艺术欣赏

旅游的文化属性 旅游活动从本质上讲是一种文化活动。无论是旅游消费活动还是旅游经营活动都具有强烈的文化性。只有挖掘出文化内涵,它才会具备吸引旅游者的魅力。正如孙尚清指出的,“旅游在发展的一定阶段是经济———文化产业,在发展的成熟期是文化———经济产业。”此言透彻地阐明了旅游与文化关系的密切程度。 1.旅游主体的文化本质 旅游作为一种跨时空的消费活动,它的广泛出现是经济发展驱使的结果,但一个人能否成为旅游者更需要内在的动因,正如先秦思想家墨子所讲的,“食必常饱,然后求美;衣必常暖,然后求丽;居必常安,然后求乐”。人类在基本生存需求满足之后,随着收入的增长,必然追求更高的物质享受和精神享受。但是,旅游活动更是文化驱使的结果。从历史发展的观点看,经济发展固然为社会进步提供了物质基础,但是社会发展最根本的是社会文化与观念的革命。二战以后世界范围内旅游活动的兴盛,从客观条件看,是全球经济恢复、繁荣的结果,从深层次看,它是文化观念转变的结果。 2.旅游客体的文化含量 旅游资源按基本成因和属性,大而言之可分为自然资源和人文资源两大类。人文旅游资源,无论是实物形态的文物古迹还是无形的民族风情、社会风尚,均属于文化的范畴。由各种自然环境、自然要素、自然物质和自然现象构成的自然景观,只有经过人为的开发利用,才能由潜在旅游资源变为现实的旅游资源。即使是自然美,也必须通过鉴赏来反映和传播,而鉴赏是一种文化活动,因此,自然旅游资源同样也具有文化性。 3.旅游媒体的文化特征 旅游者以追求精神享受为目的,可以说是文化消费者。因此,旅游业的核心产品只能是文化产品或文化含量高的产品,旅游经营者只有为消费者提供高质量的文化产品,才能从交换中实现盈利的目的。在市场经济条件下,旅游资源的开发者不仅要了解旅游资源本身的特征和功能,还必须了解游客所追求的文化特征,开发出满足各类旅游的文化旅游产品。旅游业的文化特征还渗透在各旅游部门的运行过程中,如现代旅游饭店,不是简单地提供膳食的场所,而是集膳宿、社交、娱乐、审美等功能于一体的综合性场所。因此,一个优秀的饭店,有必要不断提高餐饮、客房、娱乐等环节的文化品位,有必要培养和提高服务人员的文化素质,有必要提供有情调的个性文化服务。

哪方面的艺术欣赏啊？别问得这么空！

审美教育作用主要体现出人们在艺术欣赏、接受这一过程中，受到艺术作品形象和内涵的联想与感知，在艺术接受者内心引起真、善、美的思索并得到启迪，在真实生活中找到榜样，对于事务的看法和认识得到提高，在潜移默化的移情作用下，引起人的思想、感情、理想、追求发生深刻的变化，从而引导人们正确地理解和认识生活，树立正确的人生观和世界观。艺术的审美教育作用，以艺术作品或者是复制品为媒介，在有经验并受过系统训练的艺术家、媒体评论员、教师的帮助和引导下，使接受者感受与领悟博大深厚的艺术人文精神。

