有好处。”他提出的“形式服从功能”这一提法，成为功能主义的宣言和核心的思想。“新艺术”运动的核心人物之一，--凡?德?威尔德于1894年在他的《为艺术清除障碍》一文中，提出“美的第一条件是，根据理性法则和合理结构造出来的符合功能的作品。” 这些思想成为机械美学的先声。奥地利建筑师阿道夫?卢斯极端主张功能的重要性。他对装饰极为反感。1898年他在一篇文章中写道：“只在形式中求美而不依靠装饰，这是整个人类希望达到的目标”。他还说“文明的进步等于从有用的东西上揭去装饰”。他将装饰归于“落后的”、“色情的”、“浪费的”的范畴。“装饰是一种精力的浪费，因此也就浪费了们的健康，历来如此。但在今天它还意味着材料的浪费，这两者合在一起就意味着资产的浪费。” 1908年，卢斯发表了《装饰与罪恶》，其文的内容可以用“装饰即犯罪”这一口号来概括。这些理论在一定程度上充当现代主义运动的指导思想，也把现代主义设计推向功能主义的设计方向。包豪斯是现代设计运动的摇篮，也预示现代主义设计高潮的到来。包豪斯于1919年由格罗佩斯创办于德国魏玛，在短暂的14年（1919－1933年）的办学历程中形成了整套的设计教学体系。提倡艺术与技术的结合，形成了现代主义设计风格。它标志着原来的装饰形态中的设计被现代主义理性设计取代。包豪斯被纳粹关闭后，其主要教学骨干和学生流散到欧美各国，使理性设计思想在全世界范围内传播。二十世纪四、五十年代的“国际风格”正是包豪斯的设计风格普及化的结果。“国际主义风格”完全排斥装饰，把功能至上的理性精神奉为准绳。现代主义设计大师、机械美学的代表人物勒·柯布西埃提出“房屋是居住的机器”。是经典的机械化和功能化的设计思想。1958年，密斯·凡德罗和菲利普·约翰逊设计的纽约西格莱姆大厦是国际主义风格的标志性建筑，同时也是密斯·凡德罗“少即多”的设计思想的产物，这种过分强调理性、功能，简洁的设计越来越缺乏个性与人情味，越来越使人们感到厌倦。现代主义设计对装饰的排斥并不意味装饰的消失。相反，装饰又以新的形式出现。英国学者彼得柯林斯在《现代建筑设计思想的演变》一书中写道：“是否的确由于19世纪过分运用装饰而导致了废弃装饰，还是装饰只不过改换了打扮？”他认为，“装饰并未来亡，它仅仅是不知不觉地融合于结构之中了”。现代主义设计是把装饰与结构同化，创造出了“无装饰的装饰”。 随着人们对国际主义风格的厌倦，到了60年代，设计师们推出了“波普设计（pop Design），满足大众的审美趣味。追求雅俗共赏的目的。色彩与装饰因此被重新运用。并且在70年代里兴起了多种“后现代主义”风格，反对国际主义设计的单调形式。“后现代主义”设计指的是“在现代主义、国际主义设计上大量利用历史装饰动机进行折衷主义式的装饰的一种设计风格” ⑽它有明确的时间段，从70年代持续到90年代初，之后便开始衰退。后现代主义设计是对现代主义设计的挑战，是对现代主义、国际主义设计的一种装饰性的发展，反对设计中的国际主义、极少主义风格，主张以装饰手法达到视觉上的审美愉悦，注重消费者心理的满足。在设计上大量运用了各种的历史装饰符号，但又不是简单的复古，采取的是折衷的手法，把传统的文化脉络与现代设计结合起来，开创了装饰艺术的新阶段。从本质上讲，后现代主义设计并非对现代主义设计进行推翻与否定，而是在肯定其实用功能因素的基础上，在形式上赋予其人格化，情感化的装饰效果，后现代主义设计理论的权威、美国评论家、建筑家和作家查尔斯詹克斯自己也说：后现代主义是现代主义加上一些什么别的。后现代主义设计中采用大量历史风格，比如哥特式、巴洛克式。从古典到文艺复兴，无所不包，进行装饰符号的挪用，戏谑、调侃、夸张和象征的描述，以多种历史风格的整合拼接达到装饰化的效果，它是折衷主义的，许多作品都反映了这种特征。比如查尔斯?穆尔设计的美国新奥尔良的意大利广场。菲力普·约翰逊的AT&T大厦等。装饰在后现代主义设计中的复兴，在很大的程度上在于为了摆脱严肃的、冷漠的、单调的现代主义与国际主义设计风格带来的压抑，最早在建筑上提出明确的后现代主张的美国建筑师罗伯特?文丘里认为现代主义、国际主义风格是丑陋的、平庸的，对于“少即多”的教条，他诙谐地将其改为“少即厌烦”。1969年，文丘里利用历史建筑符号，用戏谑的方法设计了在宾夕法尼亚的胡桃山的“文丘里住宅”。是具有完整后现代主义特征的最早建筑。随着后现代主义设计的发展，装饰在设计中的地位重新回归。彼得·霍夫曼在《八十年代的美国建筑》一文中说：“再也不把装饰视为邪端。几乎所有这些建筑都充分展示出一种对‘修饰"的新兴趣，表现一种建筑的趣味性”。⑾在产品设计领域，意大利的索特萨斯等人组成的“孟菲斯”设计小组成为代表，设计作品造型独特、色彩艳丽，装饰化、波普化和娱乐化。后现代主义设计的显著的特点在于其历史主义、装饰主义、折衷主义和娱乐性。这些手法的运用适应了人们各方面需要，使人们在视觉与心理上都逐渐扫除了对工业产品中由现代主义、国际主义风格造成的理性与冷漠的感觉。透视现代主义设计发展的历程，我们看到了装饰的重要意义。那么，作为一种艺术符号，“装饰”在未来的设计中也不会消失。它是艺术的符号，又是文化的符号。而且，装饰满足人的心理需要。正如赫伯特?里德在《工业艺术的历史与理论》中认为的那样：“装饰品的必要性是心理上的。人们身上还存在着某种被称作恐惧的情感--无法忍受寂寥的空间”。他还说“对于装饰品唯一的评价就是，它应在某种程度上突出形式。我避免使用‘增加"这个常用的词，因为，如果形式是恰当的，就不能再给它增加什么” ⑿他强调合理的装饰会使作品更加美丽。意大利孟菲斯集团的设计师索特萨斯说过，设计应该是对生活方式的设计。确实，未来的设计本质上就是对生活方式的设计，而适宜的装饰正是设计美好的生活方式的重要手段，是以“宜饰而饰”达到“宜人”的目标，它会让人们走向的艺术化的、充满诗意的生活。

装饰艺术运动，也称为现代风格，是装饰艺术和装饰艺术中的运动。该建筑起源于1920年代，并在1930年代发展成为西欧和美国的主要风格。它的名字来源于1925年在巴黎举行的国际装饰艺术和现代工业博览会，首次展示了这种风格。装饰艺术风格的设计代表了现代主义已转变为时尚。它的产品既包括个性化的奢侈品，也包括大量生产的商品，但是在任何一种情况下，其目的都是创造一种既富有又精致的象征着时尚和反传统的优雅。

【答案】：“装饰艺术”运动风格的建筑设计在美国风行一时之后，逐渐发生变化，这种变化主要表现在一些设计师开始探索适合于本地区风土人情的改良型“装饰艺术”运动风格。它强调简单的几何特征，采用曲折线型和流线型的结构，使建筑具有时代感、速度感和运动感。这种风格的探索主要在美国西海岸的一些城市，最具代表性的建筑是洛杉矶的可口可乐公司大厦。另外，西海岸的“装饰艺术”运动风格还有一个特点，就是吸收当地原有的装饰手法融入建筑设计当中去。位于洛杉矶市中心的联合中央火车站的设计就结合了流线型风格、美国殖民地时期风格，以及土著印第安文化特点，形成独特的设计艺术特色，被称为“加利福尼亚装饰艺术”风格。除此之外，还有在南加利福尼亚形成的反映电影院建筑设计的“好莱坞”风格，以及强调造型简单、色彩柔和的“佛罗里达版”风格。这些起源于欧洲又具有美国特点的“装饰艺术”运动风格，在20世纪30年代又传回欧洲，反过来影响欧洲各国设计艺术的发展。

使被装饰的主体得到合乎其功利要求的美化。装饰艺术与人的日常生活联系广泛，结合紧密，如环境艺术设计、工业造型设计，日常用品装饰如服装、首饰、商品包装等等，几乎一切工艺领域均与装饰艺术有关。从其与装饰主体的关系看，它有双重性质。一方面它必须从属于主体，即装饰是从美感的角度来标明主体的特征、性质、功用以及价值。另一方面装饰艺术亦可从主体当中独立而出，显示出自己的审美价值，如中国古代汉墓中作为装饰的画像石、画像砖，它附属于整个墓室，与其浑然不可分离，然而，其精美、恢宏、古拙的画面完全可视为完美的艺术品。事实证明，其审美的意味有能超脱于主体性能和使用价值观念的趋向，从而具备了纯欣赏性的因素，导致了这些装饰性绘画与雕塑的独立。在区别于工艺设计的狭义的绘画与雕塑中使用或汲取装饰艺术的形式特点创作的作品，通常称为装饰风格或装饰风。它们是自成主体、有自己内涵的独立型艺术，其强烈的特征是其欣赏性更强，造型上有一定幅度的夸张变形，并呈图案化趋向，色彩上多重视平面空间的对比关系，与强调三维空间的透视、光影的性质相左。

装饰艺术英文名：decorationart。装饰这个词在西方最早出现于17-18世纪，泛指艺术修饰；在中国最早出现于5-6世纪，指修饰、打扮。“女求作布衣麻履，织作筐绩之具。乃嫁，始装饰入门。”（《后汉书·梁鸿传》）。依附于某一主体的绘画或雕塑工艺。使被装饰的主体得到合乎其功利要求的美化。装饰艺术与人的日常生活联系广泛，结合紧密，如环境艺术设计、工业造型设计，日常用品装饰。

装饰艺术设计属于工程类专业,可以报考一级建造师.

【答案】：装饰艺术是人类历史上最早的艺术形态，也是人类社会最普遍的艺术形式。因此，装饰艺术对于造型设计具有重要的价值和意义。(1)秩序性。装饰艺术是秩序的艺术。秩序本质上是一种规律性，是事物存在、运动、发展、变化的有序性；而装饰表现的则是这种易为人的视觉所感受的形态上的秩序形式，无论是变化与统一、对比与调和、节奏与韵律，都表现了一种秩序性，秩序是装饰之美的尺度。(2)程式化。程式化即根据固有的或约定俗成的模式来进行的装饰造型。(3)单纯化。“简洁就是美”，使单纯化成为产生现代设计美的重要因素。(4)夸张化。夸张主要表现在对象的形体、比例、结构、色调、肌理、图案等特征方面，将新颖、奇特的细节特点加以夸张，以加大艺术表现的力度，增强视觉冲击力和张力。(5)平面化。平面化是装饰表现的一个较显著的特征。所谓平面化是将所要表现的物象形体展开，以突出其影像特征与造型简洁的流畅效果。(6)符号化。要把握“装饰”，必须明确其深层的含义和构造，必须考察装饰与记号、象征、语言之间的关系。符号化正是人们将世界物象升华归纳为最简易的抽象符号元素的过程，从而唤起人类丰富具体的联想和美好的感情。

从空间分： 平面设计、立体设计、电脑美术设计 广义上分： 美术设计、平面设计、网页设计、建筑设计（室内、室外、园林、景观）、工业设计、时装设计、广告设计、家具设计、商业设计、机械设计、包装设计。 工业设计和艺术设计 工业设计：产品设计，交通工具设计等 艺术设计：视觉传达，装饰，室内设计，室外设计，园林，景观等

装饰艺术是工艺设计与结构的传统要素。它包括室内设计，但是不全是建筑。装饰艺术经常被归类于艺术，例如绘画、摄像、大型雕塑，是观赏性大于功能性的艺术。装饰艺术和美术在文艺复兴时期就有了明显的差别。因为在作品中包含了装饰艺术元素，以作品作为传播媒介，它对其他国家的文化有着或多或少的影响。例如伊斯兰艺术在许多时期和地区就包含了大量装饰艺术，相较于欧洲，中国的装饰与艺术的差别并不明显。甚至在欧洲，这种差别都不适用于早期的被誉为“精致艺术”的中世纪艺术，虽然存在艺术，例如手稿和纪念雕塑的出现，但是最负盛名的还是那些金匠的作品，如铸铜或象牙雕塑之类。大型的壁画，显然不太重视，相对粗制滥造执行，使得它很少被提及当代作者；尽管在最近几个世纪往往被看作是装饰，被视为一种廉价但劣质的替代品的“马赛克”，却在此期间作为一门艺术。中世纪基督教艺术“ars sacra”（神圣的艺术）在这一时期有时会被用于在金属、象牙、纺织品和其他昂贵的材料。

