绘画艺术

绘画艺术是忠实于客观物象的自然形态，对客观物象采用经过高度概括与提炼的具象图形进行设计的一种表现形式。它具有鲜明的形象特征，是对现实对象的浓缩与精炼、概括与简化，突出和夸张其本质因素。一、人体造型的图形：人体造型的概念既指整个人体，也指它的局部，如肢体、五官等。人们之间的信息交流不仅仅体现在语言、文字上，也隐藏于人的姿态和表情之中。人体的姿态主要表现在两个方面：一是整个人体的动作，而是肢体的动态。人的身体姿态动作完全可以传达一个简洁明了的概念，如思想、感情、心理、指代和关系。而肢体的动态集中体现在人的手上。手势是除口语、书面语之外人们最常用的交流思想的工具。人的头部动作、脸部表情、五官表现也是视觉传达设计所特有的常用题材。二、动物造型的图形：以动物作为象征的主题是一个非常古老的标志题材。早在远古时期，人们就把动物作为图腾崇拜的标志。当时的人们相信每个氏族都与某种动物、植物或无生物有着特殊关系。事实上，人类对动物的崇拜一直没有停止，即使在高度发达的今天，我们仍可看到以动物造型作为企业或组织的标志，在商品中作为产品的商标。三、植物造型的图形：植物常常是美好的象征，用以表达吉祥如意的含义。标志中的植物造型至少受到两个方面的影响：一是装饰纹样的影响。装饰纹样不是对植物的直接摹写，而是图形结构形成后再与具体植物结合，从而产生特定的装饰名称。这一点在古代纹章中尤为突出。二是几何化影响，近现代的标志植物造型大多归整为圆、方、三角等几何形状，显示出现代艺术中结构主义、风格派对标志设计的影响。四、器物造型的图形：器物是各种用具的总称。它涉及的范围极广、品种繁多。从形体上说，大至高耸入云的建筑物、巨大的交通工具等，小至铅笔、电器插座和插头、文具、餐具等。五、自然造型的图形：自然山水造型图片自然现象是神秘的自然力的象征。人类自诞生以来，就把它和巨大无比的力量、变化的无穷联系在一起，而永恒的设计主题也在这里找到归宿。星象、水和火星是这一类型标志常用的题材。

中国的绘画艺术简称“国画”，又称“丹青”（因用朱红、青色居多），以中国特制的毛笔、宣纸、砚台和墨为作画的工具和材料，以勾皴点染、干湿浓淡、虚实疏密、阴阳向背为主要表现手法，在世界绘画领域中自成一派。中国画分类有三种分法：按内容分有人物、山水、花鸟、虫鱼、走兽等；按技法分有水墨、写意、勾勒、没骨、工笔等；按画幅分有壁画、屏障、卷轴、扇画、册页等。山水画的代表人物有隋朝的展子虔，唐代的李思训、王维，北宋的米芾，南宋的马远、夏珪，元代的赵孟頫，明代的唐寅、文征明，清代的石涛，近代的黄宾虹、傅抱石等。人物画的代表人物有东晋的顾恺之，唐代的吴道子，北宋的张择端，清代的任颐等。花鸟、虫鱼、走兽画的代表人物有北宋的赵佶，元代的王冕，明代的徐渭，清代的朱耷（八大山人）、郑板桥，近代的齐白石、徐悲鸿、潘天寿、张大千等。

绘画与美术其它门类的根本区别，是作品的平面性。从欣赏角度，绘画艺术具有以下主要的特点：1．二维空间上创造出三维空间绘画是在二维空间上，依靠明暗和形象结构表现物象的凹凸，造成立体幻象，令观者感到物、象是立体的。并通过物象大小、遮挡关系、透视变化和色彩变化、虚实等手法，造成深远的空间效果。2．再现性绘画描绘的精确性与表现性绘画展现主观世界的多方面性长于描绘是传统绘画的艺术特点。再现性绘画描绘的精确性，可以达到乱真的地步。如本课图版选印的《有鲑鱼块和柠檬的静物》中，可以感受到所画物象形体质感的逼真性。虽然随着不重形似的中国写意画和西方现代绘画的兴起，精确的描绘已不被人们所重视，但商品广告和工业设计、建筑设计的效果图仍然体现着绘画这一特点。与再现性绘画相反，表现性绘画则是着眼于表现主观世界。不仅表现主观心态、思想哲理，还可以描绘幻想、梦境，如《错误的镜子》。有些表现性绘画排除描绘的技术性，但它必须有感人的艺术魅力。其艺术魅力，在于形式的独创性，手法的新颖性，造型给人视觉冲击的强烈和形式美感。3．不同画种的艺术美各种绘画因工具材料和技法等因素，形成各画种独特的艺术趣味和画家驾驭艺术语言的功力美感。中国写意画，是利用宣纸吸水的敏感性和洇晕墨色的艺术效果，讲究线条要有力透纸背的力度美，用墨具有变化和厚重感，笔墨构成气韵生动。油画，讲究色彩要有浑厚、凝重和丰富、和谐的美感。版画讲究“刀味”、“木味”等和印制的美感。水彩画讲究水、色彩和笔法形成的明快、清丽、水分丰润的艺术美。4．构图是绘画的基础构图是对绘画艺术语言进行组织，使之构成一幅完美的画。构图是绘画艺术的基础，也是能否表达作者构思和给人以形式美感之所在。从欣赏的角度来讲，应注意把握绘画构图的以下几方面：①宾主关系明确，位置安排得当。例如油画《开国大典》，毛泽东站立于人群前面，居主要地位，身着深色服装，在明亮天空衬托下显得突出，并在灯穗的飘向、栏杆透视线的引向和其他人物精神意向的作用下，使观众一眼便注意到这一伟大人物和看出所表现的伟大事件。②构图结构形式与内容相统一。作品的画幅和艺术语言的结构形式，是为了贴切地表达内容。例如日本画《白夜光》表现的是开阔而宁静的意境，利用长方形画幅和水平线给人以平静舒展的心理作用，将树木沿着条状带的结构形式进行组合，弱化个体树木的显明性，强化水平线给人的宁静感。中国画《太行丰碑》，画家用竖幅构图，将山按方形结构组合，并运用强烈的黑白对比构成一种坚实、敦厚、沉重的宏大气势，与将太行山作为抗敌的历史丰碑立意相吻合。③色彩与表现内容的统一。色彩是最富有表情的形式因素，画面的色调对内容的传达起到重要作用。例如，《开国大典》色彩富丽明快，《白夜光》色调暗绿、深静，都与表现内容相统一。④构图要符合形式美法则，给人以形式美感。

是我们日常生活不可或缺的东西。你只要仔细观察，我们身边的任何一样东西都离不开美术！家用电器不得设计？床单被褥没有花纹？所以说美术或是说美，无处不在！

绘画是造型艺术中最主要的一种艺术形式.它是指运用线条、色彩和形体等艺术语言,通过造型、设色和构图等艺术手段,在二维空间(即平面)里塑造出静态的视觉形象,以表达作者审美感受的艺术形式. 绘画种类繁多,从不同的角度可将它划分为不同的类别.从地域看,绘画可分为东方绘画和西洋绘画；从工具材料看,绘画可分为水墨画、油画、版画、水彩画、水粉画等；从题材内容看,绘画可分为人物画、风景画、静物画、动物画等；从作品的形式看,绘画可分为壁画、年画、连环画、漫画、宣传画、插图等.不同类别的绘画形式,由于各自的历史传统不同,都有着各自独特的表现形式与审美特征.

概括说来其组成元素主要有：形体（点、线、面、体之间的疏密构成），明暗（黑、白、灰构成的光影关系），色彩（色相、冷暖关系，明度、纯度、灰度的相互关系等），空间（通过处理长、宽、高等关系产生的纵深感或辽阔感等），材质（传统的艺术表达手法中，不同的表现手法因其独特类别有其常用的材质作载体表现，雕塑者离不开泥巴、木头等，绘画者离不开纸笔，颜料，摄影者离不开洗印物品等）肌理（也就是美术作品表面的纹理，质感。是粗糙，是光滑，是平展，是起伏等）

绘画按工具材料和技法的不同，分为中国画 、油画、 版画、 水彩画、 水粉画等主要画种。中国画又按技法的工细与粗放，分为工笔画和写意画。版画又根据版材的不同，分为木版画、 铜版画、 纸版画、 石版画、 丝网版画等；版画还依制版方法和印色技法分类，常见的有腐蚀版画 、油印木刻 、水印木刻 、黑白版画 、套色版画等。 以上画种，又依描绘对象的不同，分为人物画 、风景画 、静物画等。人物画又依据描绘题材内容的不同，分为肖像画 、历史画 、宗教画、 风俗画、 军事画 、人体画。按照所使用的材料、工具和技术: 可分为帛画、水墨画、壁画、油画、水彩画、版画、腊画、丙烯画、铅笔画、钢笔画、镶嵌画、素描等； 按题材的内容: 可分为人物画、风景画、山水画、花鸟画、动物画、静物画、历史画等； 按画面的形式和功能: 可分为单幅画、组画、连环画、主题性绘画、宣传画、装饰画、年画、漫画等

绘画艺术具有以下几个特点： 1、在二维空间上创造出三维空间，绘画是在二维空间上，依靠明暗和形象结构表现物象的凹凸，造成立体幻象，令观者感到物、象是立体的。 2、再现性绘画描绘的精确性与表现性绘画展现主观世界的多方面性，长于描绘是传统绘画的艺术特点。 3、不同画种的艺术美，由于各种绘画因工具材料和技法等因素，形成各画种独特的艺术趣味和画家驾驭艺术语言的功力美感。 4、构图是绘画的基础，构图是对绘画艺术语言进行组织，使之构成一幅完美的画。

绘画艺术是一种创造性的表现方式，是人们将自己的思想、感情、意识等抽象的概念转化为形象的艺术作品的过程。绘画艺术有丰富多彩的形式和风格，包括写实派、抽象派、潮流派等，每一种形式都有其独特的表现方式和艺术特点。绘画艺术可以表达人们的内心世界，它是一种具有感染力的语言，能够引起观众的共鸣。从一幅画作品中，可以感受到画家的情感、他对社会和生活的观察和理解，一幅画作品也可以成为一个故事，它能够唤起观众的各种感受，如愤怒、悲伤、喜悦等。绘画艺术所包含的意义不仅仅是一件作品，更是表达了艺术家的文化和精神的结晶，是人类文化中的一部分。在创作艺术作品的过程中，艺术家需要寻找自我的探索和发现，需要沉淀自己的情感和思想。通过艺术作品的表现，艺术家可以传递给观众更多的内涵和启示。绘画艺术是一种独立的艺术形式，它是人类创造与传承的一种宝贵财富。每位艺术家都有自己独特的艺术风格和表现方式，他们用自己的方式去理解世界和生活，把观念转化为形象的作品，让人们感到震撼、感动和启示。

用无力的色彩向人们展示和反映生活当中的问题----这就是绘画艺术！

绘画艺术是一种忠实于客观物象的自然形态，对客观物象采用经过高度概括与提炼的具象图形进行设计的一种表现形式。它具有鲜明的形象特征，是对现实对象的浓缩与精炼、概括与简化，突出和夸张其本质因素。

1、绘画艺术是忠实于客观物象的自然形态，对客观物象采用经过高度概括与提炼的具象图形进行设计的一种表现形式。它具有鲜明的形象特征，是对现实对象的浓缩与精炼、概括与简化，突出和夸张其本质因素；2、基本定义：标志设计的形态不可能像绘画的形式那样强求形似，而是以图形化的方式进行组织处理；抓住对象的精神气质，强化形象的形态特征，简化结构的格；3、表现形式：目的为取得和谐之美，形成一种单纯、鲜明的特征来呈现所要表达的具体内容。是一种文化和地域的表现，也是传播信息的载体，接收对象是广大的人民群众。具有图形的通俗性与高度清晰的识别性，表现较为自由，充满个性，容易以清新、明快的视觉形象传达标志的神髓而为广大的人民群众所接受。

什么是绘画艺术？ 绘画艺术是忠实于客观物象的自然形态，对客观物象采用经过高度概括与提炼的具象图形进行设计的一种表现形式。它具有鲜明的形象特征，是对现实对象的浓缩与精炼、概括与简化，突出和夸张其本质因素。绘画在技术层面上，是一个以表面作为支撑面，再在其之上加上颜色的行为，那些表面可以是纸张、油画布、木材、玻璃、漆器或混凝土等，加颜色的工具可以是画笔、也可以是刀、海绵或是油漆喷雾器等。在艺术用语的层面上，绘画的意义亦包含利用此艺术行为再加上图形、构图及其他美学方法去达到表现出从事者希望表达的概念及意思这样一个目的。也就是说绘画艺术是概括后的东西在纸等材料上来表达从事着的思想。