　　摘 要： 高中艺术课程标准要求在理解、弘扬本民族文化的同时拓宽学生的视野，认同和尊重世界多元文化、形成文明的世界观和人文素养，获得健康的心理品质、生活方式和高尚的审美情趣。高中艺术欣赏课给中学生提供了一个了解不同文化艺术的窗口，作者尝试从学生的主体出发，结合当下学生艺术审美感知和发生在每一个人身边的文化艺术现象，进行个性化的专题教学，从四个不同的文化艺术的比较视角对艺术作品进行文化解读，最终达到使学生成为文化自觉者的目标。 　　关键词： 高中艺术欣赏课 文化比较教学 教学方法 　　英国美学家科林伍德曾说，没有艺术的历史，只有人的历史。艺术作品作为一种独特的精神现象是万物的尺度、人类智慧之花，是人文精神的重要载体，可以说一部艺术史，就是一部人类不断认识自我的心灵历程的形象化历史。高中艺术欣赏课给中学生提供一个了解不同文化艺术的窗口，通过对各种艺术作品的欣赏，激活中学生主体的智慧和情感的创造，使中学生由文化的自发状态提升到文化的自觉状态，这一自我追寻的教育旅程，可以说是实现教育人性化的关键。相较而言，高中阶段的其他学科都是建立在严密、统一的范畴基础之上的，学生的心智长期在封闭、抽象的概念中成长，处于一种文化自觉的状态。 　　《普通高中艺术课程标准（实验）》明确指出：“高中艺术课程是一门人文性很强的课程。它以浓厚的人文内涵，引导学生深入理解、继承、热爱和弘扬中华民族优秀的文化艺术传统，形成为民族振兴和社会进步作贡献的强烈愿望；它以丰富的课程内容，拓展学生的文化视野，使其认同和尊重世界多元文化、形成文明的世界观和人文素养，获得健康的心理品质、生活方式和高尚的审美情趣。”笔者在高中艺术欣赏教学实践中，深刻感知到教材中艺术作品所蕴含的丰富的文化立意，体现了编者的专业水平和良苦用心，但教材的编写大都是以学科本位进行的，如果照本宣科或作浓缩截取，则只能是浮光掠影式的走马观花，教学效果并不理想。我尝试从学生的主体出发，以四个不同的文化艺术的比较视角对艺术作品进行文化解读，以期学生达到一种文化的自觉。 　　一、中国艺术对比西方艺术 　　现行的不同版本的教材中有关中国艺术与西方艺术的介绍占了绝大的篇幅，有关这些知识我认为不是不重要，而是不可以过分重视学科本位的系统知识。事实上，没有一个艺术教师是百科全书式的艺术全才，系统、深刻的专业知识一定是讲不了的，同时，中学生也不需要掌握那么广泛的艺术知识，他们也只关心感兴趣的艺术门类和相关的一些艺术知识。所以，在教学中，一方面教师可以有选择地教，另一方面，一定要让学生有选择地学。 　　在教学中我尝试着选择一两个自己熟悉的中国和西方的艺术领域，特别是能结合当下学生艺术审美感知和发生在每一个人身边的文化艺术现象，进行个性化的专题教学介绍，并从中筛选、提炼和设计出若干课题，让学生选择自己感兴趣的内容或自行确定自己的艺术视角，利用网络自己进行探究学习，撰写论文或制作PPT。 　　例如：中国传统建筑与中国现代城市改造，巴黎传统建筑与现代城市规划，苏州园林与现代中式景观设计，中国平面裁剪与西方服装立体设计，四君子画，中国画的渔父形象，优美的钢琴音乐与忧郁的“蓝调”，中国古琴与布鲁斯吉他，阿宝、民歌与地域文化，赵本山小品与东北二人转，玫瑰窗、圣母和灵乐，摇滚乐的四大天王与香港音乐四大天王，好莱坞电影类型，中国第五代电影导演和第六代电影导演，台湾新电影，等等。 　　教师通过示范课向学生展示其独特的艺术和人文视野及个性化的审美，许多中学生就能够举一反三，在课后利用各种资源、调动各种感观、综合各方信息，撰写出不少高质量的艺术审美的小文章。制作出精彩的课件，让人耳目一新。实践证明，这样有选择地探究学习，学生对艺术的兴趣提升了，个性化的审美得到了尊重，审美变得多样化，课堂教学也变得丰富多彩，艺术教育的过程变成了师与生的交流、对话、渗透和融合的过程。 　　二、大众艺术对比经典艺术 　　现行的高中艺术欣赏教材中可以看到一个现象，就是有一些专家和学者固执地无视大众艺术的价值，同时也一直无视大众艺术的存在。 　　可现实呢？当代中学生平时接触的文艺作品几乎全部是大众文化（时尚、流行音乐、广告、大片、选秀、NBA、畅销书、爱情片、肥皂剧、粉丝等），他们和普通市民一样，甚至程度更深地沉浸在大众文化的海洋中，大众文化已然成为中学生参与最多的文化活动形式。中学艺术教材无视这一情况，掩耳盗铃式地排斥大众文艺作品，这就造成了课堂与生活脱离、现实与理想背离的教学的尴尬局面。中学生在课后都极其喜爱大众艺术，在课上面对经典艺术昏昏欲睡。 　　我结合多年教学思考和实践认为，中学艺术教育没有理由无视、回避这个事实，中学艺术教育只有带领中学生正确认识、理解大众文艺的价值、意义和利弊，正确引导他们对大众文艺的欣赏和消费，并在此基础上，启发他们超越大众文化，向更高层次的精英文化中汲取更丰富的生命的养分。金庸小说入选中学语文教材，曾引起了教育界和社会的热议，不是有人表示担心甚至痛骂这是文化的堕落吗？还有不少人认为，武侠小说是供消遣娱乐的，没什么思想深度，是不能进入中学课堂的，事实证明，适度地引入一些大众的文艺作品，增强教材的趣味性，提高学生的学习兴趣，是有着积极的教育、教学意义的。 　　我认为，只要本着以生命为本，厚古也不薄今的原则，保留那些滋养了无数人的经典艺术作品，同时选一些大众艺术，合理安排大众艺术和经典艺术的课时，就能既保持教学的活力和新鲜感，又保持教学的思想深度和广度。可以说，高中艺术欣赏以大众艺术入手，固守主流经典艺术。通过大众艺术可以让中学生懂得美在生活中，通过经典艺术更要让中学生懂得美更在生命中。作家沈从文曾说：“美不在生活，而在生命。生命的本质，首先表现为摆脱金钱、权势，符合人的自然本质。”艺术中只有少数的经典艺术可以超越大多数的大众艺术的物质层面，而达到高度的精神境界；生命中只有少数的人可以超越普通人的大众生活，以极少的物质消费满足于丰富的精神世界。中学艺术教育不能没有大众艺术，不能不面对大多数中学生（未来也是大多数普通的人）。从基础教育的特点来看，中学艺术教育相对大学艺术教育而言，一个重广度，一个重深度。

中国古建筑欣赏和人文艺术欣赏是一门课程吗？他俩不是一门课程，因为都不是一门事儿，所以说他不是一门课程。

大学生人文艺术欣赏课学什么：1、审美是人类特有的精神活动，也是大学生学习和生活的重要组成部分，贯穿于大学生人生的整个过程，而审美教育的核心是艺术教育。艺术鉴赏通识课程的开设在大学生的人文素质教育中有着举足轻重的地位，对于提高大学生艺术修养和审美能力有着十分重要的作用。艺术鉴赏是国家培养大学生欣赏美、感悟美，进而提高审美能力的一门课程。2、艺术鉴赏课程主要通过对具体艺术作品的解读和赏析来揭示出作品的艺术特色和内在的文化内涵，使大学生对艺术作品的审美能力得到一个由表及里、由感性到理性的升华，对大学生的全面发展起着积极的作用。3、艺术鉴赏课程不仅有助于端正人的审美观念，培养人们的审美能力，而且潜移默化地影响着整个人的道德品质的塑造，在高校的教学过程中占有十分重要的地位。艺术鉴赏课程的开设可以使大学生对美的艺术表现出更大的追求，进一步完善大学生独立人格使大学生形成正确的三观审美标准，有助于引导大学生以后进入社会努力追求美、实践美，从而对社会主义精神文明建设的发展提供人才支持。