艺术玻璃门就是用艺术玻璃加工制作而成的门。艺术玻璃门因其有着特殊的艺术特质，色彩和款型都符合人们的审美观。因此受到了广大消费者的青睐。艺术玻璃门不仅仅有隔断、保护家具的作用了，它也成为了一种装饰品，可以供人们欣赏，给人以美感。下面我们就一起看看艺术玻璃门相关知识吧。一、艺术玻璃门种类1、压花玻璃门将白玻二次加热，用刻有花纹的模具压出花纹，类似印刷的原理。压花玻璃透光不透影，适适用在门窗，隔断等，但由于压花玻璃厚度受限制，一般都比较薄，所以不是和做造型，不够大气。2、夹层玻璃门采用PVB膜将玻璃和图案甚至是其他材料如金属丝，经过高温高压粘合起来，的特点就是安全，强度很高，建议有儿童的家庭采用，很不容易打破，即使破碎也是粘在一起的，不会造成伤害，美观性较好，也可以加名人字画，邮票、钱币、标本等。能够体现个性化。希尔顿酒店的洗手间门上和里面的隔断就是采用这种，比较上档次。艺术玻璃门效果图3、琉璃玻璃门将玻璃烧溶，加入各种颜色，在模具中冷却成型，色彩鲜艳。装饰效果强。但面积都很小，价格较贵。二、艺术玻璃门品牌福莱特集团：该品牌所生产的艺术玻璃门的类型是有非常多样，其中它的玻璃材质包含了超白压花玻璃、阻断紫外线超白压花玻璃、减反射高透过率超白压花玻璃、Low-E基片玻璃、TCO玻璃和优质镀银镜玻璃以及钢化玻璃等等。北之光艺术玻璃：该品牌是一家规模相对比较大的公司，其品牌下面主要是经营玉沙玻璃、彩绘艺术玻璃、雕刻艺术玻璃、钢化玻璃、镶嵌玻璃、晶彩、聚晶玻璃和进口压花玻璃以及精雕等艺术玻璃。艺术玻璃门效果图玻璃先生：这一个品牌的艺术玻璃门是采用的比较先进的技术加工制造而成，它具有非常良好的性能，不怕水，也不会轻易地就变形。此外它还具有耐磨、耐击打以及清理非常方便、环保节能等等优点。这种门相比较于传统的木门，它不怕任何虫害的威胁，非常坚硬。三、艺术玻璃门的价格一般压花玻璃门价格是150元/平米，夹层玻璃门价格在400-700元之间。热熔玻璃门价格在750-1300元。琉璃玻璃门，色彩比较鲜艳，装饰性比较好，价格是1500以上。以上就是小编对于艺术玻璃门种类、品牌以及价格的介绍了，希望对大家选购有所帮助。更多资讯，请继续关注。

装饰艺术是指设计应运而生，两次世界大战之间的时期。历史上这段时间的特点是前所未见的技术创新水平，以及对自我表现的坚定承诺。细节都可以清楚地看到在装饰艺术风格的内饰。如果这些功能与您的个人风格相吻合，阅读。我们将向您展示如何创造一个装饰艺术的外观，保持原来的风格，但感觉适合二十一世纪。我们的技巧，你就可以实现轻松的过去和现在的交融。抱大胆的颜色装饰艺术设计是不是为微弱的心脏。富裕的是把大部分的运动的审美选择，可以看出在这种风格的各个方面的关键词，包括调色板。当选择的色调为这些空间，有两种不同的路线你可以。第一种是相对中立的做法。然而，不要专注于你喜欢的中性色调，选择饱和版本。在奶油白建设看，巧克力棕色和沉重的黑人。然后，用粗体风格完成。第二种选择远没有那么克制。一些装饰艺术空间的特点是墙壁、家具、地板覆盖物和配件都装饰得很华丽。特别是，深黄色，红色，绿色和蓝色指示的期间。为了把这张脸拉下来，把自己限制在三到四个色调中，并在房间里不同程度地把它们融合在一起。选择漂亮的家具优雅的造型是装饰艺术风格的一个重要组成部分。通常，这是通过使用填充空间的家具。这种审美的签名风格取决于结合件，设置一个弯曲的身体上斜腿。选择家具时一个房间，规模始终是一个考虑因素。在设计术语中，这个词指的是每件作品的物理高度和重量，以及它给空间带来的视觉重量。在其他更现代的设计形式（例如北欧设计），强调选择轻微的家具，以创造一个更简约的设计。然而，艺术装饰的复古氛围拥抱沉重，几乎件大号。不要害怕去选择最适合你的尺度。除了规模，完成也是值得注意的。由于装饰艺术设计围绕豪华，这是不寻常的看到家具有一个超闪亮的完成。寻找那些已经突破的镜子或重音与抛光金属件。添加几何图案一个大胆的几何图案，在几乎所有的艺术装饰房间的必备元素。这些设计的魅力被认为已经是“用于新艺术系，以前流行的审美。在Art Noveau的模式是非常复杂和花卉，这些线条更加简单和直率。如果你想做一个声明，这些模式对地板优良的细节，如上图，在厨房。如果你还没有准备好去做这样一个永久的选择，纺织品是另一种自然的选择。考虑通过地毯、毯子或一些枕头把这些图案添加到房间里。你也可以一层或两个选项给房间特别豪华的感觉。关注合适的配件一如既往，附件是什么真正水泥风格房间的感觉。对于那些试图创造装饰艺术风格的人来说，成功的关键在于设计能让观众回到20世纪20年代和30年代的设计元素。那个时代的流行主题包括裸体女性人物、动物、树叶和太阳光线。此外，来自其他文化的文物也很流行，尤其是美洲印第安人和埃及文化遗产。你也可以寻找特殊的材料来驾驶室内装饰艺术的感觉。当时的自然元素如玉、象牙、黑曜石和岩石水晶在当时很流行，就像铬和银一样。为了取得最好的效果，把重点放在作品上——特别是镜子、灯具和墙壁艺术——将两个或多个细节结合在一起。装饰艺术设计是一个来自过去的爆炸。虽然这种风格起源于20世纪20年代和30年代，但这并不意味着它对于今天的室内装潢来说太老式了。事实上，要大胆和自我表现的承诺使得现代生活完美契合。使用技巧在这篇帮助你使用装饰艺术灵感，创造出一个真正的现代的外观。

是观赏性大于功能性的艺术。装饰艺术和美术在文艺复兴时期就有了明显的差别。因为在作品中包含了装饰艺术元素，以作品作为传播媒介，它对其他国家的文化有着或多或少的影响。例如伊斯兰艺术在许多时期和地区就包含了大量装饰艺术，相较于欧洲，中国的装饰与艺术的差别并不明显。甚至在欧洲，这种差别都不适用于早期的被誉为“精致艺术”的中世纪艺术，虽然存在艺术，例如手稿和纪念雕塑的出现，但是最负盛名的还是那些金匠的作品，如铸铜或象牙雕塑之类。大型的壁画，显然不太重视，相对粗制滥造执行，使得它很少被提及当代作者；尽管在最近几个世纪往往被看作是装饰，被视为一种廉价但劣质的替代品的“马赛克”，却在此期间作为一门艺术。中世纪基督教艺术“ars sacra”（神圣的艺术）在这一时期有时会被用于在金属、象牙、纺织品和其他昂贵的材料。

前两者比较广。这三个都是好专业，不过，我觉得室内设计不错，cad。ps。3dmax只要你学的精，就业不是问题。。。

建议学习最新的专业：配饰艺术设计，绝对朝阳行业！

应该富有一些童真

相同点如下：他们是工业设计同一根源上的两条分支 各自沿着自己侧重方向发展，两者都是机器取代手工的工业时代，在设计中的两个反映面，都是新艺术运动发展的结果与必然，同时也是对新艺术运动的反叛。不同点：装饰艺术虽是几何化了的纹样，但依然具有强烈的装饰性，颜色鲜艳明亮，现代主义运动反对装饰，且提出了装饰即罪恶的名言，中性色彩。现代主义建筑：在对长期以来垄断建筑的为权贵的精英主义的一个重大的反动。长期以来建筑设计是为极少数权贵服务的。我们回顾一下西方建筑发展史，就可以看到，设计不是为王公服务，就是为教会服务，或者为国家服务，美国评论家罗伯特，休斯说：穷人没有设计，所指的就是这个现象。而现代主义建筑和设计则强烈反对为精英服务的设计。现代主义设计的先驱当中，有不少人是期望能够改变设计的服务对象，为广大的劳苦大众提供基本的设计服务的。

1930年至1939年建成的摩天大楼“洛克菲勒中心”是30年代美国装饰艺术设计的代表作。中心坐落在纽约曼哈顿区第五大道上，是占地约九万余平方米的商业建筑群。主要建筑有19座大楼，其中包括写字楼、剧院、音乐厅、餐馆、商店、小型花园、下沉式广场等。最高的大楼是被称为“无线电城”的美国无线电公司大厦(RCA)，70层，高260米。中心的建筑设计、室内设计、壁画、雕塑、家具陈设、墙面装饰，以及电梯的内外部装饰……乃至建筑物外部的广场设计，都具有既统一又丰富的特点。在洛克菲勒中心工作的有7、8万人，每天来到这里的人数超过20万。作为一座集办公、商业和娱乐于一处的“城中之城”，洛克菲勒中心迄今仍然是纽约的重要公共活动场所，尤其是“无线电城”内的音乐厅，更充分显示出装饰艺术的独特面貌。作为30年代纽约城市发展的标志，洛克菲勒中心采用了前所未有的艺术装饰设计，建筑外部雕塑则以里罗·拉维尔川设计的古希腊、罗马传说中的大力神“阿特拉斯”为代表。他还设计了大厦主进口的立面装饰，里罗·拉维尔设计的建筑立面装饰，装饰带表现贸易的帆船、古代的建筑、贸易之神墨丘利和世界各地的人群……以此象征世界商业、工业、技术和艺术的交流。装饰采用了当时流行的古代埃及和亚述的风格。里罗·拉维尔为无线电城大楼东面主入口世界的玻璃浮雕，表现出光和声律动的主题。此外西尔德斯·梅尔设计的以音乐、戏剧和舞蹈为主题的大门装饰，保罗·迈西普在下沉广场设计的雕塑等都各具特色。洛克菲勒中心的装饰艺术设计集中了当时美国最优秀设计家的智慧，而以“无线电城音乐厅”最令人炫目。主持音乐厅设计的唐纳德·戴斯基曾参观巴黎“世界装饰艺术展览”，回国以后在纽约进行了一系列的具有装饰艺术风格的设计尝试。唐纳德·戴斯基1930年设计的桌椅和台灯，反映出与欧洲装饰艺术的联系。台灯上的装饰则具有未来主义的设计风格，表现出科学幻想的色彩，这种设计倾向到1939年的纽约“世界博览会”表现更加充分。为了完成无线电城音乐厅的设计，唐纳德·戴斯基组织了众多的设计家共同参与，唐纳德·戴斯基设计的有烟草图案的壁纸，罗特·瑞弗设计的具有立体主义艺术风格的“爵士音乐”图案地毯。雅奥·库尼阿什设计了音乐厅的女用化妆室。斯达特·戴维斯设计的是底层大厅吸烟室的壁画和女人化妆室里的花型墙壁装饰，赫瑞·瓦伦·波尔则从事瓷器设计，雕刻家威廉·佐拉西则创作了雕塑《舞之魂》。

从人类艺术的诞生时，就没有离开过“装饰”这个名词。人类的艺术起源与原始的装饰有着某种不可割舍的关系。著名的美术史学者沃尔夫林就认为“美术史主要是一部装饰史”。装饰在原始社会是人们所创造的艺术的审美核心。各种彩陶纹样成为各种装饰美、形式美的标本。装饰是一种有意味的形式。它不但是审美的形式，而且有更深层次的含义。它包含着特定的社会感情和文化意识。它不仅是“装饰性”的，从秩序、线条、形式、色彩等方面带给人们以审美愉悦，而且是“文化性”的，从文化、理想、象征、历史等方面满足人们更深层次的需要。沃林格在《抽象与移情》中说到：装饰艺术的本质特征在于：一个民族的艺术意志在装饰艺术中得到了最纯真的表现。……装饰艺术必然构成了所有对艺术进行美学研究的出发点和基础。⑴装饰对于现代设计同样具有十分重要的研究意义。从装饰的角度出发，可以清晰的看到现代设计的发展脉络。贡布里希在其著作《秩序感》第二版序言中写有这样的句子：“大胆地说，我的目的是为了解释。本书到副标题中宣布的‘装饰艺术的心理学研究"是为了建立和检验主标题中宣称的理论：有一种‘秩序感"的存在，它表现在所有的设计风格中，而且，我相信它的根在人类的‘生物遗传之中"”。⑵现代设计是工业化文明的产物。现代设计是为现代人、以及现代经济、现代社会的生活方式提供服务的艺术活动。在现代主义设计运动的过程中，有一些重要的设计运动，这些设计运动每次都与装饰的扬弃有一定关系。或者是运用装饰，或者是抛弃装饰，很大程度上都是围绕装饰对现代设计作新的发展。