妙理圆融 体用不二——浅释中国绘画艺术与禅宗某种内在之相通　文 / 杨博文当今时代是一个美术多元化的时代，而中国绘画的形式和表现、内容与精神结合同样出现了多元的艺术风格和时代气息。正如刘勰所说：“时运交移，质文代变”，但无论哪一种中国画的艺术风格都应植根于传统继承与发展和生活与感悟。关于吸取传统和生活的养分之多少，这是因人而异同样也和个人的秉性天分有一定的关系。而做为从国外传入中国佛教中禅宗法门在意识思维修炼方式过程中与中国传统绘画艺术精神与创作艺术思维形式在过程中有着许多某种内在联系之处。就这种艺术精神与思维形式内在之相通的特殊关系略谈以下观点和感悟。　首先来看一下“禅”字语源头在那里。禅字来源于印度的dhyana意为meditation，意思是静思、静滤和思维修炼的意思。而中国禅与印度禅有很大差别，在此不加多言。这里我着重探讨禅宗与艺术创作之间存在的许多内在联系。而正是这种内在联系，造成了禅宗与艺术相互交融、相互渗透的特殊关系。第一、禅宗与艺术二者都以表现人类的自我意识为最高目的。禅宗的自性论与艺术创作之间存在共同性，认识自我和超越自我也是禅宗与艺术探究的最高目标。禅的自性论和艺术创作主体，就是人类对自我意识的自觉追求和认识。禅宗与其他宗教修炼的不同之处在于它提出的自性论，主张从人的内心世界中寻求佛性和本来面目，正如六祖《坛经》中所言“自性能含万法，……万法绪人性”、“一切法在自性，名为清净法身”、“般若若在，不离自性”、“佛是自性作，一切万法”、“一切万法，尽在自心中”。艺术创作主体思维过程同样需要尊重自我，自我既是对传统和生活寻求真正的自我，尊重感受，艺术的独创性过程与禅宗的独创性实践证明，独创性不是艺术家主观任意性，独创性必须建立在对客观事物本质理解的基础上，不能离开传统和生活两方面。用黑格尔的语言，真正的独创性在于“艺术家的主体性与表现的真正客观性这两方面的统一”只有“把艺术表现里的主体和对象两方面融合在一起”。禅宗同样主张自悟。对禅理要有自身的理解与认识，正如白石老人所言“学我者生，似我者死”的艺术名言所示。禅宗诗歌中也同样有“三十年来寻剑客，几回落叶又抽枝，自从一见桃花后，直到如今更不疑。”那么禅宗同样提出：教学人大疑大悟，小疑小悟，不疑不悟，这样似乎就产生了诗中不疑与禅宗所提倡的不疑产生了矛盾。然此“不疑”非彼“不疑”，前者是通过客观事物的现象特征经过反复观察探寻，最终获证事物本质精神的肯定，而后者是对事物的现象观察中发现问题，提出自己的疑问和观点，不断探求和论证，去寻求自己心中正确答案，证悟自然妙理，通过现象探寻本质。禅宗反对向佛教经典、佛教偶像和利用打坐等方式来求证佛性，主张通过对感性世界的观察和体悟来认识自性，亲证本来面目，认为只有用自己获得的直接经验和证悟，才能“自信”“自悟”“自到见大知见”，录《五灯会元》。禅宗强调主观心灵的作用，并不否定现实生活，艺术的感悟同样具有这样的妙理：“一个真正的艺术家，自我表现的价值应在于对社会和自我的发现，艺术的才能，不断的超越自我，就是发现的才能。”对自然和自我的发现，将给艺术创作带来鲜明的个性，使艺术品具有经久不衰的审美价值。　第二、文人画思想渊源。所谓文人画，并不是作画的人是中国古代的文人、士大夫阶层，而在于这类绘画把佛教禅宗的美学思想和道家老庄哲学思想吸收到中国传统绘画艺术中，突破了传统的创作思想和艺术表现手法，开拓了高远淡泊、以意境相尚的画风。提到“文人画”，必须提到唐代的著名诗人和画家——王维，绘画史上一直把他看作是文人画的开山鼻祖。王维最早将禅的思想和禅的意境学说融入中国绘画语境，并运用禅的“澄心观照”的审美态度进行创作，使画有意境、画境、诗境三境一体的艺术特点。王维的绘画多山水之作，以气韵为主，变钩研之法为水墨渲洗，使超然空灵的襟怀与萧疏清旷的山水语境融为一体、将禅心与画境化为一炉。他曾作《袁安卧雪图》，所画雪中芭蕉，与常见景物迥然不同：他作花卉，至兴而成，不问四时，以桃杏、芙蓉、莲花等同一画，正可谓百花齐放，受禅宗自然任运，打破时空、不拘俗流思想的影响，“得心应手，意到便成，造理入神，迥得真趣。”另一位画家：文同，同样以朱砂写出了超凡脱俗的心中之竹的绘画意境，这样的艺术表现形式在古人作品中经常可以看到。　第三、禅宗与绘画境界之说。而意境又叫境界，我国古籍中记载的《诗·周颂·思文》中：有此将尔界。《战国策·秦策》载：楚使者景鲤在秦，从秦王与魏王遇于境。但这里的“境和界”都和作为艺术本体范畴的意境无关。真正的艺术意境是出现在《周易》中，它最早提出了“象与意”的关系。象和意与意境有了一定的联系。《周易》中讲的象是指卦象，而不是艺术形象，但与艺术的形象有相通之处。《周易》所说的象是对现实生活的一种模拟，同时，“象”又有美好的意义。《周易》认为立象是为了尽意，意在《周易》里并不是简单的的语言可以概括的概念，实际上有无穷尽之意。立象而尽意带有象有尽而意无穷的意思，这一思想观点无疑与中国传统绘画中的写意精神是相通的。西汉董仲舒语：诗无达詀，易无达詀，春秋无达辞。刘宋时期的颜廷之写给画家王微的信中也说；图画非止艺，行成当一与易象同体。而王微认为艺术精神本体是表现通体。他说：“且古人之作画，非以案域，辨方州，标镇阜，划浸流，本乎形者融，灵而动变者心也，灵之所见，故所托不动：目有所极，故所见不周。于是乎以一管之笔，拟太虚之体，以判躯之状，画寸眸之明。王微所说的“拟太虚之体”正是写心论，这一观点是对宗炳《画山水序》的“以形写形”观点的重点补充。宗炳在画论中提出了山水之神的观点：“夫以应目会心为理者，灵之成巧，则目亦同应，心亦具会，应会感神，神超理得”和王微“本科形者隔，灵而动变者心也”的观点，都强调了艺术创作中“心”的能动作用，这些观点是对《周易》的“象与意”的进一步深入发挥。这对意境理论的形式和发展起了重要的作用。此外，佛教也提出了“执理于象外”的观点。释慧琳在《竺道生法师传》中说：“象者理之所假”“执象则述理”释僧卫言“抚玄节于希音，畅微言于象外”，僧肇说：“穷心尽智，极不可以智知，无言无说，心行灭处。”正是这些思想观点，能处及到意境中的一些根本特点，特别在禅宗盛行的中唐之后，一些杰出的文艺思想家、艺术家们对意境进行了深入探讨，他们将中国传统文化中的道、儒、周易与外来佛教禅宗思想进一步融合，创立了 中国化的禅宗法门体系，同样也形成了具有特色美学理论思想之一——意境。最早将“意境”一词用于艺术理论指导中的是唐代著名诗人王昌龄，他的诗论中有“三境”之说，一曰物境：欲为山水诗，则强泉石支峰之境，极丽秀绝者，神之于心， 处身于境，视境于心，莹然掌中，然后用思，了然境象，故得形似。二曰情境：娱乐愁怨，皆于意而处于身，然后驰思，深得其情。三曰意境：亦张之于意而思于心，则得其真矣。另一位著名的禅门德僧皎然同样认为意境有三个基本特征，即取境、造境和缘境。所谓取境，就是艺术家在创作时，对情、景、兴、象等各种因素，进行完整同一的思考和构思。造境是在取境的基础上，创造意境。那么，什么是创造意境？皎然提出了“夫境非一，虚心难明，有可睹而不可取，景也，可闻而不可见，风也，虽亲乎我形，而妙用无体，心也，义见众象，而无定质，色也。凡此等，可以偶虚，亦可以偶实也。”皎然这里所说的意境，不是对客观现实的直接反映和简单摹写。而是存在于主观与客观、虚与实、有与无之间的境象，具有虚实的两重性，缘境：所谓“缘境”是所造之境的最后表现形态，唐代佛学大家梁肃认为这是：“心迁境迁，心旷境旷，物无定心，心无定象”（《全唐文》卷五二O）。从这些可以看出皎然这一艺术意境思想理论出处无疑受禅宗思想体系中“体和用”妙理的影响。另一禅宗著名著作《五灯会元》卷第十七公案中的青原信禅所说“三山意境说”也深刻揭示了意境的本制裁：他说老僧三十年前来参禅时，见山是山，见水是水，及至后来，亲见善知识，有个入处，思见山不是山，见水不是水，而今得个休处，依然是见山是山，见水是水，大众，这三般见解，思同思别。“道来”，这里的第一，山是主体和客体相互独立、对立、分离的，主体是以理智的观点去看待山和水，所以，山是客观的山，水是客观的水，第二阶段的看山，是主体的意志和情感，开始化被动与主动。客观对象（自然景物）被主体意志和情感所同化，主体获得了感知变异的自由，因此山和水化成自己生命的一部分，主体和客体产生了共鸣之处，成为具有主体生命的山和水。第三阶段，这时的主体与客体已在不同层次上互相统一，交叉占用。我在山水之中，山水也融入了我的生命之中。正如黄宾虹先生诗句“江山本如画，内美静中参”所言，这是人与自然高度和谐统一，是禅中追求的最高境界，这种境界里，山河大地、自然物我都融为一体，形成一个充满生命活力、无限的、永恒的空灵世界。　当今国学大师南怀瑾诗证：妙高峰顶路难寻，万转千回柱周心，偶傍清溪外云，一声啼鸟落花深《妙高》。王维的山水画虽与传统的佛教画一样受佛教的影响，但两者的意义不可同日而语，王维画是对禅宗真谛领悟后的独创，他取材于现实生活，抒发的是真实感情，其意义极为深远。在王维之后，山水画逐渐摆脱了附属的地位，发展为独立的画种.得王维真传张,王洽等人,弦自谓其画“外师造化， 中得心源”与禅宗心性之学有内在联系，所画古松气傲烟霞、势意纵横、应手间出，所画山水则高低秀绝、咫尺深重、石尖欲落、泉喷如吼，纯出自然、匠心独运。前人评其画“非画也，真道也，当其有事，已遣去机巧，意冥玄化，而物在灵府，不在耳目。”浓墨淡笔都从胸中流出，不加半分修饰，这无疑得益于禅家心性修养功夫。王洽，以泼黑山水闻名。性多疏野，常优游于江湖之间，作画每天在醺酣之后，以黑泼洒之，或笔或、脚就手抺，或淡或浓，随其形状，为山为石、为云为水、为烟为霞、为风为雨、应手随意，若造化，俯观则不见其墨污之迹，这可算把禅字活泼洒脱风格运用到家了。四、禅宗美学思想对传统绘画的影响唐未五代宋初，是为禅宗全盛时期，也是山水画“南宗”进入发展时期，王世贞云：“二李”一变、关、董、巨又一变也。荆浩博通经史，因五代乱而隐于太行山之洪谷，与禅僧野老往来。他工于山水，善为云中山顶。其画四面峻厚、笔墨横溢，号称“唐未这冠”的邺都、青莲寺僧大愚曾以诗向他乞功。关 喜作秋山寒林、村居野渡、幽人逸士、渔市山驿，使见者悠然如在灞桥风雪中、三峡闻猿时，不复有朝抗尘走俗之状。《宣和画谱》评其画日：笔愈简而气愈壮，如何是气：“气是艺术家内在世界思想情感的运动形态”客观事物激起主观情感波澜的起伏变化“凡文不足以动人，所以动人者气也”如此超尘脱世，孤高独步之作显然也根源于画家深刻的禅学意境。董源也擅于山水，尤工秋岚远景、溪桥渔浦，其画平淡天真、自然而成。巨然是南唐江宁开源寺的和尚，其画祖述董源，而臻于妙境，内中清淡雅逸之趣多得力于禅家心性之学禅宗虽为怫教一脉，但其精神对绘画艺术的影响，却使山水画脱离宗教威严的怫教画而走向与大自然的结合。<BR>　　明清时期画论对绘画史的总结，一致提出禅宗对绘画艺术的重大影响。董其昌说：“行年五十，方知此派（北宋）画殊不可学，譬之禅宝，积劫方成菩萨，非如董巨米三家，可一超直入如来也”然此我认为北派之评说彼为偏激之处，画实无南北高低之分，应学人感悟之高低，正如佛法实无高低之分，人有愚钝之别。李白华：“云绘事不必求奇，不必循格，要在胸中实吐出，便是矣”。石涛和尚更直接以禅僧口吻指出，作画“于墨海中立定精神，笔锋下决出生活，尺幅上换去毛骨，混沌里放出光明。”众所周知明清画坛中龙象辈出，明有董其昌为代表将禅理融入“南北论中”，成就了其艺术地位。清初有，旷世奇古的“四画僧”渐江、八大山人、石溪、石涛和不被世人所注重的担当老和尚，其实担当和尚是达到了禅画的艺术高峰，“担当诗歌造诣极深、禅机典雅，其造诣并不在四僧之下”（邢文曾）语。以至清末的海上画派的先驱者，虚谷老和尚都是禅宗思想与艺术相结合的典范。由于篇幅有限，在此不加诠释。　纵观唐宋以至明清画坛，凡有大成就者无不深得禅学思想的启迪和熏陶，其和作品无不透着深遂、宁静、庄穆的禅境，即使今人欣赏历代名画作品若没有许多禅学修养，恐怕也不易领略其中意境，望其项背。　董其昌提出：“作画贵在静气”。为何？静则生变，变则通，通则融，融则生，同样静能生智、智可通慧。与此同时也应当以辩证法的思想观点、学习、继承、发扬传统文化，取其精华，舍其糟粕，传统是艺术之根基，生活是艺术之源泉，时代是艺术之精神。愿禅宗与艺术这朵传统瑰丽之奇葩，薪火传承，相互交融，为弘扬中华民族文化艺术，智灯远照，永启学人。　主要参考书目：《禅与艺术》、《坛经》、《金纲经》、《禅宗百问》、《禅宗诗歌集》、《五灯会元》、《中国画僧》、《佛教与绘画》、《艺术概论》。　水云草堂主天目山人

儿童美术绘画不同形式下的分类：1、按教学形式分，有主题画、意愿画、装饰画。2、按绘画对象分，有实物画、情景画、想象画、故事画等。3、按绘画材料和技法分，有手指画、蜡笔画、棉签画、水彩画、彩墨画、水墨画等。拓展资料绘画的含义：绘画（Drawing或Painting）是指用笔、板刷、刀、墨、颜料等工具材料，在纸、纺织物、木板、墙壁等平面（二度空间）上塑造形象的艺术形式。现代可以通过计算机软件用鼠标手写板进行数码绘图，实现无纸化数字图像保存，避免了资源的浪费，也使得观看照片更加方便、美观。绘画的分类：按工具材料和技法的不同，以及文化背景的不同，分为中国画、油画、版画、水彩画、水粉画等主要画种。1、中国画又按技法的工细与粗放，分为工笔画和写意画；2、版画又根据版材的不同，分为木版画、铜版画、纸版画、石版画、丝网版画等；3、版画还依制版方法和印色技法分类，常见的有腐蚀版画、油印木刻、水印木刻、黑白版画、套色版画等。以上画种，又依描绘对象的不同，分为人物画、风景画、静物画等。人物画又依据描绘题材内容的不同，分为肖像画、历史画、宗教画、风俗画、军事画、人体画等。