欧洲曾以光辉灿烂的古代绘画闻名于世，而从19世纪以来，又以色彩缤纷的现代派绘画惊骇环球。特别是西欧，从马奈、莫奈、修拉、塞尚、高更、梵高等为代表的印象派出现后，流派日益纷繁，尤其令人瞩目。法国以马蒂斯为代表的野兽派，是大家公认的20世纪现代主义绘画的最早流派，跟它同时出现的有德国以凯尔希纳为代表的表现主义。稍晚一点，毕加索为代表的主体主义、意大利卡拉·博乔尼等为代表的未来主义，康定斯基为代表的抽象主义，在瑞士首先出现的达达主义以及阿尔普、克利等人为代表的超现实主义等，流派一个接一个地出现，艺术运动的高潮一波接着一波，形成了万态纷呈的局面。这些流派虽出现于1945年前，但在第二次世界大战后，却仍然绵绵不绝。首先，这些流派的创始者或骨干画家，在当代仍然活跃，并有佳作问世。如马蒂斯、毕加索等人，在50年代，还保持着旺盛的创作热情。 毕加索的和平鸽及油画《朝鲜的屠杀》、《战争》、《和平》等作品的反对 侵略战争、歌颂和平的内容，在他的创作中具有特殊的意义。第二次世界大战后，西欧还涌现了一批新的绘画流派，如发端于美国、波及全欧的抽象表 现主义、在奥地利形成的幻想现实主义、萌发于英国的波普艺术、产生于法 国的塔希主义、偶发艺术、观念艺术、奥普艺术、人体艺术思潮、地景艺术、 新表现主义等等。总之，现代主义绘画出现了新的发展，后现代主义绘画更是高潮迭起，传统的现实主义绘画也仍有一席之地，出现了多元的新局面。 超现实主义绘画 超现实主义是第一次世界大战后从达达主义内部分化出来的一个艺术流 派，它吸收了达达主义反传统的自动性创作的观念，但扬弃了达达主义那否定一切的偏颇之处，在弗洛伊德潜意识理论的影响下，强调偶然的结合，无意识的发现，梦境的真实再现，把现实观念与本能、潜意识和梦的经验揉合，以达到一种绝对的超现实的情境，其手法是写实、象征和抽象等，20世纪30年代后，超现实主义在经过一段冷寂的时期后，50年代又在欧洲再度兴旺起来。这时的代表人物，在法国有福特里埃、杜桑等。杜桑是达达主义的鼓吹者，曾作《带胡须的蒙娜丽莎》，以表示对众人崇拜的名画的蔑视而闻名，这时也成了超现实主义的积极支持者。在意大利有卡腊和基里科。在德国有厄尔莱等人，他们都创作了较好的作品。超现实主义绘画在立体主义、抽象主义等强调优先考虑造型而忽视绘画内容之风盛行的时候，刻意揭示作品内涵以及复兴奇特的异国情调风格等方面，也做出了较大的贡献。 超现实主义有两个支系，一支是绝对超现实主义，以不受意识控制的无意识行动为主，其作品虽有某种程度的形象化，但却接近抽象派的特征，创作强调偶然机遇或自动行动。代表有西班牙的米罗，他的绘画除具有幻想的幽默外，那空想的世界相当生动。他笔下的植物、动物，甚至无生命的物体， 都充满一种勃勃生机，似乎比在生活周围的真实对象更加真实。其它艺术家还有马宋、马塔等人。另一个支系是叫做超级现实主义。这派表现的大多是可以认识的场面或物体，注重细致地描绘事物的细部。但从整体而言，却又脱开物体的自然结构，以幻想的方式以描绘对象变形，并结合成梦境中的东西，以创造不受理性控制的潜意识的形象。代表人物有西班牙的达利和比利时的马格里特、德沃尔等人。达利的作品往往表现凶残的梦幻或奇特的宁静气氛，爱用双重的或隐藏的形象。马格里特的绘画世界，充满了日常琐事的各种幻境，善于夸大突如其来的精神感觉，创造幻觉想象。 抽象主义绘画 抽象主义绘画在欧洲十分盛行。抽象主义或称抽象艺术，并不是一个有宣言、纲领的社团，而是一种反对模拟自然形态，主张抽象表现的艺术思潮和流派。它的特征是不描绘具体物象，而通过线条、色彩、块面、形体、构图等手段来表现各种情绪，激起观众的想象，启迪人们的思维。抽象艺术有两类：一是将自然的外形加以简化、变形，形成极为简单的、概括的形象。 一是不以自然的外形为基础的几何构成。最早的抽象主义绘画是康定斯基在1910年创作的。第二次世界大战前，抽象艺术的代表除康定斯基外，还有荷兰的蒙德里安。像康定斯基等重视感情表现的抽象艺术叫抒情抽象或热抽象；而蒙德里安等表现理念的抽象艺术叫理念抽象或冷抽象。第二次世界大战后，抽象主义在欧洲不仅盛行，而且还有发展。1952年，法国美术评论家塔皮耶首先用“塔希主义”一词概括的那些作品就是抽象艺术的新样式。塔希就是斑污、斑点的意思。而塔希主义就是用偶然的彩色斑点和色块所形成的绘画。法国的阿特兰、布仁、马蒂卮、阿勒、迪比费等人，就是塔希主义抽象画派的画家。这时抽象艺术的成绩突出的艺术家英国的戴维、尼科尔森，霍克尼的《强调安静的画》、《蛇》等作品，也是抽象主义的作品。60年代后，他转向写实风格。1948年，英法美首先在西柏林举办了抽象画展，德国中青年艺术家积极开展了非传统艺术的探索，打破了法西斯上台后形成的德国艺术与欧美艺术阻隔的墙壁，使德国艺术与欧美艺术接轨，其中特别活跃的沃尔斯、哈通、温特尔等就是较为出色的抽象艺术的画家。当代欧洲的抽象绘画，应该特别提到的是华裔法国画家赵无极（1921—），1951年他在瑞士看到克利的作品，唤起以中国古代象形文字演变为符号作为艺术构思的意念，又吸取中国画不求形似的传统，使其50年代后期的创作获得新的突破，形成了他别具一格的抒情抽象的风格。 波普艺术及与之有联系的其它艺术 波普是英语单词的缩写，意指流行艺术、通俗艺术。1952年，萌发于英国，后遍及欧美。现代主义艺术避开都市文明的压力，反对机械化、非人性的消费文化。而波普艺术家则认为公众创造的都市文明是现代艺术创作的绝好材料，面对商业文明的冲击，艺术家不仅要重视它，而且应该成为通俗文化的歌手。1956年，汉密尔顿在“这是明天”的展览会上，陈列了握着“POP” 字母的网球拍运动员的拼集作品《是什么使得今天的家庭如此不同往常，如此丰富多彩？》，被认为是波普艺术的第一件作品。1961年，举办的《当代青年艺展》，更表现了波普艺术强大的冲击力。英国波普艺术的代表人物还有保罗齐、蒂尔森、霍克尼、史密斯、琼斯等。法国的波普艺术家代表应推雷塞。波普艺术虽以英、美两国为主，但旁支迭出，影响极广。一般认为：偶发艺术和集合艺术就是波普艺术的两个支系。波普艺术强调艺术与生活结 合，因此便对人们周围的事物以及大众文化寄予关注。集合艺术就是把机械文明和大家消费的废弃物，收集起来，重新组合，并赋予它一种新的含义的艺术。集合艺术家的作品，常常把现成品，如易拉罐、塑料瓶、机器的废旧物等结合起来，制成平面或立体形式的、可看、可模的艺术品。将这些在室内、室外环境中布置出来，产生精神上的感受，便又是环境艺术了。将艺术和大自然结合，直接借助大自然的景观而不借助造型艺术的传统媒介，或者把大自然稍加施工或润饰，旨在使人注意大自然，使人从中获得异于平常的审美体验，便是“大地艺术”了。在欧洲的代表人物有法国的阿尔曼、谢乍，德国的史维塔斯、尔麦斯特，西班牙的塞尔拉诺、齐吉达，意大利的卡塞拉等人。他们的作品有的是绘画，有的是雕塑，但许多时候却很难按传统的方式划分类别了。 偶发艺术出现于60年代，它是以表现偶发性事件或不期而致的机遇为手段，重视人的行为过程，揭示人的本能反应的艺术，是拼贴艺术和环境艺术的继续和发展。拼贴艺术和环境艺术还借助物质材料，偶发艺术却强调活动的机遇性，艺术活动在于即兴发挥，往往变成无情节的表演，而艺术家的身体也可作表演材料，使其艺术和生活融为一体，所以也称“表演艺术”。如法国的画家马修带上盔甲进行绘画表演，并给在画布上演出起名“中世纪的战斗”。法国另一位画家克莱因，他从二楼的窗口爬出，伸展双臂，平衡身躯，冒着死伤的危险，跳向空中，就是用自己身体创作的“绘画”作品。1970年，法国还出现了“零社”的艺术组织，到处演出他们的艺术。 观念艺术是60年代从偶发艺术及环境艺术中逐渐演化出来的艺术。它排除传统艺术的造型性，认为真正的艺术品并非艺术家创造的那种物质形态的作品，而是概念或观念的组合。因为观众从物质形态作品上所获得的信息量，不会比从概念及事件的意义中获得的信息多，这样，观念艺术家便以图表、文字说明、录相以至自己的身体为媒介，以表现观念的形成、发展及变异过程，使观众通过这些而在自己头脑里形成、完成艺术品的塑造。代表人物有法国的阿尔芒，荷兰的布朗，意大利的曼佐尼，英国的阿纳特、伯金、克拉克、希利亚德等人。最早的观念艺术以语言为媒介，后从达达主义艺术家杜桑用小便池制作的《泉》中得到启发，表现手法便日趋丰富了。如1960年阿尔芒在巴黎办个人画展，展品是两卡车垃圾；布朗展览的作品是份文字说明，上写“阿姆斯特丹所有鞋店都举行我的作品展览”。 人体艺术是以艺术家本人的身体或别人的身体作为媒介进行创作的艺 术。它是由波普艺术的分支偶发艺术发展而来的。