业名称：纺织品装饰艺术设计专业代码：610206专业培养目标：培养能从事各种纤维材料的印染、织造、刺绣、编织等产品外观设计、室内装饰织物设计开发的高级技术应用性专门人才。专业核心能力：装饰面料的图案设计开发能力，装饰布艺设计与运用能力。专业核心课程与主要实践环节：中外纺织品染织纹样史、装饰图案学、纺织品材料学、纺织品织造工艺基础、艺术设计学基础、造型设计基础、纤维艺术设计基础、纺织品染织工艺与设计、室内纺织品整体设计、计算机辅助设计、纺织品装饰艺术专题设计等，以及各校的主要特色课程和实践环节。可设置的专业方向：纺织品装饰面料设计、装饰布艺设计。就业面向：纺织品生产与经营部门。

文化建筑，可以简单理解为供人们开展文化活动的场所，主要体现了建筑设计中具有艺术性的一面，也是建筑设计领域中应用较为广泛的一个分支。文化建筑在生活中随处可见，它丰富了人们的生活，进而提升了现代城市的文明水平。因此，构建具有较高艺术价值的文化建筑对于提升人们的生活水平有重要意义。该文主要从文化建筑中的装饰艺术这一层面出发，旨在分析其中蕴含的美学意蕴。为了把文化打造成一张城市的名片，现在许多城市建设者和管理者不断地挖寻当地的文化与特色，文化建筑受到越来越多的城市规划者的重视，一座座文化建筑如文化馆、博物馆、展览馆等在城市中被修建。文化建筑作为向人们提供文化活动场所的建筑的总称，是建筑设计中非常具有审美价值的部分，集中体现了建筑学的艺术性的特点，可以反映城市中人们的生活水平。从某种意义上说，文化建筑承载了国家、地域以及城市的独特性，其中，蕴藏丰富审美意境的文化建筑更是人类文化传播的一个重要载体。笔者主要对文化建筑中装饰艺术的美学意蕴进行研究与分析，希望文化建筑这一具有深厚历史意义的文化交流场所，能以独特的魅力被传承下去。一、文化建筑与装饰艺术的概述文化建筑在现代城市中主要承担的作用，是为人们提供休闲与娱乐的场所，方便人们在这里进行文化交流，丰富人们的生活趣味。文化建筑凝聚了多种多样的文化，在一定程度上彰显了城市的文明程度，反映了社会文化的发展趋势和特点。文化建筑设计水平的高低，可以反映城市规划者和建设者对城市文化的重视程度。注重对文化建筑设计的挖掘，有利于提升城市的文化内涵，加强民众之间的联系和交流，提高城市的文明水平。随着文化建筑设计行业的不断发展，装饰艺术在其中的地位越来越重要。可以说，装饰艺术与文化建筑已经发展融合成了一个整体。无论是文化建筑的墙面、地面还是其他一些建筑构件等，都离不开装饰艺术的应用。另外，文化建筑设计者对装饰艺术手法的选择也非常重要，只有保证文化建筑和装饰艺术协调一致，才能形成一个完美的整体。这样，文化建筑才会有生命力，人们在欣赏文化建筑时才会感到喜悦，才会被建筑装饰丰富细致的美感所折服。装饰艺术的应用不仅为文化建筑增添了美感，也大大提升了其审美价值，进而增强了文化建筑的整体艺术性。二、文化建筑中装饰艺术的审美特征在当今的文化建筑中，装饰艺术的设计已从过去单一化的装饰风格，发展到造型、图案等多种元素结合的装饰艺术风格，这主要是由于现代科技和社会审美的发展而改变的。文化建筑中的装饰艺术崇尚与环境相和谐的审美观，环境美是所有建筑美学的核心追求之一，这就要求在文化建筑的装饰风格上做到以环境为整个设计过程的出发点和回归点。文化建筑要创造出现代化的人性化空间，在装饰艺术设计过程中要协调好人与环境、建筑与环境的关系，进而提升整个文化建筑的亲和力。文化建筑作为人们生活环境的一部分，要与自然环境、社会环境融合，这也是文化建筑设计的一个重要主题。另外，现代文化建筑中的装饰艺术总会有一些出人意料的审美新鲜感。由于装饰艺术形式的不断丰富和文化建筑风格的多样化发展，当设计师将文化建筑与装饰艺术的设计元素组合在一起时，往往会有出乎意料的感觉。不同的设计理念强烈碰撞，不仅满足了人们对文化建筑中蕴含的新鲜事物的好奇心，还突出了文化建筑较为新颖的审美感受。文化建筑中装饰艺术的审美主题具有大众性。文化建筑在日常的生活环境中随处可见，更贴近人们的真实生活。随着人们文化需求的提高，设计者可以通过文化建筑中的装饰艺术设计传达和弘扬大众需要的文化。因此，装饰艺术设计应用在文化建筑方面，可以通过丰富多样的形式展现文化建筑的精神文化内涵，进而提高文化建筑所在城市的精神文化内涵。从这一点来看，文化建筑设计对装饰艺术设计提出了更高的要求，不仅要求装饰艺术设计满足人们日常生活的实用性需求，还要求其注重对人们精神文化内涵的提升，同时，这也为文化建筑的装饰增加了丰富的精神文化元素。结语随着时代的快速发展，我国城市对文化建筑的需求不断增加。文化建筑受到人们越来越多的关注，它丰富了现有生活的乐趣，提高了整个城市的文明水平。文化建筑中的装饰艺术设计主要是在建筑主体的基础上进行专门设计的一种艺术表现形式，它不仅增加了文化建筑的审美特征，而且提升了文化建筑的精神内涵。更多关于工程/服务/采购类的标书代写制作，提升中标率，您可以点击底部官网客服免费咨询：https://bid.lcyff.com/#/?source=bdzd