一。19世纪以来在西方流行的主要美术流派19世纪以来在西方流行的主要美术流派：新古典主义美术、浪漫主义与现实主义美术、印象画派、现代主义美术五大流派。新古典主义美术产生的社会背景:新古典主义美术产生于18世纪末19世纪初的法国，与资产阶级革命有关。18世纪末19世纪初，法国社会动荡不安，伴随着启蒙运动和法国大革命的到来，资产阶级反对旧制度下的陈腐艺术风格，他们需要艺术成为宣传革命，鼓吹自由、平等和共和的有力武器；需要用艺术培植人们的斗争勇气，树立英雄主义的气概。他们追求古代希腊罗马的英雄主义精神，新古典主义美术应运而生。它的基本特点是：采用古典形式，体现理性和新制度，大多选取了古代希腊罗马的历史和神话题材，人物充满着为自由和共和而战的英雄气概；画风古朴、庄严、典雅，注重素描，强调线条的清晰和准确，追求形式上的完美。该流派的代表人以及代表作品：法国画家大卫《马拉之死》和《拿破仑加冕式》，安格尔《泉》。二，浪漫主义美术出现的社会背景、基本特点浪漫主义美术产生于大革命失败以后的波旁王朝复辟时期，人们对启蒙运动宣扬的理性王国越来越感到失望，一些知识分子感到苦闷，他们反对权威、传统和古典模式，从而产生了浪漫主义美术。浪漫主义美术代表人物以及代表作品法国的德拉克洛瓦是最伟大的浪漫主义画家之一，西奥岛的屠杀》描绘了希土战争中希腊人民遭受土耳其军队虐杀的情景，画家表现了对希腊人民极大的同情。《自由引导人民》描绘的是1830年7月革命，法国的工人、市民和小资产阶级知识分子走上街头反对封建政权的场面。浪漫主义绘画另一位杰出代表是西班牙画家哥雅，他的艺术具有鲜明的“民族特性、现代性和实际的历史性感觉。”他最有代表性的绘画是《枪杀马德里市民》，画家描绘了1808年西班牙人民起来反对拿破仑入侵的史实，他以无法抑制的热情歌颂了爱国的人民。现实主义美术出现的社会背景、基本特点现实主义美术产生于19世纪中期的法国。资产阶级夺取政权后，资本主义社会的黑暗使得人民及先进的知识分子产生了不满和苦闷的情绪。因此他们要求真实的表现现实，并且对现实加以暴露和批判。现实主义的基本特点是：强调艺术的时代特点，直接描写当前的时代风貌和斗争。现实主义美术代表人以及代表作品米勒出身于农民，擅长用农民的眼睛看这个农民的世界，他的艺术像一面镜子真实地反映了法国19世纪40～60年代农村的面貌。他既歌颂农民的善良、淳朴、热爱劳动的本质，也表现他们的保守、虔诚、逆来顺受的弱点。代表作品《播种者》和《拾穗者》都反映了这样的特点。列宾是俄国现实主义绘画的主要代表之一,《伏尔加河上的纤夫》是他的成名之作。列宾曾去伏尔加河写生,纤夫的生活给他留下了难忘的印象，画中列宾画了十一个饱经风霜的劳动者,他们在炎热的河畔沙滩上艰难地拉着纤绳，纤夫们有着不同的经历和个性,他们生活在社会的最底层,但这是一支在苦难中练成坚韧不拔,互相依存的队伍。四。“印象画派”印象画派的艺术特点、代表人物和代表作品。教材通过《日出·印象》、《樱桃和桃子》两幅作品表现了印象画派不同时期的艺术表现风格。（1）印象画派产生的原因和基本特点19世纪后半期，一些青年画家对统治欧洲艺术的种种清规戒律表示不满；在科学证明“颜色是物体反射出来的光线”的启发下，主张户外写生，他们从画室里走出来发现了千变万化的大自然。在描绘自然景色时，他们重视光、色和大气的表现，他们把光看作是“绘画的主人”，光的强弱变化在印象派画家的作品里得到了充分的表现，他们大多用原色作画，因此色彩特别清新、明亮。他们努力去观察自然，要达到的目的是“对自然既有力而又敏感的移植”。（2）印象画派的代表人和代表作品早期印象画派的代表人物是法国的莫奈和马奈。莫奈曾同其他青年画家组成了一个“无名画家协会”，在巴黎举行画展，引起了很大轰动。其中，莫奈的画《日出·印象》更是令人瞩目。这幅画表现了在勒阿弗尔港口一个多雾的早晨，透过晨雾观看太阳初升的瞬间印象。一位评论家在看了画展后，写了一篇文章，对这幅画大加嘲讽，说莫奈等画家是一群“印象主义者”，不料，“印象派”这个名称从此在画坛上确立，《日出·印象》成了这一画派的标志。马奈的画注重光色关系，色彩艳丽，光线清澈明快。他的代表作品是《草地上的午餐》，画家想表现外光下的人体和色块的对比，这幅画在当时曾引起激烈的争论。（3）后期印象画派19世纪末20世纪初，产生了后期印象画派，他们反对印象画派对客观世界的描绘只是停留在表面的现象上，主张艺术应区别于照相，要揭示主观世界，重要的不在于写形而在于写意，重视自我的表现，强调变形和夸张。荷兰画家梵高的作品表现出追求光明、热情、热爱生命的主题。《向日葵》写意重于写形，表达了主观的热情。法国的塞尚特别注重物体的结构，他认为“世界上的一切物体都可以概括为球体、圆柱体和圆锥体”。他对几何形体的探索和变形启迪了后来的立体派，他被推崇为“现代艺术之父”。法国画家高更的艺术风格是人物的形象稚拙、单纯，平涂色彩，缺乏立体感，没有明暗，却有着浓郁的装饰味道。其代表作是《我们从哪里来？我们是谁？我们往哪里去？》。五。“现代主义美术”现代主义美术产生的原因、艺术特点、代表人及代表作品。通过《舞蹈》《格尔尼卡》《那不勒斯来的男人》《紫红色上的黑色》等作品展示了现代主义美术的艺术特点。（1）现代主义美术的概念、出现的原因和基本特点20世纪以来出现的许多与传统美术流派不同的美术流派统称为现代主义美术。它出现的原因是：20世纪以来，爆发了两次世界大战，给人们的心灵造成了巨大创伤；工业化带来的快节奏生活也加剧了人们的紧张感，使人们不再满足于传统的艺术表现形式；科学技术的发展拓展了艺术家认识世界的视野，他们开始用新的表现形式和艺术精神进行创作；（2）代表人物和代表作品被称为野兽派的法国画家马蒂斯是现代主义美术代表之一。其代表作《舞蹈》。现代主义美术最有影响的是西班牙画家毕加索。他作为立体主义的创始人，以《亚威农的少女》一画完全颠覆了过去具象写实的传统手法，。《格尔尼卡》壁画，此画结合立体主义、现实主义和超现实主义风格表现痛苦、受难和兽性。

荷兰的风格派、达达主义、超现实主义、抽象主义、波普艺术等。

通常所说的“现代主义”或“现代派”美术是指从20世纪初发展起来的具有前卫和先锋特色，与传统美术分道扬镰的各种美术思潮和流派。它们的共同特征，即否定内容对形式的决定作用，认为艺术形式可以不依赖内容而具有独立的价值，追求探索纯形式的美，宣告与欧洲古典传统艺术的表现形式分道扬镰。实质上，美术上的现代派不仅是单纯的文艺现象，它的产生有一定政治背景和社会背景。有思想根源和哲学基础。首先，现代派艺术的产生是由于19世纪末和20世纪初的欧洲资本主义社会中尖锐的社会矛盾，使不少艺术家对现实产生不满。其次，现代派艺术产生，是艺术家力图在艺术上摆脱传统的写实主义手法束缚的结果。再次，近代哲学和社会思想的影响也影响了现代派艺术的产生。比如德国唯心主义哲学家尼采的唯意志论，奥地利心理学家弗罗伊德的精神分析理论，法国非理性主义的代表柏格森的直觉理论，萨特的存在主义哲学等等，都对现代派艺术的产生起了一定的影响。另外东方艺术的广泛流行，以及对史前艺术的再认识也影响了现代派艺术的产生。

20世纪西方现代主义美术有两种： 1、前现代主义绘画有后印象派，象征主义，纳比派，分离派，现代主义绘画，有野兽主义，表现主义，超现实主义，立体主义，未来主义，抽象主义，以及达达主义等。 2、后现代主义绘画，有波普艺术，大地艺术，行为艺术，人体艺术，偶发艺术，至上艺术，光效应艺术，照相写实艺术，电脑艺术等等。

20世纪60年代中期，现代主义艺术在人们的喧闹声中宣告了自己使命的结束，取而代之的则是后现代主义艺术。后现代主义艺术尽管强烈地否认自己与现代主义之间存在着任何的联系，认为自己是一种全新艺术，但事实上它无法摆脱自己与现代主义艺术千丝万缕的联系，这种联系尤其体现在后现代主义新绘画艺术中。后现代主义新绘画不仅包容了现代主义艺术，而且甚至回归到了古典艺术传统中去了，新绘画艺术的这种再生，其实是建立在传统古典艺术与现代主义艺术的基础之上的，只是这种继承与复归是以反叛的姿态出现的，隐藏在新绘画作品中的那种对以往一切传统艺术的回归只不过是它的一种手段，反叛才是它的精神实质。我们可以通过对后现代主义新绘画的研究，发现艺术在其不同发展阶段出现的普遍的艺术发展规律，并且可以让我们更清楚地把握绘画艺术的发展趋势。 一、新绘画的出现及其时代背景 20世纪中期以后的绘画艺术，在经过漫长的古典主义传统年代及跳跃式发展的富有极强个性的现代主义艺术发展阶段，绘画及其所有的传统技法似乎已面临着山穷水尽的境地，从前绘画艺术所追求的文学性、叙事性以及以画面的空间、透视、明暗、解剖为基础的再现美学已被现代主义艺术抛弃了很久，而此时的现代主义艺术脱离现实生活，脱离普通大众，人们开始认识到现代主义艺术在西方的没落，1965年美国极少主义雕塑家唐纳德·贾德宣布“绘画死亡了”。多少个世纪以来一直以视觉活动为中心的绘画艺术开始丧失了它的中心地位，后现代主义艺术取代了现代主义艺术开始操纵主宰艺术世界。 后现代主义是一个含义十分宽泛的文化概念。它是西方后工业社会文化矛盾冲突中涌现出的新思潮，被广泛应用于社会、政治、经济、工业、科技、宗教、哲学、建筑、文化及艺术等诸多领域，1934年西班牙作家奥尼兹最早在他的著作中用过“后现代主义”一词，但作为一种文化艺术现象并产生全面影响还是在20世纪70年代，而后现代主义艺术就是后工业社会信息时代的文化衍生物，它适应于后工业文明的发展，并逐步取代现代主义艺术成为世界性的主流文化。 当现代主义者们宣布绘画死亡之后，原来呈直线状态发展的绘画停滞了下来，艺术家们纷纷放弃绘画，人们甚至误以为这就是后现代艺术，此时的艺术成了一种纯粹的理论，绘画是否还有存在的必要？然而，人类艺术的发展必然有其自身存在和演化的客观规律。从艺术发展史的角度来看，每当一种艺术形式走到极端的时候，紧接着的必然是一种回归，而这种回归并不是对从前艺术的简单重复。此时，作为人类文明史上一种重要形式的绘画艺术尽管因为现代主义艺术的冲击，丧失了原有的古典传统，但绝不会丧失它存在的价值和意义，具有后现代主义特征的新绘画以反叛、回归、宽容的面目出现了。 新绘画艺术始于70年代后期的德国，进入80年代后，它的各异风格日趋成熟，艺术评论家开始广泛关注这些新绘画艺术家们，不断有评论、阐释、研究新绘画的文章、专著问世，于是，绘画艺术中出现了德国新表现主义艺术、意大利超前卫艺术、法国新自由形象、英国新精神、美国新意象艺术等新术语，绘画艺术经过在“黑暗”中的不断摸索，开始了自己的新纪元。 二、新绘画的特征与现状 这群新绘画艺术家从一开始就以反叛的态度来对现代主义艺术进行一场革命，而最本质的特征首先体现在新绘画艺术继承了波伊斯的“社会雕塑”观念。在德国的后现代主义艺术家中，波伊斯被誉为德国来自艺术精神领域的新的社会秩序的先知，他也是德国战后第一位赢得国际声誉的艺术家。波伊斯提出“社会雕塑”观念，认为我们日常生活就是艺术，所有社会成员都对社会形象起作用，如果说杜尚是第一个把日常现成品转换为艺术品的人的话，那么波伊斯就是第一个将日常的生活以及行为转换为艺术的人，并且他继承了杜尚关于艺术本质问题的观念，要让艺术成为一切，一切也都能成为艺术，波伊斯的“社会雕塑”观念的提出，不仅终结了现代主义艺术，也把西方艺术推入了后现代主义阶段。 波伊斯作为新绘画艺术的起萌者，他的以消除所有艺术限定为核心的“人类学”概念越来越深刻地影响着不仅是德国还包括其他所有国家年青的新绘画艺术家们，他们正是沿着这样一条以反叛的姿态来复兴回归传统古典艺术和现代主义艺术的道路，使行将末路的绘画艺术起死回生，尽管他们强烈的否认与传统艺术的联系，但他们仍具有前卫艺术的诸多特征。这些新绘画艺术家们的前卫性表现在他们又并不像波伊斯那样为了消除艺术与现实生活的界限，试图去做前人从未做过的事，而是忙于重新恢复那些已经被抛弃的或曾在艺术史上流行过的东西，并重新确立艺术的独立性，重新使用最有价值的持久性材料来创作他们的架上艺术，这无疑是他们最好的选择。 在德国，基夫这位波伊斯的嫡传第子，将他老师的某些传统体现于他自己的作品中，他是波伊斯的直接继承人，而又并不完全象他老师那样，波伊斯关注的是现实，而基夫关注的却是历史，并采用了绘画手段。他是从德国的文化深处汲取养分，创造出表述德国历史、富有神化色彩并且材料厚重的绘画作品。他的作品既关注自然也关注社会，是一种思想者的绘画，揭示出隐藏于事物深处的美，附绘画以哲理性，这体现了基夫对古典绘画艺术中主题思想的复归，基夫通过绘画所要表现的正是这种对德国文化、历史、命运的定义与评价。因此，即使是那些对德国神话、历史只是浮浅了解的人，也可以在想象力的帮助下毫不费力的欣赏他的作品。 基夫从波伊斯那里继承最多的怕是体现在他大胆地使用非正统的绘画材料来进行正统的架上艺术。他将从前学习的装置艺术也融合在他的绘画作品中，而这种综合媒介的运用更好地体现出他作品所要表达的凝重感：沙子、泥土、干枯的植物、水泥及各种碎屑物掺以乳胶、紫胶、速干油漆等都被运用于他的画面上，造成极其厚重的画面肌理，加上是巨幅的画面，从而达到这种极富冲击力的视觉效果，这种宏大的气势把“艺术家感觉到的是一般未被发觉的东西”[1]展示于观众的面前，造成观众心灵震撼之感，即使是对艺术反应最迟钝的人也会为之感慨，这种感慨应胜过古典主义主题性绘画对人的感受，因为观众的感慨一方面是来自于这些原本与艺术毫无关联的材质也能被置于画面中，并且能被艺术家将它们处理得相得益彰，这正体现了基夫在“绘画死亡说”提出之后，究竟以什么样的态度来证明绘画没有死，并且亲自开始绘画艺术的复兴。 人们眼中的基夫，乍看起来是一个使从前的绘画起死回生的英雄，而实际上他的英雄性并非体现在是他复兴了绘画艺术，而是他以反叛的精神继承了绘画艺术，他所复兴的只是绘画这种视觉表达形式，在技法上，他完全抛弃了古典传统绘画中惟妙惟肖的、追求透视及明暗的技法以及现代主义所追求的“纯粹艺术”，打破了片面强调绘画技法的传统，也放弃了形式主义的艺术小品式的表现方式，使绘画领域出现了前所未有的多元化特征，这应该就是基夫对新绘画艺术做出的贡献吧。 早于基夫的另一位德国新表现主义画家巴塞利兹是最早走上新绘画之路的艺术家，他在60年代就开始远离抽象主义画风，坚持创作具象绘画，并使用油画、素描等方式表现人体、风景以及静物等。他的信条是：“新颖的绘画不会来自某种流派，它总是一个独一无二的画家出乎意料的作品！”[2]这说明他认为自己所进行的绘画是有着他鲜明的特征的，不愿把自己拽回到从前绘画的派别之争中，他厌恶那种空洞无物的抽象绘画以及那种传统艺术中文学性主题绘画，于是戏剧性的颠倒的画面形象出现在他的作品中，表现出绘画存在主义的生活情感的磨擦面，他需要通过颠倒形象来作为画面形式的校正剂，达到强化表现的目的。他的这种形象变形是远离抽象主义对画面形象的变形，抽象派是要通过形象的变形，突出绘画的独立性，以更加强化“纯粹绘画”这一精英艺术，而巴塞利兹却要打破这种传统，以人物形象的头脚倒置来对形象进行变形，以反叛的态度继承了形象，他自己也承认：运用倒置的形象是达到“抽象化”的一种手段，观众在欣赏他的作品时，注意力都被吸引到画面上，主题则自然被削弱了。虽然巴塞利兹否认他与抽象派绘画的关系，但这种形象的倒置，多少是对现代主义抽象派艺术风格、形式的一种回归。他说：“我为何不该颠倒呢？绘画是为了表达人的精神的，正是这样，我可以把奶牛画成绿色，把人的脑袋倒置。”[3]他反对现代主义艺术对社会现实的冷漠，也反对传统艺术过于强调的主题，主题的存在仅仅为画家提供了一种控制画面的方法，即使没有主题，什么也都是可能的。他的绘画最终实现了形式主义上的社会反抗，反抗视觉表像上的那种惯性，从而体现出他对社会教条、定规的反叛，对现实社会的颂扬。