这种艺术不叙述事件，也不表现艺术家的感情，只是那没有个性的身躯活动的现场记录而已。观众通过观看表演过程，去体会艺术家的作品。1961年，法国艺术家克莱因让两个女模特，浑身涂满油彩，在画布上互相拖拽滚打以制作绘画作品，这是欧洲人体艺术的序幕。此后，人体艺术在欧洲便风行起来，而且越到后来就越离奇，引起人们的非议。 波普艺术及与之相联系的集合艺术、偶发艺术、环境艺术、大地艺术、 表演艺术、观念艺术、人体艺术都属后现代主义范畴，它们之间有许多相似之处，有时很难界定，因为它们本身便是互相掺杂的，只是由于出现的时间略有不同，或是侧重点有点差异，便往往出现不同的名称。这些艺术，目前还在发展。 新表现主义等艺术 这是20世纪80年代从欧洲兴起的一个艺术流派。1980年，它首先在德国出现，并在欧、美艺术界引起较大的震动。新表现主义是在过去表现主义的基础上，吸收了后现代主义艺术流派的一些手法，如色场绘画的色场层次组织、最少数派艺术的直接表现法及波普艺术的形象等，运用绘画语言传达强烈感情的艺术。其特点是追求自由表现，自由联想，表现强烈的率直、天真的情绪。实际上，它是对缺乏个性，缺乏感情的某些后现代主义艺术流派的弱点的反拨，是现实主义艺术在新的历史条件下的发展。代表人物有德国的巴泽利茨，他的作品联想自由，想象奔放，色彩鲜明，甚至塑造人头朝下的人物形象，以自由地表现自己的情感。彭克的作品以自由幻想的形式，表现强烈的内心活动见长，整个画面具有稚拙的情趣。波尔克运用波普手法，使绘画与雕塑融为一体，伊门多夫的作品，在整体上给人的感受是虚幻的，但在细部又注意写实。新表现主义的风格也是多种多样的，一般都能反映艺术家的个性。 写实主义绘画 欧洲有着写实主义的传统，19世纪30至70年代，以法国为中心掀起过强大的现实主义绘画思潮，代表人物就是法国的库尔贝。20世纪以来，尽管现代派绘画日渐成为主潮，但现实主义仍绵延不绝，放出自己的异彩。在英国，代表现实主义或社会现实主义的有布拉特比，史密斯等人。霍克尼起先热衷于抽象主义，60年代后，他也转向写实手法。他常常把光源和光线作为描绘对象，真实而生动地刻划人物和道具。法国的富热隆是社会现实主义画派的代表人物，远在1936年起，他便不断有表现工农、市民生活和斗争的作品问世，如油画《1943年的巴黎街头》，揭露纳粹占领期间的悲惨生活。 50年代，他在诺尔省煤矿居住一段时间，创作了组画12幅的《矿乡》，以深沉严峻的笔触，表现出恶劣环境下工人的痛苦，拼搏和期待。他继承了库尔贝等写实主义画家的传统手法，也吸收了现代派的一些技巧，使其作品具有独特风格。直到70、80年代，他仍有大量作品展示在观众的面前，如《地铁——工作——睡觉》（1978）等。著名画家热莱原是抽象主义的巨擘，第二次世界大战后也创作了写实的作品。德国在战后初期，曾出现过描绘战争灾难、痛恨法西斯罪恶的现实作品，但很快转向现代派的绘画。60年代后，现实主义又掀起了复兴的热潮，代表人物有施特克尔、伊门多夫、基费尔等人。格罗斯在战后的作品中，相当的一部分是以漫画的形式，揭露专制政权、腐败道德及战争的残暴、恐怖的内容。迪克斯作品中的现实内容也是明显的。 当代欧洲的现实主义画家中，成就突出的还有意大利的古图索（1912—1987），他在1943—1945年间，就发表素描和速写集，揭露法西斯纳粹占领期间的罪行。1946年与卡西纳里、科尔波拉等11位艺术家签署宣言，共同发起新艺术阵线，表明其坚持现实主义和人道主义的态度。他的作品总是围绕人们关心的现实问题取材，表达一种深刻的思想。如《占领西西里荒地》、《讨论会》（1960）、《陶里亚蒂的葬礼》等。 西欧的绘画流派很庞杂，除上述列举的外，还有抽象表现主义、新达达主义，新抽象派等等，可以说，当代西方有什么绘画流派，欧洲便有什么流派，很难一一介绍。不过，上述所举的内容，也足以概括欧洲当代绘画的基本面貌了。 （2）东欧的绘画 前苏联绘画有着深厚的传统，在印象主义、表现主义、未来主义等现代 绘画兴起于西欧时，苏俄出现过构成主义的绘画。抽象派绘画的创始人康定斯基就是俄国画家。但是十月革命后，苏联批判了形式主义、构成主义等绘画流派，规定社会主义现实主义是一切文学艺术的创作方法，从此，在漫长的岁月里，现实主义绘画便成为苏联绘画的主流，其它绘画流派，特别是现代主义绘画几乎在苏联绝迹了。 在当代，前苏联绘画主要是现实主义的绘画，以60年代为界，可分为两个时期，前后时期的绘画有不完全相同的特点。 1941年，德国法西斯对苏联发动了全面进攻，苏联进入全民性的卫国战争时期，艺术家也毫不例外地投身保卫祖国的斗争，创作了大量的宣传画。 内容大多是反对战争、保卫祖国、歌颂英雄、宣传团结对敌等，充满了高昂的爱国主义精神。具有鲜明的时代色彩和顽强的战斗力。战后一段时期，这种主题的宣传画仍占有显著的地位。其代表人物是伊万诺夫、普罗科夫等。 伊万诺夫创作了100多幅宣传画，普罗科夫的《争取和平》（1950）等作品，曾风靡一时。此外，反映苏联人民高昂的革命热情的油画，特别是军事题材的油画，其成就也很突出。代表人物有莫伊谢延科、克里沃诺戈夫、涅普林采夫等等。历史画、风俗画，以谢罗夫的《农民代表访问列宁》（1950）、 普拉斯托夫的《割草季节》（1945）、女画家亚布隆斯卡娅的《粮食》（1949） 等作品就有代表性。 1960年以后，前苏联绘画仍以现实主义为主，但在风格、样式方面出现了新变化。突出的表现是出现了严格现实主义绘画流派和严肃风格绘画。严格现实主义绘画流派主张从日常生活中取材，表现普通群众的生活习俗、精神风貌。代表人物为科尔热夫、特卡乔夫兄弟等人。严肃风格绘画的代表人物有波普科夫等。在50年代以来，随着苏联经济的繁荣及民主空气的淡化，苏联画坛上出现了一种曲意美化，粉饰太平，甚至阿谀谄媚的不良风气，其作品华丽、浮泛、空洞。这时，“60年代一代人”的画家涌现画坛，力矫时弊。因此，他们提倡的严格现实主义、严格风格都是针对上述不良风气而发的，具有一种明显的战斗性。 70年代，一批艺术家从欧洲文艺复兴和俄罗斯民间艺术中汲取经验，塑造现实和理想结合的形象，形成了新古典主义的绘画热潮。如亚布隆斯卡娅的《傍晚，古老的佛罗伦萨》（1973）、《亚麻》（1977），就带有理想化和浪漫色彩，这正是她对古典艺术产生浓厚兴趣，并从中汲取养料，追求古典式尝试的结晶。 80年代，前苏联社会进一步开放，西方现代派绘画如潮水般涌入，苏联艺术家也大批出国访问、交流，现代派的艺术便在苏联画坛上日益增加，打破了长期以来现实主义绘画一统江山的局面。 前苏联绘画长期坚持现实主义的创作方法，具有主题鲜明、内容深刻的特点，同时样式也是丰富多彩的。如油画、水粉画、版画、镶嵌画、政治宣传画、肖象画、风景画、漫画、插图画等等，各个画种都有举世瞩目的名家和名作。莫伊谢延科的油画很出名，作品有《胜利》（1972）、《歌》（1980）；基布里克、什马里诺夫、普罗科夫等都是著名版画家，他们的作品《啊，这就是美国》（1949）、《国际新闻》（1968）等，就闻名于世界。杰伊涅卡的镶嵌画也很出色，克里姆林宫会议大厅的画就是他的代表作。萨里扬以热衷为知识分子作肖象画而出名。梅利尼科夫艺术兴趣广泛，他除了以肖象画擅长外，其历史画、风俗画、风景画、大壁画都很有特色，主要作品有《在 和平的田野上》（1950），《告别》（1975）等等，苏联许多画家都是插图画的高手，如法沃尔斯基、格拉西莫夫、基布里克，什马里诺夫在50年代， 为高尔基的《阿尔塔莫诺夫家的事业》及托尔斯泰《战争与和平》等所作的 插图，曾轰动画坛，被认为是杰作。 波兰、捷克、匈牙利、罗马尼亚等国家的当代绘画也是以现实主义为主 导，波兰的科瓦尔斯基的《无产者》（1948）、匈牙利多马诺夫斯基的《出钢前》（1954），都是表现工人题材的作品。库列塞维奇曾创作了大量组画，如《华沙，1945》、《革命与和平战士》（1952）。他是波兰世界知名的版画家。保加利亚的季米特洛夫—马伊斯托拉，长期深入农村，以农村题材的作品见长，作品有《保加利亚姑娘》（1952）等。保加利亚的版画也很有特色。60至80年代，重视形式上的变化和探索，具有当代造型风格。罗马尼亚的现实主义油画的代表为巴巴·雷尼等人。60年代后，民族特色日益浓烈。捷克的绘画，在1948年，官方提倡社会主义现实主义后，曾经活跃的现代主义作品便大量减少。艺术家或揭露纳粹的罪行，或表现新的生活，作品的思想倾向日趋强烈。70到80年代，新现实主义绘画风靡起来，代表人物为依洛德克、费夏雷克等等。这些国家也象前苏联一样，在80年代的末期，绘画艺术走向了多元化的道路。