　　下面是我整理的洛阳古民居建筑的装饰艺术的论文，欢迎各位艺术类毕业的同学借鉴! 　　摘要 洛阳古民居建筑在屋宇格局、屋顶、梁架、门窗等方面都具有较高的装饰艺术。其精神境界中蕴涵着以河图洛书和牡丹意象为文化元素的精髓，并因此显得简洁而不失大气，质朴而不乏典雅。 　　 关键词： 洛阳古民居 装饰艺术 文化元素 简洁大气 质朴典雅 　　古往今来，人类对于物体的设计方式有两种：通用式和特殊式。综合各种要求，制定出标准形式以备选择即为通用式;按照个体要求进行特殊设计即为特殊式。在现代工业生产中，前者为制成品，后者为订制品。就世界建筑史而言，西方建筑是特殊式，中国建筑是通用式。西方建筑以石材建构，追求永恒，如金字塔。中国建筑以木材建构，追求时新，如北京四合院和洛阳古民居。但洛阳古民居建筑不仅依靠房屋的布局来表现其性格，还依靠其屋宇格局、屋顶装饰艺术、梁架装饰艺术、门的装饰艺术等来表现其地域特征和思想情趣，营造诗情画意的环境艺术。 　　一 屋宇格局、屋顶装饰艺术 　　洛阳位于北方黄河中游区域，其古民居屋顶与南方民居利于防雨的悬山顶不同，多为利于防风火的硬山顶。现以洛阳市老城区贴廓巷35号清代庄家大院――“洛八办”纪念馆为典型，试作分析。 　　庄家大院始建于清道光十一年(公元1831年)，总建筑面积达3330平方米，由三座三进式四合院自东而西并排构成，相互有偏门连通，为清代砖木结构古民居。大院座南面北，其中轴线上的建筑依次为临街房、厅堂、上房。大院两侧的厢房均为两层楼房式建筑。庄家大院屋顶为硬山顶。各进院落之间构成了“高――低――高”三段式有节奏感的起伏性主韵律格局，其长巷与墙垣则形成了衔接的“长――短――长”的交错状辅助韵律。行走其中，穿门越巷，会油然产生一种缓步悠游，韵律悠悠的清幽兴味。不由使人联想起宋代寇准《踏莎行春暮》“春色将阑，莺声渐老，红英落尽青梅小。画堂人静雨蒙蒙，屏山半掩余香袅。密约沉沉，离情杳杳，菱花尘满慵将照。倚楼无语欲销魂，长空暗淡连芳草”的意境：三春渐深，黄莺新声，繁华缤纷，青梅小小。华屋静静，细雨蒙蒙。屏风半掩，余香袅袅。思妇伤春怀远，约言沉沉，音信杳杳，懒对菱花镜，倚楼独望远，失魂又落魄，怅然对长空，芳草连云天。 　　其屋顶正脊东西两端及其四条垂脊前端均装饰有鸱尾，屋脊棱之间的面上覆有盖瓦，盖瓦面上装饰着卷草纹的二方连续图案，屋檐的滴水瓦上塑有花卉走兽图案。正脊线条平直，垂脊线条斜欹，形成平欹对比，二方连续图案构成重复，屋脊的鸱尾装饰与滴水瓦上的图案装饰则构成了立体与平面的装饰对比。整个屋顶由“二方连续图案”的重复性和立体与平面的“高――低”对比构成平行重复、先高后低的和谐衔接，不仅具有防火、排水的实用性，而且也像一只缓急有度的小夜曲，给人以雅而美的视觉享受。 　　二 梁架装饰艺术 　　洛阳古民居梁架形式与南方古民居穿斗式梁架形式不同，多采用抬梁式，把梁做成月梁形式，即梁的上下表面均被削成向上微微拱起的弧线。例如，新安县铁门镇73号现为刘隧杰居住的一杨姓故宅，其廊柱与墙体连接的横梁也加工成月牙形，足见其设计者的睿智表现。大有宋代诗人苏轼所谓“春宵一刻值千金，花有清香月有阴”的意趣。 　　在对魏家坡村125号民居考察时看到其堂屋前坡里面二檩木架上，双木檐檩上，以及梁端横面上镶有方形牡丹花饰件，红花绿叶依然明晰。而且在堂屋正中的一朵牡丹花饰件下面6根檩条的相间处，在长方形黄色底上绘有8个褐色菱形，褐色菱形上绘有白色八卦图形，八卦图的左右标有楷书字“八卦图”“万福图”。八卦图的中间绘有阴阳图形的太极图。太极八卦图之下的正堂房间，与其图下二檩木架连接的是整房间宽的隔断式屏风，其上4个金线方框中刻有“桂馥兰馨”楷书金字。整体气度恢弘，儒雅大方，充满中华文明特有的文化韵味。我们由此而联想起《河图》与《洛书》，二者均发生于洛阳。相传，上古伏羲氏时，洛阳东北孟津县境内的黄河中浮出龙马，背负“河图”，献给伏羲。伏羲依此而演成八卦，后为《周易》来源。又相传，大禹时，洛阳西洛宁县洛河中浮出神龟，背驮“洛书”，献给大禹。大禹依此治水成功，遂划天下为九州。又依此定九章大法，治理社会，流传下来收入《尚书》中，名《洪范》。宋人黄庚《赠易数周仁山》有“河洛图书排纸上，乾坤爻象只胸中”之句，宋代佚名《朝会》也有“爰有嘉禾，含章自天。宛城洛书，粲若奎光”之言，可见《河图》与《洛书》的深远影响，洛阳古民居装饰艺术出现其所衍生的太极八卦图也是自然之事。 　　有“洛阳牡丹甲天下”之美誉的洛阳牡丹，其雍容华贵的容颜更是享誉古今，为洛阳传统文化的重要元素之一。正如唐代诗人徐凝《赏牡丹》所吟：“何人不爱牡丹花，占断城中好物华。疑是洛川神女作，千娇万态破朝霞。”这就难怪洛阳古民居装饰偏好牡丹了。邵雍的一首《洛阳春吟》说得更妙：“洛阳人惯见奇葩，桃李花开未当花。须是牡丹花盛发，满城方始乐无涯。”可见洛阳人热爱牡丹花之深，洛阳古民居建筑装饰有牡丹图案也就不足为奇了。 　　三 门的装饰艺术 　　“门”作为建筑平面设计段落的一种表达形式，成为变换封闭空间的转接点。洛阳古民居建筑的门具有引导带领的作用，在平面构图艺术上，强调视觉审美的程序化。大体而言，洛阳古民居的门分为：外墙门与内屋门。 　　1 外墙门的装饰艺术 　　洛阳古民居的外墙门俗称大门楼，是一户人家贫富的形象建筑。因此，凡殷实富贵之家，无不殚精毕力，以求完美。例如，伊川县吕店乡温沟中街152号明清古民居，其门楼位于临街倒坐屋的东南部，属于占有一间房屋空间的大如意门样式。其大门楼左右两端的大门及鱼鳃墙与前檐柱平齐，鱼鳃墙上有如意状的砖石构件外挑。门楣部分自下而上依次是挂落、冰檐、望柱和朝天栏板。门框及鱼鳃墙外侧的墀头墙上方有盘头、垫花和博风头箱子型狮子，门枕石是一对相侧而视的石狮。门楼的正脊与倒坐屋相连一体，有鸱吻装饰。门楼两侧外向立壁面上，在花卉砖雕的下方分嵌的青条石上有雕刻精美的图案：右为雪胎梅骨图，左为荷香清赏图。整个门楼透露出一派富贵高雅之气，尤其是大门两侧的雪梅、荷香图，流露出辛弃疾《临江仙》“老去惜花心已懒，爱梅犹绕江村”的心情，以及祖孙登在《赋得涉江采芙蓉》中所谓“人来间花影，衣渡得荷香”的意念，使人赏心悦目。 　　再如，伊川县吕店乡符村110号古民居的门楼。其建筑为二层砖木结构，整体形象高俊秀伟。门楼为悬山式一殿一卷的垂花门，前后两坡屋面在脊部形成过陇清水脊，过陇清水脊端部有鸱尾装饰。门上檐柱垂花门是古民居的第二道院墙门。其形象几乎全部具备构成中国建筑的要素、构件、装修手法等。各种装饰手段，如砖雕、木雕、石雕、油漆彩画都用上去了，相衬得体，华丽悦目。悬于中柱穿枋上，柱上刻有花瓣联(莲)叶等华丽的木雕，仰面为莲花雕件。垂花门朝外一面两侧的看面墙，使用磨砖砌法，做得很精致。左右相对的粉墙上开有灯窗，屋脊两端砖雕的花草，门两侧墙上的砖雕、抱鼓石的石雕、门簪、花板、垂珠等木雕都很精美。 　　垂花门整座建筑占天不占地，这是垂花门的特色之一，因此垂花门内有一个较大的空间，给家庭主妇与女亲友的话别提供了温馨的空间。张籍在《秋思》中说“洛阳城里见秋风，欲作家书意万重。复恐匆匆说不尽，行人临发又开封。”其“临行开封”书信的意象犹如昨天就发生在这垂花门下一样感人。垂花门建在民居建筑的主轴线上，她与院中十字甬路、正房一样，同在一条南北走向的主轴线上。内宅的.抄手游廊、十字甬路均以垂花门为中轴向左右展开。 　　2 内屋门的装饰艺术 　　内屋门包括版门、隔扇门等，工艺手法多样，重整体效果和细部刻画，使之近看有内容，远观有效果。 　　洛阳古民居房屋中使用的大木板门叫版门。版门即双扇木板门。版门又可分为棋盘版门和镜面版门。棋盘版门多用于城门或宫殿，衙，署的大门，或民居外墙门。镜面版门，即门扇完全用厚木板拼合，背面用横木联结，无木框规范。镜面版门如魏家坡村125号民居二进院左右厦房的屋门即为版门。这种门在安装时，必有门枕石为轴，门上安装连楹固定门扇轴，可自如开门。这种门用约6厘米厚的木板制成，开起来很重，这样才有防御性。 　　洛阳古民居建筑以抬梁式木结构为主，一般无承重墙，廊柱内柱与柱之间一般以 扇门或 扇代替墙面。因为古代建筑物较高，所以 扇造型也窄而高，状如淑女。 扇中间的绦花板为腰板，束腰以下为裙板。其上部格心装饰，有多种纹饰，饰以人物、花卉。其腰板和裙板上则多以人物故事、山水、花卉、动物浮雕装饰。其人物或须发毕现，具体而微;或厮杀混战，生感动人;或醉酒赋诗，佯狂颠倒……均表现得淋漓尽致，花卉纹花瓣翻卷有致，花叶抑扬纷披，自然生动。 　　例如，洛阳市老城区贴廓巷35号清代庄家民居一进院过厅门为四扇隔扇门。其绦花板为十字川龟纹饰，抹头与裙板饰以花卉图案。整体效果简洁大方。其二进院过厅门亦为四扇隔扇门。其绦花板为亚字锦地纹饰，抹头与裙板饰仍用花卉图案，与一进院的风格保持一致，表现出中原传统文化崇尚质朴、典雅的风格。 　　四 窗的装饰艺术 　　洛阳古民居的窗有槛窗、横风窗、短窗等。 　　槛窗是设置在槛墙上的隔扇窗。槛窗，位于殿堂门两侧各间的槛墙上，它是由格子门演变而来的，其装饰主要集中在格心、绦花板、裙板。横风窗又称横披窗，装于上槛与中槛之间，成横长方形，窗可以向上、下开，一般不开启，作采光之用。以洛阳市老城区贴廓巷35号清代庄家大院为例，其槛窗位于过厅门的两侧槛墙上，绦花板以十字川龟等纹饰，上下抹头饰以花卉图案。其上与装饰有亚字锦地的横风窗相连，大方得体，简洁雅致。诗仙李白《谢公亭》有道槛窗之美：“池花春映日，窗竹夜鸣秋。”竹下秋虫鸣夜静，清响声声到窗前，是何等美妙。 　　进院的东西厢房墙壁上设置有短窗。短窗又称半窗，位置在半墙之上。其形状为正方形，绦花板为亚字锦地纹饰，上下抹头各有花卉装饰，简洁大方。宋代晏几道《蝶恋花》“醉别西楼醒不记，春梦秋云，聚散真容易。斜月半窗还少睡，画屏闲展吴山翠”，道出了半窗的好处：春梦短暂，秋云缥缈，好景易逝，斜月低临半窗，夜已深，情未了，床前画屏吴山翠，心境辗转人难寐。人对半窗月低临，极具诗情画意。 　　另以伊川县吕店乡符村120号古民居、洛阳市安乐邵雍故居为例，其临街厦房向内门左侧的短窗和邵雍故居大殿门右侧的短窗，分别以亚字锦地纹饰、十字川龟纹饰，四框素面，倒也显得小巧简洁。 　　综上所述，洛阳古民居建筑艺术与以浙江东阳、安徽徽州为代表的具有文人化倾向的江南建筑装饰艺术典型“强调文化内涵、讲究情趣、收敛含蓄”的风格不同;与广东潮汕、云南昆明为代表的具有商业化倾向的繁华富丽、热烈奔放的风格不同;与山西平遥、陕西韩城等地继承中原传统文化而表现出质朴简约的风格也不尽相同。洛阳古民居建筑艺术虽然也以质朴简洁为主，但在其精神境界中蕴涵着以河图洛书和牡丹意象为文化元素的精髓，并因此显得简洁而不失大气，质朴而不乏典雅。 　　参考文献： 　　[1] 许彦、许译丹：《南方古民居窗饰艺术风格论》，《文艺生活》(艺术中国)，2010年第8期。 　　[2] 施维琳、丘正瑜：《中西民居建筑文化比较》，云南大学出版社，2007年版。 　　[3] 徐伦虎：《中国古建筑密码》，测绘出版社，2010年版。 　　[4] 宋晓国：《中国古建筑吉祥装饰》，水利水电出版社，2008年版。 　　[5] 路玉章：《古建筑木门窗棂艺术与制作技艺》，中国建筑工业出版社，2008年版。 　　[6] 王颂、冯波：《河南民居地域文化特色的保护与延续――以刘青霞故居为例》，《安徽农业科学》，2010年第33期。 　　[7] 周海萍、谷言：《苏州古民居生态价值浅析》，《山西建筑》，2010年第33期。 　　[8] 曹国庆、朱毅：《皖南古村落建筑装饰艺术对现代设计的启示――以西递、宏村为例》，《家具与室内装饰》，2010年第8期。