一个画家如果不能真正把握自己作品里的绘画语言就不能成为一个好的画家，一件艺术作品如果没有自身的艺术语言，也就不能成为一件完美的艺术作品。 语言是人们用来表达感情、交流思想的手段，艺术家常常借用这个词，将自己艺术门类的表现手段也称作“语言”，如绘画语言、雕塑语言、舞蹈语言等。那么，什么是绘画语言呢？绘画语言是人类表达审美情感的一种工具，是画家进行形象思维并把它转化为物质形式的手段。艺术家用自己的艺术语言与世界对话，对话，就需要语言，重复别人的话叫老话、套话，绘画语言亦然。多年来，有种倾向，那就是过分地强调艺术作品的内容，而绘画语言中的形式美问题，一直很少得到认真地研究和探索。长期以来，我们的造型艺术存在着公式化、概念化倾向，没有考虑艺术语言本身的特殊性，在创作实践和理论方面都留下很深的“后遗症”。 文学艺术中不同的门类，各有其不同的语言，尽管都有其一定的局限，但是每种语言自身的特色，却是任何其它语言所不能代替的，正因如此，一种艺术才能独立存在下去。雕塑所表达的内容，用油画不一定合适，小说能描写的题材，造型艺术不一定能胜任得了。艺术思想是注入艺术家个性的思维，思维的个性在相当程度上决定着表达的个性，所以一个思想意志和审美感不能独立的人，一个不能用自己的眼睛观察，不能用自己的头脑认识世界的画家，他的绘画语言最多是熟练，只有充分的艺术个性解放，才会有充分发展的绘画语言。在我们传统的绘画语言里，形式是一个重要的特征。从彩陶上的图案、青铜器上的兽纹、汉砖石画像，到后来绘画的构图、用线、设色、造型等，都显而易见。随着历史的发展，艺术本身的相对独立性渐强，形式美在绘画中成为更重要的因素。拿绘画来说，就是通过线条、色彩、材料的构成等表现形式，来体现多样的、统一的、均衡的因素，使作品充满视觉冲击力和内在的张力，表达出形式上的美感。它可以是写实的，也可以是写意的、装饰的、变形的和抽象的。按现代艺术理论的观点，存在的东西便有形式：“不着一笔，尽得风流”。 艺术家的绘画语言要求真诚、精到、优美，而更要紧的是要有自己的个性。作为一个画家，他在把握自己的艺术语言时，要特别珍重自己的个性，对传统的理解，不应是采取“顺应性”，而应是“反省性”。纵览画史，董其昌、弘仁、八大山人等都是运用自己的艺术形式表现美学风范的杰出代表，他们创造的形式连同他们内在的精神，成为了历史，也成为了公认的形式符号。任何一个绘画符号在被创造的起初，总是与画家的特定感受连在一起，而且具有生命气息。一旦被后人一再摹仿而成为某一程式、规范，就失去了原先的意义，徒有外形而已。所以，邵连在表现与运用符号的过程中，将它们融入对自然的深刻体察中加以理解，通过对山川之气象、山川之约径、山川之节奏、山川之凝神、山川之联属、山川之行藏之静观，领略自然之风情万种，悟得前贤绘画符号妙得之成因，使自己的形式语言活跃着自然的精神、性情、生命感，这样才能避免将各种古人既定的符号组合画面杜撰自然的“假”与“空”。随着历史的发展，艺术本身的相对独立性渐强，形式美在绘画中成为更重要的因素。如中国画用线十八描、金银色的配置、笔墨趣味等，到清代“四王”对形式美就更为注意了。近现代的中国画大师如吴昌硕、黄宾虹、齐白石、潘天寿等，都深谙绘画语言这一重要特征，我国民间年画也以其鲜明的形式美而深受群众欢迎。 绘画语言的形式、发展、变化不是起源于人与世界新型结构关系的发展，而取决于个人对自身、对世界的主体认识与价值态度的更替。即便是那些纯艺术追求的抽象绘画，其语言也不是自我封闭的独立符号系统。语言的抽象性正折射出人对自我、对世界的“抽象”观念认识。“抽象”不是色彩、线条、构图、画面形象的自我呈现。西方绘画自古希腊的瓶画就已有了很强的装饰味道，文艺复兴时期很多画家如拉斐尔的作品，形式感很强，到后期印象派一些画家也对形式美产生了极大的兴趣。 塞尚是一个有代表性的画家，他说：“绘画不在奴隶般地去抄录题材，而在于在无数关系中寻找和谐”。美术家克莱夫·贝尔说：“线条、色彩在特殊方式下组成某种形式或形式的关系，激起我的审美感情。这种线、色的组合，这些审美感人的形式，我称之为有意味的形式。”他们所谓的“有意味的形式”恐怕就是形式美了。艺术家终身所努力的只有一件事，在自己绘画语言中表现形式美，而且要真诚、精彩、优美。作为一个成熟的艺术家，他的绘画语言一定独具风格。艺术个性的形式，除了画家的物质条件外，主要靠长期生活实践与艺术实践，画家只有在这两种实践的磨练中，在发展与表现人心底奥秘的过程中，才能认识到作为艺术家的独特之处，包括自己需要有什么样的绘画语言，又以怎样的方式表达自己所获取的审美感受。当然，发展绘画语言中的形式美，还需要借鉴，借鉴的摹仿对青年作者往往是有益的。此外，不同艺术流派，个性的竞争，对绘画语言的各种探讨，探讨中的相互交流学习，都是必要的。美术创作的传达活动，是美术家运用物质媒介材料和技艺手段，将自己对社会生活的审美认识表现出来，使其物化。在物质文明高速发展的今天，天然材料是大自然赋予人类的宝贵资源，同时也是人类创造文明的物质财富。从原始人类使用色土在岩洞的石壁上勾勒野牛的形状，到近现代艺术家购买工业生产的颜料绘画，材料作为绘画语言的载体，随着绘画表现形式的变革，发生着一次又一次的变化。在近一个世纪的艺术发展中，对材料的内涵、外部特征、材料与材料之间的关系或材料更新等的探索，为现代艺术流派产生和发展奠定了基础。现代工业的高速发展，各种新材料及日常生活中各种废旧品的不断出现，丰富了绘画艺术语言，也开拓了人们的艺术视野。比如在综合材料绘画的创作中，艺术家选择与运用的材料既是绘画的载体，同时，其本身也具有各自独特的审美价值，材料本身就是一种独特的绘画语言。我们知道，凡由绘画造型手段构成的绘画造型（即能够表现特定艺术内容的可视形象），都具备“绘画语言”，这种“语言”就是表现特定艺术内容的特定造型。“绘画语言”从表面上理解为形式范畴，但却包含了内容和形式的统一。发现材料的新特性，探索它在绘画中独特的表现方法和效果，使传统绘画相对单纯的形式语言受到了新的挑战。在现代艺术创作中，各种新材料和新技法的发展和运用，改变了人们的传统审美经验，开拓了艺术表现的新领域。 绘画语言的探索并非是盲目、任意的形式追求，材料的发现和突破也不能脱离作品内容表现这一特定的基础。当毕加索发现油画颜料已限制他的艺术追求时，便用沙子和其它材料加厚油彩，有力地强化作品的表现效果，这一切都是从艺术表现需要和个性语言表达出发的。在画面中，不同材料的使用只有在符合创作者的个性体验并与表现内容相一致时，它的表达才可能是真切的。创造性地发挥材料本身的特性并融会绘画的多种表现手法，才能大大地丰富画面的表现力。当画家在运用各种材料来表现作品的主题时，材料的特质和它在绘画中的表现特征便成了画面特有的一种存在形式。 总之，绘画语言同绘画物质材料、制作手段都有关系，绘画语言要融进现代艺术的构成章法，吸收西方绘画色彩理念，引进新意识的材料效应。洞察历史，俯瞰现代，关注社会，体验生活，兼容并蓄，综合创新，能够使绘画语言的特点更明确、更鲜明，使绘画语言更生动、更丰富。

一、所谓绘画语言，是作者以记录状态、反映认识、传达信息或表现思想为目的，运用笔、 刀、 墨、纸、 颜料等材料工具为物质载体，以色彩、线条、明暗、肌理等视觉信号为媒介，通过造型艺术手段，创作描绘艺术形象造成视觉体验的表达方式。二、含义：绘画语言是作者的创作手段和目的。影响艺术语言的因素很多，如媒介材料、文化传统、个人性格、时代背景等。媒介材料是艺术语言的物质基础。使用的材料工具、绘画的技法、描绘的内容、表现的形象等客观行为和状态反映了作者的性格、认识和思想等主观意识。主观和客观因素共同构成其绘画语言的个性特征。三、特色：绘画既要极丰富地、全面地表现生活和自然,又要去粗取精，更典型、更具普遍性地表现生活和自然。绘画的这种表现是通过绘画语言实现的。从某种意义上说，把握绘画语言比传授绘画艺术作品所涉及到的有关知识更为重要。如认识绘画语言中的“线”。线有直线和曲线之分，曲线较直线具有柔和、流动、变化、优美等特征；曲线透出婉媚、飘逸等风格，直线透出力度等风格。线条在绘画中的具体运用，是千变万化的，反映了画家们各自的品性、旨趣，传达出精微而又丰富的意蕴和情感。四、表现：绘画语言是包含了技巧、形式和内容的有机融合，对绘画语言所占有的深度和广度是检验画家艺术水准高低的标准。从这个意义上讲，绘画语言的不同运用，则产生出不同风格的绘画作品。当绘画唤起人类的审美情感时，作用于人们的是一种绘画所独有的语言形式。绘画语言由多种要素构成，这里涉及到的视觉因素有：点、线、形、光、色彩。