我对绘画艺术的看法： 绘画，作为视觉艺术，是通过一定的色彩、线条、形状，构成异常精确具体而又个性化的图景，以传达审美经验供人感受的艺术。 绘画的体裁、样式异常纷繁多样，可以从不同角度去作艺术学的分类，如就题材内容以及社会功用目的看，有肖像画、风景画、静物画、历史画、宣传画、年画、连环画、漫画等等，如就使用的物质媒介和工具看，有油画、水墨画、水彩画、色粉画、版画等等，不论体裁样式如何，绘画作为审美对象，应用比较一致的共性。 如果说雕塑的审美特性，强调的是造型的单纯和观念的纯粹，那么绘画在这两方面都趋向精确具体了。黑格尔说“绘画所采用的基本内容既要有丰富的深刻情感，又要有对人物性格和性格特征方面刻划很深的个别特殊因素；既要有对一般内容的亲切情感的具体事迹，情况和情境必须显得不只是说明个别人物性格，而是应使个别特殊因素显得是深深地铭刻到或则说，植根到灵魂和面貌表情里，而且完全从外界事物形状里吸收过来的”。又说：绘画由深刻的严肃性的题材转到外在界特殊具体的现象的前进过程中，“必然要走到专注意单纯外在现象的极端”，“这里我们就看到天空、时节和树林光彩的瞬息万变的景象，云霞、波涛、江湖等的光和返光杯中酒所放出的闪烁的光影，眼光的流动以及一瞬间的神色和笑容之类，用最高的艺术手腕凝定下来”。从黑格尔的看法中，可以看出，绘画的艺术比起雕塑来，对象的细节描绘主体内心的表现的统一，乃是绘画的审美特性。总之，一句话，绘画比雕塑更富于个性化，在外在形式的精雕细刻中去表现心灵的个性。 但是绘画所描绘的现实生活场景，人物表情、心灵个性、都是处在不断变化的生活长河之中，而绘画却借助线条、色彩、形状把它们凝冻起来，这显然是一个矛盾，因此必须解决这个矛盾。莱辛曾提出一个解决办法，就是化动为静，以静写动，他把这个方法叫“暗示”。他说：“绘画描绘物体，通过物体，以暗示的方式去描绘运动，”那么怎样以一种动态的描绘去显示运动呢？他认为“只能运用动作中某一倾刻，所以它应该选择蕴育丰富的那一倾刻，从这一倾刻可以最好理解到后一倾刻和前一倾刻，这就是说，绘画必须善于从运动的生活中去捕提选择，提炼那蕴育，包含着运动前因后果的静止的倾刻，通过这一静止的凝炼的倾刻去表现那运动的连续性，“外部的面貌能展示内心的一切，静止的场景能表现出运动的行程。”这就是绘画所采用解决静止的画面与运动着的现实的矛盾的办法。 无论是东方的绘画或西方的绘画，传统式或现代式的绘画；它所表达的内容和形式都是通过艺术家生活实践的积累所再现的一种艺术手段，绘画是反映艺术家本人的构思，也表达对事物的一种情感寄托，记载着历史和发展，一个画面虽是静止的，但它表达的内容却一种愉悦或者浪漫及庸俗，脱离现实又接近现实超现实的一种意境，无论是绘画的风格或内容形式来看，绘画不仅是种语言，也是一种艺术，而且是一门科学，它随着社会的变化而变化，随着人的情感变化而变化，随着形式的发展而发展。 绘画不仅有它的审美性、实用性、还有永恒性。它作为一种传播手段，能把握人的心灵，在物质和精神方面是一种超越，正因如此才能体现出它的价值，绘画作品对人的教育，常常是在毫无强制的情况下，使欣赏者不知不觉受到感染，在这种渐渐地长期作用下使人潜移默化的教育作用。通过艺术欣赏活动，使人们审美需要得到满足，获得精神享受和审美愉悦，愉心悦目、畅神益智，使身心得到愉快和休息。如同绘画创作是一种自由自觉的活动，艺术家在创作中处于一种完全忘我的状态，沉醉其中并获得极大的满足和快乐一样。 绘画，不仅种类和形式丰富多彩，而且由于各国和民族在社会政治经济和文化传统等方面的差异，世界各力绘画在艺术形式，表现手段艺术风格等方面存在着明显的区别。一般认为从古埃及、波斯、印度和中国等东方及明古国发展起来的东方绘画，与从古希腊，古罗马绘画发展起来的欧洲为中心的西方绘画，是世界上最重要的两大绘体系。它们在历史上互有影响，对人类文明作出了各自的重要贡献。 但是，不管是东方绘画，还是西方绘画，它作为一种主要的艺术形式，有其共同的特点，这主要表现在它是通过可以直接看到的，有形有色的具体的艺术形象来反映和抒发画家对客观现实感受的。在塑具体的而且可以直接看见的艺术形象这一点上，它比小说、诗歌显得具体形象，更易为广大群众所接受。但是由于一幅画一般只能表现一个相对静止的瞬间，不能象小说、诗歌、电影、戏剧那样表现人物和事件的发展过程，也不能像小说、戏剧那样可以从人物的对话或者通过概括的说明来介绍人物和事件。所以，它有一定的局限性，为了克服这种局限性，优秀的绘画作品善于选择人物或事件最富有概括性和表现力的瞬间。这种瞬间形象在画面上虽然是固定不变的，但由于绘画提供的人物形象是具体的而且可以直观的，只要刻划的好，却同样可以具有引人入胜的艺术魅力。古今中外的许多名画都可以说明这一点。 其次，绘使用的物质材料和工具，如纸、木板、布、笔墨、颜料、刀等。其它艺术（如文学），更有其它特殊作用。这主要表现在文学作品虽然也要使用一定的物质材料（如笔、墨、纸），但它单纯起一种工具的作用，与作品所要塑造的艺术形象并不可分割的关系。然而绘画则不同。它所使用的物质材料除起一种工具的作用外，物质材料本身固有也是创造艺术形象，特别是构成审美价值的主要因素，例如，中国画的笔墨情趣，油画的笔角和丰富的色彩感。木刻的刀法和“木味”等等，不仅与艺术形象有着不可分割的关系，而且它本身也具有审美价值。 此外，绘画在题材范围方面比其它艺术更广泛。例如，小说戏剧不能以自然风景或静物作为自己的描写对象。但在绘画中，风景画和静物画都是一种完全独立的绘画体裁，而且它在历史上还一度成为绘画艺术的主体，也正因为绘画比其它艺术在题材范围上更为广泛，所以，绘画是整个美术以至整个艺术门类中特别丰富多彩的艺术形式之一。