　　“装饰艺术”运动（Art Deco）是在20 世纪20 到30 年代在法国、美国和英国等国家开展的一次风格非常特殊的设计运动。因为这场运动与欧洲的现代主义运动几乎同时发生与发展，因此，“装饰艺术”运动受到现代主义运动很大的影响，无论从材料的使用上，还是从设计的形式上，都可以明显看到这种影响的痕迹。但是，从思想发展的背景来看，从意识形态的角度来看，现代主义运动的民主色彩、社会主义背景，都从来没有在“装饰艺术”运动中发生过。“装饰艺术”，特别是法国的“装饰艺术”运动，在很大程度上依然是传统的设计运动，虽然在造型上、在色彩上、在装饰动机上有新的、现代的内容，但是它的服务对象依然是社会的上层，是少数的资产阶级权贵，这与强调设计民主化、强调设计的社会效应的现代主义立场是大相径庭的。因此，虽然这两场运动几乎同时发生，互相也有影响，特别是现代主义对于“装饰艺术”运动在形式上和材料上的影响，但是，它们属于两个不同的范畴，有各自的发展规律。　　20 世纪初，一批艺术家和设计师敏感地了解到新时代的必然性，他们不再回避机械形式，也不回避新的材料（比如钢铁、玻璃等等）。他们认为，英国的“工艺美术”运动和产生于法国，影响到西方各国的“新艺术”运动有一个致命缺陷，就是对于现代化和工业化形式的断然否定态度。时代已经不同了，现代化和工业化形式已经无可阻挡，与其回避它，还不如适应它。而采用大量的新的装饰动机使机械形式及现代特征变得更加自然和华贵，可以作为一条新的探索途径。这种认识，普遍存在于法国、美国、英国的一些设计家之间，特别是20 年代西方的普遍繁荣，美国更是高速发展，造成新的市场，为新的设计和艺术风格提供了生存和发展的机会。这一历史条件，促使新的试验的产生，其结果便是20 世纪初的另外一场重要的设计运动―“装饰艺术”运动。　　“装饰艺术”运动的名称出自1925 年在巴黎举办的一个大型展览：“装饰艺术”展览（The exposition des Arts Decoratifs）。这个展览旨在展示一种“新艺术”运动之后的建筑与装饰风格。该展览的名称，后常被用来特指一种特别的设计风格和一个特定的设计发展阶段。但是，“装饰艺术”这一术语，实际所指的并不仅是一种单纯的设计风格。和“新艺术”运动一样，它包括的范围相当广泛，从20 年代的色彩鲜艳的所谓爵士图案（Jass Patterns) ，到30 年代的流线型设计式样，从简单的英国化妆品包装到美国纽约洛克菲勒中心大厦的建筑，都可以说是属于这场运动的。它们之间虽有共性，但是个性更加强烈。因此，把“装饰艺术”单纯看作一种统一的设计风格是不恰当的。　　从思想和意识形态方面来看，“装饰艺术”运动是对矫饰的“新艺术”运动的一种反动。“新艺术”强调中世纪的、哥德式的、自然风格的装饰，强调手工艺的美，否定机械化时代特征；而“装饰艺术”运动恰恰是要反对古典主义的、自然（特别是有机形态）的、单纯手工艺的趋向，主张机械化的美。因而，“装饰艺术”风格具有更加积极的时代意义。另一方面，“装饰艺术”运动开展的时期，正是现代主义开展的时期，因此，无论这场运动多么强调装饰的效果-装饰正是现代主义反对的主要设计内容之一-但是，在设计上依然受到现代主义的很大影响。无论是在材料的运用上，还是设计主题的选择上，乃至于设计本身的特点上，这两种设计运动都有不少的内在关联。以往常常把“装饰艺术”视为与现代主义对立的设计运动来看，但现在的研究表明，它们之间有着千丝万缕的联系，特别是美国的工业设计与“装饰艺术”运动，有时简直难以截然划分开来。比如美国设计家雷蒙·罗维( Raymond Loewy) 1937 年为纽约世界博览会设计的“工业设计师办、公室”，就很难说是单纯的现代主义，还是“装饰艺术”风格；法国现代主义大师勒·科布西耶（Le corbusier）在20 世纪20 年代中期设计的家具，也是两种风格兼有。这都表明：“装饰艺术”与“现代主义”之间并不完全是矛盾的关系，在形式特征上，它们有着密切而复杂的关联。　　至于两者的区别，主要在于它们的产生动机和它们所代表的意识形态上。“装饰艺术”禀承了以法国为中心的欧美国家长期以来的设计传统立场：为富裕的上层阶级服务，因此它仍然是为权贵的设计，其对象是资产阶级；“现代主义”运动则强调设计为大众服务，特别是为低收入的无产阶级服务，因此它是左倾的、小知识分子理想主义的、乌托邦式的。　　西方有些设计理论家把“装饰艺术”运动称为“流行的现代主义”，或者“大众化的现代主义”，原因是因为它的风格在某些方面被用来设计大众化的流行的产品，比如批量化生产的钢管家具、汽车和摩天大楼等等。这种称谓很容易造成误解，因为“装饰艺术”风格的主要服务对象依然是社会中的权贵，而并不是大众。　　20 世纪60 年代以来，开始有越来越多的设计理论家把“装饰艺术”运动视为英国“工艺美术”运动和欧美的“新艺术”运动的延伸与发展。从装饰动机来看，或者从它强调的服务方向来看，这种观点当然无可厚非。但复杂性在于，这场运动主要的发展时期是第一次世界大战和第二次世界大战之间，而这也正是现代主义运动发展的主要阶段，因此，往往有混淆的情况。从名称上看，也有一定的混淆，比如在法国有人称这场运动和设计风格为“现代主义”( moderne ) ，也有人因为影响到这个风格的因素之一是美国的爵士音乐和表演，而把它称为爵士现代主义。但是，如果从意识形态的立场来看，“装饰艺术”运动强调为权贵服务的立场和现代主义运动强调为大众服务的社会主义立场之间依然是径渭分明的。　　“装饰艺术”运动风格在形式上是受到以下几个非常特别的因素影响而形成：　　l ）埃及等古代装饰风格的实用性借鉴　　英国产生的“工艺美术”运动和源起法国的“新艺术”运动都从中世纪风格、特别是哥德风格，以及日本装饰和自然风格当中寻找形式借鉴的营养，而“装饰艺术”则从古代埃及华贵的装饰特征中寻找借鉴。以前的两个设计运动，都以有机的、平面的、和谐的色彩为中心，基本否定单纯的几何形式和所谓的机械色彩-黑白色系列。1922 年，英国考古学家豪瓦特·卡特在埃及发现一个完全没有被扰乱过的古代帝王墓-图吞哈蒙（Tutankhamun）墓，大量的出土文物展示出一个绚丽的古典艺术世界，震动了欧洲的新进设计师们。那些3 ,300 年前的古物，特别是图坦卡蒙的金面具，具有简单的几何图形，使用金属色系列和黑白色彩系列，却达到高度装饰的效果，这给予设计师们强而有力的启示。古埃及时代非常普遍的建筑装饰图案，比如盛开的纸草形式的柱头（公元前1250 年卢索宫的柱子设计）、纸草和莲花交织组成的柱头（公元前106 年菲拉克岛皇室建筑），都是简单明快的从自然抽象出来的几何图案加以变形处理，相当壮观。这些设计动机是自日本风格传入欧洲以来的又一次重要的外来影响。　　2 ）原始艺术的影响　　20 世纪初以来，原始艺术的影响，特别是来自非洲和南美洲的原始部落艺术对于欧洲前卫艺术界的影响是非常大的。毕加索的《亚维农的少女》 就受到非洲原始艺术的影响；挪威艺术家爱德华·蒙克则在很大程度受到南美洲的原始部落文化影响。这种影响，同样在设计界得到深刻的反映。非洲部落舞蹈面具的象征性和夸张特点，非洲雕塑特别是木雕的明快简练，给了西方的艺术家和设计师们很大的启发。　　3 ）简单的几何外型　　自19 世纪中期的“工艺美术”运动以来，大部分的设计探索都是从有机的自然形态中找寻装饰的动机。因此，与大工业生产联系比较密切、具有强烈时代特征的简单几何外型自然就成为20 世纪20 年代设计家们热衷研究的中心。这些几何动机，究其来源依然是古典埃及、中美洲和南美洲的古代印第安人文化（比如玛雅、阿兹台克、印加文化），常用的几何图案包括有阳光放射型（sunbursis）、闪电型（lightning zuggyrates）、曲折型、重叠箭头型（chevrons）、星星闪烁型（starbursts）、阿兹台克放射型（Aztec-shape Plinths）、埃及金字塔型等等。　　4 ）舞台艺术的影响　　20 世纪初期，舞蹈，特别是芭蕾舞开始出现了与传统决裂的重大改革。这种改革，在芭蕾舞重要的中心之一的俄国己经有所发展。改革的内容体现在音乐、舞蹈编导、舞台设计、服装设计等等各个方面，俄国芭蕾舞团出国演出，也就把这种改革的影响带到外国。对于西方国家来说，影响主要是20 世纪初期来自俄国芭蕾舞团（Ballets Russes）的影响。俄国芭蕾舞的改革当时并不完善，由于这个芭蕾舞团来到巴黎以后，受到西方现代艺术大改革的气氛的影响，加速了变革，而这个变革又反应回设计上，导致新的设计风格的出现。这个俄国的芭蕾舞团在其领袖迪亚基列夫的领导下，于1902 年前后来到巴黎演出，并且从此定巴黎为基地。1909年该团演出了一系列非常前卫的芭蕾舞剧，包括斯特拉文斯基的《火鸟》、《春之祭》、《彼德罗什卡》，还有《蛇舞》（La nanse du Serpent）等。这些芭蕾舞的舞台设计和服装设计都非常前卫，大量采用金属色彩和强烈的色彩计划。比如由吉色尔编导的《蛇舞》，舞台服装是由这个芭蕾舞团的服装设计师设计的，服饰紧凑贴身，古铜色，效果非常强烈。俄国芭蕾舞团的总设计师是列昂·巴克斯特（Leon Bakst) ，他的设计不但影响到各国设计师，并且导致了法国时装设计的开始：法国第一位时装设计师保罗·布瓦列特的设计就是从他的舞台设计和服装设计中得到灵感的，布瓦列特成为法国1915 年到1925 年时装设计最重要的人物。事实上，法国时装设计，特别是布瓦列特设计的个性特征，对于“装饰艺术”运动也产生了非常强烈的影响。　　另外一种造成影响的舞台艺术风格是美国的爵士乐。20 年代和30 年代是美国黑人爵士音乐的高峰期，这种强烈的、节奏鲜明而特殊的美国民间音乐和它的表演方式，对于设计家来说是极为新鲜和富于感染力的。因此，它的节奏与特殊的韵律感，它的强烈的色彩，都通过设计得到一定的体现。　　5 ）汽车的影响　　1898 年前后，汽车被发明出来，很快成为重要的交通工具。20 世纪初期，汽车被不少前卫人士视为未来的象征，速度感即是时代感。特别是第一次世界大战之后，对干汽车的热爱在设计师当中非常流行。不少20 到30 年代的海报、广告都采用汽车大赛作为主题，色彩鲜艳，构图明快，有强烈的时代感。汽车作为20 世纪文明的新象征，启发了“装饰艺术”运动的设计师们大胆地采用现代工业文明的成果，作为自己的设计动机，在形式上和思想上都具有相当重要的启迪作用。　　6 ）形成自己独特的色彩系列　　“装饰艺术”具有鲜明强烈的色彩特征，与讲究典雅的以往各种设计风格的色彩计划大相径庭。在前述各种因素影响之下，形成了自己独特的色彩计划，特别重视强烈的原色和金属色彩，其中包括鲜红（brilliant reds）、鲜黄、鲜蓝( Lighting blue）、桔红和金属色系列（包括古铜、金、银等色彩）。　　“装饰艺术”运动是一场国际性设计运动，不少欧美国家都卷入其中，尤以法国、英国和美国的设计成果较具代表性。它同时还影响到许多欧洲国家，从大约1910 年前后开始，一直发展到1935 年前后为止，是20 世纪延续时间比较长的一个设计运动。　　"装饰艺术"运动是一场承上启下的运动，它既对"工艺美术"运动、"新艺术"运动的自然装饰、中世纪复古表示反对，而对于单调的工业化风格也加以批评。因此，虽然在装饰趋向上与前两个运动有相似之处，但是从承认工业化的角度来看，已很难说是它们的延续了；又由于强调装饰化，因此与同期开始在德国发起的现代主义也具有很大的区别。它是"新艺术"运动和现代主义运动之间的一场衔接，双方的特征都兼而有之，但却不是简单的重复或再现。"装饰艺术"的装饰特点，在20 世纪80 年代得到重新认识，并在后现代主义风格中再次受到重视。　　"装饰艺术"运动发起于法国巴黎，主要集中在豪华和奢侈的产品与艺术品设计上，比如家具、纺织品、金属制品、玻璃器皿、陶瓷、装饰雕塑、绘画、平面设计与海报、首饰设计等等。　　而当这种风格传入美国后，却比较多地应用在建筑设计、室内设计等规模比较宏大的公众性质的项目上。从纽约开始，逐步波及中西部和西海岸地区，对20 和30 年代的美国设计产生了巨大的影响，涵盖了汽车设计、工业产品设计、平面设计、舞台设计、电影设计等各个设计领域。　　"装饰艺术"运动在欧洲其它国家的发展则比较微弱，并且也没有能够产生它在法国和美国那样全面的影响力。由于"装饰艺术"风格因国而异，因此，必须对各个国家的运动发展状况和风格分布进行介绍，才能对它有一个总体的认识。下面就对卷入过这场设计运动的各国进行具体阐述。　　小结　　“装饰艺术”运动在20 世纪20 年代兴起，到30 年代成为一个国际性的流行设计风格，影响到建筑设计、室内设计、家具设计、工业产品设计、平面设计、纺织品设计和服装设计等等几乎设计的各个方面，是本世纪非常重要的一次设计运动。虽然主要的发展国家只是法国、美国和英国，但是这种风格却成为世界流行风格，甚至到远在东方的上海都可以找到“装饰艺术”风格的建筑和室内设计，可见其流行的广度。相比之下，“新艺术”运动虽然也遍及欧美，但是从影响的范围来看，地区性非常强，并且在很大程度上只是设计界的探索，很难成为一个比较统一的流行风格。可见，对“装饰艺术”风格的研究有特别重要的意义。　　“装饰艺术”风格之所以如此普及，原因之一是因为它本身的折衷立场为大批量生产提供了可能性。“新艺术”运动没有可能广泛普及，也正因为它的曲线、非几何形态造成了只能手工生产，不能大批量机械生产的状况。20 世纪开始，人们己经注意到，如果希望某种风格能够得到普及，成为流行风格，批量生产的考虑是不能忽视的一个重要因素。　　“装饰艺术”运动是装饰运动在20 世纪初的最后一次尝试，它采用手工艺和工业化的双重特点，采取设计上的折衷主义立场，设法把豪华的、奢侈的手工艺制作和代表未来的工业化特征合二为一，产生一种可以发展的新风格来。这场运动与世界的现代主义设计运动几乎是同时发生，也几乎同时于30 年代后期在欧洲大陆结束，因而，在各个方面都受到现代主义的明显影响。但是，由于它主要强调为上层顾客服务的出发点，使得它与现代主义具有完全不同的意识形态立场，也正因为如此，所以“装饰艺术”运动没有能够在第二次世界大战之后再次得到发展，而基本成为史迹，只有现代主义成为真正的世界性设计运动。　　“装饰艺术”运动在装饰和设计手法上为我们提供了大量可资参考的重要资料，从材料的运用，到装饰的动机，直到产品的表面处理技术，无论哪一个方面，这个风格都有不少可以借鉴和学习的地方，它的东方和西方结合、人情化与机械化的结合的尝试，更是80 年代的后现代主义时期重要的研究中心。从形式上看，20 、30 年代的这个设计运动的风格与80 年代的后现代主义风格有千丝万缕的联系，从意识形态方面来说，也有类似的地方。因而，对于它的了解和研究，就更具有重要意义了。

罗丹一生中，最重要的作品是为巴黎装饰艺术博物馆大门及西侧门框作的浮雕，这个包括186个人体的作品，分别表现青春、恋情和地狱生活的悲惨与痛苦，耗去了他37年的时间，最后由于种种原因虽未完成，但围绕这个构思的许多作品，却是他留下的一笔宝贵的艺术遗产，如《思想者》、《乌戈利诺和她的儿子们》、《吻》、《永恒的偶像》等。

设计类的不同专业方向，电脑艺术设计是指以电脑科技为基础的，设计艺术与电脑技术相结合的，一种崭新的艺术创作手段。所以现今的电脑艺术设计人员已不是只会操作几个软件的电脑美工，而必须具备扎实的美术功底和深厚的艺术素养，只有当电脑艺术制作和新颖的设计创意之完美结合才能称之为真正的电脑艺术设计。环境艺术设计大概分两个方向，室内方向和室外方向。所有和环境有关的设计都算是环境艺术设计。很泛的一个专业。家庭装修设计啊，公共场所设计啊室外景观设计啊园林绿化啊建筑设计啊景观规划啊等等都可能要学电脑装饰艺术设计和环境艺术设计的区别就是两个不同的设计，设计对象不同。但运用的设计媒介可能会相同，都可能要运用到电脑技术。