绘画语言归纳起来基本上有三种：一、写实的绘画语言。二、夸张的绘画语言。三、象征的(即曲折隐喻的)绘画语言。绘画艺术语言，是作者以记录状态、反映认识、传达信息或表现思想为目的，运用笔、 刀、 墨、纸、 颜料等材料工具为物质载体，以色彩、线条、明暗、肌理等视觉信号为媒介，通过造型艺术手段，创作描绘艺术形象造成视觉体验的表达方式。扩展资料绘画艺术的语言在符合它自身规律的前提下，用什么样的表达，怎样表达和表达什么都是值得探索和尝试的，没必要用既有的定式或种类来界定。绘画是人类艺术追求的其中一种方式，那它自身就有其独特的语言和表达技巧，单就绘画而言。不同的表现题材和不同的工具材料都有其自身的特殊规律、表现语言和表现方式。只要是符合绘画本体的艺术规律的任何题材、任何表现语言、任何表达形式都是可取，只要对人类的精神文胆起到积极向上的推动作用，只要符合人类追求的审美理想，任何绘画语言方式都应该探索，都应该允许和发扬。参考资料来源：百度百科-绘画语言

这些彩陶制作的年代在大约距今3000年至5000年间。彩陶大多是红色陶质的盆、瓶、盘、豆一类盛器，原始艺术家用一种刷笔，醮了黑色、白色以及红色画在器表上。彩陶纹有两大类，一类是抽象的图案，一类是具象的人、动物或昆虫一类的形象。图案类的纹饰数量很大，种类也非常多。常见的有水波纹、旋转纹、圈纹、锯齿纹、网纹等十几种。线条画得规整流畅，图案的组织讲究对称、匀衡、变化，疏密得体，并有一定的程式和规则。在甘肃省马家窑一带发现的被称之为马家窑类型的彩陶上，大都描绘水波纹、旋转纹图案。这些图案匀称、流畅，十分精彩，看上去真有行云流水之感，使人觉得轻松活泼，平和而亲切。面对这些五千年前的历史遗存，我们很容易想象到历史中讲述的原始氏族社会的情景：男人耕作，狩猎，捕鱼，女人从事家务或采集。没有剥削，没有奴役，一幅平等和谐的社会景象。稍晚于此的半山类型和马场类型彩陶的纹饰则发生了变化，那些锯齿纹、四大圈纹以及蛙纹等显得大起大落，粗犷狞厉，甚至怪诞神秘。当时原始社会行将解体，社会发生变革，战乱、动荡等不安的情绪也在图案中流露出来。由彩陶纹图案所引发的联想并不是浪漫主义的主观臆想，在历代图案和图画中，都或隐或显地折射出当时社会风貌的基调和时代的主要精神。这一点，在以后不同时代的美术中我们还会看到。那些具象的彩陶纹饰更令人瞩目。在西安半坡村遗址发掘出的彩陶上的动物纹虽然非常简练，但表现得很生动：自由自在游动着的鱼，奔跑的鹿，站立吠叫的狗，好象受到惊吓。从中显示了远古艺术家捕捉动物瞬间特点的才能。在青海大通县上孙家寨的一个陶盆上，画着五个跳舞的人，手牵手连成一排，既是一幅描绘舞蹈的图画，又是一个适应纹样的图案。

中国新石器时代的绘画艺术主要体现在彩陶装饰纹样上。新石器时代的绘画艺术——主要体现在彩陶的装饰纹样上——质朴明快、绚丽多彩——仰韶文化与马家窑文化的彩陶图案彩陶——大汶口文化、红山文化、河姆渡文化、大溪文化、屈家岭文化、昙石山文化、凤鼻头文化福建闽侯昙石山文化。台湾高雄凤鼻头文化——彩陶器形和纹饰均极相似——直线纹、人字纹及网格纹——史前台湾海峡两岸有着紧密的经济文化练习的例证，彩陶纹饰和陶器上的绘画：仰韶文化的彩陶器形与纹饰——半坡类型、庙底沟类型彩陶半坡类型——陕西西安半坡、临潼姜寨、宝鸡北首岭遗址。花纹——绘在口沿、器肩、上腹、敞口盆的内壁，花纹图案——几何图案（宽带、三角、斜线、波折）、动物图案，半坡——内彩四鹿纹盆——鹿均作俯视形象--变化不大的躯体下—四条腿或前伸、或下垂、或前后伸展等画。中国的新石器时代是原始社会氏族公社制由全盛到衰落的一个历史阶段。它以农耕和畜牧的出现为划时代的标志，表明已由依赖自然的采集渔猎经济。

绘画艺术是纯艺术，待有创新意识的创作，艺术设计就截然不同了，是针对不同的物体或理念性质的东西，进行创造设计。

美术的艺术形式有哪些 绘画可分为东方绘画和西洋绘画；从工具材料看，绘画可分为水墨画、油画、版画、水彩画、水粉画等；从题材内容看，绘画可分为人物画、风景画、静物画、动物画等；从作品的形式看，绘画可分为壁画、年画、连环画、漫画、宣传画、插图等 绘画的艺术形式有哪些？ 当然要写水彩画，因为报表上有年龄 绘画是造型艺术中最主要的一种艺术形式。它是指运用线条、色彩和形体等艺术语言，通过造型、设色和构图等艺术手段，在二维空间(即平面)里塑造出静态的视觉形象，以表达作者审美感受的艺术形式。 绘画种类繁多，从不同的角度可将它划分为不同的类别。从地域看，绘画可分为东方绘画和西洋绘画；从工具材料看，绘画可分为水墨画、油画、版画、水彩画、水粉画等；从题材内容看，绘画可分为人物画、风景画、静物画、动物画等；从作品的形式看，绘画可分为壁画、年画、连环画、漫画、宣传画、插图等。不同类别的绘画形式，由于各自的历史传统不同，都有着各自独特的表现形式与审美特征。中国画又称水墨画，它在世界绘画领域中自成体系，独具特色，是东方绘画体系的罚流。在工具材料上，中国画是用毛笔、墨在宣纸、绢帛上作画的，它讲究笔墨，着眼于用笔墨造型。在表现方法上，中国画采用一种散点透视的方法。在画面的构成上，中国画讲究诗、书、画、印交相辉映，形成独特的形式美与内容美。 油画是西洋绘画的代表，它是世界绘画艺术中最有影响的画种。在工具材料上，油画是用油质颜料在布、木板或厚纸板上画成的。在表现方法上，传统的油画家采用焦点透视法作画。在画面构成上，它讲究画面景物充实，按自然的秩序布满画面，呈现出自然的真实境界 艺术形式有哪些 5分 由于艺术形式分类的原则和角度不同，大致可以分为： 　　第一种：以艺术形象存在方式为依据，可以将艺术区分为时间艺术、空间艺术和时空艺术。时间艺术：音乐、文学；空间艺术：建筑、雕塑、绘画；时空偿术：戏剧、影视、舞蹈。 　　第二种：以艺术形象的审美方式为依据，可将艺术分为听觉艺术、视觉艺术、和视听艺术。听觉艺术：音乐；视觉艺术：建筑、雕塑、绘画、书法；视听艺术：戏剧、影视。 　　第三种：以艺术作品的内容特征为依据，可以将艺术分为表现艺术和再现艺术。表现艺术：音乐、舞蹈、建筑、书法；再现艺术：绘画、雕塑、戏剧、电影。 　　第四种：以艺术作品的物化形式为依据，可以将艺术作品分为动态艺术和静态艺术。动态艺术：音乐、舞蹈、戏剧、影视；静态艺术：绘画、书法、雕塑、建筑、工艺美术等。 　　所谓八大艺术形式就是:绘画,雕塑,建筑,文学,舞蹈,音乐,戏剧,电影 艺术形式有哪些 由于艺术形式分类的原则和角度不同，大致可以分为： 　　第一种：以艺术形象存在方式为依据，可以将艺术区分为时间艺术、空间艺术和时空艺术穿时间艺术：音乐、文学；空间艺术：建筑、雕塑、绘画；时空艺术：戏剧、影视、舞蹈。 　　第二种：以艺术形象的审美方式为依据，可将艺术分为听觉艺术、视觉艺术、和视听艺术。听觉艺术：音乐；视觉艺术：建筑、雕塑、绘画、书法；视听艺术：戏剧、影视。 　　第三种：以艺术作品的内容特征为依据，可以将艺术分为表现艺术和再现艺术。表现艺术：音乐、舞蹈、建筑、书法；再现艺术：绘画、雕塑、戏剧、电影。 　　第四种：以艺术作品的物化形式为依据，可以将艺术作品分为动态艺术和静态艺术。动态艺术：音乐、舞蹈、戏剧、影视；静态艺术：绘画、书法、雕塑、建筑、工艺美术等。 　　所谓八大艺术形式就是:绘画,雕塑,建筑,文学,舞蹈,音乐,戏剧,电影 请问艺术形式有哪些？ 实用艺术（园林、工艺、建筑、现代设计、书法等） 造型艺术（绘画、雕塑、摄影等） 表情艺术（音乐、舞蹈等） 语言艺术（诗歌、散文等） 综合艺术（戏剧、电影等） 艺术形式有哪些？ 文学艺术形式按类别分，有大的两类： 文学形式：小说、散文、诗歌、报告文学、剧本、民间传说、寓言、笔记小说、野史、童话、对联、哲言、赋、骈文、小品文、文学批评、电影剧本 （主要四类：小说、诗歌、散文、戏剧（剧本）） 艺术形式：文字、绘画、雕塑、建筑、音乐、舞蹈、戏剧、电影 （主要四类：绘画、雕塑、音乐、戏剧） 按表达方式有： 1.语言艺术：戏剧，诗歌，小说，散文 2.表演艺术：音乐，舞蹈 3.造型艺术：绘画，雕塑 4.综合艺术：戏剧，戏曲，曲艺，电影等 希望可以帮到你，望采纳，谢谢 艺术形式都有哪些？ 种类】 绘画、雕塑、工艺、建筑、音乐、舞蹈、文学、戏剧、电影、游戏 艺术的种类繁多，根据不同的分类标准，可将艺术分为以下一些类型： 依据艺术形象的存在方式可分为 时间艺术、空间艺术和时空艺术。美术是一种空间艺术。 依据艺术形象的审美方式可分为 听觉艺术、视觉艺术和视听艺术。美术是一种视觉艺术。 依据艺术的物化形式艺术可分为 动态艺术和静态艺术。美术主要是一种静态艺术。 依据艺术分类的美学原则可分为 实用艺术、造型艺术、表演艺术、语言艺术和综合艺术。美术是一种造型艺术。 依据艺术形象的表现方式可分为 表现艺术和再现艺术。美术中既有表现性的，也有再现性的。 依据艺术行为的表现方式可分为 行为艺术、肢体艺术，语言，表情等 从媒介的角度分 艺术形象大约可分为视象（绘画、雕塑等造型艺术）、听象（音乐艺术）、心象（文学艺术）和视听形象（电影、电视艺术）等。 绘画形式有那些? 素描 水粉 水彩 油画 电脑绘画 刻弧 印画 刻印画 工笔 雕画 铅笔画 黑白画（描边不上色） 抽象画 想不出来了，没有了吧。 绘画分几种艺术类型？ 一、油画专业： 培养目标：培养能在文化艺术部门、学校及有关单位从事油画创作、教学、研究和其它美术工作的、具有较强适应能力的德才兼备的高级专门人才。 主要专业课程：中外美术史、艺术概论、美学概论、素描、速写、油画、中国画论、透视、解剖、创作等。 毕业生适宜在美术创作部门从事油画、壁画、宣传画创作工作，在各级美术院校从事教学工作，在各级艺术馆、展览馆、文化馆(站)从事美术创作和辅导工作，在出版社、报刊杂志社从事美术编辑工作，也可以在有关部门、厂矿企业从事有关宣传工作。 就业去向：美术创作部门从事油画、壁画、宣传画创作工作，在各级美术院校从事教学工作，在各级艺术馆、展览馆、文化馆(站)从事美术创作和辅导工作，在出版社、报刊杂志社从事美术编辑工作，也可以在有关部门、厂矿企业从事有关宣传工作。 二、版画专业： 主要课程设置：素描、色彩、设计基础、印刷设计、室内外设计、质材艺术、技法理论、木版、石版、铜版、丝网版、综合版、版画创作等。 培养目标：本专业培养能在文化、出版等部门以及学校、科研企事业单位从事版画创作、教学、研究及美术工作的专门人才。 三、壁画专业： 培养目标：培养能在城建、园林、文化艺术部门、学校及有关单位从事壁画设计与制作、教学、研究和其它美术工作的、具有较强适应能力的德才兼备的高级专门人才。 主要专业课程：中外美术史、艺术概论、美学概论、素描、色彩、速写、环境艺术理论、白描重彩、装饰画、解剖、透视、壁画材料研究、俘雕、构成、壁画设计等。 就业去向：在城建、园林、艺术创作部门从事壁画的设计、创作工作，在各级美术院校从事本专业的教学工作，艺术馆、展览馆、文化馆(站)的美术创作、宣传和辅导工作，也可在其他部门、单位从事有关宣传工作。 四、雕塑专业： 培养目标：本专业培养具有一定的马克思主义基本理论素养，并于造型艺术造型范围内具备基础素描以及泥塑、木、石、陶、金属等专门材料进行具象及抽象造型的能力，能在户外城市公共环境雕塑及室内架上雕塑等专业领域从事专业创作设计、放大制作，并能从事本专业教学和研究工作的高级专门人才。 主要课程：泥塑人物写生与创作、硬质材料基础与创作实践、中外美术史 五、国画专业： 中国画专业是有多年教学实践的传统专业，继承借鉴古今中外的好传统、好经验，坚持自身的教学特色。北华大学艺术学院中国画学科建设应遵循以中国画古典传统，现代中国画教育体系和白山松水的地域文化特色三大思想为基础，来探索中国画教学和发展。 中国画专业分三个画科 人物画科：研究写意、工笔人物发展历史、现状、艺术成就、风格、技法等。在学习优秀传统人物画的经验同时，也努力吸收现代人物画创作经验的优秀成果，形成时代生活、个人审美、创作技法相融洽统一的学科教学体系。 山水画科：在学习吸收古代山水画创作理论和技法的同时，着重探索以白山松水为生活基地的画派风格特点，形成既有传统又有现实生活的画科教学体系。 花鸟画科：主要研究传统花鸟画的创作理论和绘画技巧，结合深入生活，对景写生、感受动植物的生命活动，形成具有北方特色的花鸟教学与创作体系。 就业去向：本专业学生毕业后可以到文化艺术创作单位、设计部门、出版、高等院校及科研机构等从事创作、研究和教学工作。也可以进一步攻读相关专业的硕士学位。 六、艺术设计学专业： 培养目标：本专业培养具备艺术设计学教学和研究等方面的知识和能力，能在艺术设计教育、研究、设计、出版和文博等单位从事艺术设计学教学、研究、编辑等方面工作......>> 绘画作品的类型有哪些？ 从画种来分，它可以分为中国画、油画、版画、水彩画，水粉画、素描、速写等。其中有些画种因为使用的物质材料、工具或表现技法不同，又可分成不少样式。例如，中国画可以分成壁画和卷轴画两大类。从表现特点上又可以分成。工笔画、写意画和兼工带写三种；版画可以分成：木刻、铜版画、石版画、丝漏版画、胶版画等。其中木刻又可以分成黑白木刻、套色木刻。由于木刻的制作技法不同，又有水印木刻、油印木刻之分。