您好，音乐之声》清新有致，雅俗共赏。既有幽默的情趣，又有深沉凝重的感情，在各国的*测验中经常被评为"最受欢迎的影片"，是全世界票房最高的电影之一。其中流传最广的几首经典音乐，如表达玛利亚对大自然热爱的主题曲《音乐之声》；轻松愉快的《孤独的牧羊人》；特拉普上校演唱的深情无限的《雪绒花》；欢乐大方的《哆口来咪》；以及可爱的孩子们演唱的《晚安，再见！》等等，都成为人们记忆中最值得珍惜和细细回味的艺术佳作，被视做人类最珍贵的永恒佳品。 许多人都曾问过我最喜欢的电影是什么，可能他们认为我作为功夫名星，应该喜欢那种带有暴力色彩的影片，可是说出来或许会很让人奇怪，我最喜爱的电影既不是史泰龙的枪炮，也不是施瓦辛格的特技，而是充满温馨的《音乐之声》。因为在这部影片中，我所感到的是人世间那种最淳朴、最简单的友爱和挚爱之情，这部影片让我的全身心都感到放松。

戴帆是第一位在思想理念、创新形式、语言强度等各个维度碾压西方的艺术大师和设计大师的亚洲人，代表着中国新一代的艺术家与设计师以一种崭新的面貌在全球强势崛起，意味着二十一世纪全球的艺术与设计前卫浪潮由中国人来主导，而不是欧美人和日本人。