　　根据教学计划安排，XX级装饰艺术设计专业在第5学期（第十八周至第二十周）和第6学期（第一周至第三周）进行毕业设计，现就毕业设计的任务、要求、进度安排如下： 　　 一、毕业设计目的和任务 　　毕业设计是《艺术设计专业人才培养方案》所计划的教学进程中一个非常重要的实践性教学环节，它是学生毕业前对所学知识和能力的一次全面总结和综合训练与集中展示，是学生毕业及获取毕业资格的重要依据。毕业设计是在老师指导下，学生选题、策划、设计、制作并展示；培养和训练学生综合运用所学知识去解决实际问题的能力，检验和深化学生的综合素质。 　　1.通过毕业设计的教学过程，培养学生严肃认真的治学态度、严谨求实的作风，同时培养学生间的协作能力。 　　2.培养学生利用文献、设计手册、实践和调查研究等方法获取知识的技能，要求学生依据任务书选题，独立（合作）完成策划、设计和作品制作及设计文本编写的工作。在设计过程中不断完善自己的设计，培养学生的设计创新意识，发现问题、解决问题的能力。 　　3.对学生掌握知识的广度与深度、运用知识处理问题的能力、计算机应用水平、语言表达能力、动手能力等进行综合考核。 　　 二、毕业设计形式与要求 　　1.学生要在校园内进行设计，指导教师定期召集进行指导； 　　2.选题必须符合本专业培养目标的.要求，有利于提高学生综合解决问题的能力；要求一人一题，或两人一题（加展示模型）。 　　3.设计所需的各种软件、材料等均由学生自行解决； 　　4.选题时学生避免撞车，抄袭他人作品、下载网络上的作品或由他人代做的，一律做不及格处理。 　　 三、毕业设计工作流程 　　1.向毕业学生下发艺术设计专业XX届毕业设计指导书； 　　2.毕业学生在指导教师的辅导下编写课题报告和全面开展毕业设计；如果是两人一组完成毕业设计方案，必须递交展示模型制作方案（ppt），方案通过后才能实施； 　　3.艺术设计专业组织毕业设计中期检查（具体时间另行通知）； 　　4.毕业学生在指导教师的指导下修改并完成设计及文本材料； 　　5.毕业设计作品布展、展览、答辩（具体时间另行通知）； 　　6.学生上交材料并评定学生毕业设计的最终成绩。 　　 四、毕业设计选题范围及要求 　　某室内空间设计（选题见附件） 　　1、项目施工图（平面图、立面图、顶面图、水电图、剖切图、节点图等），图纸总数不少于50张。 　　2、方案效果图主要空间5幅以上（手绘、电脑效果不低于2幅） 　　3、设计说明（含设计构思、主要用材、工程造价等） 　　4、工程文件（工程概况、工程进度表、预算） 　　5、毕业设计作品展板的电子版（1200×900mm.200dpi） 　　6、展示模型必须由两人共同完成。尺寸要求：600×800mm 　　 五、毕业设计内容 　　1、毕业设计手册（a3胶装） 　　内容包括封面、首页（个人简介）、目录、设计说明、展板、手绘效果图（原件）、3d效果图、施工图、工程文件、总结、封底。 　　2、毕业设计作品展板（1200×900mm），高精密度写真、装裱。 　　3、毕业设计ppt（方案设计） 　　4、展示模型（600×800mm） 　　5、所有设计电子文档 　　 六、毕业设计进程安排 　　第一阶段：选题、资料收集与素材整理的阶段： 　　1.选择设计题目，确定设计选题范围内各种设计内容； 　　2.收集相关资料，进行同类设计的实地调查； 　　3.确立设计主题、设计风格、流派与文脉； 　　4.完成开题报告的编写； 　　第二阶段：方案设计（平面布置、效果图制作） 　　第三阶段：深化设计（施工图设计制作） 　　第四阶段：工程文件（工程概况、工程进度表、预算） 　　第五阶段：成果打印、制作、答辩、评分、展览 　　1.制作毕业设计展板及室内展示模型； 　　2.按照《毕业设计文件要求》完成各项毕业设计文件制作； 　　3.完成毕业设计挂网； 　　 七、毕业设计展览、答辩及评价 　　1.毕业设计展览要求： 　　展板规格（900mm×1200mm）、毕业设计手册（a3胶装）、展示模型（600×800mm） 　　2.毕业答辩要求： 　　本次毕业设计优秀作品及不合格作品的评定：由指导老师依据学生平时表现、设计量及作品质量提交专业讨论，最终评定。毕业设计答辩次序按班级、学号的前后排列。 　　3.毕业设计评价 　　本次指导教师评价（结合学生协作、创新、创意设计、工作态度、文本材料及考勤等情况，综合评价学生成绩）+集体评价（结合学生作品的创意、成品质量、实用性及毕业答辩等情况，综合评价学生成绩）=综合总成绩，具体比例为：指导教师占总成绩60%，集体评价占总成绩40%。 　　 八、考勤与指导： 　　①指导教师随时指导、检查学生毕业设计进度，学生要主动向指导教师报告设计进度（每周至少二次）； 　　②学生必须在校内完成设计任务（特殊情况除外），不得擅自改变设计地点，否则按旷课处理； 　　③学生必须要按指导教师的进度要求，完成设计，学生无特殊理由而迟交各项作业，指导教师将酌情处理，设计过程中从不与指导教师交流和不交作业者，一律做不合格处理。 　　 九、毕业设计文件要求 　　（一）毕业设计作品电子文件 　　1.毕业设计作品电子文件： 　　最终设计作品刻盘上交专业老师，作品电子版必须包括：绘画手稿、源文件、参考资料、jpg格式以及毕业设计过程材料、设计成果材料的word格式文件，展示展板，展示模型ppt（模型照片）；毕业设计存盘名称：班级+学号+姓名。 　　2.毕业设计说明书 　　说明书封面(使用专业统一规格的封面)、目录、调研与分析、设计定位、设计方案、设计成品（展示设计效果图）、设计总结、参考文献； 　　3.毕业设计过程材料文本 　　①过程材料封面(使用专业统一规格的封面) 　　②目录 　　③课题任务书 　　④课题开题报告 　　⑤指导教师指导和检查记录表 　　⑥成绩评定表（指导教师） 　　⑦成绩评定表（集体评分、答辩） 　　⑧答辩记录 　　⑨毕业设计作品手册 　　（二）毕业设计作品手册 　　内容包括封面、首页（个人简介）、目录、设计说明、展板、模型照片、效果图、施工图、工程文件、总结、封底。 　　十、毕业设计时间安排： 　　1、XX年下学期18-20周（星期一下午5-8节，地点：5-605 　　），星期五上午（1-4节，地点：5-603）； 　　2、XX上学期1~2周毕业设计时间、设计答辩,地点另行通知； 　　3、XX年上学期第二周星期五为交毕业设计时间，逾期者后果自负。 　　4、XX年上学期第三周毕业设计展，时间另行通知。 　　5、毕业设计电子版于上学期学期第二十周前交到指定地方 　　文件名为：班级姓名学号。例：文件名装饰XX级-1班孟冲01. 　　 十、特别说明 　　毕业设计要求所有装饰艺术设计专业XX级学生，必须按时按量完成，不能以任何借口不交或迟交，如有不按规定时间、要求完成毕业设计的学生，此次毕业设计成绩不予评定。 　　指导老师：龙滟潋 　　联系电话：135xx2366

商代青铜器装饰艺术特点：1。图案纹样是以单独适合纹样为主。这种单独纹样是以饕餮纹为主体，或以双夔纹组成一个饕餮。饕餮则有以头部为主。（2分）2。图案纹样多采用对称的格式。对称格式的应用，一方面是由于特定形式可以更好地表达内容的要求，而且对称的格式能产生庄严肃穆的感觉；另一方面，也与器物的制作和成型有关，青铜器用模块制作花纹，运用左右对称的办法，更能做到工整和准确。（2分）3。商代的装饰多采用主纹和低温的结合。以饕餮纹作为主纹，回纹作为地纹。（2分）4、青铜器装饰方法，早期脱胎于陶器的拍印，后期则运用刻画的方法，而且后期多用三层花纹。总之，青铜器装饰艺术反映出了一种神 秘、威严、庄重的风格。（2分）周代青铜器装饰艺术特点：1。青铜器装饰在周早期大体和商代相同，在中后期才形成自己的特点。（1分）2。青铜器装饰纹样中，饕餮纹已处于次要地纹，装饰格式应用了二方连续的带状纹样。产生一种秩序感。（2分）3。青铜器装饰纹样是不用地纹的，只用主纹。装饰艺术反映出了质朴洗练、疏朗畅达、富于韵律感、节奏感的风格。（2分） 能结合饕餮纹、夔纹、垂鳞纹、重环纹、环带纹等例子可以适当给3分

新艺术运动是19世纪末、20世纪初在欧洲和美国产生和发展的一次影响面相当大的装饰艺术运动，一次内容很广泛的设计上的形式主义运动，涉及到上十个国家，从建筑、家具、产品、首饰、服装、平面设计、书籍插图，一直到雕塑和绘画艺术都受到影响，延续时间长达十余年。从背景来看与1860年到1890年左右在英国和美国产生的“工艺美术”运动有许多相似的地方：1)它们都是对矫饰的维多利亚风格和其它过分装饰风格的反动，2)它们都是对工业化风格的强烈反动，3)它们都旨在重新掀起对传统手工艺的重视和热衷，4)它们也都放弃传统装饰风格的参照，而转向采用自然中的一些装饰构思，比如植物、动物为中心的装饰风格和图案的发展。5)它们也都受到日本装饰风格，特别是日本江户时期的艺术与装饰风格和浮世绘的影响。两个运动之间比较不同的地方是：英国和美国的“工艺美术”运动比较重视中世纪的哥特风格，把哥特风格作为一个重要的参考与借鉴来源，而新艺术运动则完全放弃任何一种传统装饰风格，完全走向自然风格，强调自然中不存在直线，强调自然中没有完全的平面，在装饰上突出表现曲线、有机形态，而装饰的构思基本来源于自然形态。 准确地说，新艺术是一场运动，而不是一个风格。这场运动在欧洲各国产生的背景虽然相似，但所体现出的风格却是各不相同的。这场运动从1 895年左右的法国开始发展起来，之后蔓延到荷兰、比利时、意大利、西班牙、德国、奥地利、斯堪的纳维亚国家、中欧各国，乃至俄罗斯，也越过大西洋影响了美国，成为一个影响广泛的国际设计运动。然后逐步为现代主义运动和“装饰艺术运动”取而代之。所谓装饰艺术运动是在现代主义运动兴起的同时，在法国、美国和英国等国家展开的一场风格非常特殊的设计运动，这场运动在设计艺术形式、审美追求，以及对待机械化和批量化问题上有其独特之处，并且对20世纪40年代以后的设计艺术产生了深远影响。