充分了解西方国家的文化，了解西方国家作者的生平经历，知道他是在什么情况下才做出的作品

绘画艺术的欣赏方法：1.首先要多看，确立对绘画欣赏的自信心。2.对绘画作品要以理解的态度加以品评。3.了解绘画发展脉络，把握代表作品特征。4.培养艺术形式感觉。5.尊重自我感受，尊重自己的直觉与联想。

很难找出严格的、科学的、立竿见影的方法。因为绘画的欣赏，造型艺术的欣赏，乃至一切艺术的欣赏，和一个人的修养、对社会人生的认识、感受能力、领悟能力、理解能力紧密联系在一起。 至于说要注意哪些问题，概括地说： 一 多看作品、看原作 到美术馆、博物馆去看 看不懂多看几遍 看什么？ 西方绘画重视形式，中国绘画重视神韵。 二 要确定自己欣赏绘画的信心 三 不要有偏见，对绘画作品要以理解的态度加以品评 个人喜好不一定是科学的，不要有先入为主的成见。要采取积极理解、努力探索的态度。 四 把握整个绘画历史发展的基本脉络，及每个时代代表作品的艺术特征 面对绘画作品，实际上是面对历史、时代和艺术家思想感情的化石。 1、从纵向看 ① 西方绘画 古希腊、罗马时期： 以神话人物和现实英雄人物为主要题材，绘画风格高度典雅，和谐。 中世纪时期： 以描写《圣经》故事为主要题材，多见于教堂装饰，绘画风格严肃，人物刻画僵硬、呆板。 文艺复兴时期： 重现古希腊、罗马的光辉，绘画重又描写现实和人生，油画走向成熟。 十七十八世纪时期和近、现代： 出现更多流派性的发展。 ② 中国绘画 汉代之前：装饰性绘画（画家名不见经传） 汉代至唐代： 绘画走向繁荣，并以工笔绘画为主 五代、两宋： 绘画风格转折，花鸟、山水画逐渐独立出来，确定了自己的发展趋势。 2、从横向看 各国的绘画面貌在时代风格的统一中存在各自的面貌。 五 培养艺术形式感觉 绘画欣赏是与面对作品全貌的瞬间同时进行的。 欣赏者感觉的敏锐度与含量决定了欣赏层次。 要求欣赏者具备对绘画形式语言的感受力。 包括： 线条（描绘实体、暗示气势与动向、展现生机、表现感情） 形体（△—稳定、平衡；○—和谐；□—秩序、静态） 色彩（绿色—和谐、宁静；红色—激烈、昂扬；黑色—悲哀） 绘画艺术的语言主要有线条、形体、色彩，此外还有色调、动感、笔触、体量感等。这些语言在描绘形象和表现画家的情感方面均有其特殊功效。如线条在西画中用以把握实体感觉，在中国画里则用以暗示物象的骨格、气势与动向；形体除表现具体物象的形貌外，还表现它所暗示的情感倾向；色彩的冷暖和丰富性给人以多种联想。画家正是利用线条的韵律、形体的写实性和象征性的融合，以及“色彩关系”的变化来赋予作品丰富的内涵。我们则可以借助它们来解读作品，深入领略画作的寓意，并展开自持的想象，进入“再创造”的欣赏佳境。 六 在欣赏时要尊重自己的审美趣味，尊重自己的想象与联想 摆脱陈规与公式的拘束，敞开自己的视野； 借助自己的想象与联想； 不断深化欣赏层次； 达到心旷神怡的最佳审美境界。

透露着西洋画的用色、光影与用笔的表现技法。高度概括了吴福安中绘画创作对象的线条。表现出中国画的写意特点，吴冠中用硬笔创作以软笔为特征的中国画。这大概是他那个时代的艺术家的特点，受中学为体、西学为用的影响。那些个时代画家在东西方文化艺术的领域来回穿梭。沾染上了异样的表现方式与另样的艺术气息，难分伯仲。吴冠中的国画特别是风景的装饰意味很强。那些色块、那些线条都表现出了很强的形式感。他明悟绘画的效果依凭于全局的笔墨构成，孤立的、局部的笔墨无所谓价值，如果说有价值，其价值在于体现了整体效果的需求，因之每幅画有每幅画的独特笔墨运用。扩展资料：吴冠中先生的油画代表作有《长江三峡》《北国风光》《小鸟天堂》《黄山松》《鲁迅的故乡》等。中国画代表作有《春雪》及《狮子林》、《长城》等；出版有《吴冠中画集》《吴冠中画选》《吴冠中油画写生》《吴冠中国画选辑》。《北国风光》此幅作品描绘了中国北方自然景象的气势磅礴，融合了中国笔墨的细腻与西洋油画色彩的和谐，作为吴老极为珍贵的画作。拍卖所得将全部用于桑梓助学基金会资助特困大学生就学。参考资料来源：百度百科-吴冠中

有理数（rational number) 读音:(yǒu lǐ shù) 整数和分数统称为有理数，任何一个有理数都可以写成分数m/n（m，n都是整数，且n≠0）的形式。 任何一个有理数都可以在数轴上表示。 无限不循环小数和开方开不尽的数开方根叫作无理数 ,比如π，3.1415926535897932384626...... 而无理数恰恰与它相反,有理数和无理数统称为实数 其中包括整数和通常所说的分数，此分数亦可表示为有限小数或无限循环小数。 这一定义在数的十进制和其他进位制（如二进制）下都适用。 数学上，有理数是一个整数 a 和一个非零整数 b 的比(ratio)，通常写作 a/b，故又称作分数。希腊文称为 λογο? ，原意为“成比例的数”(rational number)，但中文翻译不恰当，逐渐变成“有道理的数”。不是有理数的实数遂称为无理数。 所有有理数的集合表示为 Q，有理数的小数部分有限或为循环。 有理数包括： 1）自然数：数0，1，2，3，……叫做自然数。 2）正数：比0大的数叫做正数。 3）负数：在正数前面加上“—”（读作“负”）号的数叫做负数。负数都小于0。 4）整数：正整数、0、负整数统称为整数。 5）分数：正分数、负分数统称为分数。 6）奇数：不是2的倍数的整数叫做奇数。如-3，-1，1，5等。所有的奇数都可用2n-1或2n+1表示，n为整数。 7）偶数：是2的倍数的整数叫做偶数。如-2，0，4，8等。所有的偶数都可用2n表示，n为整数。 8）质数：如果一个大于1的整数，除了1和它本身外，没有其他因数，这个数就称为质数，又称素数，如2，3，11，13等。2是最小的质数。 9）合数：如果一个大于1的整数，除了1和它本身外，还有其他因数，这个数就称为合数，如4，6，9，15等。4是最小的合数。一个合数至少有3个因数。 10）互质数：如果两个正整数，除了1以外没有其他因数，这两个整数称为互质数，如2和5，9和13等。 …… 如3，-98.11，5.72727272……，7/22都是有理数。 全体有理数构成一个集合，即有理数集，用粗体字母Q表示，较现代的一些数学书则用空心字母Q表示。 有理数集是实数集的子集。相关的内容见数系的扩张。 有理数集是一个域，即在其中可进行四则运算（0作除数除外），而且对于这些运算，以下的运算律成立（a、b、c等都表示任意的有理数）： ①加法的交换律 a+b=b+a； ②加法的结合律 a+(b+c)=(a+b)+c； ③存在数0，使 0+a=a+0=a； ④对任意有理数a，存在一个加法逆元，记作-a，使a+(-a)=(-a)+a=0； ⑤乘法的交换律 ab=ba； ⑥乘法的结合律 a(bc)=(ab)c； ⑦乘法的分配律 a(b+c)=ab+ac。 存在乘法的单位元1≠0，使得对任意有理数a，1a=a； 对于不为0的有理数a，存在乘法逆元1/a，使a(1/a)=(1/a)a=1。 0a＝0 文字解释：一个数乘0还等于0。 此外，有理数是一个序域，即在其上存在一个次序关系≤。 0的绝对值还是0. 有理数还是一个阿基米德域，即对有理数a和b，a≥0，b>0，必可找到一个自然数n，使nb>a。由此不难推知，不存在最大的有理数。 值得一提的是有理数的名称。“有理数”这一名称不免叫人费解，有理数并不比别的数更“有道理”。事实上，这似乎是一个翻译上的失误。有理数一词是从西方传来，在英语中是（rational number），而（rational）通常的意义是“理性的”。中国在近代翻译西方科学著作，依据日语中的翻译方法，以讹传讹，把它译成了“有理数”。但是，这个词来源于古希腊，其英文词根为（ratio），就是比率的意思（这里的词根是英语中的，希腊语意义与之相同）。所以这个词的意义也很显豁，就是整数的“比”。与之相对，而“无理数”就是不能精确表示为两个整数之比的数，而并非没有道理。[编辑本段]运算 有理数加减混合运算 1.理数加减统一成加法的意义： 对于加减混合运算中的减法，我们可以根据有理数减法法则将减法转化为加法，这样就可将混合运算统一为加法运算，统一后的式子是几个正数或负数的和的形式，我们把这样的式子叫做代数和。 2.有理数加减混合运算的方法和步骤： （1）运用减法法则将有理数混合运算中的减法转化为加法。 （2）运用加法法则，加法交换律，加法结合律简便运算。 有理数范围内已有的绝对值，相反数等概念，在实数范围内有同样的意义。 一般情况下，有理数是这样分类的： 整数、分数；正数、负数和零；负有理数，非负有理数。 整数和分数统称有理数,有理数可以用a/b的形式表达，其中a、b都是整数，且互质。我们日常经常使用有理数的。比如多少钱，多少斤等。 凡是不能用a/b形式表达的实数就是无理数，又叫无限不循环小数。[编辑本段]有理数的由来 古埃及人约于公元前17世纪初已使用分数，中国《九章算术》中也载有分数的各种运算。分数的使用是由于除法运算的需要。除法运算可以看作求解方程px=q（p≠0），如果p，q是整数，则方程不一定有整数解。为了使它恒有解，就必须把整数系扩大成为有理系。[编辑本段]有理数的现代理论 关于有理数系的严格理论，可用如下方法建立。在Z×（Z -{0}）即整数有序对（但第二元不等于零）的集上定义的如下等价关系：设 p1，p2 Z，q1，q2 Z - {0}，如果p1q2=p2q1。则称（p1，q2）～（p2，q1）。Z×（Z -{0}）关于这个等价关系的等价类，称为有理数。（p，q）所在的有理数，记为 。一切有理数所成之集记为Q。令整数p对应一于，即（p，1）所在的等价类，就把整数集嵌入到有理数的集中。因此，有理数系可说是由整数系扩大后的数系。 有理数集合是一个数域。任何数域必然包含有理数域。即有理数集合是最小的数域。[编辑本段]实数 有理数是实数的紧密子集：每个实数都有任意接近的有理数。一个相关的性质是，仅有理数可化为有限连分数。 依照它们的序列，有理数具有一个序拓扑。有理数是实数的（稠密）子集，因此它同时具有一个子空间拓扑。采用度量，有理数构成一个度量空间，这是上的第三个拓扑。幸运的是，所有三个拓扑一致并将有理数转化到一个拓扑域。有理数是非局部紧致空间的一个重要的实例。这个空间也是完全不连通的。有理数不构成完备的度量空间；实数是的完备集。[编辑本段]p进数 除了上述的绝对值度量，还有其他的度量将转化到拓扑域： 设p是素数，对任何非零整数a设 | a | p = p - n，这里pn是p的最高次幂除a； 另外 | 0 | p = 0。对任何有理数，设。 则在上定义了一个度量。 度量空间不完备，它的完备集是p进数域。[编辑本段]一个困难的问题： 有理数的边界在哪里？ 根据定义，无限循环小数和有限小数（整数可认为是小数点后是0的小数），统称为有理数，无限不循环小数是无理数。 但人类不可能写出一个位数最多的有理数，对全地球人类，或比地球人更智慧的生物来说是有理数的数，对每个地球人来说，可能是无法知道它是有理数还是无理数了。因此有理数和无理数的边界，竟然紧靠无理数，任何两个十分接近的无理数中间，都可以加入无穷多的有理数，反之也成立。 竟然没有人知道有理数的边界，或者说有理数的边界是无限接近无理数的。 定理：位数最多的非无限循环有理数是不可能被写出的，尽管它的定义是有有限位，但它是无限趋近于无理数的，以致于没有手段进行判断。 证明：假设位数最多的非无限循环有理数被写出，我们在这个数的最后再加一位，这个数还是有限位有理数，但位数比已写出有理数多一位，证明原来写出的不是位数最多的非无限循环有理数。所以位数最多的非无限循环有理数是不可能被写出的。