美术鉴赏这门学问改变了人们的观看方式。美术鉴赏是运用自己的视觉感知、过去已经有的生活经验和文化知识对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断，获得审美享受，并理解美术作品与美术现象的活动。欣赏一般局限于感知、想象、情感体验等感性认识方面。而鉴赏是运用视觉感知以及其他器官的综合作用、生活经验和文化知识对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断，获得审美享受，并理解美术作品与美术现象。即从感性认识上升到理性的一种比较深刻的认识。在美术鉴赏的基础上就能够产生一定的“美术批评”，自己根据一定的标准，对美术作品或美术现象所做出的理论分析和价值判断。要在文化情境中来认识和理解美术，“情境”，即指影响各个时期美术的政治、经济、历史、文化等背景。美术作品中所反映的各种思想、观念，都与艺术家所受到特定的政治、经济、历史、文化等背景的影响有关。感悟鉴赏:感悟式鉴赏所要求的主要是从观看者自身的经验出发，充满想象力和激情地去欣赏美术作品。在欣赏过程中，可以任由思维驰骋而不受限制。这种鉴赏方式比较适合于写意性和表现性的艺术作品，因为这类作品所追求的不是客观地记录形象，而是通过主观化的形象处理来表达艺术家的情感。社会学鉴赏应该意识到美术这种文化现象不是存在于真空环境之中，而是有着特定社会阶层和社会生活的烙印。要理解不同创作目的以及社会背景对艺术家的影响。这些因素不是单靠表面的观察就能完全了解的，所以社会学式鉴赏的核心在于探究、追问，了解作品的主题，发现作品的独特之处，并要了解一定的文化背景，积累一定的知识才能有很好的把握。比较式鉴赏比较式鉴赏的目的，是为了更好地把握每件作品的特色。俗话说，有比较才有鉴别。但在比较式鉴赏中，需要根据具体情况来分析。美术作品的好坏是可以通过比较来确定的；但在很多情况下，作品之间并不存在谁好谁坏的问题，仅仅是表现方式和风格上的不同而已。比较的内容主要是形式方面的，但根据这些形式方面的差异也可以引导我们去寻找原因，这就需要涉及一些社会的因素了。至于具体对比哪些内容，还需要依靠感觉的指引，所以比较的方法其实是几种鉴赏方式的综合运用

两者不能对比，往往鉴赏是带着一个标准来评价，这并没带着欣赏的范畴，欣赏侧是根据当时感观来满足心灵需求。

艺术欣赏的定义包括人们的感官接触到艺术作品产生审美愉悦: 是对艺术作品的“接受”——感知、体验、理解、想象、再创造等综合心理活动，是人们以艺术形象为对象的通过艺术作品获得精神满足和情感愉悦的审美活动。希望能帮到你！望采纳！

抛开艺术二字，单纯的看欣赏和鉴赏有上面什么区别，答案就很明朗了

艺术欣赏的定义包括人们的感官接触到艺术作品产生审美愉悦：是对艺术作品的“接受”——感知、体验、理解、想象、再创造等综合心理活动，是人们以艺术形象为对象的通过艺术作品获得精神满足和情感愉悦的审美活动。艺术鉴赏，又称艺术欣赏，指人们在接触艺术作品过程中产生的审美评价和审美享受活动，也是人们通过艺术形象（意境）去认识客观世界的一种思维活动。在艺术鉴赏过程中，感觉、知觉、表象、思维、情感、联想和想象等心理因素都异常活跃。