　　“装饰艺术”运动（Art Deco）是在20 世纪20 到30 年代在法国、美国和英国等国家开展的一次风格非常特殊的设计运动。因为这场运动与欧洲的现代主义运动几乎同时发生与发展，因此，“装饰艺术”运动受到现代主义运动很大的影响，无论从材料的使用上，还是从设计的形式上，都可以明显看到这种影响的痕迹。但是，从思想发展的背景来看，从意识形态的角度来看，现代主义运动的民主色彩、社会主义背景，都从来没有在“装饰艺术”运动中发生过。“装饰艺术”，特别是法国的“装饰艺术”运动，在很大程度上依然是传统的设计运动，虽然在造型上、在色彩上、在装饰动机上有新的、现代的内容，但是它的服务对象依然是社会的上层，是少数的资产阶级权贵，这与强调设计民主化、强调设计的社会效应的现代主义立场是大相径庭的。因此，虽然这两场运动几乎同时发生，互相也有影响，特别是现代主义对于“装饰艺术”运动在形式上和材料上的影响，但是，它们属于两个不同的范畴，有各自的发展规律。　　20 世纪初，一批艺术家和设计师敏感地了解到新时代的必然性，他们不再回避机械形式，也不回避新的材料（比如钢铁、玻璃等等）。他们认为，英国的“工艺美术”运动和产生于法国，影响到西方各国的“新艺术”运动有一个致命缺陷，就是对于现代化和工业化形式的断然否定态度。时代已经不同了，现代化和工业化形式已经无可阻挡，与其回避它，还不如适应它。而采用大量的新的装饰动机使机械形式及现代特征变得更加自然和华贵，可以作为一条新的探索途径。这种认识，普遍存在于法国、美国、英国的一些设计家之间，特别是20 年代西方的普遍繁荣，美国更是高速发展，造成新的市场，为新的设计和艺术风格提供了生存和发展的机会。这一历史条件，促使新的试验的产生，其结果便是20 世纪初的另外一场重要的设计运动―“装饰艺术”运动。　　“装饰艺术”运动的名称出自1925 年在巴黎举办的一个大型展览：“装饰艺术”展览（The exposition des Arts Decoratifs）。这个展览旨在展示一种“新艺术”运动之后的建筑与装饰风格。该展览的名称，后常被用来特指一种特别的设计风格和一个特定的设计发展阶段。但是，“装饰艺术”这一术语，实际所指的并不仅是一种单纯的设计风格。和“新艺术”运动一样，它包括的范围相当广泛，从20 年代的色彩鲜艳的所谓爵士图案（Jass Patterns) ，到30 年代的流线型设计式样，从简单的英国化妆品包装到美国纽约洛克菲勒中心大厦的建筑，都可以说是属于这场运动的。它们之间虽有共性，但是个性更加强烈。因此，把“装饰艺术”单纯看作一种统一的设计风格是不恰当的。　　从思想和意识形态方面来看，“装饰艺术”运动是对矫饰的“新艺术”运动的一种反动。“新艺术”强调中世纪的、哥德式的、自然风格的装饰，强调手工艺的美，否定机械化时代特征；而“装饰艺术”运动恰恰是要反对古典主义的、自然（特别是有机形态）的、单纯手工艺的趋向，主张机械化的美。因而，“装饰艺术”风格具有更加积极的时代意义。另一方面，“装饰艺术”运动开展的时期，正是现代主义开展的时期，因此，无论这场运动多么强调装饰的效果-装饰正是现代主义反对的主要设计内容之一-但是，在设计上依然受到现代主义的很大影响。无论是在材料的运用上，还是设计主题的选择上，乃至于设计本身的特点上，这两种设计运动都有不少的内在关联。以往常常把“装饰艺术”视为与现代主义对立的设计运动来看，但现在的研究表明，它们之间有着千丝万缕的联系，特别是美国的工业设计与“装饰艺术”运动，有时简直难以截然划分开来。比如美国设计家雷蒙·罗维( Raymond Loewy) 1937 年为纽约世界博览会设计的“工业设计师办、公室”，就很难说是单纯的现代主义，还是“装饰艺术”风格；法国现代主义大师勒·科布西耶（Le corbusier）在20 世纪20 年代中期设计的家具，也是两种风格兼有。这都表明：“装饰艺术”与“现代主义”之间并不完全是矛盾的关系，在形式特征上，它们有着密切而复杂的关联。　　至于两者的区别，主要在于它们的产生动机和它们所代表的意识形态上。“装饰艺术”禀承了以法国为中心的欧美国家长期以来的设计传统立场：为富裕的上层阶级服务，因此它仍然是为权贵的设计，其对象是资产阶级；“现代主义”运动则强调设计为大众服务，特别是为低收入的无产阶级服务，因此它是左倾的、小知识分子理想主义的、乌托邦式的。　　西方有些设计理论家把“装饰艺术”运动称为“流行的现代主义”，或者“大众化的现代主义”，原因是因为它的风格在某些方面被用来设计大众化的流行的产品，比如批量化生产的钢管家具、汽车和摩天大楼等等。这种称谓很容易造成误解，因为“装饰艺术”风格的主要服务对象依然是社会中的权贵，而并不是大众。　　20 世纪60 年代以来，开始有越来越多的设计理论家把“装饰艺术”运动视为英国“工艺美术”运动和欧美的“新艺术”运动的延伸与发展。从装饰动机来看，或者从它强调的服务方向来看，这种观点当然无可厚非。但复杂性在于，这场运动主要的发展时期是第一次世界大战和第二次世界大战之间，而这也正是现代主义运动发展的主要阶段，因此，往往有混淆的情况。从名称上看，也有一定的混淆，比如在法国有人称这场运动和设计风格为“现代主义”( moderne ) ，也有人因为影响到这个风格的因素之一是美国的爵士音乐和表演，而把它称为爵士现代主义。但是，如果从意识形态的立场来看，“装饰艺术”运动强调为权贵服务的立场和现代主义运动强调为大众服务的社会主义立场之间依然是径渭分明的。　　“装饰艺术”运动风格在形式上是受到以下几个非常特别的因素影响而形成：　　l ）埃及等古代装饰风格的实用性借鉴　　英国产生的“工艺美术”运动和源起法国的“新艺术”运动都从中世纪风格、特别是哥德风格，以及日本装饰和自然风格当中寻找形式借鉴的营养，而“装饰艺术”则从古代埃及华贵的装饰特征中寻找借鉴。以前的两个设计运动，都以有机的、平面的、和谐的色彩为中心，基本否定单纯的几何形式和所谓的机械色彩-黑白色系列。1922 年，英国考古学家豪瓦特·卡特在埃及发现一个完全没有被扰乱过的古代帝王墓-图吞哈蒙（Tutankhamun）墓，大量的出土文物展示出一个绚丽的古典艺术世界，震动了欧洲的新进设计师们。那些3 ,300 年前的古物，特别是图坦卡蒙的金面具，具有简单的几何图形，使用金属色系列和黑白色彩系列，却达到高度装饰的效果，这给予设计师们强而有力的启示。古埃及时代非常普遍的建筑装饰图案，比如盛开的纸草形式的柱头（公元前1250 年卢索宫的柱子设计）、纸草和莲花交织组成的柱头（公元前106 年菲拉克岛皇室建筑），都是简单明快的从自然抽象出来的几何图案加以变形处理，相当壮观。这些设计动机是自日本风格传入欧洲以来的又一次重要的外来影响。　　2 ）原始艺术的影响　　20 世纪初以来，原始艺术的影响，特别是来自非洲和南美洲的原始部落艺术对于欧洲前卫艺术界的影响是非常大的。毕加索的《亚维农的少女》 就受到非洲原始艺术的影响；挪威艺术家爱德华·蒙克则在很大程度受到南美洲的原始部落文化影响。这种影响，同样在设计界得到深刻的反映。非洲部落舞蹈面具的象征性和夸张特点，非洲雕塑特别是木雕的明快简练，给了西方的艺术家和设计师们很大的启发。　　3 ）简单的几何外型　　自19 世纪中期的“工艺美术”运动以来，大部分的设计探索都是从有机的自然形态中找寻装饰的动机。因此，与大工业生产联系比较密切、具有强烈时代特征的简单几何外型自然就成为20 世纪20 年代设计家们热衷研究的中心。这些几何动机，究其来源依然是古典埃及、中美洲和南美洲的古代印第安人文化（比如玛雅、阿兹台克、印加文化），常用的几何图案包括有阳光放射型（sunbursis）、闪电型（lightning zuggyrates）、曲折型、重叠箭头型（chevrons）、星星闪烁型（starbursts）、阿兹台克放射型（Aztec-shape Plinths）、埃及金字塔型等等。　　4 ）舞台艺术的影响　　20 世纪初期，舞蹈，特别是芭蕾舞开始出现了与传统决裂的重大改革。这种改革，在芭蕾舞重要的中心之一的俄国己经有所发展。改革的内容体现在音乐、舞蹈编导、舞台设计、服装设计等等各个方面，俄国芭蕾舞团出国演出，也就把这种改革的影响带到外国。对于西方国家来说，影响主要是20 世纪初期来自俄国芭蕾舞团（Ballets Russes）的影响。俄国芭蕾舞的改革当时并不完善，由于这个芭蕾舞团来到巴黎以后，受到西方现代艺术大改革的气氛的影响，加速了变革，而这个变革又反应回设计上，导致新的设计风格的出现。这个俄国的芭蕾舞团在其领袖迪亚基列夫的领导下，于1902 年前后来到巴黎演出，并且从此定巴黎为基地。1909年该团演出了一系列非常前卫的芭蕾舞剧，包括斯特拉文斯基的《火鸟》、《春之祭》、《彼德罗什卡》，还有《蛇舞》（La nanse du Serpent）等。这些芭蕾舞的舞台设计和服装设计都非常前卫，大量采用金属色彩和强烈的色彩计划。比如由吉色尔编导的《蛇舞》，舞台服装是由这个芭蕾舞团的服装设计师设计的，服饰紧凑贴身，古铜色，效果非常强烈。俄国芭蕾舞团的总设计师是列昂·巴克斯特（Leon Bakst) ，他的设计不但影响到各国设计师，并且导致了法国时装设计的开始：法国第一位时装设计师保罗·布瓦列特的设计就是从他的舞台设计和服装设计中得到灵感的，布瓦列特成为法国1915 年到1925 年时装设计最重要的人物。事实上，法国时装设计，特别是布瓦列特设计的个性特征，对于“装饰艺术”运动也产生了非常强烈的影响。　　另外一种造成影响的舞台艺术风格是美国的爵士乐。20 年代和30 年代是美国黑人爵士音乐的高峰期，这种强烈的、节奏鲜明而特殊的美国民间音乐和它的表演方式，对于设计家来说是极为新鲜和富于感染力的。因此，它的节奏与特殊的韵律感，它的强烈的色彩，都通过设计得到一定的体现。　　5 ）汽车的影响　　1898 年前后，汽车被发明出来，很快成为重要的交通工具。20 世纪初期，汽车被不少前卫人士视为未来的象征，速度感即是时代感。特别是第一次世界大战之后，对干汽车的热爱在设计师当中非常流行。不少20 到30 年代的海报、广告都采用汽车大赛作为主题，色彩鲜艳，构图明快，有强烈的时代感。汽车作为20 世纪文明的新象征，启发了“装饰艺术”运动的设计师们大胆地采用现代工业文明的成果，作为自己的设计动机，在形式上和思想上都具有相当重要的启迪作用。　　6 ）形成自己独特的色彩系列　　“装饰艺术”具有鲜明强烈的色彩特征，与讲究典雅的以往各种设计风格的色彩计划大相径庭。在前述各种因素影响之下，形成了自己独特的色彩计划，特别重视强烈的原色和金属色彩，其中包括鲜红（brilliant reds）、鲜黄、鲜蓝( Lighting blue）、桔红和金属色系列（包括古铜、金、银等色彩）。　　“装饰艺术”运动是一场国际性设计运动，不少欧美国家都卷入其中，尤以法国、英国和美国的设计成果较具代表性。它同时还影响到许多欧洲国家，从大约1910 年前后开始，一直发展到1935 年前后为止，是20 世纪延续时间比较长的一个设计运动。　　"装饰艺术"运动是一场承上启下的运动，它既对"工艺美术"运动、"新艺术"运动的自然装饰、中世纪复古表示反对，而对于单调的工业化风格也加以批评。因此，虽然在装饰趋向上与前两个运动有相似之处，但是从承认工业化的角度来看，已很难说是它们的延续了；又由于强调装饰化，因此与同期开始在德国发起的现代主义也具有很大的区别。它是"新艺术"运动和现代主义运动之间的一场衔接，双方的特征都兼而有之，但却不是简单的重复或再现。"装饰艺术"的装饰特点，在20 世纪80 年代得到重新认识，并在后现代主义风格中再次受到重视。　　"装饰艺术"运动发起于法国巴黎，主要集中在豪华和奢侈的产品与艺术品设计上，比如家具、纺织品、金属制品、玻璃器皿、陶瓷、装饰雕塑、绘画、平面设计与海报、首饰设计等等。　　而当这种风格传入美国后，却比较多地应用在建筑设计、室内设计等规模比较宏大的公众性质的项目上。从纽约开始，逐步波及中西部和西海岸地区，对20 和30 年代的美国设计产生了巨大的影响，涵盖了汽车设计、工业产品设计、平面设计、舞台设计、电影设计等各个设计领域。　　"装饰艺术"运动在欧洲其它国家的发展则比较微弱，并且也没有能够产生它在法国和美国那样全面的影响力。由于"装饰艺术"风格因国而异，因此，必须对各个国家的运动发展状况和风格分布进行介绍，才能对它有一个总体的认识。下面就对卷入过这场设计运动的各国进行具体阐述。　　小结　　“装饰艺术”运动在20 世纪20 年代兴起，到30 年代成为一个国际性的流行设计风格，影响到建筑设计、室内设计、家具设计、工业产品设计、平面设计、纺织品设计和服装设计等等几乎设计的各个方面，是本世纪非常重要的一次设计运动。虽然主要的发展国家只是法国、美国和英国，但是这种风格却成为世界流行风格，甚至到远在东方的上海都可以找到“装饰艺术”风格的建筑和室内设计，可见其流行的广度。相比之下，“新艺术”运动虽然也遍及欧美，但是从影响的范围来看，地区性非常强，并且在很大程度上只是设计界的探索，很难成为一个比较统一的流行风格。可见，对“装饰艺术”风格的研究有特别重要的意义。　　“装饰艺术”风格之所以如此普及，原因之一是因为它本身的折衷立场为大批量生产提供了可能性。“新艺术”运动没有可能广泛普及，也正因为它的曲线、非几何形态造成了只能手工生产，不能大批量机械生产的状况。20 世纪开始，人们己经注意到，如果希望某种风格能够得到普及，成为流行风格，批量生产的考虑是不能忽视的一个重要因素。　　“装饰艺术”运动是装饰运动在20 世纪初的最后一次尝试，它采用手工艺和工业化的双重特点，采取设计上的折衷主义立场，设法把豪华的、奢侈的手工艺制作和代表未来的工业化特征合二为一，产生一种可以发展的新风格来。这场运动与世界的现代主义设计运动几乎是同时发生，也几乎同时于30 年代后期在欧洲大陆结束，因而，在各个方面都受到现代主义的明显影响。但是，由于它主要强调为上层顾客服务的出发点，使得它与现代主义具有完全不同的意识形态立场，也正因为如此，所以“装饰艺术”运动没有能够在第二次世界大战之后再次得到发展，而基本成为史迹，只有现代主义成为真正的世界性设计运动。　　“装饰艺术”运动在装饰和设计手法上为我们提供了大量可资参考的重要资料，从材料的运用，到装饰的动机，直到产品的表面处理技术，无论哪一个方面，这个风格都有不少可以借鉴和学习的地方，它的东方和西方结合、人情化与机械化的结合的尝试，更是80 年代的后现代主义时期重要的研究中心。从形式上看，20 、30 年代的这个设计运动的风格与80 年代的后现代主义风格有千丝万缕的联系，从意识形态方面来说，也有类似的地方。因而，对于它的了解和研究，就更具有重要意义了。