绘画是造型艺术中的一种，又称为视觉艺术。它是通过线条、色彩、光线、构图等艺术手段，塑造出人们可以直接感受到的视觉形象，并以此来反映现实生活、表达人们的思想感情的艺术。

波洛克是第一个使美国绘画史无前例地获得国际地位的现代艺术运动的代表，从此。美国现代绘画艺术跻身于世界现代艺术的前列，并深刻影响了欧洲现代艺术的发展。

要去引导小孩子，首先要学会与他们交流，让他们愿意听你的话。比如说，一个孩子把苹果画得太大了，想重新画一张，家长就可以引导小孩”大苹果妈妈牵着小苹果，你先画出了苹果妈妈，苹果小孩是什么样的，我们想知道，你画给我们看吧。”孩子听了会非常开心，他会非常乐意画出好看的苹果小孩来。这种对小孩认同的话语，可以增强小孩子的信心，让他们更有兴趣画画。

　　中国古代绘画史上，王时敏、王鉴、王、王原祁、吴历、恽寿平并称“清初六家”，他们对中国传统绘画的影响颇为卓著，其中前五位的成就主要在传统山水画方面，唯独恽寿平以没骨花卉独占一绝。 　　 　　恽寿平，初名格，字惟大，改字正叔，后字寿平，以字行，号南田，别号东园草衣、白云外史、云溪外史等。 　　恽寿平出生于书香门第，恽氏祖辈多为明朝官宦，其曾祖父恽绍芳为嘉靖进士，为政颇有声名；祖父恽应侯由禀生入太学；父亲恽日初由邑诸生入太学，后得副榜贡生，并著有《见则堂语录》、《不远堂诗文集》等。此外，其伯父恽本初更是明末著名的山水画家，初学五代董源，后学元代倪瓒、黄公望，并著有《画旨》一书传世，对恽寿平艺术审美理想的形成影响甚深。恽寿平年幼以聪慧闻名，史载其“父逊庵授之书，上口即能解义，八岁咏莲花成句，惊其塾师”。但生活在明末清初的恽寿平，仕宦之家并未能给他长远的优越生活。清兵南下，自命有经世之才的父亲恽日初携子参加抗清组织。在无情的战争中，长子恽桢战死沙场，二子失踪，年幼的恽寿平也与父亲失散。值得庆幸的是，恽寿平被清军一位将领收养，在与养母游西湖时被生父见到，其父亲所出家的灵隐寺主持设法让父子团聚。二人在灵隐寺内住了若干年，读书、作诗、绘画，直到顺治十一年（1654年）才离寺。这段神奇的故事便是王忭所创杂剧《鹫峰源》的原型。恽寿平48岁时，此剧本在太仓演出，观之感慨曰：“穹庐旧事恨飘零，地老天荒酒未醒；公子翻看新乐府，他时筵席断肠听。” 　　 　　 　　家贫赖笔砚 得钱供朝哺 　　 　　顺治十一年，恽氏父子离开久居的杭州灵隐寺回到家乡江苏武进，潜心研究书画。虽祖上老屋仍在，但早已家徒四壁。此后恽寿平开始过着亦耕亦读的清贫生活，更是勤奋作画以换取生活所需，正是“家贫赖笔砚，得钱供朝哺”。为了生存，他四处奔波，来往于常州、苏州、无锡、杭州商品经济比较发达的地方，与王相识，并成为莫逆之交，恽寿平为王写下“白手兄弟相见少……人生能得几知音”的诗句。此后，他通过王得到了王时敏的指导。期间，他结交了著名书画家笪重光、查士标、梅清等人，对其书画艺术影响深远。为着生计，也因结交了众多书画名家，恽寿平此时创作了大量书画作品，以山水为主，花卉为辅。 　　 　　南田三绝 　　 　　恽寿平崇尚气节，少年时战争的创伤更是留下了永久的伤痛。因此虽饱读诗书，但誓不参加科举，终身不仕，仅靠鬻画为生，生活十分艰辛。但困苦的生活、鬻画的生活方式，并没有影响其对艺术毕生的研究与不懈的追求，成就清初画坛巨匠。其“诗、书、画”世称“南田三绝”。邹一桂评其艺术“国初恽寿平全用没骨法，而运以生机，曲尽之妙，所题诗句极清艳，书法得河南三昧，洵空前绝后”。 　　“知南田画者，当与读南田之诗。”恽寿平传世之诗有千余首之多，内容涉猎极为广泛，有对国破家难的悲痛，有借古喻今表达思古之情，亦有纪念亲友表达仰慕之情的，不管是言明志节还是直抒胸臆，多为表达自身对生活的感受。就作诗而言，恽寿平认为“诗意须极飘渺，有一唱三叹之音，方能感人；然则不能感人之音，非诗也”。如其纪念岳飞的忆古诗《岳武穆祠》：“禾黍金飙向古丘，孤臣战迹至今留。荒碑尚记南朝恨，蔓草翻深异代愁。赤岸日高沧海色，碧天云散大江流。千秋壮气消难尽，化作风涛遍十州。”诗风跌宕激昂，颇有悲壮之感。与之风格迥异的如《题红林秋浦》：“只爱菱洲蟹舍边，千林红叶一溪烟。夕阳柳岸渔收网，秋水芦花放鸭船。”给人以平朴天真的审美感受，令人感动于清新恬淡的田园生活。沈德潜评其诗：“南田工画山水，花卉兼擅，比之天仙化人，诗亦超逸，以南田为上。” 　　恽寿平的书法颇具高逸脱俗之美，“以王献之为体，以褚遂良为画，以黄庭坚为骨”，融会贯通，形成了其独具特色的秀润劲力之风。 　　恽寿平的艺术成就突出在其没骨花卉，但他并非仅长于此，并称“清初六家”并非特指其花卉，实指其山水画造诣。恽寿平之山水，出入宋元，以董源、巨然、倪瓒、黄公望及米氏为师，通众家之妙，多画“寂寞无可奈何之境”，给人荒寒寂静之感。相传恽寿平曾与挚友王多合作山水，某日对王言：“两贤不相上下，君将以此山水擅天下名，吾何为事此，及作花卉写生。”戏曰：“君独步矣！吾不为第二手。”但这并非说明恽寿平山水稍次，清代钱杜在《松壶画忆》中言：“南田用淡青绿，风致潇洒似赵大年，胜石谷（王）多矣。”恽寿平约在40岁致力于花卉创作。宋代院体，元人水墨花鸟，文徵明、沈周、唐寅、陆治、陈淳、周之冕等大家作品均认真摹写、研学。在花鸟画探索中，恽寿平力求改变宋代宫廷画法，去除脂粉华丽气息，在讲究形似的基础上，巧妙用水用色，恰到好处地色中施水，创“色染水晕”之法。恽寿平所作花卉重写生，于富丽典雅中不失清新气息，并开创了常州画派。张庚《国朝画征录》言：“（恽南田）舍山水而学花卉，斟酌今古，以北宋徐崇嗣为归，一洗时习，独开生面，为写生正派，由是海内学者宗之。” 　　对恽寿平而言，诗、书、画三者相辅相成，浑然一体。“书法画理皆然，笔先之意，即唱叹之音，感人之深者，舍此亦无书画可言。” 　　 　　创没骨新风 　　 　　恽寿平以没骨闻名遐迩，何为没骨？没骨，即是不用墨线勾勒，直接以色彩描绘花卉。史载，五代后蜀黄荃画花勾勒很细，着色后几乎不见墨边，因而有“没骨花”之称。北宋徐崇嗣学习黄荃，所作花卉只有彩色不着墨笔。 　　关于没骨画法的源头，有学者推至庙底沟文化鹳鱼石斧彩陶罐，但笔者认为，虽陶罐上无勾勒，但并非有意识的没骨绘画技法。就有意识的技法而言，可推至唐代西域画家尉迟乙僧在一乘寺画的凹凸花。但根据相关文字记载，恽寿田对没骨画法的研究并未至唐，而主要在宋初。在他的没骨作品中常用自题“仿徐崇嗣设色”、“摹北宋徐崇嗣法”、“徐氏”、“徐家”、“宋人没骨法”等字样。学者多以此为定论，恽寿平没骨法主要学徐崇嗣。但依据历史分析，徐崇嗣的作品流传极少，甚至可以说恽寿平可能并未见过徐崇嗣没骨花卉真迹。沈括的《梦溪笔谈》言：“熙之子（徐熙之子徐崇嗣）乃效诸黄之格，更不用墨笔，直以彩色图之，谓之‘没骨"，工与诸黄不相上下。”大致来说，徐崇嗣的画法可能与黄荃并没有多大区别。在清初拟古之风巨盛，恽寿平所言学徐崇嗣很难说不是一个幌子，可以说是打着徐崇嗣的幌子创新没骨画法，以赋予没骨法全新的面貌。 　　恽寿平作没骨花卉，大致用毛笔蘸色直接在纸或绢上点染，水、色交替晕染。“粉笔从瓣尖染入，一次未尽腴泽匀和，再次补足之。”画带霜、露，或是生长期、成熟期的花卉，就多用水晕；枯萎衰落的花卉则少用湿笔。因此，观恽寿平花卉，可见光色，还能从湿润程度看出植物的生长成熟变化。可以说是与花传神，力求淡雅，颇具逸格。评恽寿平所作没骨花为逸品，不仅是其没骨画法赋予花卉的雅意，更是得益于他的师法自然，可以说是师法自然的态度与没骨技法相得益彰。恽寿平重写生，史载其每画花卉必折枝于瓶中观赏，画同一题材，也要“极生动之致，向背欹正、烘日、迎风、挹露、各尽其态”。恽寿平认为只有画得极似，才能真正与花传神。与时下写意画法大有不同。以作品为例，台北故宫博物院所藏恽寿平自题为临宋人稿本的《恽寿平摹古册u2022春风图》，兼用师法古人与写生相结合，画桃红柳绿的春景。画家描摹灼灼怒放明媚鲜妍碧桃花，用覆盖力较强的矿物质颜料铅粉配以胭脂，而描绘杨柳则以对比性带有透明水感的植物性微黄汁绿色彩作为陪衬，表现早春新发芽叶的柔嫩飘逸。描绘春景的作品亦不能错过现藏于南京博物院的《国香春霁图》，在纵103厘米，横51厘米的绢本立轴上，恽寿平充分展现了没骨的高超技法，纯用色彩直接晕染，将盛开或将要盛开的花朵之姿表现得淋漓尽致。巧妙运用水、粉等技法，更使得整个画面给人以明丽清新、色泽典雅的视觉效果。秦祖永曾评说：“比之天仙化人，不食人间烟火，列为逸品。”台北故宫博物院藏《清花卉画册u2022桂花紫薇图》，则是描绘八月夏秋之季的桂花、紫薇花。画面中花枝穿插缤纷秀丽，花瓣繁复重叠但不显杂乱。作花卉多用勾染，设色层次变化有致，叶片则用没骨法，叶脉向背清晰，足见其写生功力。画中自题“红薇晓，金粟秋香”。秋景则以南京博物院所藏《荷花芦草图》为例，描绘的是秋风萧瑟的图景，画面中一枝盛放的新荷花瓣娇艳动人，与凋残半枯的荷叶以及枯槁无色的莲蓬形成鲜明对比。其中荷花即没骨画法绘出，色调清丽冷艳，用笔洒脱飘逸，营造出一派空潆的韵味。画幅左上自题：“此帧数年前在东池上醉后涂抹，残荷离披芦草交横，略得荒汀寂寞之至，置乱纸残帙中，不知何时为书老所得，今秋偶出示，余恍然如房次律遇故物于破瓮中也。因书老索题戏为拈笔。”观恽寿平所作花卉，有色、有态、有韵，真正与花传神，生香活色。方薰在《山静居画论》云：“南田氏得徐家心印，写生一派，有起衰之功。其渲染点缀，有蓄笔，有逸笔，故工细亦饶机趣，点簇妙入精微矣。” 　　恽氏没骨花卉的创新在清代及整个绘画史上有着重要的历史地位。纵观中国传统花鸟画，五代时“黄家富贵”、“徐熙野逸”；宋代宗黄荃工丽一派，成就院体风，徐熙“落墨花”经其孙徐崇嗣创新成就没骨花；南宋文人气息浓厚，渐成水墨花鸟新风；元代钱选、王渊发展了南宋花鸟新风形成水墨大写意；时至明朝，林良、沈周、陈淳、陆治、徐渭等名家工、写均得到很大发展，明末，周之冕创“勾花点叶”派，但仍属写意；清初，八大山人、石涛更是将大写意发展到极致。恽寿平从山水转至花鸟画创作，做了详细的分析研究“自右丞、洪谷以来，北苑、南宫相承入元，而倪、黄辈出，风流豪荡，倾动一时，而画法亦大明于天下，后世士大夫追风效慕，辄相矜高，或放于甜邪，或流为狂肆，神明既尽，古趣亦忘，南田厌此披靡，亟欲洗之……”在恽寿平看来，黄荃过于工丽，赵昌未脱刻画，徐熙无径辙可得。遂师法自然，以宗北宋徐崇嗣为名创新传统没骨花卉技法，“不以墨线为骨，全以色彩染成，阴阳向背，曲尽其态，超乎法外，合乎自然。”可谓一洗时习，独开生面。在清初摹古之风盛行之时，无疑有着改革时弊的创新意义。 　　恽寿平穷其一生投身于艺术创作，有很多独到的创新和见解。其画学理论主要集中在《南田画跋》和《瓯香馆集》中。探究其绘画理想，多体现在“不在工，而在逸”的注重神韵的审美理想，追求“脱尽纵横习气，淡然天真”的高逸气格。