艺术欣赏的定义包括人们的感官接触到艺术作品产生审美愉悦：是对艺术作品的“接受”——感知、体验、理解、想象、再创造等综合心理活动，是人们以艺术形象为对象的通过艺术作品获得精神满足和情感愉悦的审美活动。艺术鉴赏，又称艺术欣赏，指人们在接触艺术作品过程中产生的审美评价和审美享受活动，也是人们通过艺术形象（意境）去认识客观世界的一种思维活动。在艺术鉴赏过程中，感觉、知觉、表象、思维、情感、联想和想象等心理因素都异常活跃。

艺术欣赏的方法：感悟鉴赏、社会学鉴赏、比较式鉴赏。感悟鉴赏：感悟式鉴赏所要求的主要是从观看者自身的经验出发，充满想象力和激情地去欣赏美术作品。在欣赏过程中，可以任由思维驰骋而不受限制。这种鉴赏方式比较适合于写意性和表现性的艺术作品，因为这类作品所追求的不是客观地记录形象，而是通过主观化的形象处理来表达艺术家的情感。社会学鉴赏：应该意识到美术这种文化现象不是存在于真空环境之中，而是有着特定社会阶层和社会生活的烙印。要理解不同创作目的以及社会背景对艺术家的影响。这些因素不是单靠表面的观察就能完全了解的，所以社会学式鉴赏的核心在于探究、追问，了解作品的主题，发现作品的独特之处，并要了解一定的文化背景，积累一定的知识才能有很好的把握。比较式鉴赏：比较式鉴赏的目的，是为了更好地把握每件作品的特色。俗话说，有比较才有鉴别。但在比较式鉴赏中，需要根据具体情况来分析。美术作品的好坏是可以通过比较来确定的。但在很多情况下，作品之间并不存在谁好谁坏的问题，仅仅是表现方式和风格上的不同而已。比较的内容主要是形式方面的，但根据这些形式方面的差异也可以引导我们去寻找原因，这就需要涉及一些社会的因素了。至于具体对比哪些内容，还需要依靠感觉的指引，所以比较的方法其实是几种鉴赏方式的综合运用。

艺术欣赏是人们以艺术形象为对象的审美活动。是人类精神生活的重要内容，是实现艺术的美育社会功能的必要环节。这种审美活动既包括对象（艺术形象），也包括主体（欣赏者）。艺术欣赏是对艺术作品的接受，这种接受不是被动的，而是主动的，包括了欣赏者的感知、体验、理解、想象、再创造等心理活动。艺术欣赏既是对艺术作品中的美的一种发现，又是欣赏者的一种再创造。

艺术鉴赏又称艺术欣赏，指人们在接触艺术作品过程中产生的审美评价和审美享受活动，也是人们通过艺术形象（意境）去认识客观世界的一种思维活动。在艺术鉴赏过程中，感觉、知觉、表象、思维、情感、联想和想象等心理因素都异常活跃。基本信息中文名 艺术鉴赏外文名 appreciation of arts别名 艺术欣赏属性 审美享受活动特点 感性认识与理性认识相统一功能 提高鉴赏者的审美能力收起定义狭义是欣赏者在接受艺术作品的过程中，通过感知情感、想象和理解等各种心理因素的复杂作用进行艺术再创造，并获得审美享受的精神活动。广义艺术鉴赏[艺术门类]艺术鉴赏[艺术门类]人们正是在这多种心理因素的综合作用下，接受、理解并把握艺术作品的，并从中得到某种思想上的启迪和艺术上的享受。艺术鉴赏以具有美的属性的艺术作品为对象，并伴随着复杂的情感运动。实际上是人类审美活动的一种高级、特殊的形式。基本特点定义：指读者、观众、听众凭借艺术作品而展开的-种积极的、主动的审美再创造活动。鉴赏的本身便是一种审美的二度创造。性质：人们对艺术作品进行的非反思性的审美接受活动。是人们在接受艺术作品的过程中，通过感知、情感、想象和理解等各种心理因素的复杂作用进行艺术再创造，并获得审美享受的精神活动。特征：①充满着感性与理性的统一②充满着情感与想象。③充满着积极主动的审美再创造。④充满着审美通感与个人审美的偏爱与差异。其他特点感性认识（情）与理性认识（理）相统一；教育与娱乐相统一；享受与判断相统一；制约性与能动性相统一；共同性与差异性相统一；审美经验与“再创造”相统一。在艺术鉴赏中，鉴赏者不是被动、消极地接受艺术形象的感染，而是能动、积极地调动自己的思想认识、生活经验、艺术修养，通过联想、想象和理解，去补充和丰富艺术形象，从而对艺术形象和艺术作品进行“再创造”，对形象和作品的意义进行“再评价”。可以这么说，如果没有鉴赏中的“再创造”和“再评价”，也就没有真正意义上的艺术鉴赏。艺术鉴赏的过程是由浅入深的，大致上经历了感官的审美愉悦、情感的审美体验到理性的审美超越这三个层次。艺术鉴赏是艺术批评

审美感知活动。接受者自我的审美本能感知是整个艺术鉴赏活动的开端与基础，在鉴赏艺术作品时必须先从对它鲜明又生动的感性直觉开始，审美感知活动是人本能的鉴赏感知能力，也是对于艺术作品初步反应的基础，在这个初级阶段的过程中，主体是靠自我感官及视觉听觉去完成的，但这种感官并非是纯粹的感性直观的体验，其发生与发展方向受到心理定势的制约与规定，心理定势即接受主体根据以往经验、观念及其动机构成的心理准备状态，因此从微观的角度而言，也可以说心理定势是鉴赏主体个人经验的积淀。对艺术形式的直接感受虽是艺术鉴赏活动的基础，但这种初感并不一定准确与深刻

包括插花、欣赏画画等

可以看下美学方面的书。可以让自己看东西的角度，包括文学作品之类的，有改善。美学思想里有有关的内容。朱光潜的都很好。还有宗白华的《美学散步》