登鹳雀楼(王之涣)

装饰艺术运动是一个装饰艺术方面的运动，但同时影响了建筑设计的风格，它的名字来源于1925年在巴黎举行的世界博览会。当其在1920年代初成为欧洲主要的艺术风格时并未在美国流行，大约1928年，快到现代主义流行的1930年代前才在美国流行。ArtDeco这个词虽然在1925年的博览会创造，但直到1960年代对其再评估时才被广泛使用，其实践者并没有像风格统一的设计群落那样合作。Art Deco演变自十九世纪末的Art Nouveau（新艺术）运动，当时的Art Nouveau是资产阶级追求感性（如花草动物的形体）与异文化图案（如东方的书法与工艺品）的有机线条。Art Deco则结合了因工业文化所兴起的机械美学，以较机械式的、几何的、纯綷装饰的线条来表现，如扇形辐射状的太阳光、齿轮或流线型线条、对称简洁的几何构图等等，并以明亮且对比的颜色来彩绘，例如亮丽的红色、吓人的粉红色、电器类的蓝色、警报器的黄色，到探戈的橘色、及带有金属味的金色、银白色以及古铜色等等。同时，随着欧美帝国资本主义向外扩张，远东、中东、希腊、罗马、埃及与马雅等古老文化的物品或图腾，也都成了Art Deco装饰的素材来源，如埃及古墓的陪葬品、非洲木雕、希腊建筑的古典柱式等等。这种最早出现在法国博览会临时展示馆，看似既传统又创新的建筑风格，结合了钢骨与钢筋混凝土营建技术的发展，让象征着资本主义教堂的摩天大楼成为可能，并且于资本主义中心国家的大城市里得到了实践场域。典型的例子是美国纽约曼哈顿的克赖斯勒大楼(Chrysler Building)与帝国大厦(Empire State Building)，其共同的特色是有着丰富的线条装饰与逐层退缩结构的轮廓。除了这些举世闻名的建筑物外，在其它类型的建筑物，无论是私人或公共建筑、纪念性或地域性，都可以看见Art Deco的影响，如方盒状的公寓、巨型的发电厂与工厂、流线型且充满异国色彩的电影院、金字塔状的教堂等等，都因其寓意式的装饰或花纹状的浮雕而被称作Art Deco建筑总之，Art Deco的装饰有下列几个主要的特征： 1.放射状的太阳光与喷泉形式：象征了新时代的黎明曙光。 2.摩天大楼退缩轮廓的线条：二十世纪的象征物。 3.速度、力量与飞行的象征物：交通运输上的新发展。 4.几何图形：象征了机械与科技解决了我们的问题。 5.新女人的形体：透露了女人赢得了社会上的自由权利。 6.打破常规的形式：取材自爵士、短裙与短发、震撼的舞蹈等等。 7.古老文化的形式：对埃及与中美洲等古老文明的想象。 8.明亮对比的色彩在20世纪20年代兴起，到30年代成为一个国际性的流行设计风格，影响到建筑设计、室内设计、家具设计、工业产品设计、平面设计、纺织品设计和服装设计等等几乎设计的各个方面，是本世纪非常重要的一次设计运动。虽然主要的发展国家只是法国、美国和英国，但是这种风格却成为世界流行风格，甚至到远在东方的上海都可以找到“装饰艺术”风格的建筑和室内设计，可见其流行的广度。相比之下，“新艺术”运动虽然也遍及欧美，但是从影响的范围来看，地区性非常强，并且在很大程度上只是设计界的探索，很难成为一个比较统一的流行风格。可见，对“装饰艺术”风格的研究有特别重要的意义。 “装饰艺术”风格之所以如此普及，原因之一是因为它本身的折衷立场为大批量生产提供了可能性。“新艺术”运动没有可能广泛普及，也正因为它的曲线、非几何形态造成了只能手工生产，不能大批量机械生产的状况。20世纪开始，人们已经注意到，如果希望某种风格能够得到普及，成为流行风格，批量生产的考虑是不能忽视的一个重要因素。“装饰艺术”运动足装饰运动在20世纪初的最后一次尝试，它采用于工艺和工业化的双重特点，采取设计上的折衷主义立场，设法把豪华的、奢侈的手工艺制作和代表未来的工业化特征合二为一，产生一种可以发展的新风格来。这场运动与世界的现代主义设计运动几乎是同时发生，也几乎同时于30年代后期在欧洲大陆结束，因而，在各个方面都受到现代主义的明显影响。但是，由于它主要强调为上层顾客服务的出发点，使得它与现代主义具有完全不同的意识形态立场，也正因为如此，所以“装饰艺术”运动没有能够在第二次世界大战之后再次得到发展，而基本成为史迹，只有现代主义成为真正的世界性设计运动。 “装饰艺术”运动在装饰和设计手法上为我们提供了大量可费参考的重要资料，从材料的运用，到装饰的动机，直到产品的表面处理技术，无论哪一个方面，这个风格都有不少可以借鉴和学习的地方，它的东方和西方结合、人情化与机械化的结合的尝试，更是80年代的后现代主义时期重要的研究中心。从形式上看，20、30年代的这个设计运动的风格与80年代的后现代主义风格有千丝万缕的联系，从意识形态方面来说，也有类似的地方。因而，对于它的了解和研究，就更具有重要意义了。

书法元素在陶瓷装饰艺术中的融合 　　文字是记录语言的符号，是交流思想的工具，是人类经过漫长的蒙昧野蛮时期逐渐进入了文明时代的关键标志。那么，在陶瓷装饰艺术中如何融合书法元素呢？ 　　一、中国书法元素 　　1、中国书法的概念和特点 　　书法是中国特有的一种传统艺术，广义上说书法指的是语言符号的书写规则，即书法是按照文字的意义及特点凭其书法笔画，结构和章法写字，使之成为赏心悦目充满意境的艺术作品。书法这种独具魅力艺术形式被誉为：无言的诗，无行的舞，无图的画，无声的乐。从远古时期的甲骨文，商周时期的金文到大纂，小纂直至东汉，魏晋时期的隶书，草书，行书等等，书法以它源远流长的历史通古至今，创造出了灿烂的中华文化。 　　2、中国笔墨书法的单一性与局限性 　　笔墨书法这种单纯的物质手段是借助汉字的构架笔画,客观地反映事物的各种形态与动态，但是这种反映方式很单一具有局限性，再现性因素不强只能通过墨汁的深浅变化字体的粗细象征性的粗略地展现书法的一部分艺术性，限制了书法艺术最大程度上获得形式美的自由和人们对于书法艺术的审美意识。汉字在陶瓷装饰中的运用则有所不同，利用刻、堆、雕，景德镇青花和釉上彩汉字装饰,色釉汉字和刻雕汉字,陶刻字等各种不同风格的装饰技法和工艺手段成为陶瓷装饰中独特的艺术品种而进入艺术殿堂,形成了陶瓷汉字艺术独特的创作风格和特色,这样天马行空不受任何约束的自由自在的表现形式更具有挑战性与吸引力。 　　二、书法元素在陶瓷装饰艺术中的应用 　　1、陶瓷书法融合的特点 　　1)意境 　　意境是艺术作品的不可或缺的元素是艺术作品的灵魂。就陶瓷来说，只是一件没有生气的事物，但是在陶瓷的装饰艺术中融入我国书法元素就使它具有了独特的神韵和笔墨意趣，陶瓷书法吸收了传统书法的审美意味以及气韵表现，讲究笔墨气韵，追求笔势流畅、酣畅淋漓的效果，也较为注重把握韵律、意境等传统书法的内涵特征，同时利用自己独特地陶瓷载体，创造出独一无二的陶瓷艺术作品。书法艺术运用于陶瓷装饰，既是“形”的装饰，也是“意”的表达。陶瓷汉字装饰具有较强的艺术表现力,通过形体、线条、色彩等富有表现力的手段更具体精确地描绘出汉字的形态，颜色，深度。从内容，空间，色彩，形体上将不同的书法付之于陶瓷装饰中，使陶瓷别具韵味，表达了艺术的情感和精神，给人以鲜明强烈的视觉冲击和无限的遐想空间。 　　2)陶瓷书法的装饰类别 　　①釉料工艺装饰 　　陶瓷书法作是集造型，装饰，烧造为一体的独立装饰综合工艺美术，有着独特的物质媒介材料与工艺性，也有着自己特别的艺术语言，极为丰富的装饰方式。从材造型上可区分为瓷板与器型，从装饰工艺上区分可分为釉上(例如：粉彩，新彩，古彩)釉下(例如：青花，颜色釉)二大类，通常有青，黄，兰，白，黑，白地黑字，兰地金字或黄地红字等诸如此类的风格迥异的书法艺术，在陶瓷艺坛及书法艺术上都可谓是独树一帜，还可以应用各种颜色为底色采取写、刷、粘、拍、刮、扒、贴等不同手段达到古朴，细致，粗犷，典雅等不同的艺术效果。其次还有刻画、堆叠、泥塑等，每种呈现方式都别具一格极具韵味。 　　②纂刻印章装饰 　　在我国古代篆刻作品中经常会看到一种图案的印章,人们通常把它称之为“象形印”。陶瓷上书法纂刻中也利用了这种表现手法，不仅填补了空间的装饰性作用,调整了设计的单调性更重要的是把整个作品的构图上下、左右连接起来，使设计感气势贯通，活而不散，分而不断。整个书法作品相得益彰，浑然天成，情趣皆得给人以一种动静结合的韵律感，或与图案纹样交融在一起，起到画龙点睛、锦上添花的作用，使整个主题立即饱满生动起来。 　　③图案装饰 　　书法艺术在陶瓷材料中的结合在形式上是浑然天成自成一体的，从书法艺术表现规律上以及中国传统装饰图案形式的特征上便可窥其一斑。古文字不得不让人惊赞，是字又是画，优美极强的概括性更是一种寓意图案，简单质朴，趣味横生，在传统图案中有着重要的位置并深深影响着从古至今的陶瓷书法装饰。亦字亦画的寓意图案用简单明了的方式形象生动地展示了人与自然的关系、人与人的关系同时把自然现象描绘成简单明白易于通晓的形象，如彩陶纹、战国陶铭、秦汉瓦当等，特别是瓦当，更是书法与陶瓷相结合的一个成功范例。 　　2、现当代陶瓷书法创作的发展 　　陶瓷书法与传统书法一样，有着深厚悠久的历史和文化内涵，它们都经历了诞生、发展、成熟、鼎盛的不同时代。近年来伴随现代陶瓷艺术的不断繁荣与发展，各地陶瓷艺术家充分利用书法的`形式美与陶瓷独特的材质美创作出非常多的优秀作品，为陶瓷书法艺的术开拓了新的境界。科技对艺术的发展和创新是一个巨大助力，中国书法元素融入到陶瓷的装饰艺术中这不仅仅是对中国传统文化的继承同时也是中国艺术发展的创新。 　　多元化艺术的飞速发展使得人们的鉴赏水平精神不断提高。中国书法和陶瓷结合后陶瓷兼备本身的艺术特点和书法的艺术特点越发完美，这就使陶瓷书法艺术在各类文化艺术中独树一帜。陶瓷艺术和书法的结合向我展现的不仅仅是一个简单的事物更是传承着中国两种文化精粹的个性作品。 　　三、结语 　　文字是记录语言的符号，是交流思想的工具，是人类经过漫长的蒙昧野蛮时期逐渐进入了文明时代的关键标志。在中国的书法元素和陶瓷结合后，使陶瓷艺术产生了无与伦比的美感，为东方的艺术色彩增添了一份独特的魅力。书法艺术和陶瓷艺术是我国传统文化的精粹彰显着东方文化的独特魅力。 　　中国陶瓷工艺与书画艺术的发生发展并不是偶然而是相互吸引相生相息同源同流的密切关系，当着两门伟大的艺术融合到一起时便碰撞出了灿烂的艺术花火，反应着从古至今的文化艺术和社会生活的具体风貌。 ;