　　后现代主义是20世纪90年代以来中国美术界最时髦的话题，然而没有任何一个源于西方的学术名词像后现代主义这样被赋予了如此丰富的多义性和歧义性。披览见诸报刊的众多有关文章以及打着这个招牌的各类美术创作，我发现后现代主义几乎被当成了一个无所不包的杂货铺。在许多中国年轻艺术家那里，后现代主义被演绎为泼皮无赖式的玩世不恭、社会责任感的丧失和崇高精神的消解。体现在画面上往往是可口可乐商标和京剧戏装人像的简单拼凑。　　尽管不同门类的艺术在其后现代阶段中表现出不同的特征，我们仍然可以总结出某些一般的特征或趋势。　　虚拟性　　由于“所指”也处于“标记”的领域，社会现实也是由符号解释构成的，不存在符号解释之外的赤裸裸的事实，艺术生产因此就具有现实生产的意义。在后现代社会，艺术不再是现实的反映；相反，现实是由艺术构成的，现实成了一种虚拟的、构造出来的实在。图像或影像制作，成为一种普遍的艺术生产方式，同时也是后现代现实的生产方式。我们可以在威尔什（W.Welsch）和鲍德里亚（J.Baudrillard）等人的理论可以解释这种现象。　　事件性　　由于取消了永恒的本质，一切偶发的事件自身就具有意义。后现代行为艺术突出了事件的不可重复性，用令人震惊的现场效果，瓦解日常生活中的因果关系和理性秩序。阿多诺（T.Adonor）和利奥塔等人的理论可以解释这种现象。　　观念性　　现代艺术的自律观念遭到了颠覆，艺术单凭自身不足以构成艺术，艺术总是“关于什么”的艺术，有关艺术的理论解释也参与艺术的构成之中，艺术越来越接近哲学，成为一种思想观念。丹托（A. 　　Danto）的理论可以解释这种现象。　　拼贴性　　后现代的艺术也被认为是后历史的（post-historical）艺术。在后现代艺术界中，将以往出现的各种艺术联系起来的时间脉络已经失效，艺术的历史没有了“时间之箭”。艺术不再古今之分、内外之别，一切曾经出现过的艺术都可以成为后现代艺术家挪用和拼贴的对象，后现代艺术也因此不再要求独创性。舒斯特曼（R.Shusterman）的理论可以解释这种现象。　　流行性　　后现代艺术不再追求永恒的价值，同时反对高雅与通俗、精英与大众之间的区别，这就使得艺术像消费社会的商品一样，具有时尚、流行等特征。艺术界中流行的都是历史上曾经出现的各种风格的改头换面，但不管何种改头换面的风格都不可能在艺术界中占有持久的位置。　　编辑本段基本特征　　（1）企图突破审美范畴，打破艺术与生活的界限 　　（2）从传统艺术、现代主义艺术的形态学范畴转向方法论，用艺术 　　表达多种思维方式。 　　（3）从强调主观感情到转向客观世界 　　（4）对个性和风格的漠视或敌视。 　　（5）从对工业、机械社会的反感到与工业机械的结合 　　（6）主张艺术平民化，广泛运用大众传播媒介

1、表现主义主要活动基地在德国，由后印象主义发展而来，反对印象主义，主张表现精神的美和传达内在的信息，强调绘画语言的重要性，表现一种扭曲变形的美，作品中常流露出悲观伤感的情调，前后创立了三个社团。2、蒙克是挪威画家对表现主义产生了直接的影响，作品呐喊表现了人对死亡和孤独的恐惧，青春期反映了人对幽闭的恐惧。3、第一个社团侨社，这批青年人具有浓厚的乐观主义精神和改革社会的志向，作品以风景和裸体为主要题材，表现自然和人的原始性，歌颂性解放，反映资产阶级虚伪的道德观，形式上更注重线的表现和平面感。4、第二个社团青骑士社，是团结在亲骑士年鉴周围的画家自然形成的一个社团，对现代绘画起到推动作用。5、马尔克，善于画马，追求人与自然的和谐，他的艺术很有象征性，并受到立体主义的影响。6、康定斯基，是抽象主义的开创者，他的成就标志着表现主义的成熟，他的抽象理论集中在论艺术的精神，点线面等著作中，他排除绘画中具象因素而使用纯粹抽象符号来表示精神，注重绘画语言的独立价值，还论及抽象艺术法则，绘画中的音乐性，偶然性等问题，另一方面，他也过分夸大了抽象形式的作用和意义，具有一定的片面性。7、第三个社团是人新客观社，它其实是展览会的名称，作品主要表现对战争社会的抨击，基本采用写实手法，注重细节的真实性，但并不排除抽象形式，而是使抽象形式服务于揭露现实的要求。8、格罗斯，漫画家，作品具有尖锐的社会性和政治性，讽刺语言尖锐而又犀利，鲁迅评价他的作品是漫画而又漫画。9、迪克斯，作品壕沟战描绘了战争的恐怖，运用写实和超现实结合的手法，对社会黑暗进行抨击。

19C-20C新古典主义美术特征：重古代 重理性 重道德 重格律 重宫廷 法国| 普桑《阿卡迪亚的牧人》 大卫（新古典主义两位大师）《贺拉斯兄弟的宣誓》 安格尔（新古典主义两位大师）《泉》 U4 浪漫主义与现实主义美术 1. 浪漫主义(romanticism)美术：作为一种美学思想，浪漫主义强调主观、个性、感情和非理性。作为艺术发展历史的概念，它是对古典主义所持的常理和冷漠的说教，是对严谨、规范、自觉的否定和破坏。 基本特征：重中古 重自然 重感情 重形式 重对比 法国| 籍里柯《梅杜萨之筏》 德拉克洛瓦《希阿岛的屠杀》 西班牙| 戈雅《1808年5月3日午夜的枪杀》 2. 现实主义(realism)美术特征：重现实 重科学 重客观 重批判 法国| 库尔培《石工》《奥尔南的葬礼》 米勒《拾穗》《晚钟》 杜米埃《三等车厢》 俄罗斯| 克拉姆斯柯依 “巡回展览协会”-打破了当时美术展览只在彼得堡和莫斯科展览的格局，不断到外省展出，因而被称为“巡回展览画派” 主张是坚持车尔尼雪夫斯基“美，就是生活”的艺术思想，反对俄罗斯艺术上的西欧化，强调民族特点。以反映本国人民的生活与苦难为己任，坚持民主主义的现实主义精神。 列宾《伏尔加河纤夫》 苏里柯夫《近卫兵行刑的早晨》 希施金(巡回画派创始人之一) 列维坦 U5 印象主义与新印象主义美术 1. 印象主义美术(impressionism):印象主义在1860th-1870th以创新的姿态登上法国画坛，锋芒直指反对古典画派和浪漫主义。印象主义名字的由来是源于1874年莫奈的展品《印象日出》被一位保守的记者借用嘲讽，称这次画展是“印象主义画家的展览会”。注重绘画中对光的研究表现。摒弃了从16th以来的褐色调子，并根据画家自己的观察和感受，表现微妙的色彩变化。 印象主义美术特征：重外光 重瞬间 重视觉 重气氛 法国| 马内《浴》《奥林匹亚》 雷诺阿 德加《歌舞团芭蕾舞学校的舞蹈课》 莫奈《印象日出》《池塘睡莲》 美国| 惠斯勒《艺术家母亲的肖像》 2. 新印象主义美术(new impressionism):这个名称，表示是最近的而且是改造和革新过的印象主义 特征：重科学 重和谐 重理性 修拉《大杰特岛的星期天下午》 现代美术（公元20世纪） U1 现代美术的前奏 3. 现代美术的基本特征：后印象派(post impressionism)即是印象派之后背离了印象派风格的艺术流派，一般指塞尚、高更、梵高、劳特累克和雷东等人的绘画。 塞尚、梵高、高更 纳比派(nabi) 波纳尔、维亚尔 U2 现代美术中的现代主义美术 一战前 1． 野兽派(Fauvism)：20世纪初在法国兴起的第一个现代主义画派。1905年，以马蒂斯为首的一群在象征派大师莫罗画室中学习的青年，送作品参加巴黎的“秋季沙龙”展出。这些作品大多色彩旷野、笔触飞扬、形象怪异，使观众们大吃一惊，顿时轰动了巴黎。当时有位评论家比喻这批作品像一群野兽正在吞食那些温文尔雅学院派美术，从此“野兽派”之名传播开来。这些画家认为绘画最重要的是色彩，强调色彩的对比，大胆使用纯色，敢于突破形体的拘束，追求强烈情感的表达和个性的解放成为他们的共识和行动宗旨。其实他们既无明确纲领，也无严密组织，只是在野兽派这个名称下的一个多派系的松散组织。野兽派绘画运动在1905年至1906年形成高潮，顶峰期很短，但对后来的现代派艺术，尤其是德国的表现主义影响极大。之后他们各自的作品不再出现相同的面貌，野兽派也就自行解体。代表画家有马蒂斯、德兰、杜飞、弗拉芒克、凡东根、鲁奥、雅弗林斯基等。 马蒂斯、弗拉芒克、德兰、 2. 表现主义：(expressionism)：蒙克、克里姆特、凯尔希纳 3. 立体主义：毕加索《亚威农少女》《格尔尼卡》 勃拉克 4. 未来主义(futurism):巴拉、波丘尼 5. 达达主义(dadaism): 杜尚《下楼梯的裸女》《LHOOQ》 两次大战之间 1. 超现实主义(super realism) 达利《记忆的持续性》 恩斯特、马格丽特、米罗 2. 抽象主义 康定斯基、蒙德里安、克利 4．包豪斯：格罗皮乌斯、米斯凡德罗 二战之后 1. 抽象表现主义(abstract expressionism)：50年代第一个出现于美国的重要现代主义绘画流派和艺术思潮。继承了从凡高到超现实主义追求艺术的抽象化，直接性，自动性和表现潜意识的自我等方面的探索成果。它强调作者行动的自由性和无目的性，把创作行为本身提高到重要位置。其中已经孕育着以创作者的行为作为艺术传播媒介的因素。抽象表现主义思潮适应了二战后美国人的心理状态和审美要求。 戈尔基、波洛克、德库宁、纽曼、路易斯 2. 极少主义(minimalism):发端于抽象主义，又反叛于抽象表现主义 3. 波普艺术(pop art):波普一词(pop)含通俗、大众、流行之意，这是由英国艺术评论家阿劳威提出的，他在给利用大众影像为内容的美术命名时所作的一个统称，后来被评论界所接受而广泛采用。 劳申柏、沃霍尔 4. 照相写实主义：60年代末在美国兴起，大量抽象作品使人感到厌倦，于是一部分从事波普艺术的画家转向残酷似而逼真的对现实的复制，这显然是朝保守回流。 克洛斯、汉森、 5. 欧普艺术(op art)：欧普艺术为光效艺术之简称，是60年代同波普艺术一同发展起来的，但较晚才获得社会的注意。它植根于抽象主义艺术，是由抽象主义发展起来的新图式。一般通过静态色彩图案，使观众产生错觉、旋动、发光等视觉效果。是抽象美术在幻觉上的新发展。 瓦萨莱利 6. 概念艺术(Conceptual art)：科苏恩 8. 大地艺术：克里斯托

以前法国造园林的时候，会根据画家画出的风景画来建造——很初级的时候。画家画的风景也是自己想象的。

我个人认为应该采用正确的方式和手段，要提高自己不同的方面，那样自己才能真正得到进步和发展，是有意义的。

绘画语言归纳起来基本上有三种：一、写实的绘画语言。二、夸张的绘画语言。三、象征的(即曲折隐喻的)绘画语言。绘画艺术语言，是作者以记录状态、反映认识、传达信息或表现思想为目的，运用笔、 刀、 墨、纸、 颜料等材料工具为物质载体，以色彩、线条、明暗、肌理等视觉信号为媒介，通过造型艺术手段，创作描绘艺术形象造成视觉体验的表达方式。扩展资料绘画艺术的语言在符合它自身规律的前提下，用什么样的表达，怎样表达和表达什么都是值得探索和尝试的，没必要用既有的定式或种类来界定。绘画是人类艺术追求的其中一种方式，那它自身就有其独特的语言和表达技巧，单就绘画而言。不同的表现题材和不同的工具材料都有其自身的特殊规律、表现语言和表现方式。只要是符合绘画本体的艺术规律的任何题材、任何表现语言、任何表达形式都是可取，只要对人类的精神文胆起到积极向上的推动作用，只要符合人类追求的审美理想，任何绘画语言方式都应该探索，都应该允许和发扬。参考资料来源：百度百科-绘画语言

保罗·塞尚（Paul Cézanne，1839—1906）法国著名画家，是后期印象派的主将，从19世纪末便被推崇为“新艺术之父”，作为现代艺术的先驱，西方现代画家称他为“现代艺术之父”、“造型之父”或“现代绘画之父”。他对物体体积感的追求和表现，为“立体派”开启了思路；塞尚重视色彩视觉的真实性，其“客观地”观察自然色彩的独特性大大区别于以往的“理智地”或“主观地”观察自然色彩的画家。塞尚的画具有鲜明的特色。他强调绘画的纯粹性，重视绘画的形式构成。通过绘画，他要在自然表象之下发掘某种简单的形式，同时将眼见的散乱视象构成秩序化的图像。为此，他进行了一系列艺术探索。首先，他强调画中物象的明晰性与坚实感。他认为，倘若画中物象模糊不清，那么便无法寻求画面的构成意味。因此，他反对印象主义那种忽视素描、把物象弄得朦胧不清的绘画语言。他立志要“将印象主义变得像博物馆中的艺术那样坚固而恒久”。于是，他极力追求一种能塑造出鲜明、结实的形体的绘画语言。塞尚重视绘画的形式美，强调画面视觉要素的构成秩序。这种追求其实在西方古典艺术传统中早已出现。而塞尚始终对古典艺术抱着崇敬之情。他最崇拜法国古典主义画家普桑。他曾说：“我的目标是以自然为对象，画出普桑式的作品。”他力图使自己的画，达到普桑作品中那种绝妙的均衡和完美。他向着这方面，进行异常执着的追求，以至于对传统的再现法则不以为然。他走向极端，脱离了西方艺术的传统。正是如此，他被人们尊奉为“现代绘画之父”。

按教学形式分，有主题画、意愿画、装饰画。